el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Josquin des Prés (1450-1521) o Josquin Després fue un compositor franco-flamenco del Renacimiento, considerado el más famoso compositor renacentista europeo junto con Guillaume Dufay, Tomás Luis de Victoria y Giovanni Pierluigi da Palestrina. Es comúnmente considerado como la figura central de la escuela franco-flamenca y ampliamente considerado como el primer maestro del estilo de música vocal polifónica del alto Renacimiento. Durante el siglo XVI adquirió fama como el mayor compositor de la época, cuya técnica y expresión magistrales fueron universalmente imitadas y admiradas. Se le atribuyen al menos 374 obras; tanto de música sacra como laica y en todas las formas vocales significativas de la época, incluyendo misas, motetes, chansons y frottole.
La Frottola fue un género vocal italiano muy popular a finales del siglo XV y principios del XVI, que se caracterizaba por tener el texto en lengua vernácula (italiano) expresado con una música ligera, sencilla y de carácter humorístico o amoroso y con una textura predominantemente homofónica (todas las voces avanzan juntas).
“El grillo” es una de las frottolas más emblemáticas con un texto que describe humorísticamente a un grillo que canta de manera insistente, especialmente cuando hace calor; un grillo, que no se detiene una vez que empieza y que es casi “mejor cantante” que otros pájaros. El poema es ligero, humorístico y tiene un tono casi caricaturesco. La música imita el canto persistente del grillo mediante patrones repetitivos, mientras las voces se mueven juntas, lo que hace la pieza accesible y pegajosa y donde algunas frases parecen imitar el “trino” o vibrato de un insecto. Es una pieza alegre con una estructura sencilla típica de la frottola, con secciones repetidas de carácter cómico; lo que contribuye a que El Grillo sea una de las obras más difundidas de Josquin fuera de sus composiciones sacras.
Hoy ofrecemos la versión que nos ofrece el octeto vocal masculino (“otxote”) estadounidense Cantus.
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida; a pesar del silencio total con el que protegió su intimidad, parece clara su homosexualidad. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia. Fallece a los 74 años en su casa.
El aria Lascia ch’io pianga, que hoy ofrecemos, es un aria perteneciente a la Ópera Rinaldo que antes la había utilizado con el título de Lascia la spina en el Oratorio Il trionfo del tempo e del disinganno. La interpretación corre a cargo de la soprano francesa Patricia Petibon considerada excepcional cantante de la música del barroco francés.
Johann Antonin Kozeluch (1738–1814), fue un compositor, maestro de capilla y docente musical checo, primo de Leopold Koželuh. Johann Antonin fue un destacado compositor bohemio de la segunda mitad del siglo XVIII, cuya música fue muy apreciada por sus contemporáneos, tanto que estuvo vigente todavía durante el siglo XIX. En vida mereció la consideración de “contrapuntista magistral”, dado que acostumbraba emplear formas polifónicas en sus obras sacras, escritas principalmente en los períodos temprano y tardío de su actividad compositiva, en las cuales redujo el rol de las partes vocales solistas y virtuosas para dar espacio a las expresiones armónicas y contrapuntísticas. En el período intermedio prevaleció el ámbito operístico: fue el segundo compositor checo que emprendió representaciones de óperas propias en Praga. El primero había sido Josef Mysliveček. Sus obras belcantísticas siguen los cánones de la ópera seria típicos de las obras de Niccolò Jommelli, o sea la alternancia de recitativos y arias (en la reducida modalidad del aria da capo) empleando además los recitativos acompañados. Además de su amplio repertorio vocal, escribió distintos conciertos para oboe, clarinete y fagot.
Concierto para fagot en do mayor. Aunque no tan difundido como los conciertos vieneses de Mozart, el concierto de Koželuch es una obra característica del estilo clásico temprano-tardío: claridad formal, elegancia melódica y un uso virtuoso pero no excesivo del instrumento solista. Este concierto estructurado, como era habitual en esa época, en tres movimientos, es un excelente ejemplo del concertismo vienés temprano, concierto que combina la elegancia clásica con un uso muy idiomático del fagot, ofreciendo tanto lirismo como virtuosismo sin excesos.
