el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida. A pesar del silencio total con el que protegió su intimidad, parece clara su homosexualidad. Fallece a los 74 años en su casa.
Music for the Royal Fireworks o Fireworks Music (Música para los reales fuegos artificiales) es una composición orquestal de Georg Friedrich Händel de 1749. Fue hecha por encargo de Jorge II de Gran Bretaña para acompañar a los fuegos artificiales que tuvieron lugar en Green Park, Londres, el 27 de abril de 1749. El motivo fue la celebración del final de la Guerra de Sucesión Austriaca y la firma del Tratado de Aquisgrán.
La obra está articulada en cinco movimientos, de los cuales hoy ofrecemos los dos últimos: IV (0`07``) LA RÉJOUISSANCE (EL JÚBILO) Es uno de los movimientos más brillantes y triunfales de la suite, que transmite celebración, victoria y magnificencia real. Escrito en Re mayor, que es una tonalidad asociada en el Barroco a lo majestuoso y heroico, su ritmo es vivo y marcado, con acentos fuertes y uso destacado de instrumentos de viento-metal (trompetas y trompas), lo que refuerza su carácter ceremonial. Representa la exaltación pública del poder y la paz lograda tras la guerra .-. V (2`17``) MENUET (MINUÉ) es una danza cortesana francesa, elegante y moderada, que contrasta con la grandiosidad de “La Réjouissance”. De carácter noble, refinado y equilibrado, está escrito en compás ternario (3/4), típico del minueto y en tempo moderado, con frases simétricas con menor énfasis en lo marcial y más atención a la gracia y al decoro. Händel incluye dos menuets en la obra, a veces interpretados como Menuet I (2`17``) y II (3`06``), alternando colores orquestales. El movimiento presente evoca el ambiente de la corte y el orden social, a la vez que sirve como momento de reposo y elegancia tras la energía explosiva de otros movimientos.
Hoy nos lo ofrece la Academy of Ancient Music conducida por su titular el maestro británico Richard Egarr.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El Concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 19 de Ludwig van Beethoven, fue compuesto principalmente entre 1787 y 1789, a pesar de que no alcanzó su forma definitiva hasta que fue publicado en 1795. El concierto se convirtió en una pieza para el lucimiento del propio Beethoven tras mudarse de Bonn a Viena. Beethoven fue el solista en su estreno el 29 de marzo de 1795, en el Burgtheater de Viena en un concierto que marcó su debut en público. Mientras que la obra en conjunto sigue el estilo de Mozart, hay un sentido del drama y el contraste que estaría presente en muchas obras posteriores de Beethoven. El concierto consta de tres movimientos, de lo cuales hoy ofrecemos el tercero, un rondó que nos transmite la alegría del joven compositor.
Martha Argerich (1941) es una pianista argentina referente de su generación, quien ya a los cuatro años ofrece su primer recital público y a los siete, el Concierto para piano y orquesta nº 20 de Mozart. Tras sus estudios académicos de piano en Buenos Aires y Viena, realizó puntuales cursos de perfeccionamiento con eminentes maestr@s. A lo largo de su carrera ha sido galardonada con innumerables premios y reconocimientos nacionales e internacionales; tiene en su haber numerosas grabaciones y ha actuado en las salas más importantes tanto como solista como bajo las batutas más relevantes.
