el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríaco cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1810). Con seis años de edad comenzó sus estudios de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios musicales. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.
El catálogo de las obras de Haydn. Las obras de Joseph Haydn están clasificadas hoy día según el sistema creado por Anthony van Hoboken. Cada obra se identifica con una cifra romana que corresponde a la categoría, que en la mayoría de los casos se identifica con un género. Algunas categorías tienen subdivisiones, cosa que se indica con una letra minúscula y a continuación aparece un número arábigo que se corresponde con el orden de la obra concreta dentro de la categoría. Estas cifras van precedidas de la palabra Hoboken (en memoria del autor del catálogo) y a veces de Hob (su abreviatura).
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo (1750-1810), sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales. Frecuentemente, al final del primer y/o tercer movimiento, l@s solistas disponen de una cadencia sin acompañamiento orquestal con la que poder hacer gala de su virtuosismo.
Hoy ofrecemos el Primer Movimiento del Concierto para flauta y oboe, Hob. VIIh/1 en interpretación de las hermanas danesas Maria Steinaa y Eva Steinaa. La cadenza aparece hacia el final (3´39´´) de este movimiento.
Alfredo Kraus (1927-1999) fue un tenor y profesor de canto español, considerado uno de los mejores tenores líricos ligeros de la segunda mitad del siglo XX. Su personaje más conocido fue Werther, de la ópera homónima de Jules Massenet. De madre española y padre austriaco, Kraus inició sus estudios musicales con lecciones de piano a los cuatro años de edad, y cantando en el coro de la parroquia Corazón de María, a los ocho. Debutó internacionalmente en el Teatro Real de El Cairo en 1956 con el papel del Duque de Mantua en la ópera Rigoletto, de Verdi; también fue un destacado intérprete de zarzuela. Recibió el Premio Canarias de Bellas Artes e Interpretación en 1985, y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1991. El Ayuntamiento de Bilbao le puso su nombre a una plaza en el barrio de Rekalde.
La Canción napolitana es una composición generalmente en idioma napolitano para voz masculina solista y acompañamiento instrumental, característica de la ciudad de Nápoles y su región. Sus letras hacen referencia a asuntos amorosos o al paisaje del Sur de Italia. Algunas de las canciones más famosas son O sole mio, Torna a Surriento, Funiculì funiculà o Santa Lucia. La popularidad internacional de las canciones napolitanas se debió, en parte, a la emigración italiana al resto de Europa y a América entre 1880 y 1920. También contribuyó el interés de intérpretes de ópera como Enrico Caruso, quien recurría a estas canciones para interpretarlas como propina en sus actuaciones en el Metropolitan Opera House de Nueva York y grabarlas en disco.
Hoy podemos asistir a una colección de canciones napolitanas de distintos autores italianos ofrecidas por Kraus, en la que podemos disfrutar de su delicada voz y brillante técnica.
Leonard Bernstein (1918 - 1990), fue un compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que más apasionadamente le interesaba. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.
Candide es una opereta cómica compuesta por Leonard Bernstein en el año 1956, basada en la novela homónima de Voltaire. La opereta se representó por vez primera en el año 1956 con un libreto de Lillian Hellman. Del texto se han hecho numerosas versiones, pero desde el año 1974 se representa solamente con el libreto de Hugh Wheeler, que es más fiel a la novela de Voltaire.
Hoy la UMich Symphony Band conducida por el maestro Haithcock Michael nos ofrece la obertura de esta opereta en versión para Banda de Música.
Cesária Évora (1941–2011) fue una cantante caboverdiana conocida con el sobrenombre de «la Reina de la Morna» o como «La Diva de los pies descalzos», debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios, en solidaridad con l@s sin techo y las mujeres y niñ@s pobres de su país. El blues caboverdiano de Cesária Évora en general habla de la larga y amarga historia de aislamiento del país y del comercio de esclav@s, así como de la emigración, ya que se dice que el número de caboverdian@s que viven en el exterior es mayor que la población total del país. En 2004 ganó el premio Grammy al Mejor álbum contemporáneo de World Music por Voz d'amor. En 2007 el presidente de Francia Jacques Chirac le otorgó la medalla de la Legión de Honor.
Sugerencias de música clásica
Georg Druschetzky (1745 - 1819), fue un compositor, oboista y timpanista bohemio. Estudió oboe con el célebre oboísta y compositor Carlo Besozzi en Dresde. Después ingresó en la banda de un regimiento de infantería. En 1777 fue certificado como ejecutante de tambor. Empezó a escribir música para su banda en los 1770s. También compuso música de cámara y música para orquesta, incluyendo 27 sinfonías y conciertos para varios instrumentos. Las partituras de dos de sus óperas han sobrevivido; pero una suite de música incidental y un ballet están perdidos. Druschetzky fue uno de los primeros compositores en utilizar el motivo BACH.
