el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
3 de Marzo Matanza fascista en Vitoria/Gasteiz
4 de Marzo nace Vivaldi
7 de Marzo Nace Ravel 8 de Marzo Día Internacional de la Mujer
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Lluis Llach (1948) es un cantautor catalán promotor junto con otr@s compañer@s de la Nova cançó catalana y autor de diversas canciones reivindicativas en la época franquista. En 1969 ofrece un recital en solitario en el Palau de la Música dejando manifiesta su popularidad entre la población de todas las edades. En 1973 actúa en el Olimpia de París con un gran éxito de público y crítica; en esta época actuó también en Suiza, Alemania y México. En 1976, tras la muerte de Franco, ofrece tres recitales en el Palacio de Deportes de Montjuïc. En 1979 es el primer cantante no operístico que actúa en el Liceo de Barcelona y en 1985 llena el Camp Nou con más de 100.000 espectadores. En 2007 decide dar fin a su carrera en un concierto ofrecido en Verges (Girona).
Campanades a Morts. El 3 de marzo de 1976, a las 17 horas y diez minutos, la Policía Nacional desalojó en Vitoria-Gazteiz la Iglesia de San Francisco de Asís donde estaban reunidos en asamblea 4.000 obreros en huelga; para ello utilizó gases lacrimógenos, pelotas de goma y fuego real matando a cinco personas e hiriendo a más de ciento cincuenta; en las protestas que siguieron a la matanza, la represión de las mismas acabó con la vida de otras dos personas. Los hechos, a pesar de estos 48 años transcurridos, aún no han sido ni enjuiciados ni investigados. En recuerdo de esta matanza, Lluis Llach compuso la canción que hoy ofrecemos interpretada por él mismo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas Cuatro estaciones, su obra más conocida. A lo largo de su vida compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.
Las Cuatro Estaciones es un conjunto de cuatro conciertos, uno por cada estación, para violín solista y orquesta de cuerdas; cada concierto está dividido en tres movimientos (I Rápido, II Lento, III Rápido); es la obra más apreciada de Vivaldi y una de las más populares de la Historia de la Música. En su día con la publicación de la obra adjuntó un folleto explicativo en el que describía detalladamente el desarrollo y significado de la música, al modo de lo que siglos más tarde se denominaría como Música Programática o descriptiva.
Primavera: I (0´04´´) ALLEGRO .-. II (3´31´´) LARGO .-. III (6´02´´) ALLEGRO .-. Verano: I (10´22´´) ALLEGRO NON MOLTO) .-. II (15´41´´) ADAGIO.-. III (17´54´´) PRESTO .-. Otoño: I (21´01´´) ALLEGRO .-. II (26´10´´) ADAGIO MOLTO .-. III (28´41´´) ALLEGRO .-. Invierno: I (32´05´´) ALLEGRO NON MOLTO .-. II (35´21´´) LARGO .-. III (37´00´´) ALLEGRO. Hoy nos lo ofrece la violinista neerlandesa Janine Jansen (1978) acompañada de la Amsterdam Sinfonietta.
Shin'ya Takahashi (n. 1962, Shinja, Japón) es un compositor japonés, que obtuvo su licenciatura y maestría en composición en el Kunitachi College of Music. Su March Beyond the Horizon fue seleccionada como pieza de prueba para el All-Japan Band Competition de 1999, y otra obra, Jalan-jalan , Vision of Isle of the Gods, en el estilo de gamelan (música tradicional indonesia), fue seleccionada como pieza de prueba para el Bavarian State Wind Band Festival de 2005. Su estilo compositivo emplea diversas influencias étnicas asiáticas como la cultura japonesa (Sharaku), el género tradicional del sudeste asiático gamelan (Jalan-jalan) o canciones folclóricas coreanas (Song of the Straits). También escribe para distintos niveles de habilidad ( Gold Rush!, Sunday Market y Weather Report ). Su marcha Wind for Winds tiene el aire relajado que permite presentar su obra a muchos conjuntos.
