el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El 29 de Marzo se celebra el Domingo de Ramos que da pie al comienzo de la Semana Santa.
El 31 de Marzo de 1685 nace Johann Sebastian Bach
El 31 de Marzo de 1732 nace Joseph Haydn
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Tomás Luis de Victoria (1548 - 1611) fue un sacerdote católico y célebre compositor polifonista del Renacimiento español nacido en Ávila. A la edad de 7 años entró en el coro de la catedral de Ávila, donde sintió su vocación por el sacerdocio y donde recibiría los primeros conocimientos musicales. A la edad de 19 años, se traslada a Roma donde profundiza sus estudios con el ilustre compositor Palestrina. En mayo de 1585, Victoria regresa a España como capellán de la emperatriz María de Austria, y organista del Monasterio de las Descalzas Reales, donde trabajó durante 24 años hasta el día de su muerte. Victoria está considerado como uno de los compositores más relevantes y avanzados de su época, con un estilo innovador que anunció el inminente barroco.
"Pueri Hebraeorum" de Tomás Luis de Victoria es una antífona procesional que forma parte del repertorio litúrgico de la Semana Santa, específicamente para el Domingo de Ramos. Esta pieza es una de las muchas composiciones religiosas de este maestro del Renacimiento español, considerado uno de los más importantes compositores de música sacra del siglo XVI. El texto "Pueri Hebraeorum" se traduce como "Los niños hebreos" (“Los niños hebreos, llevando ramos de olivo, salieron al encuentro del Señor, clamando y diciendo: ¡Hosanna en las alturas!”) y hace referencia a la entrada triunfal de Jesucristo en Jerusalén, cuando fue recibido por una multitud que lo aclamaba con palmas y ramos de olivo. Se canta tradicionalmente durante la procesión del Domingo de Ramos, que conmemora este momento. La antífona está escrita para cuatro voces (SATB) a capella en estilo modal, como es típico en la polifonía renacentista, con una clara influencia del estilo palestriniano pero con un carácter emocional y expresivo que es propio de Victoria.
Johann Sebastian Bach (1685-1750) Hoy nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven. Fue un violinista, organista, director y compositor alemán, nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia. En 1703 obtiene su primer trabajo en Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, tras año y medio de viudedad, volvió a casarse con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin … y otros muchos renombrados compositores.
El catálogo de las obras de Bach o Bach-Werke-Verzeichnis, más conocido por sus siglas BWV, consta de un índice numerado de todos los trabajos del compositor ordenado temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental y utilizado por los académicos y músicos de todo el mundo. Dicho catálogo fue creado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder.
Badinerie es una palabra francesa que significa algo así como "broma" o "ligereza", y en música se refiere a una pieza breve, ligera y animada, generalmente parte de una suite barroca. En el contexto musical es conocida, sobre todo, gracias a la obra de Johann Sebastian Bach, quien compuso esta famosa Badinerie como parte del segundo movimiento final de su Suite Orquestal N.º 2 en Si menor, BWV 1067. Esta pieza fue escrita para flauta y cuerdas, y es especialmente famosa por su virtuosismo, alegría y rapidez.
Hoy la guitarrista Paola Hermosìn nos ofrece un arreglo propio para guitarra de esta obra con una introducción verbal muy didáctica.
Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríaco, cuyo hermano Michael también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1810). Con seis años de edad comenzó sus estudios de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde recibió clases de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerdas y de la sinfonía; mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Murió a los 77 años en Viena.
Die Schöpfung (La Creación) es un oratorio compuesto por Joseph Haydn entre 1796 y 98 y estrenado el 29 de abril de 1798 en Viena. La obra ilustra la creación del mundo, tal como se narra en el Génesis. Además de este libro del Antiguo Testamento, sus fuentes de inspiración son los Salmos y El paraíso perdido, de John Milton; el barón Gottfried Van Swieten fue el encargado de preparar el texto. Su estreno tuvo lugar en Viena los días 19 y 30 de abril de 1798 obteniendo un éxito total, mayor aún que los que obtenía en Inglaterra. Un año después se estrenó en París, Londres, Berlín y Praga, siempre con igual éxito. Desde entonces Haydn, mientras la edad y su estado de salud se lo permitieron, dirigió una representación anual de la obra en Viena, generalmente con fines benéficos. La Creación es una de sus obras maestras y una de las más grandes composiciones corales del siglo XVIII.
