el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El 6 de Julio a las 12 del mediodía comienzan las Fiestas de San Fermín con el lanzamiento del Chupinazo
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Manuel Gainza fue un músico guipuzcoano nacido en Tolosa el 18 de mayo de 1885 y que murió en Getxo el 1 de abril de 1943. Discípulo de Gorriti y de Mocoroa, fue además organista de la parroquia de Sestao, y director del Orfeón Trabajo y Cultura y de la Sociedad Coral de Portugalete (1906-1907). Su vinculación al mundo coral también se refleja en la fundación del Coro Biotz-Alai de Getxo en 1926. Por otro lado, compuso obras para banda y para txistu, siendo a su vez autor de diversas armonizaciones; varias de sus composiciones y armonizaciones están publicadas en la revista Txistulari. (Auñamendi Eusko Entziklopedia)
Biribilketa, Kalejira, Pasacalles, Martxa, Martxea, Karrikadantza, Marcha vasca, ... muchos nombres para expresar una única realidad: el significado de estos términos es muy común: una marcha ligera, normalmente escrita en compás de 6/8 (pero a veces en 2/4). Las frases son cuadradas, de dieciséis compases, aunque muchas veces constan de ocho compases repetidos, generalmente con una estructura de antecedente y consecuente. En general, cumplen todas las condiciones de la música erudita europea (extractado de Auñamendi Eusko Entziklopedia).
La Biribilketa de Gainza es la primera pieza que se interpreta en los sanfermines tras el Txupinazo en el zaguán del Ayuntamiento, de la mano de La Pamplonesa (la Banda Municipal) y de los Txistularis de Pamplona y Navarra,
Zoltán Kodály (1882-1967) fue un compositor húngaro comprometido con el folklore de su país (coleccionó más de 100.000 canciones populares) y con la pedagogía musical. Comenzó sus estudios en Galánta y más tarde en Budapest. En 1907 conoce a Debussy cuya música le impacta hondamente. Trabajó conjunta y profundamente con Béla Bártok, quienes pusieron los fundamentos de lo que hoy conocemos como Etnomusicología Musical. Como compositor, utiliza con asiduidad tanto las melodías como las escalas populares, dando relevancia a sus obras corales. Como pedagogo, marca un hito en la historia y su Método Kodaly, en el que la voz es el instrumento principal, aún tiene vigencia.
Háry János es una ópera popular (a veces llamada Singspiel) estrenada en 1926. Está basada en cuentos folclóricos húngaros sobre un soldado campesino llamado Háry János, famoso por contar historias exageradas y fantásticas sobre sus supuestas hazañas heroicas. Háry no es un héroe “realista”: representa la imaginación popular, el humor y la tradición oral; sus historias mezclan hechos históricos con pura fantasía. Kodály usa melodías inspiradas en la música folclórica húngara, que él mismo había estudiado y recopilado junto con Béla Bartók.
El Intermezzo (Intermedio) es una pieza orquestal que aparece entre escenas de la ópera y que suele tocarse de manera independiente en conciertos.
El Címbalo es un instrumento musical. Se cree que el pueblo gitano lo llevó a la Europa oriental aproximadamente en el siglo XIII. Es muy utilizado en la música de países como Hungría, Rumanía, Eslovaquia, Ucrania, Moldavia , etc., y en la música persa iraní, donde se le conoce como santur. Es un instrumento de cuerda que se toca con un par de mazos en ambas manos, golpeando las cuerdas para hacerlas sonar. Es una especie de salterio pero de mayor tamaño, aunque también los hay portátiles. El instrumento se hizo popular en el Imperio austrohúngaro y fue utilizado por todos los grupos étnicos en el país, incluyendo a judíos klezmorim, así como los músicos eslavos y magiares (húngaros), los romaníes (gitanos) y los músicos lautari (lăutari). El uso de este instrumento se extendió a finales del siglo XIX y sustituyó a la kobza en los conjuntos folklóricos rumanos y moldavos. En Valaquia, Rumanía, se usa casi como un instrumento de percusión. En Transilvania y Banat, el estilo de tocarlo es más tonal, con arpegios pesados.
El Intermezzo de Háry János es de carácter ligero y danzante, muy rítmico con ritmos húngaros, especialmente del estilo verbunkos (música tradicional ligada al reclutamiento militar). Sus melodías vivas y coloridas son fáciles de reconocer; melodías revestidas de una orquestación brillante con la que la música “pinta” escenas y estados de ánimo más que contar una historia concreta. Este intermedio, con el címbalo como protagonista, es una de las piezas más populares de Kodály; se toca mucho en conciertos sinfónicos y en contextos educativos, ya que muestra perfectamente el objetivo de Kodály: unir la música culta con las raíces populares.
Hoy nos lo ofrece Junko Sakimura al címbalo con la Japan Friendship Philharmonic conducida por el maestro Atsushi Takahashi.