Partita (también partie , partia , parthia o parthie) era originalmente el nombre de una pieza musical de un solo instrumento (siglos XVI y XVII), pero Johann Kuhnau, su alumno Christoph Graupner, Johann Sebastian Bach y otr@s compositores/as la utilizaron para colecciones de piezas musicales, como sinónimo de suite.
Felix Mendelssohn (1809-1847) fue un pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades y hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn, también niña prodigio. Comenzó recibiendo clases de piano de su madre; a los dieciocho años se adentró en las clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y un dominio profundo del contrapunto. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.
Catálogo de las obras de Mendelssohn. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
Canciones sin palabras (en alemán, Lieder ohne Worte), también conocida como Romanzas sin palabras, es una serie de breves canciones líricas para piano del compositor romántico Felix Mendelssohn, escritas entre 1829 y 1845. El conjunto consta de ocho volúmenes de canciones sin palabras, cada uno de los cuales consta de seis canciones (lieder), que se escribieron en varios momentos de la vida de Mendelssohn y se publicaron por separado. El piano se hizo cada vez más popular en Europa a principios del siglo XIX, cuando se convirtió en un elemento estándar en muchos hogares de clase media. Las piezas están al alcance de pianistas de diversas habilidades y esto contribuyó a su popularidad, lo que ha provocado que muchos críticos subestimen su valor musical. Éstos son sus títulos:
BOOK 1, OP. 19B (1829-1830)
No. 1 (0:00) in E major .-. No. 2 (4:38) in A minor .-. No. 3 (6:50) in A major .-. No. 4 (9:16) in A major .-. No. 5 (11:32) in F-sharp minor .-. No. 6 (14:14) in G minor.
BOOK 2, OP. 30 (1833-1834)
No. 1 (16:49) in E-flat major .-. No. 2 (21:32) in B-flat minor .-. No. 3 (23:48) in E major .-. No. 4 (26:01) in B minor .-. No. 5 (28:56) in D major .-. No. 6 (31:20) in F-sharp minor.
BOOK 3, OP. 38 (1836-1837)
No. 1 (35:05) in E-flat major .-. No. 2 (37:06) in C minor .-. No. 3 (38:51) in E major .-. No. 4 (41:05) in A major .-. No. 5 (43:27) in A minor .-. No. 6 (45:54) in A-flat major
BOOK 4, OP. 53 (1839-1841)
No. 1 (50:07) in A-flat major .-. No. 2 (53:46) in E-flat major .-. No. 3 (55:53) in G minor .-. No. 4 (58:40) in F major .-. No. 5 (1h 01:40) in A minor .-. No. 6 (1h 04:40) in A major
BOOK 5, OP. 62 (1842-1844)
No. 1 (1h 07:21) in G major .-. No. 2 (1h 10:24) in B-flat major .-. No. 3 (1h 12:21) in E minor .-. No. 4 (1h 16:11) in G major .-. No. 5 (1h 17:37) in A minor .-. No. 6 (1h 20:56) in A major
BOOK 6, OP. 67 (1843-1845)
No. 1 (1h 23:14) in E-flat major .-. No. 2 (1h 26:17) in F-sharp minor .-. No. 3 (1h 28:36) in B-flat major .-. No. 4 (1h 31:10) in C major .-. No. 5 (1h 33:05) in B minor .-. No. 6 (1h 35:06) in E major
Book 7, Op. 85 (1834-1845)
No. 1 (1h 37:19) in F major .-. No. 2 (1h 40:10) in A minor .-. No. 3 (1h 41:07) in E-flat major .-. No. 4 (1h 43:31) in D major .-. No. 5 (1h 47:14) in A major .-. No. 6 (1h 49:15) in B-flat major
BOOK 8, OP. 102 (1842-1845)
No. 1 (1h 51:35) in E minor .-. No. 2 (1h 54:32) in D major .-. No. 3 (1h 56:46) in C major .-. No. 4 (1h 58:17) in G minor .-. No. 5 (2h 0:30) in A major .-. No. 6 (2h 1:38) in C major.
Hoy la pianista griega Rena Kyriakou (1917- 1994) nos ofrece este valioso legado de la colección completa de la obra.
Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena, donde pasó la mayor parte de su vida, fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.
La variación es una técnica formal donde el material es repetido en una forma alterada. Los cambios pueden afectar a la melodía, ritmo, armonía, contrapunto, timbre, orquestación o cualquiera de esas combinaciones. Como composición, se caracteriza por contener un tema principal que se imita en otros subtemas o variaciones relacionados entre ellos.
