el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Del 12 feb, jueves, al 17 feb, martes, comienzan los Carnavales
El 12 de Febrero se celebra el día de San Valentín, día de l@s enamorad@s, y se conmemora también, el día de la Amazonia
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés, muy influyente en la época barroca, reemplazando a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa. La obra lírica de Rameau constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del Barroco francés con su obra más conocida, la ópera-ballet Les Indes galantes. A pesar de todo, sus obras líricas fueron olvidadas hasta mediados del siglo XX al beneficiarse del movimiento de redescubrimiento de la música antigua; sus obras para clavecín, sin embargo, siempre estuvieron presentes. Rameau es considerado en la actualidad como el músico francés más importante anterior al siglo XIX; falleció en 1764 a los 81 años.
Suite (voz francesa) es una forma musical compuesta por varios movimientos instrumentales breves de carácter dancístico. Su origen se encuentra en los pares contrastantes de danzas del Renacimiento (1300-1600). Durante el Barroco (1600-1750) fue una de las formas musicales más importantes y está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Al finalizar el Barroco, la suite era ya una forma musical sofisticada que mezclaba varias danzas en distintas tonalidades, contrastando materiales temáticos distintos y reexponiéndolos en su final; estructura que anuncia, en definitiva, el origen de la sonata. En la actualidad, la suite se entiende más como una composición sinfónica articulada libremente por varios episodios de similar carácter.
Suite de Obras Escénicas. En el siglo XX y XXI, muchos directores han popularizado suites orquestales basadas en las óperas de Rameau. Estas suites reúnen los fragmentos más representativos: danzas, oberturas, ritournelles, arias instrumentales, etc., con el colorido típico del estilo francés: uso del bajo continuo, ornamentación elaborada, timbres brillantes (como los oboes, fagotes, flautas traveseras, trompetas naturales, etc.) y un sentido muy teatral del ritmo y la dinámica.
La Suite n.º 1 de Obras Escénicas de Rameau es una compilación moderna de extractos orquestales de varias óperas de Rameau, que se convierte en una excelente introducción a la riqueza del barroco francés escénico, con su gran énfasis en la danza, el color y el drama. Hoy asistimos a la Suite de Obras Escénicas nº 1 realizada por la maestra Emmanuelle Haïm, (1962), clavecinista y directora especializada en música barroca, asistente que fue de Simon Rattle y que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC, entre otras agrupaciones de primer nivel. Es ella precisamente, quien hoy conduce a la Filarmònica de Berlìn en la interpretación de la citada Suite.
El origen del Carnaval parece que proviene de las fiestas que se celebraban en el Imperio Romano en honor a Baco, dios del vino y la fiesta, para festejar la llegada de la primavera. En la cultura occidental, el Carnaval está asociado al catolicismo, pues con el Miércoles de Ceniza comienza la Cuaresma, tras la que viene la Semana Santa; días, todos ellos, de recogimiento y penitencia. De este modo, sabiendo la que se avecina, se celebra el último día de fiesta, el Martes de Carnaval; fiesta que comienza el jueves anterior, denominado Jueves Lardero o Jueves Gordo. Lo característico de estos días consiste básicamente en la celebración en la calle de un desenfreno festivo y colectivo expresado en disfraces, coplas, bailes, desfiles y cualquier ocurrencia surgida.
Jean Baptist Arban (1825 - 1889) fue un cornetista, director de orquesta y pedagogo francés. Estuvo influenciado por la técnica virtuosa del violín de Niccolò Paganini y realizó un intento de usar la corneta como un verdadero instrumento solista. Nació en Lyon (Francia) el 28 de febrero de 1825. Estudió trompeta con François Dauverné en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París de 1841 a 1845. Fue nombrado profesor de saxhorno (familia instrumental en la que, entre otros instrumentos, se agrupan la corneta, el bombardino y la tuba) en la Escuela militar en 1857 y profesor de corneta en el Conservatorio de París en 1869, donde Merri Franquin se encontró entre sus alumnos. Publicó Grande méthode complète pour cornet à pistons et de saxhorn en París en 1864 y es todavía usado por los intérpretes modernos.
