el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El 23 de Febrero de 1685 nace Georg Friedrich Händel
El 28 de Febrero se celebra el Día de Andalucía
El 29 de Febrero de 1792 nace Gioachino Rossini
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco (1600-1750). Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la Orquesta de la Ópera. Pasados tres años, viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se afinca bajo la tutela de distintos mecenas. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual.
El catálogo de las obras de Georg Friedrich Händel se conoce con las siglas HWV y significan Handel Werke Verzeichnis (en alemán, Catálogo de obras de Händel) no está ordenado cronológicamente sino temáticamente, por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental. Abarca 612 obras más 25 suplementos y obras dudosas y perdidas, siendo elaborado entre 1978 y 1986 en tres volúmenes. El número exacto de composiciones es por tanto difícil de precisar. Su autor es el musicólogo Bernd Baselt.
The Best of Handel
0:00:00 SOLOMON, HWV 67: ARRIVAL OF THE QUEEN OF SHEBA
Metamorphose String Orchestra, Pavel Lyubomudrov Music for the Royal Fireworks, HWV 351: 0:03:04 I. Overture .-. 0:10:51 II. Bourrée .-. 0:12:34 III. La Paix (Largo alla Siciliana) .-. 0:15:40 IV. La Rejouissance (Allegro) .-. 0:17:35 V. Minuetto I .-. 0:19:13 VI. Minuetto II Budapest Scoring Symphonic Orchestra, Peter Illenyi .-. CONCERTO GROSSO IN B-FLAT MAJOR, OP. 3 NO. 1, HWV 312: 0:21:35 I. Allegro .-. 0:25:03 II. Largo .-. 0:30:23 III. Allegro Budapest Scoring Symphonic Orchestra, Peter Illenyi .-. CONCERTO GROSSO IN B-FLAT MAJOR, OP. 3 NO. 2, HWV 313: 0:32:16 I. Vivace .-. 0:34:39 II. Largo .-. 0:37:59 III. Allegro .-. 0:40:12 IV. Menuet .-. 0:42:06 V. Gavotte .-. Budapest Scoring Symphonic Orchestra, Peter Illenyi CONCERTO GROSSO IN G MAJOR, OP. 3 NO. 3, HWV 314: 0:46:28 I. Largo e staccato – Allegro .-. 0:50:22 II. Adagio .-. 0:51:40 III. Allegro Budapest Scoring Symphonic Orchestra, Peter Illenyi .-. CONCERTO GROSSO IN F MAJOR, OP. 3 NO. 4, HWV 315: 0:55:51 I. Andante - Allegro – Lentement .-. 1:03:50 II. Andante .-. 1:06:08 III. Allegro .-. 1:08:03 IV. Minuetto alternativo Budapest Scoring Symphonic Orchestra, Peter Illenyi .-. CONCERTO GROSSO IN D MINOR, OP. 3 NO. 5, HWV 316: 1:11:12 I. Grave .-. 1:13:22 II. Allegro .-. 1:16:05 III. Adagio .-. 1:18:16 IV. Allegro ma non troppo .-. 1:20:06 V. Allegro Budapest Scoring Symphonic Orchestra, Peter Illenyi .-. 1:23:53 SUITE NO. 11 IN D MINOR, HWV 437: III. Sarabande .-. 1:26:42 SUITE NO. 7 IN G MINOR: VI. Passacaglia Metamorphose String Orchestra, Pavel Lyubomudrov .-. ORGAN CONCERTO IN IN B-FLAT MAJOR, HWV 294 (ARR. FOR HARP): 1:34:26 I. Andante – Allegro .-. 1:38:32 II. Larghetto .-. 1:43:06 III. Allegro moderato Maria Chiossi.-. 1:45:38 SUITE NO. 1 IN B-FLAT MAJOR, HWV 434: IV. Menuet Vadim Chaimovich .-. 1:49:49 XERXES, HWV 40: Ombra Mai Fu (Largo) (Arr. for Piano) Harrison Sheckler .-. 1:54:27 RINALDO, HWV 7: "Lascia ch'io pianga" (Live) .-. 2:00:02 GIULIO CESARE IN EGITTO, HWV 17: "V'adoro, pupille" (Live) Carlo Balzaretti, Chu Tai-Li .-. SUITE IN F-SHARP MINOR, HWV 431 (LIVE): 2:05:04 I. Präludium .-. 2:07:07 II. Largo .-. 2:09:33 III. (Fugue) Allegro .-. 2:12:41 IV. Gigue Daniela Manusardi .-. 2:16:04 TE MESSIAH, HWV 56: No. 23, Hallelujah Caecilia Consort, Ensemble Vocale Aenigma, Schola Cantorum San Gioachimo, Antonio Eros Negri, Alessio Raimondi
