el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
La noche del 19 al 20 de Enero comienza la Tamborrada donostiarra
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Raimundo Sarriegi (1813-1913) fue un músico donostiarra autor de obras para coro, para txistu, y alguna zarzuela; pero sobre todo, autor de la mayoría de las composiciones de la tamborrada de San Sebastián. Nació en un caserío (llamado "Etxeberri" o "Kojaenea") del barrio de Egia de San Sebastián/Donostia, a finales de la primera guerra carlista en el seno de una familia de labradores; aunque durante muchos años se creyó que era natural de la calle Puyuelo (actual Fermín Calbetón) de la Parte Vieja. Desde pequeño estuvo relacionado con la música; comenzó siendo tiple en la Iglesia de Santa María y posteriormente fue reconocido tenor en la Parroquia de San Vicente. Fue discípulo del maestro José Juan Santesteban el “maixua” y su alumno preferido.
Creó y dirigió su propia charanga, “La Cítara”, y colaboró con el movimiento musical donostiarra de aquella época, “La Euterpe”. Compuso música para el Carnaval Donostiarra, como la Comparsa del Dios Momo, Comparsa de los Caldereros de la Hungría, Comparsa de Iñudes y Artzaias, Caballería de Gallos, Caballería de viejas, Entierro de la Sardina… Sus obras más conocidas son, por supuesto, los Tatiago, Iriyarena… que forman la Comparsa de la Tamborrada; en 1861, sin cumplir todavía 23 años, compuso la Marcha de San Sebastián; también escribió otro tipo de obras musicales como la zarzuela “Pasayan” o “Petra Chardiñ saltzallia”. Asimismo, compuso obras para coro, como “Beti maite” ó “Illunabarra”, ésta con letra del poeta tolosarra Ramón Artola; igualmente escribió para txistu un “Contrapás” dedicado a su ahijado Eusebio Basurko, un “Minueto”, o el conocido “Alkate soñua” que hoy en día interpreta la Banda Municipal de Txistularis cuando acompaña al Ayuntamiento donostiarra en corporación. Fue el compositor de la música popular donostiarra, música que el pueblo escuchaba, cantaba y bailaba con alegría y sencillez. Tiene una plaza y un monumento en su honor en la Parte Vieja de San Sebastián.
La Tamborrada de San Sebastián es la fiesta de tambores con la que Donostia celebra a su patrón San Sebastián desde las 0,00 horas del día 20 de Enero. En el año 1597 se produjo una epidemia de peste en Pasajes, entonces barrio de San Sebastián; l@s vecin@s se dirigieron a la Iglesia de San Sebastián a dirigirle sus oraciones, tras las que la epidemia fue desapareciendo; por lo que l@s vecin@s le tomaron como Patrón de la ciudad prometiendo festejar su fecha. La Tamborrada fue al principio un preludio de Carnavales, pues ya en 1835 una comparsa de carnaval, en la que cada cual se disfrazaba a su antojo, salía hacia las cinco de la mañana del día 20 a modo de diana; para esta comparsa es para la que Sarriegi compuso sus obras de tamborrada que ampliaría para otras comparsas de Carnavales. En 1881 el Ayuntamiento regaló unos tambores y unos uniformes napoleónicos que se conservaban en el Cuartel de San Telmo; cinco años después se añadirían los barriles que vienen a simbolizar a l@s vecin@s de la ciudad. El número de compañías fue aumentando poco a poco hasta llegar a 16 en 1976 y a 143 en 2018. Además, en 1927 desfiló por primera vez la Tamborrada Infantil que en la actualidad llega a reunir a más de 5000 niñ@s. Hoy día, la fiesta comienza a las 0,00 horas del día 20 de Enero en la Plaza de la Constitución con la Izada de la bandera de la ciudad y la interpretación de la Marcha de San Sebastián para terminar a las 24,00 horas.
En el presente vídeo ofrecemos la Marcha de San Sebastián del maestro Sarriegi en versión del Orfeón Donostiarra acompañado de la Sinfónica de Euskadi, bajo la dirección de Víctor Pablo Pérez.
