el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.
Las Suites para orquesta, BWV 1066-1069 (llamadas ouvertures por su autor), son cuatro piezas que escribió Johann Sebastian Bach entre 1725 y 1739 en Leipzig. En un sentido amplio, el término suite se empleaba en la Alemania del Barroco para hacer referencia a una serie de piezas de danza precedidas por una ouverture.
La Suite para orquesta n.º 3 en re mayor, BWV 1068 está estructurada en cinco movimientos: 1 Ouverture .- 2 Air .- 3 Gavotte .- 4 Bourrée .- 5 Gigue; de ellos, hoy ofrecemos el segundo, Air (aria), que es una de las piezas más famosas de la música barroca, en versión de la Vienna Philharmonic Women´s Orchestra, orquesta formada únicamente por mujeres y dirigida por la maestra Shareyko Izabella.
Antonio Salieri (1750- 1825) fue un compositor italiano de música sacra, clásica y ópera, director de orquesta y profesor de música. Nació en Legnago, al sur de Verona, en la República de Venecia, y pasó su vida adulta y su carrera como súbdito de la Monarquía de los Habsburgo en Viena. Fue una figura fundamental en el desarrollo de la ópera de finales del siglo XVIII. Como alumno de Florian Leopold Gassmann y protegido de Christoph Willibald Gluck, fue un compositor cosmopolita que escribió óperas en tres idiomas. Ayudó a desarrollar y dar forma a muchas de las características del vocabulario compositivo operístico y su música fue una poderosa influencia en los compositores contemporáneos. Nombrado director de la ópera italiana por la corte de los Habsburgo, cargo que ocupó desde 1774 hasta 1792, dominó la ópera en lengua italiana en Viena. Durante su carrera, también pasó tiempo escribiendo obras para teatros de ópera en París, Roma y Venecia, y sus obras dramáticas se representaron ampliamente en toda Europa durante su vida.
Como maestro de capilla imperial austríaco de 1788 a 1824, fue responsable de la música en la capilla de la corte y la escuela adjunta. Incluso cuando sus obras dejaron de ser interpretadas y no escribió nuevas óperas después de 1804, siguió siendo uno de los maestros más importantes y buscados de su generación, y su influencia se sintió en todos los aspectos de la vida musical de Viena. Franz Liszt, Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Anton Eberl, Johann Nepomuk Hummel y Franz Xaver Wolfgang Mozart se encuentran entre los más famosos de sus alumnos. La música de Salieri desapareció lentamente del repertorio entre 1800 y 1868 y rara vez se escuchó después de ese período hasta el resurgimiento de su fama a fines del siglo XX. Este renacimiento se debió a la representación ficticia de Salieri en la obra de teatro Amadeus (1979) de Peter Shaffer y su versión cinematográfica homónima de 1984. La muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en 1791 a la edad de 35 años fue seguida por rumores de que él y Salieri habían sido rivales acérrimos y que éste había envenenado al compositor más joven. Sin embargo, se ha asegurado que esto es falso y es probable que fueran, al menos, compañeros mutuamente respetuosos.
Les Danaïdes (título original en francés) es una tragedia lírica en cinco actos con música de Antonio Salieri y libreto en francés de Le Bailly du Roullet y el Barón von Tschudi, sobre el tema mitológico; originalmente escrito para Christoph Willibald Gluck; pero el envejecido compositor, quien acababa de padecer un ataque al corazón, fue incapaz de cumplir el esquema de la ópera y de esa manera le pidió a Salieri que se hiciera cargo. La trama de la ópera se basa en la tragedia griega y se refiere a las hazañas de los personajes mitológicos Danao e Hipermnestra.
Giacomo Puccini (1858-1924) fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Fue un visionario, creador de los conceptos de música que regirían el cine durante el siglo XX; para él, el uso de pasajes modales o recursos politonales y la tonalidad o la atonalidad eran cuestiones de efecto que estaban definidas por las necesidades dramáticas de la obra. Por ejemplo, en Tosca, la forma en que reemplaza el texto por pasajes musicales nos anticipa la acción que está por acontecer, al mejor modo de Alfred Hitchcock en sus películas de suspense. Otro ejemplo es en La Bohème, cuando se escucha el tema de Mimí antes de que ella aparezca en escena. Se le considera el sucesor de Giuseppe Verdi.
