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Sergei Rachmaninoff (1873-1943) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso nacido en una familia aristócrata de músic@s; comenzó a tocar el piano a los cuatro años formalizando sus estudios en el Conservatorio de San Petersburgo y posteriormente, en el de Moscú. Tras el estreno de su Primera Sinfonía y las críticas recibidas sufrió durante cuatro años una crisis creativa. Una vez superada, escribió el Concierto para piano nº 2, el cual recibió un reconocimiento a nivel mundial. Tras la revolución rusa, se trasladó con su familia a Suiza y en 1935, a USA escribiendo numerosas obras para piano solo y concertante, música de cámara, sinfónica y lírica. Está considerado como uno de los pianistas más influyentes del siglo XX y uno de los compositores más representativos de Rusia.

El Concierto para piano n.º 2, op. 18 en do menor, es una pieza compuesta para piano y orquesta por Serguéi Rajmáninov entre el otoño de 1900 y abril de 1901. ​ La obra al completo fue estrenada con el compositor como solista, el 27 de octubre de 1901, con su primo Aleksandr Ziloti a la batuta.

Hoy la pianista Indah Lestari Hertanto, acompañada por la Jakarta Simfonia Orchestra, conducida por la maestra Rebecca Tong nos ofrece parte del Primer Movimiento del mencionado concierto.

Bernard Herrmann (1911 –1975) fue un compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico.​ Después de ganar un premio de composición a la edad de trece años, decidió concentrarse en la música y fue a la Universidad de Nueva York; también estudió en la Juilliard School, y a los 20 años formó su propia orquesta, la New Chamber Orchestra of New York. ​Más tarde se convirtió en director titular de la Orquesta Sinfónica de la CBS, presentando más obras nuevas al público estadounidense que cualquier otro director con numerosos estrenos televisivos. Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo en El hombre que vendió su alma (The Devil and Daniel Webster, 1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (Ciudadano Kane, La guerra de los mundos) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechó la mayoría de sus grandes éxitos (Vértigo, The Man Who Knew Too Much y Psicosis).

Citizen Kane es una película dramática estadounidense de 1941, dirigida, producida y protagonizada por Orson Welles y escrita por éste y Herman J. Mankiewicz. Es considerada como una de las obras maestras de toda la historia del cine, siendo particularmente alabada por su innovación en la música, la fotografía y la estructura narrativa.

Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena, donde pasó la mayor parte de su vida, fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música

Catálogo de las obras de Brahms. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus​  (del latín opus 'obra'; op. abreviatura)  que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.

Ein deutsches Requiem (Un Réquiem alemán) es una composición para soprano, barítono, coro y orquesta de Johannes Brahms. Catalogada como su opus 45, se trata de una meditación sobre la vida y la muerte a partir de textos bíblicos. En este sentido, Brahms se aleja de la tradición católica y se sitúa en la órbita de las enseñanzas del luteranismo al seleccionar textos bíblicos que eluden referencias a la vida eterna, al juicio final o a un Dios castigador. La obra consta de siete partes: I (00´44´´) SELIG SIND, DIE DA LEID TRAGEN Bienaventurados los que sufren .-. II (12´05´´) DENN ALLES FLEISH, ES IST WIE GRASS Porque toda carne es como hierba .-. III (27´08´´) HERR, LEHRE DOCH MICH, DASS EIN ENDE MIT MIR HABEN MUSS Señor, muéstrame mi término .-. IV (37´06´´) WIE LIEBLICH SIND DEINE WOHNUNGEN Qué hermosos son tus habitáculos .-. V (42´36´´) IHR HABT NUN TRAURIGKEIT Te abruma la tristeza .-. VI (49´29´´) DENN WIR HABEN HIE KEINE BLEIBENDE STATT  Porque aquí no tenemos un lugar permanente .-. VII (1h 00´49´´) SELIG SIND DIE TOTEN, DIE IN DEM HERRN STERBEN Bienaventurados los que mueren en el Señor. Tras las tres primeras partes, de tono sombrío y dramático, el n.º 4 crea un cierto contraste de serenidad, que se encuentra también en el n.º 5, con sus magníficos solos de soprano. Muy complejo en su organización, el n.º 6, donde se alternan barítono y coro, termina con una fuga. El n.º 7 termina la obra en un clima de beatitud.  

