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Tocata (del Italiano toccata, «para tocar») es una pieza de la música renacentista y música barroca para instrumentos de tecla, como el clave o el órgano, normalmente con una forma libre que en general enfatiza la destreza del intérprete con una sucesión de secciones fugadas que se alternan con otras de estilo libre y con carácter de improvisación. En las fases más avanzadas del desarrollo de las tocatas, estas secciones fugadas serán la culminación y tendrán relativa independencia; de modo que en el siglo XVIII la asociación de tocata y fuga era habitual.

La Fuga es un género musical en el cual se superponen ideas musicales llamadas sujetos. Varias voces o líneas instrumentales están vertebradas mediante la imitación o reiteración de las mismas que van apareciendo en diferentes tonalidades y en el desarrollo estructurado de los temas expuestos. Cuando esta técnica se usa como parte de una pieza más grande, se dice que es una sección fugada o un fugato; una pequeña fuga se llama fughetta. Hasta el final de la Edad Media el término fuga fue ampliamente utilizado para describir las estructuras y obras canónicas, en el Renacimiento servía para designar específicamente los trabajos basados en la imitación. No sería sino hasta el siglo XVII cuando el término fuga cobraría el significado actual.

La Tocata y fuga en re menor, BWV 565 es una pieza de música de órgano escrita por Johann Sebastian Bach. La pieza se abre con una sección de toccata (0´08´´), seguida de una fuga (2´55´´) que termina en una coda (7´59´´). La primera publicación de la pieza, en la era del “renacimiento” de Bach, fue en 1833, gracias a los esfuerzos de Felix Mendelssohn, quien también interpretó la pieza en un aclamado concierto en 1840; la familiaridad con la pieza mejoró en la segunda mitad del siglo XIX y aún más en el siglo XX con la inclusión de la pieza en la película de animación Fantasía de Walt Disney (en transcripción orquestal de Stokowski), hasta que esta composición llegó a ser considerada la obra más famosa en el repertorio de órgano.

Maria Luisa Veneziano es una pianista, organista, musicóloga y productora de radio, que se graduó en piano en el Conservatorio "S.Cecilia" de Roma con M° Aldo Tramma, en Música de Cámara con M° Marco Lenzi y en Musicología con M° Lucia Bonifaci y se especializa con Andràs Schiff sobre el trabajo de teclado de Bach. Continuó sus estudios en el Pontificio Instituto de Música Sacra de Roma, en el “G. Rossini” de Pesaro, en París y en  Munich. Ha participado como organista solista en numerosos y reconocidos festivales de órgano de Ljiublijana, Roccamassima, Emilia Romagna, Teramo, Pesaro, Bérgamo, Saint Denis de París ... en los que disfruta de grandes éxitos de crítica y público y ha colaborado con renombrados artistas nacionales e internacionales.

Amadeo Vives (1871-1932), compositor nacido en Barcelona, es autor de numerosas canciones y de más de un centenar de obras escénicas entre las que se han de destacar Bohemios, Maruxa y, sobre todo, Doña Francisquita consideradas entre las obras cumbre del género. Comenzó a recibir clases de música de su hermano a los cinco años; más tarde con José Ribera estudiaría piano, armonía y composición; colaboró con Lluis Millet en la fundación del Orfeó Catalá que comenzaría su andadura con canciones catalanas armonizadas por Amadeo Vives. A los catorce años había compuesto varias sonatas y a los 24 años estrena en Barcelona su primera ópera. Más tarde se traslada a Madrid donde sus estrenos escénicos recogen exitosas respuestas y reconocido prestigio.

Doña Francisquita es una zarzuela, denominada «comedia lírica», en tres actos, con libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, basada en la comedia La discreta enamorada de Félix Lope de Vega, con música del maestro Amadeo Vives; se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 17 de octubre de 1923. Se la considera como una de las más grandes obras de la zarzuela, sentando modelo dentro del género grande. El libreto retrata el Madrid romántico de una manera poética y fiel, creando cuadros de gran colorido y viveza, sin caer en la mera recreación histórica, siendo ésta una obra llena de frescura. Por sus características puede definirse también como una ópera cómica de gran calidad. 

María Bayo (1961 Fitero, Navarra/Nafarroa) es una soprano que ha desarrollado una destacada carrera internacional como intérprete de ópera, zarzuela y canción clásica. Aunque nació en un hospital de Tudela, considera a la localidad de Fitero, en la que reside su familia y con la que mantiene una estrecha vinculación, su ciudad natal. Ha sido galardonada con el primer premio en el concurso Belvedere de Viena, el Premio Nacional de la Música, el Premio Príncipe de Viana de la Cultura;  ha sido investida como miembro electo en Jakiunde, galardonada con el Premio de Humanidades de Eusko Ikaskuntza-Caja Laboral, con el Premio Traetta de la Traetta Society, con Premio Cadenas de Navarra... En 2020 recibió la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes.