E lucevan le stelle (Y brillaban las estrellas) es una famosa aria para tenor de la ópera Tosca, compuesta por Giacomo Puccini. Es una composición elegíaca del tercer acto final, donde el protagonista, el pintor republicano y simpatizante de las ideas liberales, Mario Cavaradossi, comienza con un melancólico y desolado solo de clarinete mientras despunta el amanecer. Cavaradossi evoca los momentos íntimos vividos con su amante, la diva Floria Tosca y entona el aria en su estancia como prisionero en el Castillo Sant'Angelo (Roma), las estrellas se disipan lentamente y en breves momentos el carcelero lo llama para su inminente ejecución.
Andeka Gorrotxategi nacido en Abadiño, Bizkaia, comienza su formación vocal en en Conservatorio de Durango para después desplazarse a Bilbao, Madrid, Marsella, Paris, Roma y EEUU donde amplia su formación vocal con maestros como Agurtzane Mentxaka, Ana Begoña Hernandez, Francisco Ortiz, Elisabetta Fiorillo o Francisco Casanova. El debut como Pinkerton en Madama Butterfly en 2011, impulsó su carrera vertiginosamente por su voz “valiente y luminosa”. Para muchos, es el nuevo Franco Corelli, por su repertorio de lírico-spinto y su bella y broncínea voz, que le ha llevado a actuar en los más prestigiosos escenarios del mundo.
Joaquín Rodrigo (1901-1999) fue un compositor español nacido en Sagunto (Valencia). A los siete años quedó ciego; a los nueve, comenzó sus estudios de solfeo, violín y piano; a los 16, armonía y composición y a los 22, comenzó a componer sus primeras obras. A los 26 años, se traslada a París, donde durante cinco años estudia con Paul Dukas. En 1940 estrena en Barcelona el Concierto de Aranjuez, que a partir de entonces sería mundialmente conocido. Fue un compositor prolífico que escribió obras para instrumentos solos, para piano con otro instrumento, para orquesta de cuerda, orquesta de viento y orquesta sinfónica, conciertos para distintos instrumentos, canciones, obras sinfónico-corales y música escénica, guardando en todo momento la claridad, delicadeza y distinción de su música.
La Guitarra es un instrumento de cuerda pulsada al contrario que el piano que es de cuerda percutida o del violín que es de cuerda frotada. Tras siglos de evolución la actual guitarra está formada por la caja de resonancia que en su parte superior tiene un amplio orificio o boca, el mástil que está recorrido por las seis cuerdas que van desde el puente hasta el clavijero cuyas clavijas sirven para afinar las cuerdas; por otro lado, el mástil está recubierto por un trozo de madera que es el diapasón dividido en trastes que dividen las cuerdas en medios tonos. El origen de la guitarra se remonta a 1000 años a.C. donde los asirios ya tenían instrumentos de cuerda pulsada con caja de resonancia. La guitarra de seis cuerdas, con la afinación actual, la implanta en el siglo XVIII Jacob Otto. En pleno siglo XX el lutier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes agregó cuatro cuerdas más en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de sonidos de la mano izquierda.
En los trigales. Es la segunda pieza que Rodrigo compuso para guitarra (1938), después de la Zarabanda Lejana (1927). En su ensayo titulado "Música para guitarra: castellanismo frente a andalucismo en torno a los años cuarenta", Carolina Queipo Gutiérrez individualiza una afinidad entre el tema primario de la obra de Rodrigo y la Jota de Zamora. El ejemplo musical que aparece en el texto del ensayo resulta bastante favorable a la tesis de la musicóloga. No falta decir que la obra de Rodrigo representaría un aspecto del castellanismo musical. El límite de esta tesis - en sí misma respetable y fundada - se sitúa en la falta de individuación de otras, y no menos poderosas, influencias que determinaron aspectos formales de "En los trigales". El preludio n. 9 del primer libro de los Préludes para piano de Claude Debussy, titulado "La sérénade interrompue", y el preludio n. 12 de la misma serie, titulado "Minstrels", han seguramente sugerido algo a Rodrigo, buen conocedor de la música francesa. (Extractado del artículo de Angelo Gilardino publicado en la página de Arturo Zeballos)
Hoy nos lo ofrece la guitarrista eslovena Karmen Stendler.