Maria Ágata Szymanowska, nombre real de soltera: Marianna Ágata Wołowska (1789-1831) fue una compositora y pianista polaca. Idolatrada en vida e injustamente olvidada tras su muerte, fue una de las primeras mujeres profesionales virtuosas del siglo XIX. Durante la época de 1820 viajó extensivamente por toda Europa, antes de establecerse permanentemente en San Petersburgo. En la capital imperial rusa, compuso para la corte, dio conciertos, enseñó música y dirigió un influyente salón. Sus composiciones –particularmente piezas para piano, canciones y otras pequeñas obras de cámara, así como estudios para piano y nocturnos– representan el estilo brillante de la época anterior a Chopin.
El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado. Algunas veces llevaba consigo el equivalente italiano, notturno, con trabajos como el Notturno en D para cuatro orchestras, K.286, y la Serenata Notturna, K. 239, de Mozart. En aquella época, estas piezas no eran necesariamente inspiradas o evocadoras de la noche, sino que habían sido escritas para que se tocaran de noche, como sucede con las serenatas.
En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para un solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. Los primeros nocturnos escritos con ese nombre fueron compuestos por John Field, generalmente visto como el padre del nocturno romántico, que tiene una característica melodía cantabile con un acompañamiento arpegiado, incluso muy similar al de una guitarra. Sin embargo, el más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 obras de ese género.
Nocturne in A-Flat Major “Le Murmure”de Szymanowska es una obra estructurada alternando pasajes melódicos de tipo cantilena (líricos) con secciones más acordales, de textura más densa. La obra pertenece al ámbito del pequeño virtuosismo de salón: pensado para piano solo, con cierta brillantez, pero también con un componente íntimo, ideal para ambientes de cámara o salas de conciertos más personales.
Hoy nos lo ofrece la pianista estadounidense Nancy Fierro.
Gioachino Rossini (1792-1868) fue un compositor italiano de 39 óperas, distintas canciones, algunas obras de piano y algo de música sacra. Empezó a componer a los 12 años; las primeras composiciones de Rossini incluyen numerosas piezas sacras, una ópera, algunas oberturas y una modesta cantidad de música instrumental, gran parte de ella en el estilo de la temprana escuela vienesa de Haydn, Mozart y Beethoven. En 1812 fue contratado por la Scala de Milán donde obtuvo un memorable éxito con “La piedra de toque”; al año siguiente estrena en Venecia su primera ópera seria, Tancredi y al poco estrena otro gran éxito, La italiana en Argel. En 1815 se establece en Nápoles donde escribe con regularidad y sin agobios con ensayos y fechas regulados. En 1822 se traslada a Viena donde llega a conocer al admirado Beethoven. De Viena a Londres, vuelta a París y tras el estreno de su última ópera, Guillermo Tell, abandona la ópera en pleno auge económico y de popularidad a los 37 años de edad. Falleció a los 77 años.
La Ópera (del latín opera, plural de opus, «obra») es un género musical que combina música sinfónica, interpretada generalmente por una orquesta, y un texto escrito de corte dramático —expresado en forma de libreto— interpretado vocalmente por cantantes de diversa tesitura: principalmente, soprano, mezzosoprano y contralto para el registro femenino y tenor, barítono y bajo para el masculino, además de las llamadas voces blancas (las de niños) o de falsete (castrato, contratenor). Por lo general, la parte instrumental contiene oberturas, interludios y acompañamientos musicales; mientras que la parte cantada puede ser un coro, un solo, dúo, trío o diversas combinaciones y con diversas estructuras como el recitativo o el aria.