III Movimiento: Rondó (Allegro). Es un movimiento juguetón y vivaz, con forma de un rondó típico del clasicismo temprano: fresco, ligero y orientado al virtuosismo. Su tema principal (refrán) es muy danzable, con ritmos punteados y un carácter casi popular, mientras los episodios ofrecen contrastes modulatorios y permiten al fagot desplegar su agilidad mediante pasajes rápidos articulados con escalas descendentes típicas del instrumento y saltos interválicos que explotan su flexibilidad. Por todo ello, el fagot tiene momentos de gran lucimiento, especialmente en rápidas semicorcheas y patrones secuenciales, además de mantener con la orquesta un equilibrio siempre transparente, evitando densidades que oculten al solista.
Hoy nos lo ofrece el fagotista austrìaco Milan Turkovic, acompañado por la Camerata Academica Salzburg conducida por el maestro Alexander Janiczek.
José Pablo Moncayo (1912-1958) fue un compositor mexicano, que representa uno de los más importantes legados musicales del nacionalismo mexicano, junto a Silvestre Revueltas, Carlos Chávez y Julián Carrillo. Sus maestros fueron Candelario Huízar y Carlos Chávez, de armonía y composición respectivamente. En su época estudiantil se vio obligado a tocar como pianista en cafés y estaciones de radio para poder pagar sus estudios, hasta que ingresó como percusionista en la Orquesta Sinfónica Nacional. Según Yolanda Moreno Rivas: “La muerte de Moncayo en 1958 terminó con la preponderancia de un estilo de composición, cuya huella marcó la creación musical en México por más de tres décadas”.
Huapango es la obra más conocida de Moncayo, hasta tal punto que en dicho país ha sido llamada el segundo Himno Nacional Mexicano; es una obra inspirada en los sones veracruzanos que estudió durante una visita al puerto de Alvarado, Veracruz, y que incluye motivos melódicos y rítmicos de varios sones entre los que son los más evidentes "El Siquisiri", "El Balajú" y "El Gavilancito".
Hoy lo dirige Alondra de la Parra (1980), directora de orquesta mexicana de fama internacional que en la actualidad es la titular de la Orquesta Sinfónica de Queensland; ha sido la primera mujer en Australia que ejerza un cargo de esta entidad.
Sugerencias de música clásica
Juan Crisóstomo de Arriaga (1806 - 1826), conocido por muchos como el Mozart vasco, nació en Bilbao. Su padre, Juan Simón, procedía de Errigoiti, villa cercana a Gernika de donde procedía la madre, Maria Rosa. El padre, organista de Berriatua, Bizkaia, se trasladó a Bilbao para, como buen errigoitiarra, dedicarse a los negocios con los que prosperó y así pudo favorecer el desarrollo educativo de Juan Crisóstomo en París donde fallecería 10 días antes de cumplir los 20 años. El legado musical, que se ha podido conservar, consta de tres cuartetos de cuerda, el octeto Nada y mucho, escrito a los 11 años, la Obertura nº 1, la Sinfonía en Re, varias arias y cantatas además de algunos motetes y una ópera, Los esclavos felices, escrita a los trece años de la que únicamente se conserva su obertura.
Los Cuartetos de cuerda de Juan Crisóstomo de Arriaga son una colección de tres cuartetos para dos violines, viola y violoncelo compuestos en 1823, cuando el compositor solamente tenía dieciséis años de edad. Los Tres Cuartetos, estructurados en cuatro movimientos, fueron la única obra que el autor vería publicada en vida y que muestran una sorprendente madurez técnica y expresiva, especialmente considerando la corta vida del compositor. Los cuartetos de Arriaga son considerados entre los cuartetos más destacados escritos en el periodo clásico/temprano romántico.