Sugerencias de música clásica
Giuseppe Torelli (Verona,1658 - Bolonia,1709) fue un compositor, violinista y maestro de música italiano del Barroco. Era hermano del pintor Felice Torelli y recordado especialmente por su música para instrumentos de arco y trompeta. El primer entrenamiento musical lo recibió en su ciudad natal con el maestro Giuliano Massaroti. En 1684 se trasladó a Bolonia para estudiar con Giacomo Antonio Perti y el 27 de junio de ese mismo año ingresó en la Academia Filarmónica de Bolonia como violinista. Torelli aplicó la forma de tres movimientos (allegro, adagio, allegro) ya utilizada por Alessandro Scarlatti a los conciertos instrumentales, y fue uno de los principales impulsores del concerto grosso, cuya invención suele atribuirse a Corelli. Torelli fue pionero en la composición de conciertos solistas para violín y orquesta; pero también dejó varias obras que incluyen la trompeta natural. En total, se conocen 84 obras de su autoría.
El Concierto para trompeta en Re mayor atribuido a Giuseppe Torelli es una de las obras más representativas del temprano repertorio concertante para trompeta barroca y es un ejemplo claro del estilo boloñés (de la escuela de Bolonia) y del papel que la tromba da tirarsi (trompeta natural, sin vàlvulas) empezaba a ocupar como instrumento solista. Este Concierto es un hito del repertorio temprano para trompeta solista y un ejemplo de la transición hacia el concierto barroco maduro. Su forma tripartita con ritornelli, su escritura pensada para trompeta natural y su estilo boloñés lo convierten en una obra clave tanto para estudios musicológicos como para interpretaciones históricamente informadas. El Concierto en Re mayor responde a la afinación típica para trompeta barroca, que solía tocar en Re debido al brillo natural y a la facilidad para obtener los armónicos superiores. Es probable que estas obras fueran compuestas para intérpretes virtuosos vinculados a la Basílica de San Petronio en Bolonia, un centro de práctica instrumental avanzado en la época.
Estructura del concierto: Sigue la forma tripartita típica del concerto grosso/barroco temprano, que más adelante se volverá estándar en Vivaldi:
I (0`00``) ALLEGRO. Movimiento rápido inicial en forma de ritornello: La orquesta presenta un ritornello (tema recurrente), mientras la trompeta entra con secciones solistas que alternan con las repeticiones parciales del ritornello. El material temático es brillante, fanfárrico y basado en notas del acorde (típico por las limitaciones de la trompeta natural). Se explotan los armónicos altos de la tonalidad de Re (La, Re, Fa#, La), lo que produce el sonido heròico característico .-. II (1`59``) ADAGIO - (3`24``) PRESTO - (3`52``) ADAGIO. Movimiento lento, generalmente breve, y sin presencia de la trompeta. Esto era muy habitual: la trompeta natural no podía tocar melodías cromáticas expresivas, por lo que el movimiento lento se reservaba solo para cuerdas. Funciona como un contraste lírico entre las dos secciones vivas .-. III (4`30``) PRESTO. Movimiento rápido final también en forma de ritornello, pero más ligero y danzable. El solista ejecuta figuras ágiles basadas en arpegios y motivos repetitivos. Culmina con una cadencia brillante, aunque en el estilo de Torelli no existe cadencia improvisada como en el clasicismo.