Su Carnaval de Venecia, que hoy ofrecemos, sigue siendo uno de los referentes para los solistas de corneta y trompeta modernos. Se basa en una canción folclórica italiana muy conocida, "O Mamma, Mamma Cara", comúnmente asociada con el Carnaval de Venecia, sobre la que realiza una serie de variaciones. Es una obra diseñada para demostrar habilidades técnicas excepcionales del solista: incluye articulación rápida, trinos, escalas rápidas, intervalos grandes, dobles y triples ataques, y registro agudo. Sobre la misma melodía construyó Paganini su famoso Carnaval de Venecia para violín y orquesta.
Hoy nos la ofrece Sergei Nakariakov como trompeta solista solista.
Rosalía (Barcelona, 1992) es una cantante, compositora, productora y actriz española. Ha sido galardonada con dos premios Grammy Latinos por «Malamente» y cinco por el álbum El mal querer, que la convirtieron en la artista española con más galardones otorgados por la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación por un único trabajo, y dos MTV Video Music Awards. El 26 de enero de 2020 recibió el Premio Grammy al mejor álbum latino de rock urbano o alternativo en la ciudad de Los Ángeles, siendo además la primera persona en la historia en estar nominada al Grammy al/a la Mejor Nuev@ Artista con un álbum debut en español. Rosalía mezcla el flamenco tradicional con la copla y con estilos modernos como el pop, el trap, el hip hop, la música electrónica ...
Berghain es el primer sencillo del ùltimo álbum, Lux, de Rosalía. Su título hace referencia a Berghain, la famosa discoteca en Berlín, aunque el contenido musical no es un tema puramente techno. La canción se aleja del sonido urbano/ritmo-pop al que Rosalía nos había acostumbrado en etapas anteriores, y se inclina hacia lo orquestal, lo experimental, lo lirico, utilizando una orquesta de cuerda, un coro de cámara y voces con timbre operístico alimentados por elementos de música barroca o clásica mezclados con toques electrónicos. Este sencillo marca un nuevo capítulo para Rosalía, tras su éxito con el álbum Motomami (2022); ahora explora otro registro más “elevado”, más orquestal, más espiritual. El colaborar, además, con artistas como Björk e Yves Tumor refuerza su apuesta por lo experimental y por trascender los límites del pop urbano.
Leonard Bernstein (1918 - 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, considerado como unos de los mejores directores del mundo y célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus variadas y exquisitas composiciones. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, compositor que le interesaba apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.
West Side Story es un musical con libreto de Arthur Laurents, música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim. Basado libremente en el Romeo y Julieta de William Shakespeare, la acción transcurre en un barrio neoyorquino a mediados de los 50 entre dos bandas juveniles de diferentes etnias: los Jets (de raíces europeas) y los Sharks (de origen puertorriqueño). Todo se complica cuando Tony, un antiguo miembro de los Jets, se enamora de María, la hermana del líder de los Sharks. El acercamiento a los problemas sociales de la época marcaron un punto de inflexión en el teatro musical estadounidense. En 1961 fue llevado a la gran pantalla bajo la dirección de Robert Wise.
Hoy ofrecemos una de las escenas más conmovedoras con Sierra Boggess y Julian Ovenden como protagonistas, acompañad@s por John Wilson y su orquesta.
Sugerencias de música clásica
Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
Obertura es la introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática, musical o no; aunque algunas composiciones instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores. Las primeras óperas que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas pero sí una introducción que hacían los vocalistas en la que realizaban un resumen de la acción que se iba a desarrollar acto seguido. Las introducciones instrumentales se comenzaron a utilizar habitualmente a mediados del siglo XVII; fue el compositor alemán Christoph Willibald Gluck uno de los primeros que usó material de sus óperas para las oberturas. De esta manera, éstas establecían el perfil emocional de la ópera que seguía.