Hoy nos lo ofrecen Christiane Karg (Soprano), Michael Nagy (Barítono), el Coro MDR-Rundfunkchor con su director Nicolas Fink y la Orquesta Frankfurt Radio Symphony  conducid@s tod@s por el maestro estadounidense David Zinman.

Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético, considerado como uno de los principales compositores del siglo XX y creador de numerosas obras maestras en distintos géneros musicales. Sus obras incluyen obras tan populares como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, Pedro y el lobo... Dentro de las formas y géneros establecidos en los que trabajó, creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo y nueve sonatas para piano completadas. Tras su muerte, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguirá siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea».

Catálogo de las obras de Prokofiev. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus​ (del latín opus 'obra') que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores. Desde el siglo XVII, se comenzó a utilizar esta forma de catalogación cada vez que se publicaba una obra, precediendo la palabra Opus, o su abreviatura Op., al número de orden de la misma.

La Sinfonía n.º 1 en re mayor, Op. 25, también conocida como "Sinfonía Clásica" fue compuesta por Serguéi Prokófiev entre 1916 y 1917. Se trataba, en parte, de un ejercicio de escritura musical alejada del piano para intentar descubrir "colores orquestales más transparentes". Prokófiev le asignó el apelativo "Clásica" e intentó emular el estilo compositivo de Joseph Haydn, aunque cambió parte de la estructura de la sinfonía para reflejar las prácticas cambiantes en composición. De hecho esta sinfonía es considerada como una de las primeras obras pertenecientes al Neoclasicismo musical del siglo XX. El estreno se celebró el 21 de abril de 1918 en Petrogrado, con la interpretación de la Antigua Orquesta de la Corte bajo la dirección del propio compositor. ​

Estructura. Presenta una estructura convencional de cuatro movimientos, con dos movimientos exteriores rápidos (Allegro y Vivace, respectivamente), un movimiento lento (Larghetto) y uno inspirado en una danza estilizada (Gavotte). Sus texturas son económicas, su partitura apropiada para una orquesta de finales del siglo XVIII y su carácter decididamente desenfadado, muy en el espíritu de las sinfonías de Haydn.

I (0´22´´) ALLEGRO. Está escrito en la tonalidad de re mayor y en compás alla breve. Hace honor a su nombre adoptando una forma sonata-allegro al estilo de los libros de texto, con sus secciones de exposición y desarrollo claramente puntuadas, seguidas de la recapitulación. ​ El primer tema es típicamente dieciochesco y el segundo tema tiene aspectos burlescos, marcados por el staccato del fagot. El desarrollo, sin embargo, no tiene en absoluto las connotaciones clásicas de la forma sonata, ya que Prokófiev modula con naturalidad de una tonalidad a otra y pasa de re menor a un inusual la bemol mayor.

II (5´09´´) LARGHETTO. El Movimiento está en La mayor y en compás de 3/4. Responde a una forma ternaria ya que está dividido en tres secciones que siguen el patrón ABA. Sustituye el habitual tercer movimiento de minueto y trío por una gavota de estilo mozartiano, si bien su ritmo ternario lo asemeja al minueto. La sección de trío adquiere un sabor pastoral gracias a su bordón de estilo musette. El tema principal es una elegante melodía que es expuesto por los violines alcanzando las notas más agudas del instrumento. La parte rítmica es decididamente típica de Prokófiev, en especial el insistente acompañamiento del fagot.

III (9´30´´) GAVOTTA. NON TROPPO ALLEGRO. De nuevo en re mayor y en compás de 4/4. Se trata de una pieza breve y estilizada, muy agradable, que se caracteriza por inusuales saltos de octava.

IV (11´14´´) FINALE. MOLTO VIVACE. Retoma la tonalidad inicial y el ritmo alla breve. Estructuralmente mezcla la forma sonata con el rondó (ABACAD...). Como la mayoría de los Finales clásicos, es exuberante, emocionante y poderoso. Al animado primer tema, enriquecido con arpegios y pasajes rápidos, le sigue el segundo tema, que es confiado principalmente a las maderas. Un tercer tema recuerda una alegre melodía folclórica rusa. Un rápido desarrollo conduce a la conclusión de una composición pegadiza, pero en absoluto sencilla, llena de novedades armónicas, sonoridades chispeantes, ingenio e ironía.