El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809), cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el Clasicismo. Al apreciar sus padres las cualidades de su hijo para la música, a los seis años le enviaron a Hainburg (a once kilómetros de la residencia paterna) con un pariente para que realizase sus estudios musicales de clavecín y violín. Tras dos años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz se quedó sin coro y sin techo, por lo que tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos. Estudió composición de modo autodidacta analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach y empezó a abrirse camino con la composición de sus primeros cuartetos y su primera ópera. Mantuvo una estrecha amistad con Mozart, además de ser profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata, del desarrollo del trío con piano y, sobre todo, de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.
El Concierto para trompeta, cuyo primer movimiento hoy ofrecemos, consta de tres movimientos (rápido-lento-rápido), como entonces era habitual; al final del movimiento, podemos apreciar la cadenza (5´29´´) propia de la forma musical concierto. La cadenza, que a veces hay más de una, suele ir normalmente al final del primer movimiento, como en el caso presente; en ella, la/el solista se exhibe libremente y sin acompañamiento alguno, haciendo gala de sus habilidades.
Nuestra solista de hoy es Alison Balsom (1978), trompetista inglesa que, pese a su juventud, fue nombrada en 2013 como Artista del año por la Gramophone Awards; en 2009 actúo como solista en las noches de los Proms de Londres. Ha sido galardonada con doctorados honorarios de la Universidad de Leicester y la Universidad Anglia Ruskin y es miembro honorario de la Guildhall School of Music and Drama.
Enrique Granados Campiña (Lleida/Lérida, 27 de julio de 1867- Canal de la Mancha, 24 de marzo de 1916) fue un compositor, pianista y pedagogo vinculado a los movimientos modernistas. Es conocido principalmente por su obra pianística, especialmente por la suite Goyescas (1911), en la que basó también la ópera homónima. Creó la escuela de piano en Barcelona, que ha producido figuras tan relevantes como Frank Marshall, Monserrat Torrent, Narcisa Freixas, Rosa Sabater, Alicia de Larrocha, Albert Attenelle y Douglas Riva. Se le suele encuadrar en los movimientos modernistas, especialmente en el simbolismo. Murió en el naufragio de la nave Sussex, en el Canal de la Mancha, al ser torpedeada por la armada alemana en el transcurso de la Primera Guerra Mundial. El fondo personal de Enrique Granados se conserva en la Biblioteca de Cataluña y en el Museo de la Música de Barcelona.
Las Doce danzas españolas, Op. 37 para piano son una serie de doce piezas pianísticas compuestas por el compositor Enrique Granados. Se desconocen las fechas exactas de composición de cada una de ellas, si bien se cree que fueron escritas entre 1892 y 1900. El propio compositor declaró que la mayoría son de 1883 (cuando contaba 16 años). Cabe la posibilidad de que, por otro lado, escritas en fechas tempranas, fuesen perfeccionadas más tarde por Granados, lo cual haría compatibles dos de sus cualidades: por una parte, su sencillez de escritura, generalmente tripartita A-B-A, alejada de las complejidades de su obra insigne Goyescas, lleva a pensar que son obras de juventud; por otra parte, la maestría, la elegancia y el dominio rítmico indicarían que estamos ante un compositor maduro. Estas danzas constituyen una gran aportación a la música nacionalista española para piano del siglo XIX, siendo otra serie de obras ya mencionadas como Goyescas su máxima aportación. En versión orquestal se interpretan las danzas n°. 2 "oriental", n°. 5 "andaluza" y n°. 6 "rondalla aragonesa", bajo el nombre de Tres danzas españolas.
Danza española n.º 5, denominada Andaluza o Playera, es un andantino, casi allegretto. Es la más conocida de todas estas danzas y tiene cierto clima flamenco, por lp que recibe la primera apelación. La mano izquierda hace una especie de punteado que recuerda el rasgueo de la guitarra.