Hugo Alfvén (Estocolmo, 1 de mayo de 1872 - Falun, 8 de mayo de 1960) fue un compositor, director de orquesta y violinista sueco, que también destacó como pintor y escritor. Estudio en el Real Conservatorio de Estocolmo desde 1887 hasta 1891 con el violín como instrumento principal. También recibió lecciones privadas de composición por parte de Johan Lindegren; se ganaba la vida tocando el violín en la Ópera Real de Estocolmo y en la Hovkapellet (orquesta sueca de la corte). Desde 1897 y durante los próximos diez años, viajó mucho por Europa. Estudió técnica del violín en Bruselas y aprendió dirección de orquesta en Dresde. Posteriormente fue violinista y profesor de composición del Conservatorio de Estocolmo. En 1908 fue elegido miembro de la Academia Real de Música. A partir de 1910 fue director de música de la Universidad de Upsala, puesto que ocupó hasta 1939. Dirigió también el coro estudiantil masculino Orphei Drängar, con el que viajó por Europa. Alfvén es uno de los compositores más importantes de Suecia junto con Franz Berwald y Wilhelm Stenhammar. De temperamento romántico, notablemente influido por Wagner y Strauss, escribió obras para piano, música de cámara, oberturas, marchas, 5 Sinfonías de estructuración clásica, que muestran a un hábil orquestador, poemas sinfónicos, rapsodias suecas, música vocal y teatral, lieder; 10 cantatas para solo, coro y orquesta, 2 cantatas para coro de hombres y orquesta, una pantomima, música de escena y música para películas.
Catálogo de las obras de Hugo Alfvén. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
“Herd Maiden’s Dance” - en sueco “Vallflickans dans” - es un movimiento orquestal de Hugo Alfvén (1872-1960) que forma parte de su suite The Mountain King, Op. 37 (también titulada Bergakungen, “El rey de la montaña”). La pieza procede de Bergakungen, un ballet-pantomima en cuatro movimientos que Alfvén compuso entre 1917 y 1922 y se estrenó en Estocolmo en 1923. Tras retirarse de escena la producción de ballet, Alfvén redujo parte de la música a una suite sinfónica de cuatro movimientos, de la que Herd Maiden’s Dance es el cuarto y último.
El título “Herd Maiden’s Dance” se traduce como El baile de la pastora o Danza de la joven pastora, reflejando la escena pastoral y folklórica del argumento del ballet. Su música es lírico-danza orquestal con un ritmo animado y colorido, representando la escena de la joven pastora dentro del relato. Es habitual encontrarla en conciertos como pieza independiente por su energía, encanto y orquestación atractiva. Herd Maiden’s Dance representa una de las escenas más vivas y celebradas del ballet antes de los episodios más dramáticos. Esta danza es una de las partes más populares y frecuentemente interpretadas de la suite The Mountain King y ha sido arreglada incluso para otros conjuntos (banda sinfónica, ensambles de flautas o cuarteto de saxofones, como en el caso que presentamos).
Estructura. La pieza se organiza principalmente en una forma ternaria (ABA’), con una breve introducción y una coda final: SECCIÓN A (0`05``): Corresponde al tema principal claramente folklórico y cantable de carácter de danza viva, elegante y rítmica. Su ritmo es marcado, regular y propio de una danza popular; esta sección representa el baile de la joven pastora de forma directa y luminosa .-. SECCIÓN B (1`11). Es de carácter más lírico y suave, como corresponde a su función de sección contrastante frente a la danza inicial; aquí aparece un momento más contemplativo o soñador, típico del nacionalismo romántico escandinavo .-. SECCIÓN A’ (2`17``). Se trata de la reexposiciòn o retorno del tema inicial, con ligeras variaciones melódicas u orquestales y con un carácter más afirmativo y brillante que al inicio. Coda (2`44``) cumpliendo su función de cierre, en este caso festivo y conclusivo con una dinámica alegre que va en aumento hacia el final.
Hoy nos lo ofrece The Nordic Saxophone Quartet en arreglo de Johannes Thorell.