El aria Nun beut die Flur das frische Grün (en español: Ahora el campo ofrece su verdor fresco) es una de las arias más conocidas del oratorio La Creación de Joseph Haydn. Esta aria aparece en el cuarto día de la Creación, cuando Dios ha hecho crecer las plantas, las flores y los árboles sobre la Tierra. La letra de esta aria celebra la belleza de la Naturaleza recién creada, con un tono pastoral y contemplativo. Es un himno al renacer de la vida vegetal, donde se alude a los campos verdes, los bosques frondosos y los colores vibrantes que llenan la Tierra. En esta escena, el arcángel Rafael (Raphael) canta sobre la creación de la vegetación. Es una música profundamente serena, lírica y expresiva, que transmite una sensación de paz, orden y armonía en el mundo natural.
Edward Elgar (1857- 1934) fue un compositor inglés nacido cerca de Worcester. A los ocho años, comenzó sus estudios de violín y piano. A los 22 años fue nombrado director de la banda del Asilo psiquiátrico de Powick; formó parte de la orquesta de los Festivales de Worcester y Birmingham llegando a interpretar la Sinfonía nº 6 y el Stabat Mater de Dvorak dirigidos por el mismo compositor. Ante la dificultad de darse a conocer en Londres, vuelve a Worcester para dirigir las bandas locales e impartir clases de música. A los 42 años escribe las Variaciones Enigma que le catapultaron como el compositor británico más importante de su época. En 1904 fue nombrado caballero en el Palacio de Buckingham; a partir de entonces recibió importantes reconocimientos y galardones.
Pomp and Circumstance No. 1 Es la primera y más conocida de una serie de cinco marchas compuestas por Elgar; consta de dos partes diferenciadas (rápido-lento) expuestas en modo repetitivo (A-B-A-B); en el caso presente, la parte lenta fue aprovechada para incrustarle una letra patriótica “Tierra de esperanza y gloria” que se cantó por primera vez en la coronación de Eduardo VII y que en la actualidad suele ser interpretada en los Proms de la BBC como en el vídeo que hoy sugerimos dirigido por Sakari Oramo, uno de los más eminentes directores finlandeses
Sugerencias de música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nació en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.
El catálogo de las obras de Bach o Bach-Werke-Verzeichnis, más conocido por sus siglas BWV, consta de un índice numerado de todos los trabajos del compositor ordenado temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental y utilizado por los académicos y músicos de todo el mundo. Dicho catálogo fue creado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder.
La Pasión según San Mateo es un oratorio escrito para voces solistas, doble coro y doble orquesta por Bach. Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo y es la obra más extensa del compositor. La obra se divide en dos grandes partes, entre las cuales tenía lugar el sermón y que corresponden, la PRIMERA (0`06``), con el capítulo 26, desde la conspiración contra Jesús hasta la negación de Pedro, y la SEGUNDA (1h 32`34``), con el capítulo 27 del evangelio de San Mateo, desde el juicio de Jesús hasta su crucifixión y sepultura. La narración del texto es cantado literalmente por un Evangelista, mientras el resto de los personajes de la trama (Cristo, Judas, Pedro, etc.) son encarnados por distintos solistas; por otro lado, el texto bíblico se encuentra musicalizado de forma relativamente sencilla en recitativos, mientras que los ariosos y las arias, largas y contemplativas, presentan nuevos textos poéticos que comentan los diversos eventos de la narración bíblica y dan un carácter más íntimo a la vida de Cristo. La Pasión según San Mateo fue interpretada el 15 de abril de 1729 (Viernes Santo) en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig bajo la dirección del compositor, en una representación para la cual Bach no pudo disponer de los recursos idóneos (en un memorándum al Consejo de la ciudad de Leipzig, se quejó de que únicamente 17 de los 54 miembros del coro hubieran estado a la altura). Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido (como, en general, toda la obra del compositor) y no fue hasta 1829 cuando Mendelssohn volvió a interpretarla con la Sing-Akademie de Berlín en una versión abreviada. La reinterpretación de esta obra dio inicio a un fuerte interés por el estudio y el análisis de las obras de Bach, particularmente las de gran escala, que ha persistido hasta nuestros días.