Hoy nos lo ofrece el conjunto estadounidense Voices of Music con el trompetista Dominic Favia como solista.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El legado musical de Beethoven comprende 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música. Este legado, para entenderlo mejor, lo podemos dividir en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septeto, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”, la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis …
Concierto para piano n.º 1 Op. 15. La composición de esta pieza se desarrolló desde los bocetos iniciales de 1793 hasta la partitura autógrafa terminada que data de finales de 1794 o principios de 1795. Más tarde Beethoven revisó varias veces la partitura; una antes de abril de 1800 y la parte solista antes de marzo de 1801. El Concierto para piano n.º 1 en Do mayor no fue el primero, sino que en realidad fue el tercer intento del compositor en este género. Antes había escrito un Concierto en Mi bemol mayor que no se llegó a publicar (no confundir con el n.º 5); también fue anterior el conocido como Concierto n.º 2 en Si bemol mayor, que en realidad fue compuesto alrededor de diez años antes, pero no se publicó hasta 1801. Dedicó tanto tiempo a elaborar el Concierto en Si bemol mayor, incluyendo un rondó totalmente nuevo, que el Concierto en do mayor le precedió en la imprenta y por eso se le asignó el n.º 1. Al igual que el Concierto para piano n.º 2, este concierto adscrito al Clasicismo, refleja la asimilación por parte de Beethoven de los estilos de Mozart y Haydn, mientras que sus cambios armónicos abruptos demuestran la personalidad única de Beethoven.
La estructura del Concierto es la típica de concierto del estilo estándar clásico en tres movimientos de tempo rápido-lento-rápido. I (0`36``) ALLEGRO CON BRIO. El primer movimiento está escrito en la tonalidad de Do mayor, en compás de 4/4 y sigue la forma sonata (exposición-desarrollo-reexposición) con una exposición orquestal añadida, una cadenza y una coda. II (15´58´´) LARGO. El segundo movimiento está en La bemol mayor, en compás de 4/4 y adopta la forma ternaria (ABA) típica de los movimientos lentos. Su sección A inicial presenta varios temas que se desarrollan en la sección B central. El Movimiento se abre con una melodía lírica de gran expresividad, un momento casi de oración que anticipa los profundos movimientos lentos del último período de Beethoven. III (27´12´) RONDO. ALLEGRO SCHERZANDO. El tercer y último movimiento, retoma la tonalidad inicial, el compás es 2/4 y responde a una forma rondó con siete partes (ABACABA), una fórmula habitual en el tercer movimiento de los conciertos clásicos. Es un Finale típico de gran parte de la música de Beethoven de la época: lleno de ánimo, síncopas rítmicas y fraseos irregulares. Beethoven indica dos breves cadenzas, una justo antes del retorno final al tema principal y otra inmediatamente antes del cierre del movimiento.
Judith Jauregi ( nacida en 1985 en Donostia, Gipuzkoa) es una pianista vasca, la más joven de tres hermanas. Al principio comenzó aprendiendo a tocar el violín pero pronto decidió tocar el piano, como sus hermanas. A los 14 años comenzó a viajar sola y, alejándose del concepto de diva en la música clásica, acercó la música clásica a los jóvenes. A los 17 años obtiene el Título Superior de Profesor de Piano en el Conservatorio Superior de Música de San Sebastián, teniendo como profesora a Cristina Navajas. Además obtuvo la mejor calificación y fue galardonada con el Premio de Graduación Honorífica. Posteriormente continuó sus estudios en el Conservatorio Superior de Salamanca con Claudio Martínez-Mehner y en el Conservatorio Richard Strauss de Múnich con el maestro Vadim Suchanov. Actualmente Judith vive en Madrid y tiene una prolífica carrera a nivel internacional. Ha publicado sus últimos trabajos con su propio sello discográfico, Berli Music y ha combinado poesía y música clásica: en 2009 creó un espectáculo sobre Machado con el escritor ondarrutarra Kirmen Uribe y en 2012 con el actor chinchonense José Sacristán.
Hoy acompañada de la Orquesta de Euskadi conducida por el maestro valenciano Jaume Santoja nos ofrece el Concierto para piano y orquesta nº 1, op. 15 de Beethoven
Gabriel Pierné (1863-1937), fue un organista, compositor y director de orquesta francés, hijo de una profesora de piano y de un profesor de canto, que ingresó en el Conservatorio de París, en el que cantaba con César Franck y Jules Massenet. En 1882 obtuvo el primer premio de órgano y el segundo Grand Prix de Rome, con la cantata Edith. En el Conservatorio conoció a Claude Debussy, al que le uniría siempre un fuerte vínculo. En el campo de la dirección de orquesta. consiguió una gran reputación, mientras como compositor abordó todos los géneros con igual éxito, entre las que caben destacar las dedicadas al País vasco como Ramuntxo o la Fantaisie basque para violín y orquesta; destacables son también sus oratorios, sus poemas sinfónicos y sus numerosas operetas cómicas, así como sus obras de ballet.