Keiko Kobayashi es una directora japonesa nacida en Tokio; se graduó en la Universidad de Yamanashi, con especialización en educación (música). Luego terminó un diplomado en dirección en Senzoku Gakuen College of Music y tomó en 2003 el Seminario de Dirección en Rohm Music Foundation. Ha dirigido muchas orquestas profesionales y conjuntos de viento, incluida la Ópera Schloss Hallwyl en Suiza, la Orquesta Sinfónica de Sri Lanka y la Orquesta de Viento Kosei de Tokio, entre otras; actúa, además, como pianista/acompañante activa y dirige con frecuencia musicales en el Nuevo Teatro Nacional de Tokio. Fue directora asistente de la Tokyo Kosei Wind Orchestra de 2004 a 2006; en 2007 ganó el primer premio en la clase magistral de dirección internacional en el Festival Internacional de Música de Viento Mid Europe; lanzó un DVD y otro CD con la Tokyo Kosei Wind Orchestra. Asumió un papel importante en la fundación de Colombo Wind Orchestra, la primera banda de viento en Sri. Lanka, y ha estado actuando con ellos desde 2012. Además de actuar con ellas, está invitada como jurado al Concurso de Bandas Sinfónicas de Asia y al Concurso de Bandas de Viento de Japón. (Extractado del artículo de WEBLIFE)
Jure Robežnik (23 de agosto de 1933 - 7 de octubre de 2022) fue un pianista y compositor esloveno que centró su atención, mayormente, en el jazz y la música popular. A pesar de no poseer educación académica musical, fue autor de más de ciento cincuenta piezas musicales .
Neža Torkar (1990) es una acordeonista eslovena, que realizó sus estudios de música y acordeón en Eslovenia y Alemania, habiendo ofrecido numerosos conciertos por media Europa como solista y como integrante de grupos de cámara. Ha obtenido importantes premios europeos como solista de acordeón.
Hoy le acompaña el grupo vocal esloveno de cinco mujeres Gallina ensemble.
Sugerencias de música clásica
Fanny Mendelssohn (Berlín 1805-1847) fue una compositora y pianista del Romanticismo temprano. Sus composiciones incluyen un trío para piano, un cuarteto para piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125 piezas para piano y más de 250 lieder, la mayoría de las cuales se publicaron de forma póstuma. Aunque fue elogiada por su destreza para tocar el piano, rara vez ofreció conciertos en público. Fanny creció en Berlín donde, junto a su hermano menor, Felix Mendelssohn, recibió una educación musical completa de profesores como Ludwig Berger y Carl Friedrich Zelter. Debido a la condición social de la mujer en su época, varias de sus obras fueron publicadas bajo el nombre de su hermano en sus colecciones opus 8 y 9.
Obertura en Do mayor. La compuso Fanny alrededor de 1830, para ser interpretada (como gran parte de su música) en los conciertos semanales en el hogar de la familia en Berlín. La partitura estuvo acumulando polvo en el Archivo Mendelssohn de esa ciudad, aparentemente desde la muerte de la compositora (si no más), hasta que Judith Rosen, miembro de la junta de la Filarmónica de Mujeres de San Francisco, negoció su publicación. Reconstruida a partir de una partitura desordenada y muy revisada escrita por la propia compositora, hoy la ofrecemos en versión de la maestra Mei-Ann Chen (1973) directora de orquesta taiwanesa y actualmente titular de la Chicago Sinfonietta (apuntes extractados del artículo de Don Anderson © 2019 para Arkansas Symphony Orchestra)
Gabriel Fauré (1845-1924) fue un compositor, pedagogo, organista y pianista francés, considerado como uno de los compositores franceses más destacados de su generación; su estilo musical influyó en muchos compositores del siglo XX. Entre sus obras más conocidas destacan la Pavana, el Réquiem, los Nocturnos para piano y las canciones Après un rêve y Clair de lune. Entre sus mentores se encontraba Camille Saint-Saëns, quien se convirtió en su amigo de por vida. Cuando alcanzó el éxito, ocupó los importantes cargos de organista de la iglesia de la Madeleine y director del Conservatorio de París. Su legado ha sido descrito como el enlace entre el final del Romanticismo con el Modernismo del segundo cuarto del siglo XX.
Requiem. En la liturgia romana, el Réquiem (del latín requiem, ‘descanso’), también llamado Misa de Réquiem (en latín, missa pro defunctis o missa defunctorum), es la misa de difuntos,; esto es, un ruego por las almas de los difuntos, llevado a cabo justo antes del entierro o en las ceremonias de recuerdo o conmemoración (en nuestro caso, en recuerdo de las víctimas de Gasteiz). Este servicio suelen observarlo también otras iglesias cristianas, como la Iglesia anglicana y la Iglesia ortodoxa. Su nombre proviene de las primeras palabras del introito: «Requiem æternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis» (‘Concédeles el descanso eterno, Señor, y que brille para ellos la luz perpetua’). Por extensión, réquiem es también el nombre que reciben más de cien composiciones musicales utilizadas principalmente para realzar estos servicios litúrgicos, así como también piezas de concierto.