La versión que hoy presentamos nos la ofrece la Sociedad Bach Holandesa conducida por el maestro también holandés Josephus van Veldhoven (1952).
Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríaco, cuyo hermano Michael también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1810). Con seis años de edad comenzó sus estudios de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde recibió clases de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerdas y de la sinfonía; mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Murió a los 77 años en Viena.
El catálogo de las obras de Haydn. Las obras de Joseph Haydn están clasificadas hoy día según el sistema creado por Anthony van Hoboken. Cada obra se identifica con una cifra romana que corresponde a la categoría, que en la mayoría de los casos se asocia con un género. Algunas categorías tienen subdivisiones, cosa que se indica con una letra minúscula y a continuación aparece un número arábigo que se corresponde con el orden de la obra concreta dentro de la categoría. Estas cifras van precedidas de la palabra Hoboken (en memoria del autor del catálogo) y a veces de Hob (su abreviatura).
Sturm und Drang (tormenta y asalto) es un término que no procede de la música sino de la literatura; entendido este término como una reacción en contra del Barroco. En música, se critica la estructura polifónica y la especulación o el simbolismo matemático, las fórmulas que no permiten una expresión adecuada y sencilla, el método objetivo, racional y comprensible. La intensidad emocional, la subjetividad en la expresión y la rebelión contra las convenciones sociales y artísticas son trasladadas a la música Con la creación de una tensión reforzada y la inclusión de una apasionada gravedad, se quiere conseguir un nuevo sentido dramático, ajeno al clasicismo.
La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hob. I:45, también conocida como Abschiedssinfonie, Farewell o Sinfonia de los adioses fue compuesta por Joseph Haydn en 1772, durante el periodo Sturm und Drang del compositor. La Sinfonía esta articulada en cuatro movimientos: I ( 0´05´) ALLEGRO ASSAI. El primer movimiento está escrito en la tonalidad de Fa sostenido menor, en compás de 3/4 y sigue la forma sonata (exposición-desarrollo-recapitulación). Se trata de un episodio turbulento y agitado en una tonalidad extremadamente inusual en el siglo XVIII que le aporta una sensación de tensión. Comienza a la manera típica del periodo Sturm und Drang de Haydn, con arpegios menores descendentes en los primeros violines junto con notas sincopadas en los segundos violines y acordes mantenidos en los vientos. El compositor experimenta con la forma, ya que sigue la forma sonata, aunque se desvía del modelo en varias ocasiones .-. II (5´18´´) ADAGIO. El segundo movimiento, está en La mayor, en compás de 3/8 y también responde a la forma sonata. El movimiento comienza con una relajante melodía tocada por violines con sordina; el ambiente gradualmente se vuelve más sombrío y meditabundo con la alternancia entre modos mayores y menores. A continuación una serie de suspensiones disonantes mantenidas durante varios compases, que son extendidas hasta una gran duración, mientras que el mismo material aparece en la recapitulación .-. III (12´50´´) MENUET. ALLEGRETTO – TRIO. El tercer movimiento está en Fa sostenido mayor y el compás es 3/4. En el Minueto destaca que la cadencia final de cada sección está construida de manera que suena muy débil (cayendo el acento en el tercer pulso del compás) y crea una sensación de inconclusión .-. IV (17´00´´) FINALE. PRESTO – ADAGIO. El cuarto y último movimiento retoma la tonalidad inicial, Fa sostenido mayor, y el compás es alla breve en el Presto y pasa a 3/8 en el Adagio. Empieza como es característico en Haydn, como un final rápido en forma sonata y en la tónica de la obra. El Adagio de este movimiento está escrito en compás de 3/8 y modula de La mayor a Fa sostenido menor, momento en el que los músicos van abandonando sus asientos en el siguiente orden: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.