El acordeón es un instrumento musical armónico de viento, constituido por un fuelle, un diapasón y dos cajas armónicas de madera. En sus dos extremos el fuelle está cerrado por las cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene además un diapasón con una disposición de teclas que pueden ser como el de un piano (acordeón a piano) o teclas redondas (también llamadas botones); la parte de la mano izquierda tiene botones en ambos tipos de acordeón para tocar los bajos y los acordes de acompañamiento.
Hoy, en versión para acordeón, la acordeonista canaria Sofía Ros nos ofrece la Danza española n.º 5 de Granados.
Vani Harikrishna es una cantante, compositora y directora musical de playback cinematográfico indio, que actualmente trabaja para el cine del Sur de la India, principalmente para películas del cine en idioma kannada. Ella ha compuesto, escrito e interpretado varias canciones devocionales antes de dedicarse como cantante de playback. Fue ganadora al Premio del Estado de Karnataka para su interpretación de su tema musical titulado "Madhuvana Karedare", que fue interpretada para una película titulada "Inthi Ninna Preethiya". Vani debutó como compositora de cine en una película del 2013 titulada Loosegalu.
Mussanje Veleli es una emotiva balada del filme Addhuri (2012), compuesta por Vani Harikrishna y escrita por A.P. Arjun. Esta canción le valió a Vani varios premios, incluyendo el South Indian International Movie Award a la Mejor Cantante de Playback Femenina.
Sugerencias de música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) Hoy nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven. Fue un violinista, organista, director y compositor alemán, nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia. En 1703 obtiene su primer trabajo en Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, tras año y medio de viudedad, volvió a casarse con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin … y otros muchos renombrados compositores.
El catálogo de las obras de Bach o Bach-Werke-Verzeichnis, más conocido por sus siglas BWV, consta de un índice numerado de todos los trabajos del compositor ordenado temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental y utilizado por los académicos y músicos de todo el mundo. Dicho catálogo fue creado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder.
La Pasión según San Mateo es un oratorio escrito para voces solistas, doble coro y doble orquesta por Bach. Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo y es la obra más extensa del compositor. La obra se divide en dos grandes partes, entre las cuales tenía lugar el sermón y que corresponden, la primera, con el capítulo 26, y la segunda, con el capítulo 27 del evangelio de San Mateo. La narración del texto es cantado literalmente por un Evangelista, mientras el resto de los personajes de la trama (Cristo, Judas, Pedro, etc.) son encarnados por distintos solistas; por otro lado, el texto bíblico se encuentra musicalizado de forma relativamente sencilla en recitativos, mientras que los ariosos y las arias, largas y contemplativas, presentan nuevos textos poéticos que comentan los diversos eventos de la narración bíblica y dan un carácter más íntimo a la vida de Cristo. La Pasión según San Mateo fue interpretada el 15 de abril de 1729 (Viernes Santo) en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig bajo la dirección del compositor, en una representación para la cual Bach no pudo disponer de los recursos idóneos (en un memorándum al Consejo de la ciudad de Leipzig, se quejó de que únicamente 17 de los 54 miembros del coro hubieran estado a la altura). Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido (como, en general, toda la obra del compositor) y no fue hasta 1829 cuando Mendelssohn volvió a interpretarla con la Sing-Akademie de Berlín en una versión abreviada. La reinterpretación de esta obra dio inicio a un fuerte interés por el estudio y el análisis de las obras de Bach, particularmente las de gran escala, que ha persistido hasta nuestros días.
El coro inicial de la Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach ("Kommt, ihr Töchter, helft mir klagen") es una de las obras más conmovedoras y magistrales del repertorio sacro barroco. Desde el inicio se establece un tono de lamentación profunda, recogimiento y reverencia. Bach no sólo busca narrar la pasión de Cristo, sino hacerla vivencia emocional del oyente y para ello utiliza dos coros y dos orquestas, que dialogan entre sí, lo que crea un efecto dramático, casi teatral.