El Réquiem en Re menor, Op. 48 de Gabriel Fauré, es una de las más populares Misas de Réquiem. Fue escrita entre 1886 y 1888, e interpretada por primera vez en la Iglesia de la Madeleine de París a comienzos de 1888 en Misas fúnebres, y, en mayo de ese año, ya como concierto. Considerada como una de las más hermosas Misas de Réquiem, es interpretada habitualmente por coro y orquesta. La pieza consta de siete partes y el texto es en latín: I (0´23´´) INTROIT ET KYRIE .-. II (7´18´´) OFFERTOIRE .-. III (15´05´´) SANCTUS .-. IV (18´38´´) PIE JESU .-. V (22´26´´) AGNUS DEI ET LUX AETERNA .-. VI (28´33´´) LIBERA ME .-. VII (33´16´´) IN PARADISUM. Notablemente innovadora, al escribirla, Fauré ajustó el tradicional orden litúrgico omitiendo la secuencia "Dies irae" y añadiendo el responsorio "In Paradisum", procedente del Oficio de Difuntos; desaparece, pues, el apocalíptico horror de la ira de Dios, y hay por el contrario una serena y definitiva visión confortable del Cielo.
Hoy lo ofrecemos en interpretación de la soprano Karina Gauvin, el barítono David Bizic, el Coro Accentus y el Ensemble Orchestral de Paris conducid@s tod@s ell@s por la insigne maestra francesa Laurence Equilbey.
Emilie Luise Friederika Mayer (1812- 1883) fue una compositora y escultora alemana del romanticismo. A pesar de que empezó sus estudios de composición relativamente tarde en su vida, fue una compositora prolífica muy reconocida en vida a lo largo de Europa, componiendo al menos 8 grandes sinfonías, 15 oberturas de concierto junto a una gran cantidad de música de cámara. El 28 de agosto de 1840 su vida dio un sorpresivo giro cuando su padre se disparó a sí mismo, acabando con su vida en el 26° aniversario de la muerte de la madre de Emilie Mayer. La autora Marie Silling, escribió respecto de este acontecimiento: «La muerte de su padre causó su primera y gran profunda pena; con el fin de adormecer este dolor, se enterró en el trabajo».
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo (1750-1810), sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales. Frecuentemente (no siempre), al final del primer y/o tercer movimiento, l@s solistas disponen de una cadencia sin acompañamiento orquestal con la que poder hacer gala de su virtuosismo.
Hoy presentamos el Concierto para piano y orquesta en Sib mayor escrito por Emilie Mayer e interpretado por Heghine Rapyan al piano acompañada por la orquesta femenina FSOA (Female Symphonic Orchestra Austria) conducida por la maestra fundadora de la misma y actual titular Silvia Spinnato. El concierto está articulado en tres movimientos: I (0´00´´) ALLEGRO .-. II (13´54´´) UN POCO ADAGIO.-. III (21´44´´) ALLEGRO.
Maurice Ravel (1875-1937) nacido en Ziburu/Ciboure (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy y viceversa. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión cerca de París, donde se daban cita, eminentes músicos e intelectuales.
Ma mère, l'oye (Mi madre, la oca) es una obra musical de Maurice Ravel compuesta para piano a cuatro manos; originalmente la escribió como un dueto de piano para niñ@s, tras haber dedicado un trabajo anterior, Sonatine, a sus padres. Fue transcrita para solo de piano por Jacques Charlot, amigo de Ravel, el mismo año en que fue publicada (1910). Ambas versiones para piano llevan el subtítulo Cinq pièces enfantines (Cinco piezas infantiles). En 1911, Ravel orquestó la obra; más tarde, ese mismo año, la agrandó para crear un ballet, separando las cinco piezas iniciales con cuatro nuevos interludios y añadiendo dos movimientos al inicio, Prèlude y Danse du rouet et scène. El ballet se estrenó el 29 de enero de 1912 en el Théâtre des Arts de París, quedando del siguiente modo:
Estructura de la obra. (0´09´´) PRÉLUDE (Preludio) .-. II (3´13´´) DANSE DU ROUET ET SCÈNE (Escena y Danza de la rueca) .-. III (6´32´´) PAVANE DE LA BELLE AU BOIS DORMANT (Pavana de la Bella Durmiente).-. IV (8´05´´) INTERLUDE (Interludio) .-. V (8´46´´) LES ENTRETIENS DE LA BELLE ET DE LA BÊTE (Charlas de la Bella y la Bestia) .-. VI (13´04´´) INTERLUDE (Interludio) .-. VII (13´49´´ ) PETIT POUCET (Pulgarcito) .-. VIII (16´50´´) INTERLUDE (Interludio) .-. IX (18´01´´) LAIDERONNETTE, IMPÉRATRICE DES PAGODES (Laideronnette, emperatriz de las pagodas) .-. X (21´48´´) INTERLUDE (Interludio) .-. XI (23:03´´) LE JARDIN FÉERIQUE (El jardín de las hadas). Hoy nos la ofrece la Sinfónica de Viena bajo la batuta de la joven y brillante maestra Marie Jacquot.