Patricia Malanca, nacida en Avellaneda, Argentina, es una cantautora e intérprete del tango contemporáneo muy destacada dentro de la escena musical de Buenos Aires y del tango actual. Su trabajo se caracteriza por innovar dentro del género, fusionándolo con otras músicas, explorando temáticas sociales y aportando una visión personal y comprometida. Además de su carrera musical, tiene formación académica: es licenciada en Psicología (UBA) y cuenta con un máster en gestión pública por FLACSO. Ha publicado múltiples discos originales entre los que se destacan La Malanca (2013), Aunque nadie te vea nunca conmigo (2014) - un proyecto que adapta canciones de Silvio Rodríguez al tango - y Bucles, 4 historias de amor y 11 tangos desesperados. Fue nominada a los premios Gardel por La Malanca. También fue nominada al Latin Grammy por su álbum Bucles (2017) y ganó un Premio Gardel en 2022 por su trabajo y canciones destacadas dentro del tango contemporáneo.
Se la considera una referente del tango actual, con una voz y estilo personal que dialoga con lo social y lo poético. Su música suele fusionar tango con otros ritmos y lenguajes, y dar voz a preocupaciones contemporáneas (género, literatura, experiencias humanas). Participa activamente en festivales nacionales e internacionales y ha realizado giras por Europa, Latinoamérica, Asia y Oceanía. Ha conducido también, programas de televisión y participado en proyectos culturales, además de su trayectoria en la gestión artística y cultural dentro de ámbitos públicos. En resumen, Patricia Malanca es una figura influyente del tango contemporáneo que combina composición propia, pensamiento crítico y exploración artística para ampliar los horizontes del género tradicional.
“Rencor” es una canción/tango tradicional, cuya autorìa no es clara, interpretada por Patricia Malanca; canción incluida en su álbum La Malanca (2013). En la edición del disco, el tema aparece como la tercera pista, junto con otros tangos y piezas del repertorio tradicional/contemporáneo de Malanca. La interpretación resalta el dramatismo y la carga emocional que evoca el título “Rencor”, una temática común en el tango que explora sentimientos intensos como el dolor, la traición y la melancolía.
Sugerencias de música clásica
Arcangelo Corelli (1653-1713) fue un violinista y compositor del período barroco italiano. Nacido en Fusignano (provincia de Rávena) desde la infancia estudiaba violín en su ciudad natal. En 1666 viaja a Bolonia, donde estudia con Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli. Cinco años más tarde se establece en Roma, donde alcanzaría una extraordinaria fama como violinista, a la vez que perfeccionaba su técnica compositiva. Para 1700, era ya primer violinista y director de conciertos del Palacio de la Cancillería y en 1706 ingresó en la Academia de la Arcadia. Hoy está considerado como uno de los más grandes precursores de la sonata preclásica y el representante por excelencia del concerto grosso. Su música ejerció una gran influencia en los compositores alemanes, especialmente en Bach y Händel.
Catálogo de las obras de Corelli. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
Los 12 concerti grossi, op. 6 forman una colección de doce concerti compuestos por Arcangelo Corelli probablemente en la década de 1680 aunque no estuvieron preparados para su publicación hasta 1714. Los Concerti Grossi del Op. 6 fueron escritos para sus propios conciertos, con el mismo Corelli tocando en el concertino. El conjunto orquestal está formado por el concertino (un primer violín, un segundo violín y un violonchelo concertantes), los 'grosso' de la orquesta y el bajo continuo por el clavicémbalo al que se le puede sumar el órgano portátil y el laúd. (Extractado de LA Phil)
El Concerto in Re mayor, Op. 6 n.º 4 de Arcangelo Corelli pertenece al modelo del concerto grosso barroco, y su estructura formal es bastante representativa del estilo romano de finales del siglo XVII. Este concierto es un concerto grosso “da chiesa” (de iglesia), lo que implica por un lado, cuatro movimientos con alternancia lento–rápido–lento–rápido y por otro lado, ausencia de movimientos basados explícitamente en danzas (a diferencia del concerto da camera). Además, Corelli establece claramente el contraste típico del concerto grosso: el Concertino formado por dos violines y violonchelo y el Ripieno (tutti) formado por la cuerda completa màs el bajo continuo. Este diálogo entre ambos grupos es uno de los pilares formales de la obra, además de un equilibrio formal, una tonalidad firmemente establecida (Re mayor) y una claridad estructural dentro de un contrapunto controlado. Forma basada en secciones contrastantes, no en desarrollo temático (a diferencia del clasicismo) con importancia del ritmo armónico más que del virtuosismo extremo