Variationen B-Dur über ein Thema von Joseph Haydn (Variaciones sobre un tema de Haydn) es una obra musical en forma de tema y variaciones compuesta por Johannes Brahms en 1873. Brahms compuso dos versiones de la obra: una para dos pianos y otra para orquesta sinfónica, que hoy ofrecemos. TEMA (0´02´´) Coral St. Antoni. Andante .-. VARIACIÓN I (2´03´´) Poco más animado .-. VARIACIÓN II (3´28´´) Più vivace .-. VARIACIÓN III (4´31´´) Con moto .-. VARIACIÓN IV (6´22´´) Andante con moto .-. VARIACIÓN V (8´37´´) Vivace .-. VARIACIÓN VI (9´37´´) Vivace .-. VARIACIÓN VII (10´58´´) Grazioso .-. VARIACIÓN VIII (13´49´´) Presto non troppo .-. FINALE (14´55´´) Andante.
La obra está hoy interpretada por la Orquesta Sinfónica de la WDR bajo la batuta de su director principal el maestro rumano Cristian Măcelaru (1980).
Witold Lutosławski (1913-1994) fue uno de los compositores europeos más importantes del siglo XX. Posiblemente es el compositor polaco más importante después de Chopin, y fue el músico más eminente de su país en las tres últimas décadas del siglo. En vida obtuvo una gran cantidad de premios internacionales, incluyendo el de ser nombrado caballero de la Orden del Águila Blanca, el honor más alto de Polonia. Estudió piano y composición en Varsovia, y sus primeras obras estuvieron marcadamente influidas por la música folclórica polaca. A partir de finales de los años 1950 incorpora sus propios métodos compositivos con armonías de pequeños grupos de intervalos musicales y el uso de procesos aleatorios, en los que la coordinación rítmica de las diversas partes está sujeta al azar.
Sinfonía nº 3. Escrita por Witold Lutosławski entre 1973-1983, está dedicada a la Orquesta Sinfónica de Chicago y a Georg Solti quienes la estrenaron el 29 de septiembre de 1983. Muchos de sus pasajes emplean la técnica entonces bien desarrollada de Lutosławski, a la que llamó " aleatorismo limitado ", en la que se pide a cada uno de los intérpretes de la orquesta que toque su frase o fragmento repetido en su propio tiempo, rítmicamente independiente de los otros músicos; aunque hay otras partes que exigen la sincronización rítmica de la orquesta.
Hoy asistimos a la interpretación ofrecida por la Finnish Radio TV Symphony Orchestra conducida por el maestro de la misma nacionalidad finlandesa Hannu Lintu (1967).
Sugerencias de música para todos los gustos
Lena Horne (1917-2010) fue una actriz y cantante estadounidense de jazz y música popular. Su carrera abarca más de sesenta años, desde los años treinta a los noventa del siglo XX. Debutó como corista a los 14 años, pasando a integrar las filas del célebre Cotton Club de Harlem donde actuaban Duke Ellington, Billie Holiday, Louis Armstrong, Ethel Waters y otr@s celebres artistas. Actuó también en Broadway, conquistando una nominación al Tony en 1957 por Jamaica. Trabajó asiduamente en radio y televisión: en los shows de Judy Garland, Bing Crosby y Frank Sinatra, y en The Muppet Show. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, como actriz y como cantante y mereció tres premios Grammy, entre los que está el Lifetime Achievement Award en 1989.
Hugues Aufray (Neuilly-sur-Seine, Francia; 18 de agosto de 1929) es un autor, compositor y cantante francés. En 1945 vivió tres años en Madrid y por esta razón empezó su carrera cantando en español. Terminó cuarto en el Festival de la Canción de Eurovisión 1964 en el que representaba Luxemburgo. En plena época yeyé triunfó con temas adaptados de música folk, mientras en los años 1960 una parte de su repertorio proviene de canciones de Bob Dylan. Sus canciones más famosas son: Santiano, Céline, Stewball... y en español Barco de Papel. En 2022, recibió un premio especial celebrando su carrera musical y artística, durante el 63.er Congreso internacional de la Société des Poètes et Artistes de France (Spaf) que tuvo lugar ese año en Sorèze (Tarn - Occitania).