Sugerencias de música para todos los gustos
El Día Internacional de la Mujer (anteriormente denominado Día Internacional de la Mujer Trabajadora) conmemora en cada 8 de marzo la lucha de las mujeres por su participación en la sociedad y su desarrollo íntegro como persona, en pie de igualdad con el hombre. También se usa para hacer referencia a esta conmemoración el numerónimo «8-M» en referencia al día y al mes en que se conmemora.
Sugerencias de videos peculiares
The Golden Age (“La edad de oro”) op. 22, es un ballet en tres actos y seis escenas de Dmitri Shostakovich con libreto de Alexander Ivanovsky y coreografía de Vasili Vainonen (primer acto), Leonid Jacobson (segundo acto) y V. Chesnakov (tercer acto). El ballet es una versión satírica del cambio político y cultural en la Europa de los años veinte con un equipo de fútbol soviético en una ciudad occidental, donde entra en contacto con muchos personajes antagónicos políticamente incorrectos como la Diva, el Fascista, el Agente Provocador, el Negro y otros. Víctima del acoso policial, el equipo es injustamente encarcelado y sale de la cárcel cuando los trabajadores locales derrocan a sus amos capitalistas. El propio Shostakóvich era un gran seguidor del fútbol y se dice que acuñó la expresión "El fútbol es el ballet de las masas".
Juana Gallo. De nombre real Ángela Ramos Aguilar, el mote de Juana Gallo le viene desde niña: Juana, por ser un nombre muy común y Gallo por lo bravucona que era. Se portaba respetuosa con la religión y sus sacerdotes mientras compadreaba con los mandos de la Revolución. Por otro lado, Adelas o Adelitas eran así denominadas las mujeres que formaban parte de las camarillas revolucionarias fueran como elementos armados, como cocineras o como enfermeras.
Así pues, el vídeo que hoy presentamos es un homenaje a todas aquellas mujeres revolucionarias de la mano del Ballet Amalia Hernández o Ballet Folklórico de México fundado en 1952 por la bailarina y coreógrafa Amalia Hernández; ballet que ha sido durante todos estos años un referente de la música y danzas tradicionales mexicanas. Sus actuaciones corren a lo largo de todo el país, a la vez que ha recorrido más de 60 países.
Jesús Guridi (1886-1961) nació en Vitoria-Gazteiz en una familia musical. Tras trasladarse la familia a Madrid, Guridi ingresó en el Conservatorio; sin embargo, no les fue bien la economía a l@s progenitores/as, por lo que se movieron a Bilbao, donde gracias al mecenas, el Conde de Zubiría, pudo trasladarse a París e ingresar en la Schola Cantorum para estudiar piano, órgano, contrapunto y composición. Tras terminar sus estudios, pasó por Bélgica, Colonia y Munich para profundizar en los mismos. De vuelta a Bilbao, ya con 21 años, se hace cargo, como director, de la Sociedad Coral de Bilbao, trabajo que compagina con el de organista en la Basílica (ahora, Catedral) de Santiago. En 1939 vuelve a Madrid, como director del Conservatorio, donde fallecería a los 75 años.
Amaya es una ópera en tres actos y un epílogo con música de Jesús Guridi y libreto de José María Arroita Jáuregui (traducido al euskera por José Arrue), basado en la novela Amaya o los vascos en el siglo VIII, de Francisco Navarro Villoslada. Se estrenó el 22 de mayo de 1920 en el Coliseo Albia de Bilbao.
Hoy presentamos la Ezpata Dantza (Baile de Espadas) de esta ópera que en música se escribe en compas de amalgama de 6/8 y 3/4 y que es uno de los ritmos que, junto al del Zortziko (5/8), se han considerados más característicos de la música vasca. (Extractado de la Enciclopedia Auñamendi).
El Bolero (en francés, Le Boléro) es una obra musical creada por Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 22 de noviembre de ese mismo año. El inmediato éxito y la rápida difusión universal de Le Boléro, dedicado a la bailarina Ida Rubinstein, lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX. Movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato— en Do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a Mi mayor y una coda estruendosa. Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, el Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo, al punto de que hasta el año 1993 permanecía en el primer lugar de la clasificación mundial de derechos de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM).
Hoy la ofrecemos en interpretación de Maya Plisetskaya (1925-2015), “prima ballerina assoluta” del Teatro Bolshoi, acompañada por Le Ballet du XX e siècle
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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