Romeo y Julieta, obra que hoy ofrecemos, es una “obertura/fantasía”, tal como la subtitula el propio autor, basada en la obra homónima de William Shakespeare; en ella nos retrata los estados de ánimo de los personajes que han de vivir entre el amor y la violencia enfrentados una y otra vez hasta que el tema del amor aparece lángido y mortecino anunciando el suicidio de los dos protagonistas.
Hoy la podemos visionar en interpretación de Sian Edwards (1959) directora inglesa que inicia su carrera volcada fundamentalmente en la ópera y siendo la primera mujer contratada por la Royal Opera House, Covent Garden para al año siguiente volver a ser invitada. Ha trabajado con muchas de las orquestas más importantes del mundo como son la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de Berlín, la Sinfónica de Radio Frankfurt, la Filarmónica de San Petersburgo, la Sinfonietta de Londres, etc, etc.
Gabriel Pierné (1863-1937), fue un organista, compositor y director de orquesta francés, hijo de una profesora de piano y de un profesor de canto, que ingresó en el Conservatorio de París, en el que cantaba con César Franck y Jules Massenet. En 1882 obtuvo el primer premio de órgano y el Segundo Grand Prix de Rome, con la cantata Edith. En el Conservatorio conoció a Claude Debussy, al que le uniría siempre un fuerte vínculo. En el campo de la dirección de orquesta. consiguió una gran reputación, mientras como compositor abordó todos los géneros con igual éxito, entre las que caben destacar las dedicadas al País vasco como Ramuntxo o la Fantaisie basque para violín y orquesta; destacables son también sus oratorios, sus poemas sinfónicos y sus numerosas operetas cómicas, así como sus obras de ballet.
Ramuntcho es una obra musical escrita por Gabriel Pierné en 1908 para una versión escénica de la novela Ramuntcho de Pierre Loti. La obra se desarrolla en el País Vasco francés, y describe su paisaje y su forma de vida. Pero sobre todo se trata de su joven héroe, Ramuntcho. El punto de inflexión en una historia poco azarosa se produce cuando Ramuntcho, contrabandista y campeón de pelota, regresa a su pueblo tras tres años de servicio militar y se encuentra con que Gracieuse, con quien esperaba casarse a pesar de la oposición de su madre, ha sido obligada a entrar en un convento. En la última escena, Gracieuse es desafiada por su madre superiora a elegir entre Dios y su amante, ejerciendo tanta presión emocional que la joven monja cae muerta por el estrés.
Del arreglo para dos suites que realizó el autor, hoy ofrecemos la Suite No. 1 (Ouverture: 0´00´´, Le Jardin de Gracieuse: 8´17´, La chambre de Franchita: 12´23´´, Fandango: 16´53´´) en versión de la Filarmónica de la BBC conducida por el maestro vasco Juanjo Mena
Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue un director de orquesta y compositor brasileño, cuya música estuvo influida tanto por la música folclórica brasileña como por la música clásica europea. Recibió cierta instrucción musical de su padre y antes de 1899, año de la muerte de su padre, Villa-Lobos había empezado a dedicarse a la música como profesional. Actuó como músico de café tocando el violonchelo, si bien fue también intérprete ocasional de guitarra, clarinete y piano. Villa-Lobos tuvo también una segunda carrera como pedagogo de la música de su país diseñando un sistema completo de instrucción musical basado en la rica cultura musical de Brasil; compuso música coral para enormes coros escolares de niños, a menudo sobre adaptaciones de material folclórico. Villa-Lobos fue un compositor notoriamente prolífico cuya música está muy difundida en el mundo por las grabaciones existentes, y los conciertos que se realizan. Su legado consta de obras para guitarra, obras para piano, 17 cuartetos de cuerda, 9 Bachianas brasileiras y 15 Choros para distintas formaciones musicales, 12 sinfonías, 18 obras concertantes, 4 óperas, 2 bandas sonoras de películas y numerosos trabajos de distinta índole que incluyen varias partituras de ballet.