Es de constatar, además, que dentro del género musical dramático existen diversos géneros, como la ópera clásica, la ópera de cámara, la opereta, el musical, el singspiel y la zarzuela. Por otro lado, al igual que en teatro, existe una ópera dramática (ópera seria) y otra cómica (ópera bufa), así como un híbrido entre ambas: el dramma giocoso. Como género multidisciplinar, la ópera aglutina música, canto, danza, teatro, escenografía, interpretación, vestuario, maquillaje, peluquería y otras disciplinas artísticas. Es por tanto una obra de creación colectiva, que parte esencialmente de un libretista y un compositor, y donde tienen un papel primordial los intérpretes vocales, pero donde son igualmente imprescindibles l@s músic@s y el/la director/a de orquesta, l@s bailarinas/es, l@s creadoras/es de los decorados y el vestuario, y muchas otras figuras. Por otro lado, es un evento social, por lo que no tiene razón de ser sin un público que presencie el espectáculo. Por ello mismo, ha sido a lo largo del tiempo reflejo de las diversas corrientes de pensamiento, políticas y filosóficas, religiosas y morales, estéticas y culturales, propias de la sociedad donde se produjeron las obras.
The Best of Rossini
00:00 Il barbiere di Siviglia .-. 06:50 La scala di seta.-. 12:57 L'Italiana in Algeri .-. 21:00 Il signor Bruschino .-. 25:30 Il Turco in Italia .-. 34:00 La Cenerentola .-. 42:00 La cambiale di matrimonio .-. 47:20 La pietra del paragone.
Isaac Albéniz (18601-1909) fue un célebre compositor y pianista catalán, discípulo de Felipe Pedrell. Gracias a la ayuda de Guillermo Morphy, Conde de Morphy, compositor y mecenas de las artes, obtuvo una pensión para formarse en el Conservatorio de Bruselas en 1876, terminando sus estudios en 1879. Siendo un virtuoso compositor de piano, Albéniz también compuso música para otros instrumentos y dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años de vida a escribir temas para teatro, como por ejemplo su más exitoso trabajo operístico Pepita Jiménez; también se dedicó a interpretar conciertos o a la grabación de su ópera Merlín. Durante su carrera escribió más de dos docenas de canciones, así como varios temas orquestales y de cámara.
La pieza "Sevilla" de Isaac Albéniz es la tercera pieza de la "Suite Española, Op. 47" y es una de las más emblemáticas del repertorio para guitarra clásica, aunque originalmente fue escrita para piano. Son numerosas las transcripciones para guitarra, siendo la más famosa la realizada por Andrés Segovia, quien convirtió la pieza en un estándar del repertorio guitarrístico. En esta pieza, Albéniz evoca el ambiente andaluz, con claras referencias al flamenco: el ritmo, las ornamentaciones, y las escalas usadas (modo frigio, por ejemplo) recuerdan a los toques de guitarra y al cante jondo. Aunque Albéniz era pianista, su música es tan idiomática para la guitarra que muchas de sus obras, como ésta, se adaptan perfectamente al instrumento.
Hoy presentamos Sevilla de Albéniz en versión para guitarra de la mano de la guitarrista vasca Andrea González Caballero (Eibar 1992) ganadora de varios concursos internacionales y citada por la revista británica BBC Music Magazine como un@ de l@s mejores guitarristas jóvenes internacionales.
Sugerencias de música clásica
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo (1750-1810), sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales. Frecuentemente (no siempre), al final del primer y/o tercer movimiento, l@s solistas disponen de una cadencia sin acompañamiento orquestal con la que poder hacer gala de su virtuosismo.