El Cuarteto n.º 1 en Re menor de Juan Crisóstomo de Arriaga es una de las obras más conocidas del joven compositor bilbaíno; obra que sigue el modelo clásico heredado de Haydn y Mozart, con influencias claras de Beethoven y estructurado en cuatro movimientos: I (00:03) ALLEGRO. Movimiento de carácter dramático y enérgico con uso de motivos cortos que se desarrollan con gran habilidad, mediante la utilización del contraste entre tensión y lirismo .-. II (07:24) ADAGIO CON ESPRESSIONE. Movimiento lírico, de gran sensibilidad melódica. Arriaga demuestra aquí un dominio notable de la expresión y la escritura cantábile .-. III (13:20) MENUETTO. ALLEGRO – TRIO. MODERATO .-. Movimiento más cercano a un scherzo beethoveniano que a un minueto clásico con ritmos vivos y secciones contrastantes .-. IV (17:00) ADAGIO - ALLEGRETTO. Se trata de un Movimiento final brillante y virtuoso, que transmite una sensación de impulso continuo, con un lenguaje armónico más audaz.
La interpretación de hoy corresponde al Cuarteto Óscar Esplá de Asisa conformado por Raquel Areal Martínez (violín), Patricia Cordero Beltrán (violín), Raquel De Benito Forriol (viola) y Montserrat Egea (violonchelo).
Joaquín Rodrigo (1901-1999) fue un compositor español nacido en Sagunto (Valencia). A los siete años quedó ciego; a los nueve, comenzó sus estudios de solfeo, violín y piano; a los 16, armonía y composición y a los 22, comenzó a componer sus primeras obras. A los 26 años, se traslada a París, donde durante cinco años estudia con Paul Dukas. En 1940 estrena en Barcelona el Concierto de Aranjuez, que a partir de entonces sería mundialmente conocido. Fue un compositor prolífico que escribió obras para instrumentos solos, para piano con otro instrumento, para orquesta de cuerda, orquesta de viento y orquesta sinfónica, conciertos para distintos instrumentos, canciones, obras sinfónico-corales y música escénica, guardando en todo momento la claridad, delicadeza y distinción de su música.
El Concierto de Aranjuez es la obra más conocida de Rodrigo y la obra que le hizo mundialmente famoso; obra que intenta transportar al oyente los sonidos de la naturaleza de otro lugar y otro tiempo; obra estructurada en tres movimientos: I (0` 09``) ALLEGRO CON SPIRITO. Según el compositor, el primer movimiento está «animado por un espíritu rítmico y un vigor sin ninguno de los dos temas... interrumpiendo su implacable ritmo» .-. II (6´58´´) ADAGIO. Movimiento especialmente popular que ha sido ofrecido por numeros@s cantantes de ópera y de la canción popular ; movimiento que «representa un diálogo entre la guitarra y los instrumentos de solo» (corno inglés, fagot, oboe, trompa). III (18`29``) ALLEGRO GENTILE. Movimiento que «recuerda un baile formal en el que la combinación de un ritmo doble y triple mantiene un tempo tenso próximo a la barra próxima». El Concierto fue escrito en 1939 en París y fue el primer concierto que escribía para guitarra; su estreno se realizó al año siguiente en el Palacio de la Música Catalana de Barcelona con el guitarrista Regino Sáinz de la Maza (1896-1981). El autor describe el concierto como la captura de «la fragancia de magnolias, el canto de los pájaros y el chorro de las fuentes» de los jardines de Aranjuez.
Hoy nos lo presenta el guitarrista Pepe Romero acompañado por la Danish National Symphony conducida por el maestro Rafael Frühbeck de Burgos.
Sandra Stadler es una compositora y pianista suiza, que estudió piano y composición (licenciatura) y luego completó un máster en composición para cine, teatro y medios en la ZHdK (Zürcher Hochschule der Künste — Escuela de Artes de Zúrich). Además de componer música para cine, también crea música de concierto para formaciones diversas. Por si fuera poco, Stadler no sólo compone; también actúa como pianista, cantante y compositora-autora (“songwriter”). Junto a otro músico, cofundó la productora/compañía de música para cine SONDER Film Music. Sandra Stadler. Su obra se caracteriza por la combinación de sensibilidad emotiva con profundidad musical: aunque suene accesible, tiene “musical depth” y a la vez consigue sumergir tanto a los intérpretes como al público “en emociones”. Stadler se mueve con soltura tanto en el terreno de la música de concierto, como en la composición para imagen. Esa versatilidad — desde piano solo, pasando por voz, hasta bandas sonoras — la convierte en una artista muy completa.