Estructura: I (0´00´´) ADAGIO (Re mayor) de carácter solemne y expresivo con textura homofónica y acordes sostenidos, que cumple una función introductoria con una armonía clara que no sigue una forma cerrada estricta, sino una estructura libre y retórica .-. II (0`20``) ALLEGRO. Se trata de un movimiento vivo y contrapuntístico con una escritura imitativa, cercana al estilo fugado alternando episodios del concertino con intervenciones del ripieno basándose en un principio de ritornello, aunque aún no plenamente codificado como en Vivaldi .-. III (3`30``) ADAGIO. Es un movimiento breve y lírico con contraste expresivo con el Allegro precedente; de textura más ligera y con énfasis en el discurso melódico con la función de transición y reposo armónico .-. IV (5`03``) ALLEGRO y CODA (6`08``) Movimiento de final enérgico con ritmo regular y mayor protagonismo del tutti; todo ello con una escritura más homofónica, con episodios contrastantes y con cierre afirmativo en la tonalidad principal.
Hoy nos lo ofrece el ensemble instrumental de música antigua de San Francisco Voices of Music
Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida, fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores posteriores; pues, incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.
La Sinfonía n.º 3 en Fa mayor, op. 90 fue compuesta en 1883 en Wiesbaden y estrenada el mismo año en Viena; en términos generales podemos decir que es una sinfonía más lírica, concentrada e introspectiva que las sinfonías 1ª y 2ª, distinguiéndose por la unidad motívica entre movimientos, por un final no triunfal, sino sereno y contenido y un equilibrio entre tradición clásica (forma) y lenguaje romántico (armonía, expresión). La Sinfonía n.º 3 de Brahms, con una síntesis madura entre forma clásica y expresión romántica, representa una obra de gran unidad interna, tanto motívica como expresiva y un enfoque anti-retórico, donde la fuerza, mediante una orquestación sobria y equilibrada, reside en la contención y profundidad.
Su estructura consta de cuatro movimientos: I (0`13``) ALLEGRO CON BRIO en Fa mayor con forma sonata: a) Exposición (Introducción inmediata sin preludio lento): Primer tema de carácter heroico, decidido, rítmicamente firme con uso intensivo de síncopas y hemiolias. Segundo tema de carácter lírico, cantábile y contrastante con el primer tema; b) Desarrollo muy concentrado y denso con fragmentación del motivo inicial y modulaciones y cromatismos frecuentes; c) Reexposición: Retorno del primer tema en Fa mayor; el segundo tema reaparece también en Fa mayor (ajuste clásico). d) Coda breve pero enérgica y reafirmación del carácter heroico inicial .-. II (13`14``) ANDANTE con forma ternaria (A–B–A’): a) Sección A. Tema sereno y noble, presentado por maderas con un fraseo amplio y equilibrado; b) Sección B con modulaciones hacia tonalidades menores y con mayor densidad contrapuntística; c) Sección A’. Retorno del tema inicial, con variaciones tímbricas dentro de un carácter más contemplativo. Movimiento de reposo y equilibrio, sin dramatismo excesivo .-. III (22`04``) POCO ALLEGRETTO también en forma ternaria (A–B–A) sustituyendo al scherzo tradicional); a) Sección A. Tema melancólico y cantabile que comienzan los violonchelos con un ritmo balanceado, casi de danza lenta, y de carácter nostálgico; b) Sección B. Mayor luminosidad y expansión melódica con contraste expresivo, aunque sin ruptura brusca; c) A`. Vuelta al clima íntimo inicial con una textura suavizada. Es uno de los movimientos más líricos de Brahms .-. IV (29`17``) ALLEGRO – UN POCO SOSTENUTO en forma sonata modificada; a) Exposición: Primer tema agitado, rítmicamente incisivo. Segundo tema más lírico, en tonalidad mayor y en contraste emocional claro; b) Desarrollo dramático pero contenido con intensificación rítmica y armónica y con la reaparición fragmentada del motivo cíclico; c) Reexposición con resolución progresiva hacia Fa mayor y con disminución de la tensión. Coda. Carácter inusualmente sereno y final íntimo, sin grandiosidad triunfal.