Hoy nos ofrece la romanza de Doña Francisquita, Canción del ruiseñor, acompañada al piano por Brian Zeger.

Giuseppe Torelli (Verona,1658 - Bolonia,1709) fue un compositor, violinista y maestro de música italiano del Barroco; era hermano del pintor Felice Torelli y recordado especialmente por su música para instrumentos de arco y trompeta. El primer entrenamiento musical lo recibió en su ciudad natal con el maestro Giuliano Massaroti. En 1684 se trasladó a Bolonia para estudiar con Giacomo Antonio Perti y el 27 de junio de ese mismo año ingresó en la Academia Filarmónica de Bolonia como violinista. Torelli aplicó la forma de tres movimientos (Allegro, Adagio, Allegro) ya utilizada por Alessandro Scarlatti a los conciertos instrumentales, y fue uno de los principales impulsores del concerto grosso, cuya invención suele atribuirse a Corelli. Fue también pionero en la composición de conciertos solistas para violín y orquesta. Se conocen en total 84 obras de su autoría.

Hoy el Croatian Baroque Ensemble nos ofrece la Sinfonia en Do del maestro Torelli, sinfonía articulada en tres secciones: I (0´08´´) ALLEGRO .-. II (3´55´´) ADAGIO .-. III (4´15´´) PRESTO.

Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática  y del romanticismo en general. Estudió en París y en Roma, donde estuvo becado, fijándose en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitando mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax al saxofón. Escribió además, varias sinfonías (entre las que destaca su obra más conocida, la Sinfonía fantástica), oberturas, óperas, cantatas, música  sacra, obras dramáticas no teatrales, obras corales y numerosas canciones.

El Oratorio es un género musical dramático, a diferencia de la ópera, sin puesta en escena, ni vestuario, ni decorados. Compuesto generalmente para voces solistas, coro y orquesta sinfónica, a veces con un narrador, su tema es frecuentemente religioso (historias de la Biblia o del Evangelio, de la vida de Jesús o de las vidas de santos, etc.), pero también puede ser profano (héroes mitológicos, temas históricos, himno a la naturaleza, etc.). Sus principales características son generalmente A) Una estructura general en varias partes, frecuentemente tres,  (eventualmente precedida de un preludio instrumental). B) La presencia de un narrador (exterior a la acción o identificado con un personaje). C) La alternancia entre las partes cantadas de arias y recitativos.

La infancia de Cristo, op. 25 es un oratorio en tres partes para solistas, coro, orquesta y órgano, cuyo nombre original es « Trilogie Sacrée » (trilogía sagrada); obra de Hector Berlioz creada el 10 de diciembre de 1854 en París. PRIMERA PARTE (2´35´´) El Sueño de Herodes. El rey Herodes, sujeto a una visión nocturna recurrente, convoca a los adivinos que le anuncian que « un niño acaba de nacer que hará desaparecer su trono y su poder ». Con el fin de contrarrestar esta profecía, decide matar a todos los recién nacidos. (Indicación de Hector Berlioz : « después de un silencio de aproximadamente 8 o 9 compases, se pasará, sin otra interrupción, a la "Escena del Nacimiento »). En un establo, la Virgen María atiende al Niño Jesús. Los ángeles confían a la Sagrada Familia que un peligro la amenaza y que tienen que huir. SEGUNDA PARTE (44´00´´) La Huída a Egipto. Los pastores se han reunido delante del establo. Dicen adiós a la Sagrada Familia. Después, el periplo comienza. TERCERA PARTE (1h 0´20´´) La llegada a Sais. Son recogidos por una familia ismaelita. Un trío para dos flautas y arpa es ejecutado por los jóvenes ismaelitas. El recitador es seguido por un coro que concluye la obra.

La conducción del oratorio corre a cargo de James Conlon (1950) director de orquesta estadounidense, actualmente director musical de la Ópera de Los Ángeles , director principal de la RAI National Symphony Orchestra y asesor artístico de la Baltimore Symphony Orchestra

Oscar Peterson (1925-2007) fue un pianista canadiense de jazz. Su estilo, formado durante los años cuarenta oscila entre el swing y el bop, y se engloba dentro de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Seguidor de Art Tatum, se trata de un pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Son elogiadas tanto sus interpretaciones en grupos pequeños como acompañando a cantantes, aunque sus mejores momentos sean como solista. Peterson es también compositor; por ejemplo, escribió y grabó la afamada Canadiana Suite en 1964. Varias de sus propias obras las ha grabado con piano eléctrico. Excepcionalmente vocalista, su voz recuerda mucho a la de Nat King Cole.