“Floresta do Amazonas” (La Selva Amazónica) es una obra para soprano solista, coro masculino y orquesta, compuesta en 1958 por Heitor Villa-Lobos.; está basada en el libro del argentino Guillermo Enrique Hudson “Mansiones Verdes”, publicado en 1904 y elementos de las leyendas y mitologías indígenas amazónicas de tiempos precolombinos. La protagonista de la historia es Rima, una niña-pájaro que vive en un lugar de la selva sagrado para los indios y que tiene poderes sobrenaturales siendo considerada una diosa por los animales y los hombres, quienes la adoran y temen por igual.
La música de "Floresta do Amazonas" consigue trasladarnos al mágico universo de la cultura amazónica, donde realidad y ficción, lo natural y lo sobrenatural, se entremezclan en una partitura donde los momentos más vigorosos y dramáticos se alternan con otros líricos y sentimentales, en perfecta armonía. Dentro de “Floresta do Amazonas” se incluyen cuatro canciones con letra de Dora Vasconcelos, que suelen ser interpretadas de forma independiente en recitales y han sido frecuentemente adaptadas para distintos instrumentos. Se trata de “Veleiro”, “Cair da Tarde”, “Canção do Amor” y “Melodía Sentimental”. (Comentario extractado del artículo publicado por El Blog de Atticus)
Estructura. I (0:04) Abertura .-. II (2:29) A floresta .-. III (5:07) Dança dos índios .-. IV (6:58) Em plena floresta .-. V (9:14) Pássaro da floresta - canto I .-. VI (11:23) Dança da natureza .-. VII (13:34) Pássaro da floresta - canto II .-. VIII (16:29) Canto da floresta I .-. IX (17:09) Conspiração e dança guerreira .-. X (19:34) Veleiros .-. XI (21:51) Em caminhos para a caçada .- . XII (24:43) Pássaro da floresta – canto III .-. XIII (26:37) Cair da tarde .-. XIV (30:07) Pássaro da floresta - canto IV .-. XV (32:49) Caçadores de cabeça .-. XVI (34:52) Canção de amor .-. XVII (39:16) Melodia sentimental .-. XVIII (42:45) O fogo na floresta .-. XIX (46:37) Epílogo
Sofia Gubaidulina (1931) es una compositora rusa nacida en Tartaristán. Estudió piano y composición en el Conservatorio de Kazán; en 1954 se trasladó a Moscú donde siguió con sus estudios hasta graduarse en 1963. Su música fue criticada por la exploración de afinaciones alternativas, aunque Shostakovich le animó a seguir buscando su propio camino. Su concierto para violín, Ofertorium, interpretado por Gidon Kremer le abrió las puertas al reconocimientos de la crítica. Es una mujer profundamente religiosa como así lo atestigua su catálogo de obras y sobre todo su Johannes Passion. En el año 2002 recibió el Premio de Música Polar, concedido por la Real Academia de Suecia de Música.
Fachwerk (2009) es un concierto singular para bayan (acordeón ruso de botones), percusión y orquesta de cuerdas. Fue compuesta en 2009 y dedicada al virtuoso del bayan Geir Draugsvoll, quien estrenó la obra junto a la Trondheim Symphony Orchestra, bajo la dirección del director y violonchelista Øyvind Gimse. Fachwerk es un término alemán que se refiere a la construcción de entramado de madera (o half‑timbering), donde los elementos estructurales se muestran abiertamente en lugar de ocultarse. La compositora explica que esta estética arquitectónica le sugirió cómo revelar en la música la estructura interna del sonido: mostrar la "construcción" del instrumento como un fenómeno estético, donde cada componente estructural se vuelve visible y significativo.