El Concierto para arpa y orquesta en Si bemol mayor, Op. 4, No. 6 (HWV 294) de Georg Friedrich Händel es una de las obras más destacadas del repertorio barroco para arpa, aunque originalmente fue compuesto para órgano como parte de sus Concerti grossi Op. 4. Este concierto se ha vuelto especialmente popular en versión para arpa, en parte debido a la escasez de repertorio barroco original para este instrumento.
Estructura. Este concierto sigue la estructura típica del barroco de tres movimientos contrastantes, aunque en algunas interpretaciones puede incluir un cuarto movimiento opcional (una breve cadenza o improvisación): I (0´13´´) ALLEGRO. Movimiento típico del estilo italiano, con una clara influencia del modelo de concerto grosso., en el que se alternan secciones del tutti (orquesta completa) con episodios solistas del arpa. Todo ello expresado con un carácter animado y majestuoso, con unas líneas melódicas elegantes y ornamentadas .-. II (6´10´´) LARGHETTO. Movimiento lento, lírico e introspectivo. Textura más delgada, a menudo con acompañamiento reducido para permitir que la línea melódica del arpa se destaque. Aquí el arpa muestra su capacidad expresiva y delicadeza sonora. En la versión original, se dejan espacios abiertos (6´38´´ , 9´32´´ y 10´54´´) para la improvisación del solista, algo muy típico del barroco .-. III (11´51´´) ALLEGRO. El movimiento final es animado y danzante. También, al modo del primero, en forma ritornello, con secciones contrastantes y mucho diálogo entre arpa y orquesta.
La versión de hoy nos la ofrece la arpista Rosa Díaz Cotán acompañada por la Orquesta Ciudad de Almería conducida por el maestro británico Michael Thomas.
La Opera nació a finales del siglo XVI, como iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que, al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado, tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. Así, Jacopo Peri creó La Dafne (1597), de la que hoy sólo se conserva su libreto, a la que siguió Euridice (1600), del mismo autor. En 1607, Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo, donde añadió una introducción musical que denominó «sinfonía», y dividió las partes cantadas en «arias», dando estructura a la ópera moderna. La evolución posterior de la ópera ha corrido en paralelo a las diversas corrientes musicales que se han ido sucediendo en el tiempo: entre el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII se enmarcó el Barroco, un período en que la música culta estaba reservada a las élites sociales; pero que produjo nuevas y ricas formas musicales y que vio establecer un lenguaje propio para la ópera, rico y complejo no sólo en los métodos compositivos y vocales, sino en la producción teatral y escenográfica.
En la segunda mitad del siglo XVIII se dio el Clasicismo, un período de gran creatividad marcado por la serenidad y armonía de sus composiciones. El siglo XIX estuvo marcado por el Romanticismo, caracterizado, sobre todo, por la individualidad del compositor, considerado ya como un genio iluminado y cada vez objeto de mayor veneración, al igual que las mayores figuras vocales del canto, que se convirtieron en estrellas de una sociedad donde la burguesía relegó a la aristocracia en la preeminencia social. Esta centuria vio surgir las variantes musicales de numerosas naciones hasta entonces sin apenas tradición musical, en lo que se vino a llamar Nacionalismo musical. Cerraron el siglo algunas corrientes como el impresionismo francés y el verismo italiano.
En el siglo XX la Ópera, al igual que el resto de la música y de las artes en general, entró en la vanguardia, una nueva forma de concebir la creación artística en que surgieron nuevos métodos y técnicas compositivas, que se expresaron en una gran variedad de estilos, en una época de mayor difusión de los medios de comunicación que permitían llegar a un público más amplio por diversos canales (radio, televisión, internet ...) y no ya sólo el presencial, y en la que todavía es valorado el amplio repertorio musical de períodos anteriores, que sigue vigente en los principales teatros de ópera del mundo.