Hoy nos lo ofrece la Chamber Orchestra Affrettando conducida por la maestra rusa Anna Rakitina
Maurice Ravel (1875-1937) nacido en Ziburu/Ciboure (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy y viceversa. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión cerca de París, donde se daban cita, eminentes músicos e intelectuales. Respecto a su sexualidad, algunos de sus biógrafos afirman que Ravel estaba obsesionado por su madre, lo que había provocado en él una suerte de asexualidad que le impidió mantener relaciones íntimas con mujeres u hombres.
El Trío para piano , violín y violonchelo de Maurice Ravel es una obra de cámara compuesta en 1914 dedicada a su profesor de contrapunto, André Gedalge. Ravel llevaba al menos seis años planeando componer un trío antes de empezar a trabajar en serio en marzo de 1914. Al principio, Ravel le comentó a su alumno Maurice Delage : «He compuesto mi trío. Ahora solo me faltan los temas». Durante el verano de 1914, Ravel realizó su trabajo compositivo en la comuna vasco-francesa de San Juan de Luz . Ravel nació al otro lado de la bahía, en la ciudad vasca de Ciboure ; su madre era vasca , y sentía una profunda identificación con su herencia vasca. Durante la composición del Trío, Ravel también trabajaba en un concierto para piano basado en temas vascos titulado Zazpiak Bat ( en euskera, «Los siete son uno» ). Aunque finalmente se abandonó, este proyecto dejó huella en el Trío, sobre todo en el movimiento inicial, que Ravel más tarde describiría como «de colorido vasco». La inspiración para el contenido musical del Trío provino de una amplia variedad de fuentes, desde la danza vasca hasta la poesía malaya. Sin embargo, Ravel no se desvió de su habitual predilección por las formas musicales tradicionales. El Trío sigue el formato estándar de una obra clásica de cuatro movimientos, con los movimientos exteriores en forma de sonata flanqueados por un scherzo, un trío y un movimiento lento. No obstante, Ravel logra introducir sus propias innovaciones dentro de este marco convencional.
Estructura. I (0`13`) MODÉRÉ (La menor - Do mayor). Según Ravel, el primer movimiento se inspira en el zortziko, una forma rítmica vasca. El movimiento está escrito en 8/8, donde cada compás se subdivide en un patrón rítmico de 3+2+3 . La influencia de Zazpiak Bat es más evidente en el tema inicial, cuyo ritmo es idéntico al del tema principal de Zazpiak Bat, pero con valores de nota reducidos a la mitad. Ravel emplea la forma sonata en este movimiento, pero con sus propios toques. El segundo tema se presenta en la tónica de La menor y reaparece sin transposición en la recapitulación, pero con armonías diferentes. Para evitar el uso excesivo de la tonalidad de tónica , Ravel finaliza el movimiento en la tonalidad relativa de Do mayor. En la recapitulación, la aparición del tema principal en el piano se superpone a una versión rítmicamente modificada del segundo tema en las cuerdas .-. II (9`21``) PANTOUM: ASSEZ VIF (La menor - Fa ♯ mayor - Fa ♯ menor - Fa mayor - La mayor ). Este movimiento se basa en un scherzo tradicional y una forma de trío A-B-A . El scherzo presenta dos temas: el piano abre con el primer tema, con un toque punzante, en La menor, mientras que las cuerdas responden en octavas dobles con el segundo tema, más suave, en Fa♯ menor. El nombre del movimiento hace referencia a una forma versical malaya , en la que el segundo y el cuarto verso de cada estrofa de cuatro versos se convierten en el primero y el tercero de la siguiente .-. III (14`25``) PASACALLE: MUY GRANDE (Fa ♯ menor). El tercer movimiento es un pasacalle basado en la línea del bajo inicial de ocho compases del piano, derivado del primer tema del Pantoum . A continuación se incorpora el violonchelo, seguido del violín. Mientras la melodía se alterna entre los tres instrumentos, el movimiento se desarrolla como una sola pieza hasta alcanzar un clímax potente, para luego desvanecerse .-. IV (21`38``) FINAL: ANIMADO (La mayor). Con un fondo de armónicos de arpegio de violín (utilizados previamente por Ravel en sus Tres poemas de Mallarmé ) y trinos de doble registro del violonchelo, el piano presenta el primer tema de cinco compases. Al igual que en el primer movimiento, se vuelven a utilizar compases irregulares : el movimiento alterna entre 5/4 y 7/4. Las llamadas de trompeta en la sección de desarrollo (tocadas por el piano) podrían ser una alusión a la declaración de guerra de agosto de 1914, que coincidió con el trabajo de Ravel en este movimiento. Siendo el más orquestal de los cuatro movimientos, el Final aprovecha al máximo los recursos de los tres intérpretes, y Ravel redondea la obra con una brillante Coda.