La pieza es bastante más accesible que otras obras más experimentales de Gubaidulina. El bayan alterna entre roles: órgano celestial, canto rúnico, rugidos primordiales, mientras que la percusión se mantiene contenida y las cuerdas soportan todo con transparencia y densidad emocional. Globalmente, la obra ha sido descrita como "sabia y mágica", con un enfoque chamánico hacia el sonido y la textura, ofreciendo fantasía poética e intensidad espiritual. El recorrido musical es introspectivo y estremecedor: desde vibraciones sostenidas que podrían evocar el cosmos, pasando por pasajes desolados o tensos, hasta alcanzar un clímax que sugiere tanto confrontación como posible redención. Gubaidulina, profundamente marcada por su fe ortodoxa y su historia vital, considera la música como un vehículo de transformación espiritual. Fachwerk puede entenderse como una representación simbólica de la tensión entre fuerzas opuestas: el/la solista (representando la lucha, el sufrimiento o la aspiración espiritual) frente a la orquesta (las fuerzas oscuras, los obstáculos), culminando en un viaje de oscuridad hacia la iluminación.
Sugerencias de música para todos los gustos
La samba es un género musical de raíces africanas surgido en Brasil, del cual deriva un tipo de danza. Es una de las principales manifestaciones de la cultura popular brasileña y un símbolo de la identidad nacional. (No debe confundirse con la Zamba, género musical completamente distinto, de origen argentino). Si bien en algunos países se utiliza la voz femenina (la samba), en Brasil y en algunos países como Argentina y Uruguay, se utiliza la voz masculina (el samba). Dentro de sus características figura una forma donde la danza es acompañada por una manga de puros melódicos y coros de creación anónima, típica del samba de roda, ritmo y danza originada en el Recóncavo Bahiano, región geográfica en torno a la Bahía de Todos los Santos, en el estado de Bahía. El samba de roda, es una de las bases del samba carioca y ha sido designado en 2005 como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
La Samba fue llevada a Río de Janeiro tras la abolición de la esclavitud en 1888, por los negros traídos como esclavos de África que paulatinamente se trasladaron a la entonces capital del imperio del Brasil. A pesar de su presencia en varias regiones brasileñas bajo la forma de diversos ritmos y danzas populares regionales de origen africano, especialmente en los estados de Bahía, Pernambuco, Maranhão, Minas Gerais y São Paulo, como género musical es considerado una expresión musical urbana de la ciudad de Río de Janeiro, donde este formato de samba nació y se desarrolló entre fines del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX. Fue en la antigua capital de Brasil donde la danza practicada por los esclavos libertos entró en contacto con otros géneros musicales y los incorporó, adquiriendo un carácter singular: polca, maxixe, lundu, xote, entre otros. De esta forma, si bien existen otras formas regionales en Brasil, fue el samba carioca el que alcanzó la condición de símbolo de la identidad nacional brasileña durante los años 1930. A partir de 1917, la samba urbana carioca comenzó a ser difundida en todo Brasil, asociada al Carnaval y más tarde con lugar propio en el mercado musical. En los años siguientes, el samba tomó muchísimas direcciones; desde la elegante samba-canción (samba-canção) hasta las orquestas de batería que acompañaban el desfile del carnaval. Uno de estos nuevos estilos fue la bossa nova, hecho en un principio por gente de origen europeo de clase media. La bossa nova ganó popularidad mundial a través de los trabajos de João Gilberto y Antônio Carlos Jobim, entre otros.
Girija Devi (1929- 2017) fue una cantante de música tradicional india. Decana de la tradición Benarés (en el norte de la India), interpretaba música indostánica, también semiclásica, géneros musicales como thumri, dadra, poorab, chait y kajar; fue apodada "la reina de thumri". Inició su carrera musical a muy temprana edad, gracias a padre Ramdeo Rai, tomó clases de música cuando contaba unos 5 años de edad, junto a Sarju Prasad Mishra y Pandit Mishra Shrichand. Dio su primer recital en el All India Radio, cuando contaba unos 20 años de edad. Desde entonces realizó numerosas giras internacionales, aunque siempre conservó una cierta simplicidad por la vida que ella realiza como una artista popular. Recibió numerosos premios por sus composiciones. El 24 de octubre de 2017 fue internada en Calcuta por dolencias cardiovasculares, y falleció pocas horas después.