Il barbiere di Siviglia (El barbero de Sevilla) es una ópera bufa en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Cesare Sterbini, basado en la comedia del mismo nombre (1775) de Pierre-Augustin de Beaumarchais. El estreno, bajo el título Almaviva, o la precaución inútil, tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina de Roma. La trama relata las peripecias de una pareja de enamorados integrada por el Conde de Almaviva y la joven Rosina con Bartolo, preceptor de la muchacha, quien también la pretende pese a la diferencia de edad. Para evitarlo, la pareja se vale de la ayuda del barbero Fígaro, quien mediante enredos engaña a Bartolo y consigue unir en matrimonio a los enamorados. El Barbero de Rossini ha demostrado ser una de las grandes obras maestras de la comedia dentro de la música, y ha sido descrita como “la ópera bufa de todas las óperas bufas”.
La versión que hoy ofrecemos está conducida por el maestro italiano Gabriele Ferro.
Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. En 1847 ingresó en la escuela primaria de su pueblo, donde recibió las primeras enseñanzas musicales. Durante la década de 1860 tocó la viola en la Orquesta del Teatro Provisional Bohemio, dirigida a partir de 1866 por Bedřich Smetana. En 1873 fue exaltado a nivel mundial con su colección de Danzas eslavas y reconocido en adelante con todo tipo de importantes galardones internacionales. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas. Su Sinfonía del Nuevo Mundo es una obra archiconocida y sus temas han sido ampliamente utilizados por la música popular.
Catálogo de las obras de Dvořák . Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
El Quinteto para piano op. 81 n.° 2 en La mayor fue compuesto entre el 18 de agosto y el 8 de octubre de 1887 y estrenado en Praga el 6 de enero de 1888. El quinteto es reconocido como una de las obras maestras de la forma, junto con las de Schumann, Brahms y Shostakovich. Estructurado en cuatro movimientos, es una mezcla de la forma personal de lirismo expresivo de Dvořák con elementos de la música folclórica checa; elementos que incluyen estilos y formas de canto y danza, pero no melodías populares reales.
Estructura: I (1´34´´) ALLEGRO, MA NO TANTO. El primer movimiento se abre tranquilamente con un tema lírico de violonchelo sobre acompañamiento de piano, al que sigue una serie de elaboradas transformaciones. La viola introduce el segundo tema que es otra melodía lírica. Ambos temas son desarrollados y el movimiento se cierra con una recapitulación libre y una coda exuberante.-. II (16´14´´) DUMKA: ANDANTE CON MOTO. El segundo movimiento presenta un tema melancólico en el piano separado por interludios rápidos y felices. Sigue un patrón de rondó de siete partes, ABACABA .-. III (29´56´´) SCHERZO ( FURIANTE ): MOLTO VIVACE. El tercer movimiento está marcado como un Furiant, que es una danza folclórica bohemia rápida. El violonchelo y la viola alternan un pizzicato rítmico debajo de la melodía principal del primer violín. La sección de trío más lenta del scherzo también se deriva del tema furibundo, con el piano y el violín alternando entre las melodías principales. Vuelve la rápida danza folclórica bohemia y el movimiento termina de forma agresiva, preparándose para la polca en el último movimiento. IV (34´19´´) FINAL: ALLEGRO El final es alegre y enérgico. El segundo violín lleva el tema a una fuga en la sección de desarrollo. En la coda, Dvořák escribe tranquillo para una sección similar a un coral, que presenta el tema del movimiento esta vez en aumento y tocado en pianissimo, antes de que el ritmo se acelere y el quinteto se apresure a llegar al final.
Hoy nos lo ofrece el quinteto formado por Lindsay Deutsch y Bei Zhu (violines), Paul Neubauer (viola), Gary Hoffman (violonchelo) y Weiyin Chen (piano).
Trisutji Djuliati Kamal (1936 -2021) fue una compositora indonesia. Nació en Yakarta y creció en el Sultanato de Langkat, en Binjai, Sumatra. Estudió piano y composición con Henk Badings en el Conservatorio de Ámsterdam y continuó sus estudios en la Escuela Normal de Música de París y en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma. Tras finalizar sus estudios, Kamal regresó a Indonesia en 1967 y comenzó a trabajar como música y compositora. En 1994 fundó el Trisutji Kamal Ensemble, que interpreta con dos pianos, canto tradicional indonesio, instrumentos y danza. Falleció a los 84 años. Sus composiciones incluyen música orquestal, de cámara, coral, para piano solo, ópera, ballet y cine, incorporando a menudo elementos de la música gamelán y de la cultura islámica, además de combinar instrumentos tradicionales indonesios con occidentales.