Hoy nos la ofrece la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa conducida por el maestro estadounidense Robert Treviño.
Philip Sparke (1951, Londres) es un compositor, director y músico británico cuya carrera ha definido el estándar moderno de la música para conjuntos de viento. Se formó en el Royal College of Music de Londres, donde estudió trompeta, piano y composición. Durante sus años de estudiante se interesó por las Bandas de Música, al tocar en la Orquesta de Viento del Conservatorio y formar una Brass Band propia con otros estudiantes. Sparke ha admitido influencias que van desde los clásicos como Bach hasta la música pop de The Beatles y el jazz de Leonard Bernstein, a lo que hay que destacar que utiliza la percusión no sólo como acompañamiento, sino como una sección melódica y rítmica fundamental que da color y energía a la banda. Su catálogo es inmenso y abarca desde piezas de concurso extremadamente difíciles hasta obras educativas; todas ellas, muy exigentes con los solistas, especialmente con los metales (bombardinos y cornetas).
Harlequin es una obra contemporánea para euphonium (bombardino) y, en algunas versiones, piano, banda de metales o banda de concierto, compuesta por Philip Sparke, compositor británico muy conocido por su contribución al repertorio de música para bandas y solistas de viento metal. Es una obra encargada y dedicada al virtuoso del bombardino David Childs, quien la estrenó en marzo de 2005 con la banda BAYV, dirigida por Robert Childs (su padre) durante un concierto del All England Masters International Championship. La música toma su inspiración de las máscaras felices y tristes de la Commedia dell’Arte —tradición teatral italiana en la que el personaje de Harlequín es central— y refleja esa dualidad emocional en su estructura musical. La pieza se divide en dos movimientos contrastantes: I (0`07``) UNA BALADA LENTA con carácter modal, expresiva y lírica. II (4`36``) UN MOVIMIENTO MÁS RÁPIDO y frenético, que muestra un virtuosismo técnico y energía contrastante. La obra está diseñada como un showpiece, con líneas solistas prominentes que muestran tanto la expresividad como la destreza técnica, además de mostrar un contraste de estados de ánimo: el tratamiento de texturas y estilos refleja la naturaleza dual de Harlequín —humor y melancolía— lo que hace la obra musicalmente atractiva y dramática, obra que requiere capacidad técnica elevada, buena musicalidad y resistencia del intérprete, especialmente en el movimiento rápido. Harlequin se ha convertido en una obra muy apreciada dentro del repertorio contemporáneo para bombardino, frecuentemente interpretada en concursos, recitales y conciertos de bandas. Por su dificultad, suele elegirse para solistas avanzados o como pieza de concurso.
Hoy la Societat Musical de La Llosa de Ranes conducida por el maestro Rafa Grau acompaña al bombardinista Sergio Garrido.
Judit Varga es una compositora húngara contemporánea nacida en 1979, conocida por su obra sinfónica, de cámara y vocal, así como por su trabajo como pianista y profesora de composición. Judit Varga posee una carrera activa en Europa, especialmente en Viena y Budapest. Estudió composición y piano en instituciones como la Liszt Ferenc Academy of Music y la University of Music and Performing Arts Vienna y ha recibido varios premios y encargos por su obra. Su repertorio abarca música instrumental, orquestal, vocal, música teatral y composiciones para cine, destacando por su voz compositiva personal que puede ser tanto accesible como sofisticada desde una perspectiva contemporánea. Es una compositora muy reconocida internacionalmente, que vive entre Hungría y Austria, cuya música se caracteriza por una gran intensidad dramática y uso expresivo del timbre.