La versión de hoy nos la brinda el Trio Gaspard: Hyo-Sun Lim (piano), Jonian Ilia Kadesha (violìn), Vashti Mimosa Hunter (cello)
Sofia Gubaidulina (1931) es una compositora rusa nacida en Tartaristán. Estudió piano y composición en el Conservatorio de Kazán; en 1954 se trasladó a Moscú donde siguió con sus estudios hasta graduarse en 1963. Su música fue criticada por la exploración de afinaciones alternativas, aunque Shostakovich le animó a seguir buscando su propio camino. Su concierto para violín, Ofertorium, interpretado por Gidon Kremer le abrió las puertas al reconocimientos de la crítica. En el año 2002 recibió el Premio de Música Polar, concedido por la Real Academia de Suecia de Música.
La composición que hoy proponemos, De Profundis, es una demostración de todas las cosas notables que puede hacer el acordeón en manos de una virtuosa. Sofia Gubaidulina se tomó grandes molestias para estudiar el acordeón con el intérprete ruso Friedrich Lips y explota al máximo sus recursos. De Profundis es una obra de polifonía compleja, grupos densos de notas, glissandi, efectos cuasipercusivos, sonidos de respiración sepulcral (el instrumento tiene lo que se llama un 'botón de aire'); todo ello dentro de una escala dinámica muy amplia y de velocidades contrastantes.
Hanzhi Wang (1990 Suzhou, provincia de Jiangsu, China) es la primera acordeonista en ganar un lugar en la lista de Jóvenes Artistas de Concierto en sus 58 años de historia y la primera vez que aparece una acordeonista solista en el programa Young Artists Showcase de WQXR de Nueva York. Por otro lado, Hanzhi Wang ganó así mismo el Primer Premio en el 40º Concurso Internacional de Acordeón Castelfidardo en Italia. Su actividad no cesa con recitales, conferencias, presentaciones y clases magistrales en la Escuela de Música de Manhattan, la Real Academia de Música de Dinamarca, el Conservatorio de Música de Tianjin, el Conservatorio de Música de Gante y en Noruega y Portugal. Los compositores Martin Lohse, James Black y Sophia Gubaidulina le han escrito y dedicado obras. Hanzhi Wang obtuvo su licenciatura en el Conservatorio Central de Música de en Beijing, China, y completó su maestría en la Real Academia Danesa de Música en Copenhague.)
Sugerencias de música para todos los gustos
Chet Baker (1929- 1988) fue un trompetista, cantante y músico de jazz estadounidense. Exponente del estilo cool (el west coast jazz de los años cincuenta), Baker fue apodado popularmente como el James Dean del jazz debido a su aspecto bien parecido. Esto último, junto al intimismo y elegancia lírica de sus primeras interpretaciones —además de su peculiar voz para el género— hicieron que figurase como un jazzista reconocido por el público y la crítica cuando se estrenó como solista; aunque ya había tenido notables participaciones en agrupaciones de jazz como Charlie Parker & Chet Baker y Gerry Mulligan Quartet.