El Concierto para arpa y orquesta en Do menor, Op. 33 de Gabriel Pierné es una de las obras concertantes más representativas del repertorio francés para arpa; obra compuesta en 1903 y estructurada en un solo movimiento continuo, aunque articulada en tres secciones contrastantes (rápido – lento – rápido) salpicado con elementos impresionistas típicos de la escuela francesa, además de texturas transparentes, melodías elegantes y ornamentales y orquestación refinada que permite que el arpa se escuche claramente. Pierné coloca al arpa como protagonista sin caer en excesos, combinando pasajes líricos, glissandi y figuraciones rápidas con el uso expresivo de acordes y arpegios. El instrumento brilla pero sin quedar desbalanceado frente a la orquesta, algo difícil de lograr en un concierto para arpa.
Aunque la obra está estructurada en un solo movimiento, la obra funciona casi como un mini–concierto en tres movimientos. Sección inicial animada: energía rítmica, carácter brillante; parte central lenta: melodías cantabiles del arpa con acompañamiento orquestal delicado; final vivo: virtuosismo y cierre brillante. Es una obra muy interpretada en el repertorio arpístico. Su presencia es frecuente en concursos y grabaciones porque combina dificultad técnica y musicalidad y por su equilibrio entre elegancia francesa y fluidez formal.
Hoy nos lo presenta la arpista coreana Jung Kwak acompañada por la Gwangju Symphony Orchestra conducida por el maestro también coreano Seung-up Yoon.
Gabriela Ortiz Torres (Ciudad de México, 20 de diciembre de 1964) es una compositora y profesora mexicana cuya obra abarca música orquestal, de cámara y solista, además de escribir también para danza, teatro y cine. Ha sido interpretada en festivales internacionales, como el Festival Internacional Cervantino, el Festival de Bourges en Francia, Electrifying Exotica y Plugged Festival en Londres, entre otros. Es miembro del Colegio Nacional de México desde 2022. En 2025 fue distinguida con tres Premios Grammy: Mejor compendio clásico, Mejor interpretación orquestal y Mejor composición clásica contemporánea por el ballet Revolución diamantina.
Gabriela pertenece a la generación creciente de mujeres compositoras nacidas en la segunda mitad del siglo XX. Estudió piano en la Escuela Ollin Yoliztli de la Ciudad de México, y más tarde con Robert Saxton en la Guildhall School of Music and Drama y se doctoró en Composición y Música Electroacústica en The City University de Londres bajo la supervisión de Simon Emmerson (1992). Desde su producción temprana, destaca su capacidad de sintetizar un estilo sincrético en su música, en la que "se juntan la tradición europea, los recursos nuevos propios de la música contemporánea, y del jazz mezclados con elementos mexicanos, procedentes incluso del México prehispánico". En febrero de 2019 ingresó en la Academia de Artes de México.
Concierto para orquesta. Aunque un concierto suele ser una pieza musical para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta completa , varios compositores han escrito obras con el título aparentemente contradictorio de Concierto para orquesta . Este título generalmente se elige para enfatizar el tratamiento solista y virtuoso de varios instrumentos o secciones individuales en la orquesta, con énfasis en el cambio de instrumentos durante la pieza. Se diferencia de la sinfonía concertante en que no tiene solista o grupo de solistas que permanezca igual a lo largo de la composición.