Urlicht für Alt und Orchester. Es una obra compuesta en 2015 para contralto y orquesta como encargo de la Ópera Estatal Húngara para el Concierto de Año Nuevo. La obra, como otras muchas de Varga, forma parte de su producción dentro de la música clásica contemporánea, donde explora texturas orquestales ricas y un lenguaje expresivo que combina tradición y modernidad. “Urlicht” es una palabra alemana compuesta por “Ur” que hace referencia a algo primigenio, originario o esencial y “Licht” que significa “luz”. Por tanto, Urlicht se traduce comúnmente como “Luz primigenia”, “Luz originaria” o “Luz primordial”. Esta traducción refleja una idea de luz en su sentido más básico y esencial, algo anterior a cualquier luz física concreta, casi espiritual o simbólica. Este término se ha usado históricamente en música (por ejemplo, en el famoso Urlicht de Gustav Mahler dentro de su Sinfonía n.º 2, “Resurrección”) para evocar una luz espiritual que guía o ilumina más allá del mundo terrenal. Aunque no hay análisis crítico detallado ampliamente publicado sobre Urlicht, se puede situar esta pieza dentro del estilo general de Varga, el cual se caracteriza por la exploración de sonoridades contemporáneas, con texturas orquestales ricas e imaginativas, atención expresiva a la voz humana, integrando la línea vocal de manera cohesiva con la orquesta, combinación de elementos líricos y estructuras modernas, típica de la estética actual en la composición contemporánea.
Hoy la contralto Szilvia Vörös acompañada por la Hungarian State Opera Orchestra conducida por el maestro Péter Halász nos ofrece la obra de música clásica contemporánea/música nueva, Urlicht für Alt und Orchester.
Sugerencias de música para todos los gustos
Charles Mingus (1922-1979) fue un contrabajista, compositor, director de big band y pianista estadounidense de jazz, además de activista contra el racismo. Su madre falleció apenas seis meses después del parto, quedando Mingus a cargo de una madrastra que en el hogar únicamente permitía música relacionada con la iglesia. En 1942 consiguió algunas actuaciones con Louis Armstrong y completó su formación teórica y práctica con el contrabajista Herman Rheinshagen debutando como compositor en la orquesta de Lionel Hampton en 1947. En 1956 grabó su primera obra importante: Pithecanthropus Erectus, enraizada al mismo tiempo en los compositores clásicos del siglo XX y en el blues y la música religiosa afroamericana.
En 1963 publica The Black Saint and the Sinner Lady, que hoy frecemos, una obra maestra de múltiples secciones, descrita como "uno de los mayores logros en la orquestación por cualquier compositor en la historia del jazz". La obra es un álbum de jazz grabado en 1963 por Charles Mingus, que consiste en una suite dividida en seis partes interpretada por una banda de once músicos. El álbum está escrito como si de un ballet se tratara, contándose entre sus influencias compositores de jazz como Duke Ellington y la música latina. Las orquestaciones y el empleo de superposiciones y capas de instrumentos en el álbum hacen de este trabajo uno de los mejor considerados en ese aspecto.
Shreya Ghoshal (nacida el 12 de marzo de 1984 en Baharampur, India) es una de las cantantes de playback más célebres y respetadas de la India, conocida por su versatilidad, expresividad y dominio técnico tanto en música clásica como en contemporánea. Nació en 1984 y empezó a estudiar música clásica a los 4 años; su carrera despegó tras ganar el concurso de canto Sa Re Ga Ma Pa siendo apenas una adolescente. Debutó profesionalmente en 2002 con canciones para la película Devdas; ese inicio la convirtió en una sensación instantánea. Su repertorio abarca baladas románticas, temas clásicos o con influencia tradicional y canciones folk y contemporáneas. Ha cantado en múltiples idiomas incluyendo hindi, bengalí, tamil, maratí, telugu, kannada y malayalam, entre otros.