Poema sinfónico es una obra orquestal de forma libre, generalmente basada en un texto literario, cuyo fin es crear sensaciones o sentimientos mediante el guión preestablecido. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El padre del poema sinfónico fue Franz Liszt quien compuso hasta 13 obras de este género; género que rápidamente se generalizaría a partir del romanticismo.
Hoy ofrecemos una obra de este género escrita por la compositora indonesia Trisutji Djuliati Kamal e interpretada por la Jakarta City Philharmonic.
Sugerencias de música para todos los gustos
Pedro Iturralde Ochoa (1929-2020) fue un compositor y saxofonista navarro, nacido en Falces. Fue profesor Catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde enseñó saxofón desde 1978 hasta su jubilación en 1994. Su formación autodidacta incluye saxofón, clarinete, piano y guitarra, y más tarde violín. A los trece años, Iturralde ya toca como músico profesional en pueblos de Navarra/Nafarroa. A los dieciséis, un contrato en un café de Logroño le permite ampliar sus estudios de violín y piano. Un año después ya está tocando en conciertos nacionales en una orquesta dirigida por el pianista Francisco Manuel Allo y se vuelca en el mundo del jazz. Iturralde es el único músico del estado español incluido en el Diccionario de Jazz de Larousse.
El Saxofón, también conocido como saxófono o simplemente saxo, es un instrumento musical cónico, de la familia de los instrumentos de viento-madera, generalmente hecho de latón que consta de una boquilla con una caña simple al igual que el clarinete. Fue inventado por Adolphe Sax a principios de los años 1840; basándose en el clarinete, instrumento que él tocaba, empezó a concebir la idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades acústicas de uno de madera, una especie de "clarinete de metal". Puede ser de ocho tamaños: saxo sopranino en Fa o Mi bemol, saxo soprano en Do o Si bemol, saxo contralto o alto en Fa o Mi bemol, saxo tenor en Do o Si bemol, saxo barítono en Fa o Mi bemol, saxo bajo en Do o Si bemol, saxo contrabajo y saxo subcontrabajo en Do o Si bemol.
El cuarteto de saxofones es una formación de música de cámara compuesto de un saxo soprano, de un alto, un tenor y un barítono. Se designa también por este nombre las formas musicales dedicadas a este tipo de formación, que son a menudo en la música clásica construidas sobre el modelo del cuarteto de cuerdas. A causa de la polivalencia de los instrumentistas que lo componen, hay numerosas variantes de esta formación. Existe la fórmula "estadounidense" compuesta por 2 altos, 1 tenor y 1 barítono, aunque se encuentran más frecuentemente los cuartetos de saxos formados por un saxo soprano, un saxo alto, un saxo tenor y un saxo barítono. Encontramos también más raramente formaciones de cuarteto de sopranos, de saxos altos o tenores, incluso algunos que incluyen instrumentos menos frecuentes, como el saxo sopranino o el tubax (instrumento variante del saxo contrabajo)
Meghan Trainor (1993) es una cantante, compositora y productora musical estadounidense. Hija de un músico, a los seis años comenzó a cantar y a los once empezó a componer canciones. Escribió, grabó y produjo dos álbumes de estudio y un EP no-oficiales que publicó de forma independiente entre los quince y diecisiete años. En 2014, Trainor saltó a la fama con el lanzamiento de su sencillo debut oficial All About That Bass que se convirtió en un éxito comercial y en listas musicales en varios países. Su álbum de estudio debut, Title (2015), fue el nº 1 del Billboard 200 de USA y situó cuatro sencillos entre los quince principales de la Billboard Hot 100: «All About That Bass», «Lips Are Movin», «Dear Future Husband» y «Like I'm Gonna Lose You». Title ha vendido más de tres millones de copias en USA.