Hominum es un Concierto para orquesta (“Concerto for Orchestra”) de Gabriela Ortiz, que fue compuesto alrededor de 2016 que fue un encargo del Instituto Nacional de Bellas Artes de México y de la Orquesta Sinfónica Nacional de México para conmemorar el Centenario de la Constitución Política de México (1917-2017). La partitura está publicada por Boosey & Hawkes y está dividida en cuatro movimientos de los que cada movimiento tiene un título simbólico que refleja aspectos metafóricos de la condición humana, según Boosey & Hawkes: I (4`11``) BLACK: evoca lo primitivo, lo instintivo, rituales oscuros, el caos que coexiste con la humanidad .-. II (10`25``) LIGHT: representa el mundo de las ideas, el orden social, los principios, las leyes .-. III (17`42``) IN WATER: simboliza el equilibrio entre lo individual y lo social; la creatividad, la transformación, la reconciliación .-. IV (27`19``) RED: alude a la pasión, la lucha, la indignación frente a la injusticia, la corrupción y el desbalance social. Desde el punto de vista de la orquestación, Ortiz emplea una estratificación sonora: distintas familias instrumentales interactúan como “formas orgánicas independientes” que se entrelazan, siendo una de las ideas centrales de la obra la sinestesia: durante el proceso de composición, Ortiz vio que ciertos colores, imágenes o “moods” (ánimos) empezaron a tener un significado metafórico en relación con preocupaciones sociales, filosóficas y políticas. La obra reflexiona sobre la condición humana (“Hominum” = humanidad): no sòlo desde lo individual sino cómo somos colectivamente, cómo nos organizamos, cómo luchamos, cómo coexistimos. Ortiz aborda tanto lo primitivo e instintivo (BLACK) como lo racional y social (LIGHT), pasando por la tensión entre lo individual y lo social (IN WATER) y el conflicto emocional y moral (RED).
Sugerencias de música para todos los gustos
Sarah Vaughan (1924–1990), apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, es considerada una de las más importantes e influyentes voces femeninas del género. Su voz se caracteriza por su tonalidad grave, su enorme versatilidad y su control del vibrato con una amplia tesitura, que le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad. Fue de los primeras vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat (improvisación con sílabas sueltas sin sentido).
Bad Bunny, de nombre real Benito Antonio Martínez Ocasio (Vega Baja, Puerto Rico, 10 de marzo de 1994), es un cantante, compositor, productor discográfico, actor y luchador puertorriqueño. Su nombre artístico proviene de una fotografía de su infancia tomada durante un Domingo de Resurrección, en la que sale con unas orejas de conejo puestas en la cabeza. Caracterizado por su entonación característica, se especializa en estilos musicales como reguetón y trap latino, aunque también ha interpretado otros géneros y estilos variados. Empezó a ganar popularidad en SoundCloud y finalmente, firmó un contrato con el sello discográfico Hear This Music mientras trabajaba como empaquetador en un supermercado y estudiaba en la Universidad de Puerto Rico en Arecibo. Después del éxito de su sencillo «Soy peor» en 2016, alcanzó la fama tras colaborar con los artistas Cardi B y Drake en los sencillos «I Like It» y «Mia» que alcanzaron el primer y tercer puesto en la lista Billboard Hot 100 respectivamente.
Su álbum de estudio debut X 100pre (2018) ganó el Grammy Latino por mejor álbum de música urbana y entró en la lista de los 500 mejores álbumes musicales de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone, ocupando el lugar 447. Además, fue el primer artista hispanohablante en ser el más reproducido en Spotify entre 2020 y 2022. En 2021, 2022 y 2023 fue parte de las 100 personas más influyentes del mundo en la revista Time. En octubre del mismo año la publicación estadounidense Pitchfork lo incluyó en su lista de los 200 artistas más influyentes de los últimos 25 años. En 2023, la revista TIME en su primera edición en español, puso a Bad Bunny en su portada.
Jane Birkin (Londres 1946) es una actriz y cantante anglo-francesa que reside en Francia desde finales de los sesenta. Después de los inicios cinematográficos en Reino Unido, especialmente en la película Deseo de una mañana de verano, comenzó una carrera en Francia, donde conoció al que después sería su mentor, compositor y socio, Serge Gainsbourg. Su débil voz se convirtió en su marca distintiva y fue utilizada con inteligencia. Una de sus primeras colaboraciones fue la canción Je t'aime... moi non plus, que se convirtió en un éxito a nivel internacional. A finales de la década de 1980 actuó en una serie de conciertos en París interpretando el repertorio que Gainsbourg había escrito para ella. En 2017 publicó su decimotercer álbum de estudio, "Birkin-Gainsbourg le symphonique".
Hoy ofrecemos un florilegio de canciones populares interpretadas en vivo y acompañada por la Orchestre Lamoureux conducida por el maestro Didier Benetti.