Shreya está entre las artistas más premiadas de la India con cinco National Film Awards (uno de los mayores honores en cine musical de India), siete Filmfare Awards y diez Filmfare South Awards por mejor cantante femenina y récords en premios IIFA como la mayor cantidad de galardones en la categoría de Mejor Playback Femenina. Ha sido la artista india más reproducida en Spotify con millones de oyentes mensuales y enormes vistas en YouTube; ha actuado en grandes escenarios internacionales como el Royal Albert Hall y el Sydney Opera House. Los admiradores valoran su timbre emotivo, su técnica clásica impecable y su capacidad para conectar emocionalmente con cada canción. Su voz se ha convertido en parte fundamental de la banda sonora de muchas películas populares de Bollywood y cine regional.
Fermin Muguruza (1963) es un cantante y director de cine vasco nacido en Irun (Gipuzkoa). Con su hermano Iñigo fundó el grupo Kortatu, uno de los grupos más relevantes del Rock Radical Vasco; tras deshacerse el grupo, fundaron Negu Gorriak y tras la desaparición de éste, continuó su carrera en solitario con recitales en numerosos países europeos, americanos y asiáticos, además de otras actuaciones en colaboración con distintos artistas de talla internacional. De ideología abertzale e internacionalista, se ha comprometido y colaborado con distintas entidades sociales y políticas vascas e internacionales y está considerado como una de las figuras más influyentes del panorama musical vasco.
Brigadistak Sound System : 00:00 • "Urrun" 04:37 • "Hitza Har Dezagun" 09:17 • "Newroz" 14:05 • "Puzka" 17:57 • "Harria" 20:58 • "Lagun Nazakezu" 25:09 • "Eguraldi Lainotsua Hiriburuan" 31:06 • "Maputxe" 35:36 • "Brigadistak" 39:15 • "Oasiko Erregina" 43:08 • "54-46" 47:44 • "Ari Du Hotza" 52:54 • "Nazio Ibiltaria Naiz" 58:49 • "Urrun Dub"
Shakira (1977) es una compositora y cantante colombiana, que ha alcanzado un puesto preponderante tanto en castellano como en inglés. Hija de padre de ascendencia libanesa (“Shakira” es un nombre árabe que significa “llena de gracia”) y madre colombiana con antepasados catalanes, a los once años resultó ganadora del concurso televisivo Buscando artista infantil, premio que repetiría los siguientes dos años. Con 16 años fue invitada a participar en el Festival de la Canción de Viña del Mar y en 2010 fue la artista que cerró el Mundial de Fútbol de Sudáfrica. Creadora de la Fundación Pies Descalzos, dedicada a ayudar a niños víctimas de la violencia en Colombia y ALAS (América Latina en Acción Solidaria), dedica parte de su tiempo y dinero a causas solidarias.
Sugerencias de videos peculiares
Maurice Ravel (1875-1937) nacido en Ziburu/Ciboure (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy y viceversa. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión cerca de París, donde se daban cita, eminentes músicos e intelectuales. Respecto a su sexualidad, algunos de sus biógrafos afirman que Ravel estaba obsesionado por su madre, lo que había provocado en él una suerte de asexualidad que le impidió mantener relaciones íntimas con mujeres u hombres.
Daphnis et Chloé es un ballet con música de Maurice Ravel, quien la describió como una symphonie choréographique (“sinfonía coreográfica”). El guion fue adaptado por Michel Fokine a partir de una novela del mismo título del escritor griego Longo (finales del siglo II-comienzos del III d. C.). Se trata del descubrimiento del amor por parte de dos jóvenes, un cabrero y una pastora, que tras diversas peripecias (presencia de un admirador de Cloe, Dorcón, y de una prostituta que tienta a Dafnis, Liceion; rapto de Cloe por los piratas ...), se produce un final feliz con la boda de los protagonistas. Ravel comenzó a trabajar en la partitura en 1909 por encargo de Serguéi Diáguilev. El ballet se estrenó en el Théâtre du Châtelet de París por los Ballets Rusos el 8 de junio de 1912.