Werenoi fue un rapero francés, cuyo nombre real era Jérémy Bana Owona (nacido el 30 de enero de 1994 en Melun, Francia). Debutó en 2021 con el sencillo “Guadalajara”, y rápidamente ganó notoriedad con temas como “La League” y “Scarface”. Evitaba el protagonismo mediático, enfocándose en su música y manteniendo una imagen enigmática. En junio de 2022 lanzó su primer EP, Telegram, con certificación de oro; incluye el tema “Solitaire”, que alcanzó certificación diamante. Su primer álbum de estudio, Carré (marzo de 2023), debutó con éxito y se convirtió en el más vendido en Francia ese año (más de 342 000 copias), superando a artistas como Hamza y Ninho. En 2023 y 2024 fue el artista con más ventas de álbumes en Francia, gracias a Carré (2023) con 342.200 copias y a Pyramide (2024) con 345.000 copias.
Falleció repentinamente a los 31 años, tras ser ingresado en el hospital La Pitié‑Salpêtrière en estado crítico. Se sospecha que sufrió un ataque cardíaco, aunque la causa exacta no ha sido confirmada oficialmente. De ascendencia camerunesa y criado en Montreuil, en la periferia este de París, Werenoi encarnaba un estilo potente y auténtico, con letras que reflejaban realidades urbanas, emociones intensas y melodías cuidadas. Su música conectó especialmente con jóvenes críticos del statu quo, interpretando vivencias cotidianas y sociales desde una voz sincera y emotiva.
Katie James (Inishfree, Irlanda, 1985) Es una cantante y compositora colombiana. De madre inglesa y padre irlandés, Katie James nació en una pequeña isla de Irlanda llamada Inishfree y llegó a Colombia a la edad de 2 años junto con su familia. Creció dentro de una comunidad hippie anglo-irlandesa fundada por su madre, llamada ''Atlantis'', ubicada en las montañas del Tolima. Desde niña empezó a estudiar música y se destaca como cantautora reuniendo en sus canciones diferentes sonidos de folclor colombiano y latinoamericano que han tenido una acogida creciente en todo el mundo, principalmente entre el público latino.
Para celebrar su nacionalidad colombiana, otorgada en abril de 2022, Katie nos presenta su nuevo álbum Versos para no olvidar; una selección de canciones que le hacen homenaje a la música de su tierra adoptiva, Colombia.
Sugerencias de videos peculiares
Niccoló Paganini (1782-1840) fue un compositor italiano referente del virtuosismo violinístico. Niño prodigio, su padre le obligaba desde muy temprana edad a pasar largas horas de estudio con el violín; de modo que para los catorce años sus profesores se declaraban incompetentes para seguir enseñándole. Como solista de violín realizó distintas giras por Italia, Viena, Praga, Varsovia, Berlin, París y Londres; admirado por su asombrosa técnica, obtuvo declarados reconocimientos de Liszt y Berlioz, entre otros; hasta tal punto causaba admiración su técnica que se decía de él que había hecho un pacto con el diablo. Escribió numerosas obras para violín y además, para guitarra, viola y fagot. Murió de tuberculosis a los 58 años.
Satanella (conocida también como Le Diable amoureux) es un ballet en tres actos escrito por el bailarín y coreógrafo francés Joseph Mazilier (1801-1868) con música de Napoléon Henri Reber (1807-1880) y François Benoist (1794-1878), basada musicalmente en el Carnaval de Venecia de Paganini. Hoy ofrecemos varios números de dicho ballet en interpretación de Eugenia Obraztsova, primera bailarina del Ballet Bolshoi de Moscú y del Ballet Mariinski y Alexander Sergeyev primer bailarín, así mismo, del Ballet Mariinski.