Kishore Kumar (de nombre real Abhas Kumar Ganguly, 1929 -1987) fue un cantante de playback, músico y actor indio. Es ampliamente considerado como uno de los cantantes más grandes, influyentes y dinámicos de la historia de la música india. Kumar fue uno de los cantantes más populares del subcontinente indio, notable por su capacidad para cantar canciones con diferentes timbres. Solía cantar canciones de diferentes géneros; pero algunas de sus raras composiciones, consideradas clásicas, se perdieron en el tiempo. En 2013, Kumar fue elegido "El cantante de playback masculino más popular" en una encuesta realizada por la revista Filmfare. Además del hindi , cantó en muchos otros idiomas indios, como bengalí , maratí , asamés , gujarati , kannada , bhojpuri , malabar , odia y urdu. También lanzó algunos álbumes no cinematográficos en varios idiomas, especialmente en bengalí, que se consideran clásicos de todos los tiempos. Ganó 8 premios Filmfare al Mejor Cantante Masculino de Playback de 28 nominaciones y ostenta el récord de haber ganado y nominado la mayor cantidad de premios Filmfare en esa categoría. El gobierno de Madhya Pradesh le otorgó el Premio Lata Mangeshkar en 1985 y en 1997 creó el premio "Premio Kishore Kumar" por sus contribuciones al cine hindi ; además ha erigido un monumento conmemorativo en las afueras de Khandwa. Cada año, numerosos homenajes musicales, programas especiales y funciones se inspiran en los aniversarios de su nacimiento y muerte.
Sugerencias de videos peculiares
Paul Taylor (1930- 2018) fue un bailarín y coreógrafo estadounidense. Estudió en Syracuse University y, más adelante, en la Juilliard School y el American Dance Festival del Connecticut College. Actuó en las compañías de Merce Cunningham, Martha Graham y George Balanchine, antes de fundar su propia compañía (Paul Taylor Dance Company) en 1954. Su primer trabajo fue todo un manifiesto de intenciones: Duet (1957), donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no tocaba el piano con una no-partitura de John Cage. Esta actuación provocó una respuesta análoga del famoso crítico Louis Horst: dejó su sección del Observer en blanco. Pese a lo vanguardista de la propuesta, sus montajes posteriores fueron más tradicionales, con una clara apuesta por la musicalidad y el lirismo, aunque tratados de forma más natural: destacan Aureole (1962), Airs (1978) y Arden Court (1981).
Taylor criticó la musicalidad básica de algunos coreógrafos -que llamó mickey mousing, por movimientos que responden a los sonidos, como en los dibujos animados- frente a lo que propuso una coreografía independiente de la música, con significados y formas propias. El estilo irónico y parodiante de Taylor, a caballo entre la violencia y la hilaridad, ha hecho que se englobe su obra dentro de la denominada danza posmoderna, que introdujo lo corriente y lo cotidiano, los cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines clásicos, con una mezcolanza de estilos e influencias, desde las orientales hasta las folklóricas. Su mordacidad e irreverencia han llevado un soplo de aire fresco al mundo de la danza clásica, hasta entonces tan místico y conceptual. Fue galardonado con el Premio Kennedy en 1992 y la Medalla Nacional de las Artes. El gobierno francés lo condecoró con la Legión de Honor en 1990.
Auréole (1962) es una de las obras más emblemáticas del coreógrafo estadounidense Paul Taylor, considerado uno de los grandes innovadores de la danza moderna del siglo XX; una obra que Taylor compuso ensamblando fragmentos de distintas obras de George Frideric Handel. “Aureole” marcó un antes y un después en la carrera de Paul Taylor; hasta entonces, él era conocido por obras experimentales, incluso radicales; con esta pieza, sorprendentemente luminosa, fluida y musical, Taylor se abrió a un público mucho más amplio. La obra exhibe, dentro de unos movimientos fluidos y luminosos, un tono positivo, juguetón y humano y una sensibilidad casi neoclásica. La obra se considera un clásico moderno y es una de las coreografías más interpretadas de Taylor a nivel internacional.
En su momento fue un éxito inmediato y ayudó a consolidar el lugar de Paul Taylor como uno de los coreógrafos clave de la danza contemporánea estadounidense y actualmente sigue en repertorio en muchas compañías profesionales y universitarias. Hoy nos lo ofrecen el Ballet Real Danés con Vivi Flindt, Eva Kloborg, Anne Sonnerup, Johnny Eliasen y Rudolf Nureyev.