Leopold Kozeluch (1747 - 1818) fue un compositor checo. Terminada su formación musical en Praga con František Xaver Dušek (1731-1799), llegó a Viena en 1778 donde ejerció de profesor de piano con alumnos como Josef M. Wolfram, Ignaz von Seyfried, Maria Theresia von Paradis, Isabel Guillermina de Wurtemberg (primera esposa del emperador Francisco I de Austria) o María Luisa de Austria (hija del emperador y segunda esposa de Napoleón I). Durante 1790, sus obras se interpretaron en Londres junto a las de Joseph Haydn. En 1792, sucedió, tras la muerte del compositor, a Mozart como maestro de capilla adjunto y compositor de la Corte imperial de Austria hasta 1813, siendo posteriormente reemplazado por Franz Krommer. Entre sus composiciones hay un oratorio (Moisés en Egipto), 6 óperas, 11 sinfonías, 22 conciertos para piano y algunas sonatas también para piano.
El Concierto para piano a cuatro manos de Kozeluch está articulado en tres movimientos, como es habitual en el Clasicismo: I (0´30´´) ALLEGRO .-. II (10´50´´) ADAGIO .-. III (17´29´´) RONDO: ALLEGRETTO.
La interpretación que hoy presentamos corresponde a l@s pianistas Roberto Arosio y Alessandra Gelfini, que están acompañad@s por la Camerata dei Castelli, conducida por el maestro británico Andreas Laake
Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
Sinfonía. La palabra sinfonía deriva del latín symphonĭa y esta a su vez del griego συμφωνία (symphōnía), que significa “consonancia” en oposición a διαφωνία (diaphōnia), que significa «disonancia». En la Edad Media y más tarde, la palabra sinfonía se usó para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente; en el sentido de «sonar juntos», la palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de compositores del siglo XVI y del XVII y a finales del siglo XVIII la palabra ya había adquirido el significado común que en la actualidad se le asigna: una obra que generalmente consta de cuatro secciones o movimientos distintos y compuesta la mayoría de las veces para orquesta.
La Sinfonía n.º 4 en fa menor, Op. 36 de Piotr Ilich Chaikovski fue compuesta entre 1877 y 1878. Durante la composición de la sinfonía, Chaikovski escribió a su mecenas, Nadezhda von Meck, que deseaba «muchísimo» dedicársela a ella, y que haría constar en la partitura «Dedicada a mi mejor amiga». Había comenzado a componer la sinfonía poco después de que Meck entrara en su vida. Lo completaría después de su catastrófico matrimonio, y afirmó que encontraría en ella «un eco de tus pensamientos y emociones más íntimos». El estreno tuvo lugar en un concierto de la Sociedad Musical Rusa en San Petersburgo el 10 de febrero (calendario juliano) o 22 de febrero (calendario gregoriano) de 1878; con dirección de Nikolái Rubinstein.
La sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I (0´21´) ANDANTE SOSTENUTO-MODERATO CON ANIMA-MODERATO ASSAI, QUASI ANDANTE-ALLEGRO VIVO.-. II (18´38´´) ANDANTINO IN MODO DI CANZONA.-. III (29´08´´) SCHERZO: PIZZICATO OSTINATO-ALLEGRO.-. IV (34´25´´) FINALE: ALLEGRO CON FUOCO.
Hoy nos la ofrece la Gyeonggi Philharmonic Orchestra bajo la batuta de la maestra coreana Shiyeon Sung.
Darius Milhaud (1892–1974) fue un compositor francés que se caracteriza por el empleo de la politonalidad y de patrones rítmicos derivados del jazz. En 1916 viaja a Brasil como secretario de Paul Claudel, entonces embajador; allí escribe las Saudades do Brasil, Scaramouche, Le Bœuf sur le toit y el poema coreográfico L’Homme et son desir. En 1918 regresa a Francia, entabla amistad con Erik Satie y entra a formar parte del grupo de Los Seis. En 1940 huyó de la ocupación de Francia por los nazis y se traslada a USA, donde permanece hasta 1947 para trabajar como profesor honorario de composición en el Conservatorio de París. Escribió más de 400 obras de todo tipo de géneros musicales desde música de cámara hasta obras corales, sinfonías, óperas o música incidental.