Asha Bhosle es una cantante india conocida por ser la voz de muchos playbacks que se realizan en las películas de Bollywood, aunque su repertorio es mucho más amplio. Su carrera comenzó en 1943 y ha estado activa seis décadas participando en más de 950 películas de Bollywood y varios discos. Asha Bhosle es una de las voces más versátiles del sur de Asia: su repertorio pasa por la música típica de bandas sonoras, pop, ghazal, bhajan, música clásica india tradicional, folk, qawwali o rabindra sangeet. Ha cantado en más de 14 lenguas, entre ellas hindi, maratí, bengalí, guyaratí, punjabi, tamil, inglés, ruso, nepalí o malayo. Y se cree que ha cantado más de 12.000 canciones, pero esas estimaciones son difíciles de comprobar.
Léo Ferré (Mónaco, 1916-1993) fue un cantautor, pianista y poeta monegasco nacido francés. Al haber compuesto más de cuarenta álbumes originales en un período de 46 años, es el cantautor más prolífico de la lengua francesa. Se definió a sí mismo como anarquista, forma de pensar que inspiró grandemente su obra. Junto con el belga Jacques Brel (1929-1978) y con Georges Brassens (1921-1981), es considerado uno de los grandes compositores de la chanson. A los cinco años, se unió al coro de la Catedral de Mónaco como tiple, donde descubrió la polifonía a través de las obras de Palestrina y de Tomás Luis de Victoria. Su tío, Albert Scotto, director de teatro del Casino, lo hace asistir a las representaciones y ensayos en los que escucha la voz de Fiódor Chaliapin y presencia la dirección de Arturo Toscanini, con el que descubre a Beethoven. Pero lo que mas le impresiona es la presencia de Maurice Ravel en los ensayos de L'enfant et les sortilèges. En 1940, con motivo de la boda de su hermana, escribió un Ave María para órgano y violonchelo, y comienza a componer la música para canciones con letras escritas por un amigo suyo. Tras un período difícil emocional y financieramente, terminó consiguiéndose una buena reputación para llegar sus canciones a la voz de algunos de los artistas de la época: Édith Piaf, Henri Salvador, Giraud Yvette, Les Frères Jacques. Pero fue en la cantante Catherine Sauvage en la que encuentra a la embajadora más leal, apasionada y persuasiva de su obra.
Manuela Taubert (11 de septiembre de 2000), conocida como Ela Taubert, es una cantante y compositora colombiana de Pop Latino. En 2024, obtuvo el premio al/la mejor artista nuev@ en los Premios Grammy Latinos. Nacida y criada en Bogotá, desde temprana edad mostró interés por la música, algo que su madre alentó inscribiéndola en clases y motivándola a cantar en eventos públicos, a pesar de su timidez. En 2022, Taubert lanzó su primer sencillo, titulado «Los rotos»; sin embargo, su gran despegue llegó con «Crecer», que le permitió establecerse en la industria. En 2023, publicó su primer EP titulado ¿Quién dijo que era fácil?, compuesto por cinco canciones, inspiradas en temáticas universales a partir de vivencias de la propia artista, como el enamoramiento, el amor propio y experiencias personales. En 2024 abrió uno de los conciertos de la gira de Karol G en Bogotá; a su vez, ganó el Premios Juventud a "La nueva generación femenina", y un premio Grammy Latino al/la Mejor Artista Nuev@.
Sugerencias de videos peculiares
Carl Maria Von Weber (1786-1826) fue un compositor alemán. Desde muy niño aprendió a cantar y a tocar el piano y a los 12 años recibió en Salzburgo clases gratuitas de Michael Haydn, hermano de Joseph Haydn. En 1812 murió su padre y al año siguiente fue nombrado director de la orquesta de Praga y posteriormente de la de Dresde, mientras trabajaba en su ópera más famosa Der Freischütz (El cazador furtivo); compuso, también, otras dos óperas Euryanthe y Oberon; las tres óperas son consideradas por much@s crític@s como obras maestras del género escénico. Compuso además de otras óperas, numerosas canciones, obras para piano, obras de cámara, dos sinfonías, varias oberturas, conciertos y obras concertantes para distintos instrumentos, tres misas y ocho cantatas.