Miguel Aceves Mejía fue un cantante y actor mexicano; nació el 13 de diciembre de 1915 en Chihuahua, siendo hijo de Miguel Aceves y Herminia Mejía. Desde niño trabajó como limpiabotas y vendiendo periódicos, ya que su padre falleció cuando él tenía cuatro años de edad. Sus primeras presentaciones fueron en su ciudad natal, así como en Monterrey, y posteriormente en Los Ángeles, donde grabó su primer disco, con el trío Los Porteños. A pesar del éxito inmediato que tuvo en Los Ángeles, le comentó a sus compañeros que su sueño era regresar a México. Allí se formaba todas las mañanas desde las 7 a. m. para esperar una oportunidad hasta que Fernando Fernández lo introdujo en un programa al enfermarse uno de los cantantes.
Su talento y estilo interpretativo le abrieron las puertas del éxito y muestra de ello fueron las más de dos mil canciones que grabó y lo consagraron como el Rey del Falsete. Su popularidad lo llevó a incursionar en el cine. Después de su intervención en diez cintas, en 1954 debuta estelarmente en la película A los cuatro vientos, al lado de Rosita Quintana. Fue tal la aceptación de Miguel y Rosita como pareja, que los productores decidieron reunirlos en otras películas. El 6 de noviembre de 2006, Mejía falleció en Ciudad de México a los 90 años de edad, a causa de una neumonía.
Ayliva ( 4 de abril de 1998, Recklinghausen , Alemania ) es una cantante y música alemana. Su primer sencillo llegó a las listas de éxitos alemanas en 2021, y su éxito ha continuado desde entonces, incluyendo su segundo álbum, Schwarzes Herz, que encabezó las listas alemanas en 2023. Ayliva tiene raíces turcas y creció en Recklinghausen con una hermana mayor y un hermano menor. Aprendió a tocar la guitarra, el teclado y el violín, y comenzó a componer canciones a los 10 años. Tras graduarse del bachillerato, estudió filosofía y estudios alemanes en la Universidad del Ruhr de Bochum con el objetivo de convertirse en profesora y, posteriormente, en trabajo social. Finalmente, dejó la universidad para centrarse en su carrera musical.
A partir de octubre de 2020, Ayliva publicó samples de canciones en Instagram, siendo Deine Heimfahrt el primero.. También comenzó a publicar samples en TikTok. Su primer sencillo Deine Schuld (Tu culpa) alcanzó el número 16 en Alemania. Su primer álbum Weißes Herz (Corazón blanco) fue lanzado en junio de 2022 y alcanzó el número 6 en las listas de álbumes alemanas, y el sencillo Bei Nacht (De noche) alcanzó el número 13. En enero de 2023, lanzó Sie weiß (Ella sabe) con el rapero alemán Mero , que reinó en el número 1 en las listas alemanas durante dos semanas y se mantuvo entre los tres primeros durante nueve semanas más; fue la canción número 3 del año 2023 en las listas alemanas. Su segundo álbum, Schwarzes Herz (Corazón Negro), se lanzó en agosto de 2023 y alcanzó el número 1 en las listas de éxitos de Alemania, Austria y Suiza, además de batir récords de streaming para una artista femenina en Alemania. La canción "Hässlich " (Fea) del álbum también alcanzó el número 1 en Alemania , y otras canciones alcanzaron el top 10. Ganó el premio Bambi a la artista femenina más exitosa del año en 2023. En 2025, Ayliva se convirtió en entrenadora de la decimotercera temporada de The Voice Kids .
Sugerencias de videos peculiares
Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
La bella durmiente, uno de los ballets más representados del repertorio clásico, es un cuento de hadas/ballet estructurado en un prólogo y tres actos, cuya música la escribió Chaikovsky en 1889 con coreografía de Marius Petipa y libreto de Iván Vsévolozhsky y el propio Petipa; el argumento lo basaron en el cuento La Bella Durmiente del bosque, que es una joven princesa condenada a dormir eternamente hasta que llegue a su vida el verdadero amor.