Eunike Tanzil (nacida el 17 de agosto de 1998 en Medan, Sumatra del Norte, Indonesia ) es una compositora, pianista y productora musical cuya música ha sido interpretada por varias orquestas, entre ellas la Filarmónica de Los Ángeles en el Hollywood Bowl, la Orquesta Sinfónica de Boston , la Orquesta Sinfónica de San Francisco , la Orquesta Sinfónica de Indianápolis, la Orquesta Filarmónica Real , la Orquesta Sinfónica Nacional en el Kennedy Center , la Orquesta Juilliard y la Orquesta Sinfónica Alemana de Berlín. Tanzil comenzó a aprender piano y Electone (órgano electrónico digital versátil que simula sonidos de orquesta y banda completa) a los 5 años. En 2014, representó a Indonesia en el Yamaha Electone Concours Asia-Pacific . A los 17 años, Tanzil se mudó a USA después de ganar una beca completa del Berklee College of Music, donde se especializó en composición y banda sonora cinematográfica y donde se graduó con Suma Cum Laude en 2021. En 2024, firmó con Deutsche Grammophon , convirtiéndose en la primera compositora asiática en unirse al sello, y lanzó su primer sencillo de DG, Luna , el mismo día. En septiembre de 2025, lanzó su álbum debut, The First of Everything , grabado en Berlín con la Orquesta Sinfónica Alemana de Berlín y dirigido por Anna Handler . Como productora, Tanzil se convirtió en la primera productora musical indonesia en colaborar con la cantante ganadora del Grammy Laufey . En febrero de 2024, coprodujo Only Mine , una canción de jazz-pop orquestal creada en asociación con Bose, Porsche y She Is The Music . Ese año, Tanzil produjo la canción Guratan Tangan , que aparece en el álbum Hitam Putih de la cantante indonesia Feby Putri . En 2022, Tanzil recibió el premio Morton Gould Young Composer de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) por sus contribuciones a la música de concierto. En 2024, recibió el premio Pianote Composer por innovación en la composición para piano.
Luna es una composición musical de Eunike Tanzil, publicada como sencillo en abril de 2024 bajo el prestigioso sello Deutsche Grammophon. Originalmente escrita para piano y violonchelo, fue estrenada con Emanuel Keller en el cello y la propia Tanzil al piano, aunque existe también una versión sólo para piano. La pieza está inspirada en la luna como símbolo, que representa tanto la soledad y el aislamiento como la conexión interior que el astro nocturno puede evocar en los seres humanos. Según la propia compositora, “Luna” busca conectar la existencia humana con la naturaleza perdurable de la luna. Así como la luna atraviesa fases y siempre vuelve a brillar, la música sugiere que las personas pueden vivir momentos de soledad o introspección, ocultar emociones, y aun así proyectar fuerza y perfección desde dentro. En entrevistas y notas sobre la pieza, Tanzil ha explicado que compuso “Luna” originalmente durante una etapa de su vida en que se sentía extrañamente sola y lejos de casa mientras estudiaba en elextranjero. Esa sensación de aislamiento —pero también de paz y aceptación— influyó en la música, que alterna momentos serenos con secciones más intensas y moduladas.
Pablo Sarasate (1844-1908) Fue un compositor y virtuoso del violín nacido en Iruña/Pamplona. Niño precoz al que sus padres, conscientes de las aptitudes musicales de su hijo, le formaron en el estudio del violín; estudios que amplió en Madrid y París. En 1859 comenzó su carrera pública dando conciertos por toda Europa y América manteniéndose activo hasta su muerte. Su prestigio universal quedó patente con la dedicatoria con la que encabezaron algunas de sus partituras eminentes compositores como Max Bruch, Camille Saint-Saëns, Édouard Lalo, Henryk Wieniawski, Antonín Dvořák … y algunos otros. Falleció en su casa de «Villa Navarra» en Biarriz en 1908, a los 64 años de edad.
Catálogo de las obras de Sarasate. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra') que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores. Desde el siglo XVII, se comenzó a utilizar esta forma de catalogación cada vez que se publicaba una obra, precediendo la palabra Opus, o su abreviatura Op., al número de orden de la misma.
La Jota navarra. Según publicó en el Diario de Navarra (1966) el escritor José María Iribarren: “La jota navarra empieza a calar en el alma navarra en la epidemia de cólera del año 1885. La ciudad de Tafalla tiene en la jota su medicina; junto a las fogatas de azufre, están las rondallas para templar los ánimos. De este modo, la jota se hace consustancial con Navarra, y especialmente, con la Ribera. A todo esto, Manuel García Matos añade: “La Jota Navarra tiene estrecho parentesco con la aragonesa; pero presenta una mayor ondulación lineal de las frases, con más abundantes y largos melismas, y no está sujeta a la regularidad métrica de ésta. Tiene más preciosismo melódico que la aragonesa y también son diferentes la introducción y las variaciones instrumentales”.
Navarra, op. 33 es una jota navarra escrita por Sarasate para dos violines y orquesta que hoy la interpretan Irina Filimon y Cristina Alecu acompañadas por la Orquesta Sinfónica de Castilla y León conducidas todas por el añorado maestro granadino Miguel Ángel Gómez Martínez.