Heavy es una composición original escrita por Sandra Stadler expresamente para la Swiss Symphonic Wind Orchestra (SSWO), un conjunto sinfónico de viento fundado recientemente por músicos suizos. La obra fue encargada y estrenada por este conjunto durante uno de sus primeros programas, consolidándose como parte del repertorio de sus piezas contemporáneas. Heavy se sitúa entre la música clásica contemporánea y elementos de pop-rock, lo que le da un carácter híbrido y energético y aunque tiene pasajes más suaves, está compuesta principalmente como una obra loud and powerful (fuerte y poderosa), aprovechando la gran masa sonora de esta Banda Sinfònica. Stadler diseñó la obra pensando en sacar partido de la “masa sonora” y potencia de la Swiss Symphonic Wind Orchestra para transmitir la sensación de “romper límites”, de fuerza y energía.
La misma Swiss Symphonic Wind Orchestra es la que hoy nos presenta la obra Heavy. La SSWO es una formación suiza relativamente nueva que combina músicos profesionales y dedicados amateurs con el objetivo de interpretar y promover música para orquestas de viento, incluyendo obras contemporáneas suizas. Heavy fue una de las primeras composiciones creadas especialmente para este conjunto, reforzando su compromiso con un repertorio innovador.
Olivier Messiaen (1908- 1992) fue un compositor, organista, pedagogo y ornitólogo francés, uno de los músicos más destacados de toda la centuria. Tanto su fascinación por el hinduismo, su admiración por la naturaleza y los pájaros, su profunda fe cristiana y su amor por el color instrumental, fueron primordiales para su formación como persona y artista. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de 11 años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte. En 1941 fue nombrado profesor de armonía y en 1966, profesor de composición en el Conservatorio de París, puesto que mantuvo hasta su retiro en 1978.
La Sinfonía Turangalila, obra de grandes proporciones estructurada en 10 movimientos enlazados entre sí por una serie de temas e ideas musicales que reaparecen una y otra vez, se asemeja a un concierto para piano y ondas Martenot... Necesita 103 músicos con una amplísima gama de percusión y teclados y su duración viene a ser de unos 80´. Olivier Messiaen la compuso para un encargo de la Orquesta Sinfónica de Boston y la obra está considerada una de las obras maestras de la música clásica del siglo XX. En palabras del autor “El título nace de las dos palabras del sánscrito, turanga y lila, y puede traducirse libremente como ‘canción de amor e himno a la alegría, el tiempo, el movimiento, el ritmo, la vida y la muerte”.
Estructura. 0:00:05 I. Introduction. Modéré, un peu vif 0:06:53 II. Chant d’amour 1, Modéré, lourd 0:15:04 III. Turangalîla 1, Presque lent, rêveu 0:20:56 IV. Chant d’amour 2, Bien modéré 0:31:46 V. Joie du Sang des Étoiles, Vif, passionné avec joie 0:38:28 VI. Jardin du Sommeil d’amour, Très modéré, très tendre 0:49:14 VII. Turangalîla 2, Un peu vif, bien modéré 0:53:01 VIII. Développement d’amour, Bien modéré 1:04:37 IX. Turangalîla 3, Bien modéré 1:10:13 X. Final, Modéré, presque vif, avec une grande joie.
La versión que hoy presentamos corre a cargo de La Orchestre Philharmonique de Radio France dirigida por Susanna Mälkki con Roger Muraro al piano y Cynthia Millar a las ondas Martenot.