Katy Perry (California 1984) es una cantante, compositora, actriz, empresaria y modelo estadounidense, que saltó a la fama en 2008 con su álbum debut One of the Boys. Entre 2010 y 2011, cosechó todavía mayor éxito con su segundo álbum, Teenage Dream, que para su promoción lanzó seis sencillos de los cuales cinco  se ubicaron en el puesto número 1 del Billboard Hot 100, lo que la convirtió en la primera artista femenina en lograr dicha hazaña y la segunda en general después de Michael Jackson con su álbum Bad (1987). Perry ha recibido numerosos premios, incluyendo cuatro menciones en el Libro Guinness de los récords. A lo largo de su carrera, ha vendido 16 millones de álbumes y 135 millones de sencillos en todo el mundo, lo que la convierte en una de las artistas con más ventas de todos los tiempos.

Nena (Gabriele Susanne Kerner) es una cantante nacida el 24 de marzo de 1960 en Hagen, Alemania; pasó la primera parte de su infancia en Breckerfeld y más tarde vivió en Hagen. Adquirió su apodo a los tres años de edad, en unas vacaciones en España con sus padres. En 1987 conoció al actor Benedict Freitag, que es el padre de su hijo mayor y de sus gemelos. Con Cole Palmer, baterista y productor de música, tuvo dos hijos más. Nena alcanzó fama mundial gracias a la canción "99 Luftballons" con su grupo Nena. Ella fue miembro de las bandas The Stripes desde 1979 a 1981 y Nena desde 1982 a 1987; desde 1989 es solista. Con el relanzamiento de sus propios éxitos, la carrera de Nena experimentó un segundo período de éxito en el año 2002.

La Balada aparece en Europa en el siglo XIV como una forma de expresar el canto cortesano. En el siglo XIX, Frédéric Chopin compuso cuatro obras para piano con este título, evidentemente inspiradas en el género literario. Con ello, dio luz a un nuevo género musical: La Balada.

Lang Lang (1982) es un famoso pianista virtuoso chino considerado por muchos críticos, profesionales y expertos pianistas como uno de los mejores pianistas de su generación. Fue el primer pianista chino en ser contratado por la Filarmónica de Berlin, la Filarmónica de Viena, y algunas de las principales y más importantes orquestas estadounidenses. Críticos de música del Chicago Tribune lo llamaron "el talento de teclado más grande y emocionante que hemos encontrado en muchos años de asistir a recitales de piano".

El Ballet de Houston (Houston Ballet) es una compañía de ballet estadounidense financiada por la Houston Ballet Foundation que también se encarga de mantener a la academia de ballet, Houston Ballet Academy, en la que ensayan más de la mitad de los bailarines de la compañía. Como compañía, fundada en 1969, es la cuarta más grande de USA, con su base en la ciudad de Houston, Texas. Desde su fundación, la organización ha contado con los siguientes directores: Tatiana Semenova (1955-1967), Nina Popova (1967-1976), Ben Stevenson OBE (1976-2003), Stanton Welch AM (2003-actualidad).

Hoy el Houston Ballet con Derek Dunn como solista nos ofrece la Balada nº 1 de Chopin coreografiada por Stanton Welch y con Lang Lang al piano.

La expresión Danza Africana hace referencia principalmente a la danza en la porción de África al sur del Sahara, y a numerosos tipos de danzas africanas producto de las numerosas diferencias culturales en los estilos musicales. Estas danzas están muy relacionadas con las tradiciones musicales al sur de Sahara y el sentido del ritmo bantú. La danza africana utiliza el concepto de poliritmo y la articulación total del cuerpo. ​Las danzas permiten interpretar patrones sociales y valores y ayudan a las personas a trabajar, madurar, rezar y criticar a miembros de la comunidad a la vez que contribuyen en la celebración de festivales y funerales, competencias, recitado de la historia, proverbios y poesía; y a acercarse a los dioses. En general, las danzas africanas promueven la participación, tomando parte los espectadores en la misma expresión artística. Con la excepción de algunas danzas espirituales religiosas o de iniciación, tradicionalmente no existen barreras entre l@s bailarines/as y el público. Incluso las danzas rituales a menudo poseen segmentos en los que el público participa. La danza tradicional en África es un elemento colectivo, que expresa la vida de la comunidad más que la de los individuos o parejas. Los primeros cronistas ya hacían notar la ausencia de bailes de parejas en proximidad: dicho tipo de expresiones era considerado inmoral por numerosas sociedades africanas tradicionales.​ En todas las danzas que se practican al sur del Sahara parece no existir evidencia de patrones de danza de una pareja hombre-mujer previos a la era colonial cuando dicha práctica era considerada como una expresión poco digna.