Hoy ofrecemos el ballet entero en interpretación de la Orquesta y Ballet del Teatro Mariinsky.
El Cuándo es un estilo musical y una danza folklórica nativa originaria de las provincias andinas y centrales de Argentina. El general José de San Martín la llevó a Chile, donde tuvo amplia aceptación y se imprimió por primera vez su música. Se trata de una danza de pareja suelta que tiene la particularidad de estar integrada por dos ritmos, primero un ritmo lento con forma de minué (0´23´´) y luego un ritmo alegre con forma de gato (3´07´´). Su nombre hace referencia de modo picaresco a la primera relación amorosa de un hombre con su compañera, utilizando para ello un verso característico de este estilo que dice: «Ay, ¿cuándo, mi vida? ¿Cuándo?». El cuándo integra un grupo de danzas sudamericanas aparecidas en la época de la Guerra de Independencia Hispanoamericana, que se caracterizaron por la “acriollización” de formas musicales y coreográficas europeas. En este caso se trata de una modificación de la gavota francesa, danza de palacio integrada por dos partes: un minué y un allegro.
Kathakali es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al Sur de la India. En ella l@s cantantes narran leyendas hindúes (provenientes del Mahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que l@s bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya (expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas. El kathakali pertenece a la vertiente tandava (masculina) de la danza clásica india, por lo que tradicionalmente todos los personajes son representados por hombres. Los bailarines de kathakali aprenden a controlar los músculos faciales. Algunos maestros tienen tan buen control que pueden reírse con un solo lado de la cara.
El flamenco es un arte originario de Andalucía que aúna varios elementos como son el baile, el canto y la guitarra. Fruto del mestizaje cultural gitano, árabe, cristiano y judío, el flamenco es, hoy en día, un arte reconocido como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO desde 2010. La fuerte carga emocional que ponen los artistas sobre el escenario durante sus interpretaciones y el ambiente que se crea en un tablao, hacen que ver un show flamenco en vivo sea una experiencia muy recomendable. Los bailaores y bailaoras interpretan cada pieza con movimientos de brazos, contoneos de cuerpo y ‘zapateos’ acordes a cada palo flamenco, acompañados por la melodía de la guitarra y la voz profunda del/la cantaor/a.
La evolución del baile flamenco. El baile y la música actual es el resultado de siglos de evolución, integración y unificación de elementos de diversas culturas. Con el desarrollo de la música flamenca surgió también el del baile flamenco, que apareció por primera vez, de modo reconocible como una danza estructurada, en el siglo XVIII. Al principio, la atención del flamenco se centraba en la voz del cantante; pero poco a poco en las actuaciones que se hacían en los antiguos cafés, la pasión que derrochaban l@s bailaores/as sobre el escenario fue llamando la atención del público y el baile comenzó a robarle protagonismo al cante. En un show flamenco, el papel de la bailaora o bailaor flamenco es el de interpretar físicamente la letra de la canción, con movimientos suaves y elegantes que contrastan, en ocasiones, con intensos ‘taconeos’ o giros. En un espectáculo, tras los primeros compases de música y voz, cuando se inicia el baile, el/la artista interpreta el palo en cuestión con todo su cuerpo: brazos, piernas e incluso con la expresión de su cara.
Sara Baras (1972) es una bailaora y coreógrafa de flamenco nacida en Cádiz que comenzó su formación artística en la escuela que regentaba su madre, Concha Baras, en San Fernando. Formó parte de distintas compañías hasta que en 1988 forma su propia compañía, Ballet Flamenco Sara Baras con la que estrena distintos espectáculos que son premiados con valiosos galardones. En adelante compagina actuaciones con su propia compañía con actuaciones como artista invitada en otras compañías. Entre los numerosos y preciados premios recibidos, destacaremos el Premio Nacional de Danza 2003, la Medalla de Oro de Andalucía 2004 y el Olivier Award británico 2020.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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