Hoy nos lo ofrecen Anjara Ballesteros-Cilla y Jeroen Verbruggen acompañad@s por Les Ballets de Monte-Carlo.
La Comberintze de Martigny-Combe es una sociedad folclórica tradicional de la comuna suiza de Martin-Combe (en el cantón del Valais, Suiza) dedicada principalmente a la música, la danza y la preservación del patrimonio cultural regional. Es un grupo folklórico fundado en 1947 con el objetivo de estudiar, desarrollar y promover las danzas, la música y los trajes tradicionales de la región, para lo que busca hacer revivir las tradiciones del valle de la Combe, recuperando bailes que se practicaban en siglos pasados. Ensayan y presentan danzas y músicas folklóricas típicas del Valais, muchas de ellas reconstituidas a partir de trajes y costumbres antiguas, utilizando trajes tradicionales basados en vestimentas del siglo XIX, confirmados por estudios de museos. La sociedad, formada por músic@s, bailarinas/es adult@s y niñ@s participa en festivales folklóricos locales e internacionales, representando a Martigny-Combe y su cultura. El grupo está considerado como un embajador cultural de su región.
Hoy asistimos a una de sus cuidadas actuaciones.
La danza tradicional japonesa se refiere a las diferentes expresiones artísticas de danza realizadas en dicho país. Se divide en dos formas principales: Odori (踊り?), originado en el período Edo; y el Mai (舞?), desarrollado en la parte oeste de Japón. El Odori se desarrolló fuera del escenario teatral Kabuki y es orientado más a los sentimientos masculinos; mientras que el Mai es desarrollado en las habitaciones en vez del escenario, y fue influido por el teatro Nō. Existe una variante del Mai llamado Kyomai o danza de estilo Kioto. Se desarrolló en la era Tokugawa durante el siglo XVII y tiene una fuerte influencia en la sofisticación y glamour de los hábitos de la Corte Imperial de Kioto.
“Algunos tontos bailan y otros tontos miran. Eres un tonto de todos modos, así que ¿por qué no bailar? son las palabras del famoso Awa Odori. Este vídeo presenta la danza y una interpretación de 2014 inspirada en sus raíces budistas. (Extractado del comentario del pie del vídeo)
El Zapin es una danza tradicional malaya muy popular en Singapur, así como en otras partes del sudeste asiático como Malasia e Indonesia. Es parte del patrimonio cultural inmaterial de la comunidad malaya y se practica tanto como arte escénico como en celebraciones sociales. El Zapin es una danza con movimientos de baile coreografiados al ritmo de instrumentos tradicionales como el gambus (laúd corto de origen árabe), la acordeón, rebana (tambor), violín, marwas y seruling (flauta). La palabra zapin deriva del término árabe “zafn”, que hace referencia a movimientos rápidos de pies al compás de la música; concepto originalmente introducido en el archipiélago malayo por comerciantes y misioneros procedentes del Yemen/Hadramaut durante la Edad Media, combinando influencias árabes con tradiciones locales malayas. Es una danza enérgica y animada con pasos rítmicos, intercalando movimientos corporales inspirados en la naturaleza y la vida cotidiana. Tradicionalmente sólo los hombres la practicaban; pero hoy en día es común ver hombres y mujeres bailando juntos. En Singapur, el Zapin fue originalmente escenificado en rituales familiares importantes como bodas y ceremonias de iniciación, pero con el tiempo se volvió una expresión simbólica de la cultura malaya local. El Zapin no es sólo entretenimiento; sus movimientos, música y letras suelen transmitir valores culturales y sociales, como la humildad, la hospitalidad y la comunidad, reflejando la identidad de la cultura malaya.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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