Michel Fokine (1880-1942) fue un bailarín, coreógrafo, maestro de ballet y director de compañía ruso, nacionalizado estadounidense. Estudió danza en la Escuela Imperial y fue bailarín del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo. Su concepto total de la danza y sus innovaciones en el terreno de la coreografía, que revolucionaron el ballet clásico ruso, tuvieron repercusión internacional.
El espectro de la rosa, que hoy sugerimos, es una obra de ballet creada por Michel Fokine para una pareja mixta de bailarines sobre una música escrita por Carl Maria von Weber para piano. Invitación a la danza es el título de la obra para piano que escribió Weber y que posteriormente sería orquestada por Hector Berlioz. Hoy nos la ofrecen Los Ballets Rusos.
Don Quijote es un ballet con prólogo y cuatro actos de Ludwig Minkus y coreografía y libreto de Marius Petipa, que sería estrenado en 1869 en el Teatro Bolshói, con enorme éxito tanto de la crítica como del público; ballet cuyo argumento se basa en la novela de Miguel de Cervantes y en particular en las «bodas de Camacho» (Gamache en el ballet), episodio narrado en el capítulo XIX de la segunda parte, en el que se relata el romance entre el barbero Basilio y la joven Quiteria (Kitri en el ballet).
Hoy ofrecemos unos fragmentos en interpretación de la bailarina rusa Maya Plisetskaya (1925-2015) una de las máximas bailarinas de ballet del Teatro Bolshói y uno de los símbolos indiscutibles de la danza clásica, a la cual se le otorgó el título de prima ballerina assoluta.
Amalia Hernández (1917- 2000) fue una bailarina y coreógrafa mexicana, fundadora en 1952 del ballet que lleva su nombre y que es emblemático del arte folclórico de este país con sede en el Palacio de las Bellas Artes de la Ciudad de México. Amalia se dedicó a rescatar las danzas tradicionales mexicanas que se habían perdido con el tiempo esforzándose por mejorar la calidad de las mismas. En 1959 el presidente López Mateos le pidió a este grupo que se convirtiera en uno de los embajadores naturales de México. El Ballet Amalia Hernández, también denominado desde entonces Ballet Folklórico de México, cuenta con más de 60 coreografías propias con actuaciones en toda la geografía mexicana y con más de 100 giras internacionales visitando un total de 60 países.
El Baile de las amarillas procede de las fiestas patronales del Estado de Guerrero, México, donde Amalia Hernández lo rescató y popularizó tal como hoy lo presentamos.
Christ on the mount of olives (Cristo en el Monte de los Olivos), op. 85, es un oratorio de Ludwig van Beethoven que retrata la agitación emocional de Jesús en el monte de Getsemaní antes de su crucifixión. La obra, escrita en un período muy corto de tiempo, es un oratorio dramático y está considerada como una representación mucho más humanista de la pasión de Cristo que la de otros escenarios, como los de Bach. Concluye en el punto en que Jesús acepta personalmente su destino, poniendo el énfasis en su propia decisión en lugar de la Crucifixión o Resurrección posterior. El oratorio está escrito para soprano, tenor y bajo, con coro estándar SATB y orquesta sinfónica. El tenor canta como Jesús, la soprano como un Serafín (ángel) y el bajo como Pedro.
Hoy lo ofrecemos con Valentina Farcas como soprano, Jörg Dürmüller como tenor, Dietrich Henschel como bajo, el Munich Bach Choir y la Munich Bach Orchestra, conducid@s tod@s por el maestro Hansjörg Albrecht en versión ballet coreografiada por Marguerite Donlon y con la Donlon Dance Company en escena.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