Sugerencias de música para todos los gustos
Estrella Morente (1980) cantaora de flamenco, nacida en una familia en la que el flamenco estaba profundamente instalado, fue una fanática de los cantaores flamencos La Niña de los Peines, Camarón, Marchena y Vallejo. A los cuatro años entonaba cantes de Levante y a los siete cantó una taranta acompañada de la guitarra del maestro Sabicas. Debutó con 16 años en una Gala de la presentación de los campeonatos de esquí de Sierra Nevada. Desde entonces ha grabado varios discos de oro y platino, recibido notables galardones y actuado en importantes festivales. Su arte ha encandilado tanto a los flamencólogos más exigentes como a roqueros como Lenny Kravitz. En 2001 fue nombrada Embajadora de Andalucía y en 2014, directora de la primera Cátedra de Flamencología del Mundo.
Scorpions es una banda alemana de Hard rock y Heavy metal fundada en Hannover en 1965. A lo largo de sus más de cincuenta años de carrera han recibido numerosos premios y condecoraciones, que los convierte en la banda de rock más exitosa de Alemania y de Europa continental. En el año 2011 la prensa especializada alemana estimó que las ventas del grupo alcanzaban los 160 millones de discos alrededor del mundo y durante la presentación oficial de los premios Echo de 2009, se mencionó que habían dado, hasta ese momento, más de 5000 conciertos en vivo en más de ochenta países. Además, hasta el 2015, sus álbumes habían sido certificados con más de treinta y cinco discos de platino y con más de cien discos de oro.
Nazia Hassan (1965 - 2000) fue una cantante, compositora, abogada, analista política y filántropa pakistaní. Conocida como la «Reina del Pop del Sur de Asia», es considerada una de las figuras musicales más influyentes de la historia del Sur de Asia y la primera estrella pop del subcontinente. A partir de la década de 1980, como parte del dúo Nazia y Zoheb, ella y su hermano Zoheb Hassan, han vendido más de 65 millones de discos en todo el mundo. Nacida en Karachi, Pakistán, se criò entre Karachi y Londres al efectuar sus estudios en Inglaterra, al lado de su hermano Zohaib Hassan y ahí recibirían influencia directa del maestro Suhail Sana, quien les produjo el show musical Saray Dost Hamaray (‘todos son nuestros amigos’). Años después, el 22 de marzo del 2002 recibió un reconocimiento póstumo por sus contribuciones y logros por parte del Gobierno de Pakistán, al concederle el más alto premio al desempeño y orgullo civil en el área de cultura, arte y música.
Jere Klein (de nombre real Jeremías Benjamin Tobar), es un cantante y compositor chileno, que nació el 4 de marzo de 2006 en la villa Santa Anita, ubicada en la comuna de Lo Prado en Santiago de Chile y desde muy joven manifestó su interés por la música y el género urbano. En sus comienzos, a partir de los 14 años, lanzaba solo remix de mambos o hacía apariciones en videos musicales del género. En 2020 colaboró con Bayriton, Dylan el Menor y Ortega de la M. en el sencillo «Me la busqué». Ese mismo año junto a Jairo Vera y los músicos urbanos Bayriton y Lushito FlowMii participó en la canción «Puesto para la acción». Luego de una decena de colaboraciones junto a diversos artistas de la escena urbana de Chile, el año 2022 alcanzó mayor reconocimiento con su canción «Estoy volando alto» y se hizo conocido a través de la plataforma TikTok. En 2023 vino su consagración con el lanzamiento del EP titulado “6.5 “ con el que Jere Klein alcanzó su primer número uno en las listas de Spotify, gracias a la canción «Dos hielos». El 1 de diciembre de 2023 lanzó su primer álbum titulado Énfasis, donde sacò su canción Ando pasando los 200 millones de reproducciones en YouTube volviéndose muy famoso. El disco tuvo más de tres millones de reproducciones en un solo día, convirtiéndose en el mejor debut histórico de un chileno en la plataforma de Spotify.
Sugerencias de videos peculiares
Nicolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) Fue un compositor ruso perteneciente al grupo de Los Cinco (Grupo compuesto por Balakirev, Borodin, Cui, Musorgsky y el propio Rimsky-Korsakov) que se marcaron como objetivo común impulsar la música peculiar rusa, apartándose de la dependencia musical europea y favoreciendo el nacionalismo musical. Las obras de Rimsky son consideradas como referentes de una orquestación variada, colorida y equilibrada y estimadas entre las más representativas del repertorio orquestal; todo ello dentro de su credo nacionalista que impulsaba la incorporación de motivos, ritmos y canciones del folklore ruso a sus creaciones.