Los Chalchaleros fue un conjunto folclórico argentino creado en Salta en 1948 y disuelto en 2003; aun hoy día son considerados el más grande grupo folclórico de Argentina; su nombre deriva de un pájaro cantor del norte argentino, el zorzal chalchalero. Su debut se produjo el 16 de junio de 1948, en el Teatro Alberdi de Salta. La primera canción cantada en público fue Zamba del grillo. Los Chalchaleros comenzaron a hacerse populares en su provincia natal con su primer gran éxito Lloraré. A lo largo de su carrera, editaron cerca de 50 álbumes, popularizando estilos folclóricos argentinos como la zamba, la cueca, la chacarera, el gato o el chamamé. Son considerados exponentes de la música argentina a nivel mundial.  

Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática  y del romanticismo en general. Estudió en París y en Roma, donde estuvo becado, fijándose en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitando mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax al saxofón. Escribió además, varias sinfonías (entre las que destaca su obra más conocida, la Sinfonía fantástica), operturas, óperas, cantatas, música  sacra, obras dramáticas no teatrales, obras corales y numerosas canciones.

La Sinfonía Fantástica, op.14, subtitulada Episodio de la vida de un artista, consta de cinco movimientos: I (0´48´´) SUEÑOS Y PASIONES describe la ansiedad producida por el protagonista antes de conocer a su amada;  posteriormente, el amor volcánico que ella le inspira. Hacia el final de este movimiento, percibimos un contraste entre la pasión producida por el protagonista y el desconsuelo por el rechazo .-. II (15´28´´) UN BAILE, se produce el reencuentro con la amada tras el rechazo, en un baile. La música adopta entonces el tempo de un vals, describiendo así la inquietud del protagonista. La “idea fija” aparece interrumpiendo brevemente el vals, reapareciendo al final del movimiento .-. III (22´02´´) ESCENA EN EL CAMPO. Nos describe a dos pastores, representados por el dúo formado por el corno inglés y el oboe, disfrutando de una maravillosa tarde de verano. Hacia la mitad del movimiento aparece la amada y es invadido por terribles presentimientos. Al final reaparece el corno inglés, evocándonos de nuevo el tema pastoril y finalizando con un redoble de timbal lo que produce un clima misterioso. IV (39´00´) LA MARCHA AL CADALSO. El músico sueña que mata a la amada y, por tanto, se le condena a la guillotina para ser ejecutado; en ese momento recuerda por última vez el sentimiento de amor. La marcha está basada en dos temas principales interpretados cada uno por las cuerdas y los vientos. El movimiento finaliza con unos redobles de tambor y timbales junto con acordes interpretados por los vientos metales que simbolizan el poder de la justicia. V (43´47´´) SUEÑOS DE UNA NOCHE DE AQUELARRE. El protagonista presencia su propio funeral, rodeado por brujas y espíritus entre los que puede ver a la amada transformada en una arpía. El Dies Irae (melodía del siglo XII perteneciente al canto gregoriano, y que forma parte del Réquiem) se introduce en la obra junto a la ronda de las brujas acompañado del tañer de las campanas. (Extractado de Digital melómano).

La versión que hoy ofrecemos, coreografiada por Léonnide Massine está interpretada por la Orquesta y Ballet de la Ópera Nacional de París con Emmanuel Villaume al atril y Kader Belarbi y Fanny Gaïda como primeras figuras.

La Danza colombiana. Colombia es un país de una riqueza cultural inigualable, donde cada región tiene sus propias tradiciones, ritmos y danzas que cuentan la historia de su gente. Desde la costa caribeña hasta los Andes, pasando por los Llanos Orientales y el Pacífico, los bailes típicos de Colombia son una expresión viva de la diversidad cultural que caracteriza al país. Cada baile, desde la cumbia hasta el sanjuanero, es una ventana a la identidad y el alma de las comunidades que los practican. Estas danzas no solo son una forma de entretenimiento, sino también una manera de mantener vivas las tradiciones y de transmitirlas a las nuevas generaciones. En un mundo cada vez más globalizado, la preservación de estas tradiciones es fundamental para mantener la riqueza cultural de Colombia. Los festivales y eventos culturales que celebran estos bailes son una oportunidad para que las nuevas generaciones se conecten con su herencia y para que el mundo aprecie la belleza y la diversidad de la cultura colombiana. La danza es, sin duda, una de las formas más puras de expresión cultural, y en Colombia, cada paso, cada giro y cada movimiento es un testimonio de la historia, la identidad y el espíritu indomable de su gente. Que cada uno de estos bailes continúe siendo un símbolo de la unidad en la diversidad y un reflejo del vibrante mosaico cultural que es Colombia. (Extractado de la Web de la Academia de Danza Golden).

Hoy presentamos la Caderona, que es un ritmo del Pacífico sur colombiano que nace en las fiestas que los mineros esclavos hacían en sus diferentes celebraciones y proviene de la danza africana del vientre.