Zuberoako Inauteria. El carnaval de Zuberoa (Xiberua o Xiberoa, Soule en francés, es uno de los siete territorios que forman Euskal Herria) es conocido como Las mascaradas de Zuberoa debido a que en su origen l@s jóvenes solter@s iban enmascarad@s y disfrazad@s; tras dividirse en dos grupos surgieron las danzas, versos, canciones y espectáculos teatrales que giraban alrededor de algún tipo de personaje; todas estas actividades recorrían todo el territorio hasta el último día de Carnaval, Martes de Carnaval, en el que quemaban un muñeco, Zanpantzar.
El grupo donostiarra de danzas vascas Argia Dantza Taldea está conformado por unos 45 componentes dirigidos por Juan Antonio Urbeltz (1940); tiene recogidas “in situ” abundantes danzas del País Vasco agrupadas en ciclos en los que ha primado la autenticidad de las versiones tanto coreográficas como musicales e instrumentales, e incluso de vestuario. En el Festival Internacional de Folklore de Middlesbrough (Inglaterra) de 1968 obtuvo el primer premio de danzas entre 28 grupos de 22 naciones. En 1998, la Fundación Alfred Toepfer de Hamburgo le otorgó el Premio Europeo para el Arte Popular. En 2003 presenta el espectáculo Pas de Basque anclado en la tradición vasca, pero con una dinámica contemporánea, a cuya representación pertenece el vídeo que hoy presentamos.
La chirigota es una agrupación musical coral de carácter carnavalesco que canta principalmente por las calles ofreciendo coplas humorísticas a la ciudad. También se denomina genéricamente chirigotas a las canciones interpretadas por estas formaciones corales. Las chirigotas son coplillas recitativas y monólogas y poseen unas formas musicales muy simples procedentes del pasodoble, la rumba, el tanguillo, la seguidilla, la jota, la isa canaria, etc. Las letrillas inventadas ad-hoc se acoplan a esta música y tratan de muy diversos temas, centrándose sobre todo en la actualidad, tanto política como de la prensa del corazón. En muchos carnavales del mundo se celebran concursos donde los grupos compiten por diversos premios, valorándose principalmente tres aspectos: el vestuario o presentación, la calidad de las voces y la agudeza de las letras. El objetivo principal de la chirigota es hacer reír al público a través de la crítica satírico-humorística.
La chirigota de Cádiz está compuesta por un máximo de 12 componentes y un mínimo de 7, que interpretan el repertorio como mínimo a dos voces. La voz que suele usar la chirigota es el tenor, que lleva la melodía. Esta voz se acompaña de segundas voces, como por ejemplo, la segunda (barítono), el contralto, la tercera (descendencia de la segunda), la octavilla y a veces con bajos. La chirigota se acompaña musicalmente de un bombo, una caja, dos guitarras y de los güiros. El repertorio que interpretan las chirigotas que se presentan al Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas consta de una presentación (no necesariamente con música inédita) que esté relacionada con el tipo (disfraz) que lleva esa agrupación, dos pasodobles (con música original de la agrupación), dos cuplés (con música original), un estribillo (cantados al final de cada cuplé y también originales) que esté relacionado con el tipo de la agrupación y con un popurrí (dividido en cuartetas) que también hace referencia al tipo de forma burlesca y humorística. En la chirigota, a diferencia de las comparsas y los coros de carnaval, lo que más puntos da a la agrupación son los dos cuplés más el estribillo.
El Carnaval de Río. Música, baile y desfiles de las escuelas de Samba son manifestaciones que explotan con todo su esplendor. La fiesta tiene una duración de cuatro días en los que involucra a personas de todas las edades y a visitantes que llegan de todo el mundo; cuatro días en los que compiten las numerosas escuelas de samba de la ciudad y que comienza con la coronación del Rey Momo a quien el Prefecto entrega las llaves de la ciudad. El acto principal consiste en el desfile por el Sambódromo de las susodichas escuelas de samba; aunque la fiesta invade los lugares más recónditos de Río. El vídeo que hoy presentamos refleja el desfile realizado en 2025.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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