Los Seis («Les Six») fue un grupo francés de músicos de principios de la primera mitad del siglo XX compuesto por: Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre (única mujer del grupo), Jean Cocteau (único de ellos que no era músico, sino que era el representante artístico), Erik Satie (que abandonaría el grupo en 1918). En el taller del pintor Lejeune en Montparnasse se reunió por primera vez el grupo que Erik Satie bautizó como «Los Nuevos Jóvenes» («les Nouveaux Jeunes»), con un programa que se resumía en un único objetivo también formulado por Satie: «Estas sociedades, la Nacional, la S. M. I., tocan la música de otros; nosotros haremos una sociedad para tocar nuestra música». Su música se revelaba fundamentalmente contra el impresionismo y el wagnerismo; y aunque escribieron alguna obra colectivamente, cada uno derivó en un estilo propio y personal. Tras numerosas desavenencias, no se volvieron a ver más después de 1930, rehusando dar explicaciones.
Concierto para percusión y pequeña orquesta es uno de los primeros conciertos escritos para un solista de percusión, y es una de las piezas más interpretadas del repertorio; fue escrito en París para percusión y una pequeña orquesta. Al ser escrita en la década de 1920, esta pieza vio la luz en el apogeo de la música de jazz; sin embargo, Milhaud tenía la intención de no incluir ideologías de jazz en su música; en esta obra contrarrestó el estilo de jazz al componerla en una forma politonal. Las ideas de percusión utilizadas en esta pieza no están compuestas con un enfoque solista; sino que toda la sección de percusión es interpretada por una sola persona.
La obra consta de dos movimientos: I VIF, RUDE ET DRAMATIQUE (0´21´´) Movimiento duro y dramático asentado en armonías politonales .-. II MODÉRÉ (3´09´´) Movimiento lírico, contrastante con el anterior y protagonizado por pequeños solos de distintos instrumentos interrumpidos en la sección final por reducidos recuerdos al tema inicial. Como solista hoy nos acompaña la maestra percusionista Laura Trompetter. (Extractos del artículo de Elizabeth Kosko , 2010)
Tambores de Donostia
El tambor es un instrumento de percusión de sonido indeterminado, perteneciente a la familia de los membranófonos (la vibración del instrumento se obtiene en una membrana hecha de piel o materiales sintéticos). Consta de una caja de resonancia, que suele ser de forma cilíndrica, y una membrana llamada parche, que cubre la abertura de la caja. Algunos tipos de tambores tienen parches en ambos lados y el sonido se obtiene habitualmente al golpear el instrumento en el parche con la mano o con baquetas. Por otro lado, y sobre todo en el lenguaje coloquial, la palabra tambor se aplica también a otros instrumentos de percusión que no son membranófonos sino idiófonos (el sonido se obtiene mediante la vibración del propio cuerpo instrumental); en el caso de la Tamborrada donostiarra, los barriles de madera de l@s replicantes. De aquí se deduce que, para que se considere un tambor, es más determinante el hecho de la percusión que el que posea membranas vibrantes.
Tambores del mundo
Un instrumento de percusión es un tipo de instrumento musical que suena al ser golpeado, agitado o raspado por una baqueta, mazo o palillo incluyendo batidores adjuntos o cerrados o sonajeros golpeados, raspados o frotados con la mano o golpeados contra otro instrumento similar. La sección de percusión de una orquesta suele contener instrumentos como los timbales, el bombo, los platillos, el triángulo y la pandereta. Sin embargo, la sección también puede contener instrumentos no percutivos, como silbato y sirena, o una caracola soplada. Las técnicas de percusión pueden aplicarse incluso al propio cuerpo humano, como en la percusión corporal. La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las distintas baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión. Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam o caja vallenata, entre otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono).
Grupo de percusión es un conjunto musical compuesto principalmente por instrumentos de percusión, que pueden ser tanto de percusión afinada (como marimba, vibráfono o timbales) como no afinada (como tambores, platillos, bongós, cajón, etc.) y que puede incluir instrumentos tradicionales (batería, congas, timbales o instrumentos folklóricos) como no tradicionales (objetos cotidianos o electrónicos). El eje central de estos grupos está en la creación de ritmos, texturas y timbres o en el acompañamiento de otros grupos de instrumentos.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