La danza en Corea. Se cree que los comienzos de la danza en Corea se remontan a por lo menos hace unos 5000 años y que se originó en los antiguos rituales chamánicos. Durante la época de los Tres Reinos se perciben los primeros indicios de la danza coreana. En la época de los reinos coreanos posteriores, la danza se benefició del apoyo regular de la Corte Real, se crearon numerosas academias e incluso hubo un ministerio oficial del gobierno dedicado a la danza. En la actualidad existe una gran variedad de danzas en Corea que van desde la danza cortesana y folclórica hasta la danza contemporánea de nueva creación.
El Ballet Igor Moiseyev nacido de las entrañas del Teatro Bolshói de Moscú es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares con el academicismo del ballet clásico, y que hoy pone en escena la danza popular Sancheonga con el rigor coreográfico que le es habitual y el respeto a las raíces y hábitos del folklore coreano.
La danza folclórica mexicana es una representación del folclore mexicano; en ella se reflejan ritos, cultura y tradiciones. Desde antes de la llegada de l@s español@s, para los pueblos que habitaban México, la danza ritual era parte importante en la vida cotidiana. L@s religios@s que evangelizaron estas tierras trataron de suprimirlas; pero, en vista de lo arraigadas que estaban, las fueron adaptando o cristianizando, dándole así nuevos significados. En la actualidad, la danza folklórica sirve para poder expresar sentimientos, emociones y experiencias del transcurso de la vida y revivir tradiciones y ritos antepasados; también sirve para celebrar ocasiones importantes para pueblos, colonias, familias y ciudades del país.
La Danza de Concheros es una de las expresiones rituales más antiguas y significativas de México. Combina elementos prehispánicos y cristianos en una tradición que ha sobrevivido siglos y sigue viva en muchas partes del país, especialmente en el centro de México. La danza surge tras la llegada española, cuando los pueblos indígenas integraron elementos cristianos a sus ceremonias para poder mantener viva su espiritualidad. Es una danza sincretista: mezcla creencias mesoamericanas (cosmovisión, ofrendas, deidades) y católicas (procesiones, veneración de santos). En la actualidad se sigue practicando en fiestas patronales, peregrinaciones y eventos rituales; danza, cuyo nombre proviene del instrumento de cuerda usado por los capitanes o guías espirituales: la concha, un cordófono hecho con caparazón de armadillo o madera que se toca como la mandolina. Estas conchas acompañan a l@s danzantes junto con tambores y sonajas en lo que más que un baile, es un rito en el que l@s danzantes participan en una ofrenda espiritual a la Madre Tierra y al Universo con oraciones en movimiento buscando un equilibrio energético entre las fuerzas naturales a la vez que conmemoran ancestros y tradiciones danzando en círculo como símbolo de totalidad y protección. Su vestimenta consta de penachos de plumas, trajes bordados, escudos y estandartes, huautli (amaranto), listones y elementos simbólicos.
Hoy nos lo ofrece el Grupo Folklórico Macuilxochitl de Oaxtepec (localidad en el municipio de Yautepec en el Estado de Morelos).
La Academia Shilpakala de Bangladesh , conocida como Academia Shilpakala, es el principal centro cultural nacional patrocinado por el Estado de Bangladesh. Es una academia de bellas artes y artes escénicas, fundada el 19 de febrero de 1974 en virtud de la Ley de la Academia Shilpakala de Bangladesh por el Jeque Mujibur Rahman, primer presidente y luego primer ministro de Bangladesh. La Academia tiene sucursales en los 64 distritos de Bangladesh para promover actividades culturales y fomentar el desarrollo artístico a nivel regional. Los deberes y responsabilidades de la Academia incluyen la promoción de las artes y la cultura nacional y la creación de las instalaciones necesarias para su desarrollo. Las actividades de la Academia también incluyen la organización de talleres, seminarios, reuniones de discusión, capacitaciones especializadas de corta duración, el otorgamiento de becas y subvenciones financieras para artistas talentosos, y la organización de concursos en los diversos campos de las bellas artes y artes escénicas.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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