Uxía (Sanguiñeda, Mos, 19 de noviembre de 1962) es una cantante gallega, que comenzó a cantar desde muy joven. Su carrera comienza oficialmente en 1985, cuando gana el primer premio del Festival de Bergantiños. En 1986, con solo veinticuatro años, publica su primer álbum, Foliada de Marzo, con una música bastante próxima a lo tradicional. Representó a la Televisión de Galicia en 1991 en un festival de televisiones regionales celebrado en Núremberg y a Galicia en la Expo 98 de Lisboa y en el Liet International, en el festival de música más importante para lenguas minorizadas, que se celebró en Ljouwert en 2004, y donde la mosense quedó tercera. En el año 2017 le ha sido concedido el Premio Rebulir da Cultura Galega, como reconocimiento a su trayectoria personal y profesional en la difusión y puesta en valor de la música gallega.
Sonu Nigam (Faridabad, Haryana, India, 30 de julio de 1973). Es un músico y cantante indio que canta principalmente en hindi y en canarés pero también en otras lenguas como el urdu, oriya, tamil, asamés, panyabí o bengalí. Ha cantado en muchas películas de Shahrukh Khan en Bollywood, ha publicado muchos discos de pop indio y también ha participado como actor en varias películas. Sus primeros años en Bombay no fueron fáciles hasta que la canción "Accha Sila Diya" le trajo un reconocimiento definitivo en su carrera. Durante los últimos años ha realizado muchos conciertos en varios países de América. Europa, Asia y Oceanía y ha recibido muchos y diversos galardones. Además, Sonu contribuye intensamente con varias organizaciones benéficas en India y en el extranjero
Sugerencias de videos peculiares
Gioachino Rossini (1792-1868) fue un compositor italiano de 39 óperas, canciones, obras de piano y algo de música sacra. En 1812 fue contratado por la Scala de Milán; al año siguiente estrena en Venecia su primera ópera seria, Tancredi. Al poco estrena otro gran éxito, La italiana en Argel. En 1815 se establece en Nápoles donde escribe con regularidad y sin agobios, con ensayos y fechas regulados. En 1822 se traslada a Viena donde llega a conocer al admirado Beethoven. De Viena a Londres, vuelta a París y tras el estreno de su última ópera, Guillermo Tell, abandona la ópera en pleno auge económico y de popularidad a los 37 años de edad.
Hoy ofrecemos este Pas de deux, con su toque de humor, creado por Christian Spuck con la música de la Obertura de la Gazza ladra de Rossini, y protagonizado por Elisa Badenes y Roberto Bolle.
La danza folclórica mexicana es una representación del folclore mexicano; en ella se reflejan ritos, cultura y tradiciones. Desde antes de la llegada de l@s español@s, para los pueblos que habitaban México, la danza ritual era parte importante en la vida cotidiana. Los religiosos que evangelizaron estas tierras trataron de suprimirlas; pero, en vista de lo arriesgadas que estaban, las fueron adaptando o cristianizando dándole así nuevos significados. En la actualidad, la danza folklórica sirve para poder expresar sentimientos, emociones y experiencias del transcurso de la vida y revivir tradiciones y ritos antepasados; también sirve para celebrar ocasiones importantes para pueblos, colonias, familias y ciudades de nuestro país.
Hoy, en interpretación del Ballet Folklórico de Jalisco ofrecemos dos de estas danzas El Gusto (0´5´´) y El Huizache (2´35´´).
El Baile de la Era, también conocido como danza de Larrain, es una danza social y de plaza que tiene muchas similitudes con la soka dantza. Es típico de Nafarroa/Navarra, arraigado en la zona central de su territorio y en especial en la localidad de Lizarra/Estella. Algunas hipótesis dicen que es una derivación de la soka dantza, aunque con toda la parte ceremonial reducida y con influencia mediterránea. La jerarquía, aunque muy mitigada, se mantiene en muchos casos, como en la versión de Estella donde son los mayordomos los que comienzan el baile. La gaita (o dulzaina) ha sido el instrumento con el que siempre se ha tocado el baile.
La Valicha parte de una canción escrita en 1945 por Miguel Ángel Hurtado Delgado, que trata sobre un vínculo amoroso con Valeriana Huillca (Valicha es la abreviación quechua del nombre español Valentina); es el huayno (baile andino) más tradicional y popular del Cuzco y ha llegado a ser considerado por los propios cuzqueños como un himno de esta ciudad. La inspiración para su composición surge de la experiencia amorosa de Miguel Ángel Hurtado con Valeriana Huillca Condori; como baile, muestra una de las formas de bailar, sentir y difundir la música serrana mediante un juego coreográfico de participación comunitaria. El festejo, caracterizado por el colorido de sus trajes típicos, se baila durante las fiestas populares y en reuniones sociales; se ejecuta en parejas generalmente de jóvenes, tiene un ritmo erótico y festivo vinculado al rito del amor.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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