Scheherezade, opus 35, es una suite sinfónica de Rimski-Kórsakov, estrenada en San Petersburgo el 3 de noviembre de 1888, basada en Las mil y una noches. Combina dos características comunes de la música rusa: una deslumbrante y colorida orquestación y un interés por el Oriente, muy destacado en la historia de la Rusia Imperial. Scheherezade es una nueva forma de composición, hasta cierto punto a medio camino entre la Sinfonía fantástica de Hector Berlioz (1830) y el Poema sinfónico de Franz Liszt de 1854. Probablemente, debido a la trama en la que está basada, está más próxima al poema sinfónico, en el sentido de que es menos preciso que el de la Sinfonía fantástica. El compositor siempre se pronunció para evitar que se hiciera una lectura habitual programática.
La suite está dividida en cuatro movimientos, que son: I (0´34´´) «El mar y el barco de Simbad»: LARGO E MAESTOSO — ALLEGRO NON TROPPO .-. II (3´49´´) «La historia del príncipe Kalendar»: LENTO — ANDANTINO — ALLEGRO MOLTO — CON MOTO .-. III (16´22´´) El joven príncipe y la joven princesa: ANDANTINO QUASI ALLEGRETTO — POCHISSIMO PIÙ MOSSO — COME PRIMA — POCHISSIMO PIÙ ANIMATO .-. IV (26´52´´) «Festival en Bagdad. El mar. El barco se estrella contra un acantilado coronado por un guerrero de bronce»: ALLEGRO MOLTO — VIVO — ALLEGRO NON TROPPO MAESTOSO.
La Verbena de la Paloma, subtitulada El boticario y las chulapas y celos mal reprimidos, es un sainete lírico en prosa con libreto de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón, que se estrenó el 17 de febrero de 1894 en el Teatro Apolo de Madrid. Su título hace referencia a las fiestas madrileñas en torno al 15 de agosto, cuando se celebra la procesión de la Virgen de la Paloma. La Verbena consta de un solo acto, dividido en tres cuadros, siendo una zarzuela prototipo del género chico, de corta duración.
Hoy ofrecemos la coreografía del Preludio de la Zarzuela en versión del Ballet Alhambra.
Călușarii. Este baile se remonta a tiempos antiguos cuando en lugar de Rumanía y de la República de Moldavia existía el antiguo Reino de Dacia. La danza se realiza tradicionalmente, en la semana anterior a Pentecostés, pero existen documentos que atestiguan la práctica de la danza en otras ocasiones. Se creía que los Călușarii podían ahuyentar espíritus malignos, especialmente a los iele o rusalii (seres míticos femeninos que causaban enfermedades). La danza, ejecutada sólo por hombres, se caracteriza por movimientos muy rápidos y precisos, con saltos altos, golpes rítmicos del suelo, pasos acrobáticos y uso de bastones (bâte) y a veces espadas simbólicas. La danza tenía un rol terapéutico, ya que se creía que podía curar a personas enfermas, además de que reforzaba la cohesión comunitaria y la identidad cultural. El ritual del Căluș fue reconocido por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, por su antigüedad y complejidad simbólica.
La danza "La Charreada" es una coreografía del Ballet Folklórico de México que escenifica las tradiciones de la Charrería, un deporte nacional mexicano, que representa el arte ecuestre y las faenas de las antiguas haciendas, con trajes coloridos, música de mariachi y movimientos que imitan al charro cortejando a su amada, mostrando gallardía y destreza con elementos como el floreo de reata (uso de la cuerda), zapateado y movimientos de falda; todo al ritmo de la música. Hoy presentamos el cuadro coreográfico ejecutado por el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández acompañados por la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracrúz (Antonio Tornero, director concertador) dentro de la Gala de 60 Aniversario en el Auditorio Nacional de la ciudad de México, 13 de enero del 2013.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