Sugerencias de música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) Hoy nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven. Fue un violinista, organista, director y compositor alemán, nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia. En 1703 obtiene su primer trabajo en Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, tras año y medio de viudedad, volvió a casarse con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin … y otros muchos renombrados compositores.
El catálogo de las obras de Bach o Bach-Werke-Verzeichnis, más conocido por sus siglas BWV, consta de un índice numerado de todos los trabajos del compositor ordenado temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental y utilizado por los académicos y músicos de todo el mundo. Dicho catálogo fue creado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder.
Las Suites para orquesta, BWV 1066-1069 (llamadas ouvertures por su autor), son cuatro piezas que escribió Johann Sebastian Bach entre 1725 y 1739 en Leipzig. En un sentido amplio, el término suite se empleaba en la Alemania del Barroco para hacer referencia a una serie de piezas de danza precedidas por una ouverture.
La Orchestral Suite n.º 1 en do mayor, BWV 1066 de Johann Sebastian Bach es una de las cuatro suites orquestales (u ouvertures) que conservamos de él. Es una obra clave para entender cómo Bach adopta y transforma el estilo francés dentro de su propio lenguaje contrapuntístico. La obra fue probablemente compuesta entre 1717 y 1723, durante el período de Bach en Köthen, y sigue básicamente el modelo francés abriendo con una Obertura seguida de una serie de danzas estilizadas. En la instrumentación del bajo continuo (violonchelo, contrabajo, clave) es especialmente notable la independencia del fagot que da un color muy característico a la suite. La presente obra es la más extensa y orquestalmente rica de las cuatro suites; representa a Bach como maestro del género instrumental secular y muestra cómo la música de danza puede convertirse en arte abstracto, sin función real de baile.
Estructura. La obra consta de 7 movimientos, todos en Do mayor, organizados según el modelo tradicional de suite: I (00``00``) OBERTURA. Forma típica francesa: Lento – Rápido (fugado) – Lento; todo ello dentro de un carácter majestuoso y ceremonial. En la sección lenta con unos ritmos punteados muy marcados, mientras la parte rápida es contrapuntística, con entradas imitativas claras .-. II (6`36``) COURANTE. Se trata de una danza viva en compás ternario con un ritmo fluido y continuo, aunque menos contrastante que una courante francesa estricta y más cercana al estilo italiano .-. III (8`52``) GAVOTTE I. Compás binario, carácter afirmativo y regular. – (10`00``) GAVOTTE II suele presentar un color más ligero o contrastante. Este movimiento se interpreta normalmente: (11`08``) GAVOTTE I – GAVOTTE II – GAVOTTE I (da capo) .-. IV (12`04``) FORLANE. Es una danza de origen italiano (“forlana”); danza en compás ternario con ritmo característico y cierto aire popular y de danza, por otra parte, nada habitual en Bach, lo que la hace especialmente interesante .-. V (13`33`) MENUET I Danza elegante en compás ternario. – (14`41``) MENUET II ofrece contraste tímbrico y de textura. El movimiento entero está estructurado de forma tripartita con repetición (15`53``) del Menuet I .-. VI (16`31``) BOURRÉE I Danza rápida en compás binario con ritmo enérgico – (17`24``) BOURRÉE II. De nuevo, esquema de contraste y retorno (18` 26``). VII (18`55``) PASSEPIED I. Danza muy viva en compás ternario. Ligera, casi juguetona .–. (19`57``) PASSEPIED II. De nuevo, esquema de contraste y retorno - (21``01``) Cierra la suite con vuelta al principio de este movimiento.
Hoy nos la ofrece el Croatian Baroque Ensemble conducido por su concertino, la maestra Catherine Mackintosh.
Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. Entre 1892 y 1895, Dvořák fue director del Conservatorio Nacional de Nueva York; además, desde su llegada a USA mostró un gran interés por la música nativa americana. En abril de 1895 dejó los Estados Unidos y volvió definitivamente a su patria en la que recomenzó su trabajo de profesor en el Conservatorio. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas. Su Sinfonía del Nuevo Mundo es una obra archiconocida y sus temas han sido ampliamente utilizados por la música popular.
Catálogo de las obras de Dvořák . Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
El Quinteto para piano op. 81 n.° 2 en La mayor fue compuesto entre el 18 de agosto y el 8 de octubre de 1887 y estrenado en Praga el 6 de enero de 1888. El quinteto es reconocido como una de las obras maestras de la forma, junto con las de Schumann, Brahms y Shostakovich. Estructurado en cuatro movimientos, es una mezcla de la forma personal de lirismo expresivo de Dvořák con elementos de la música folclórica checa; elementos que incluyen estilos y formas de canto y danza, pero no melodías populares reales.
El segundo Movimiento del Quinteto para piano n.º 2 en La mayor, op. 81, de Antonín Dvořák es uno de los más célebres de toda la música de cámara romántica. Lleva la indicación “Andante con moto” y está escrito en forma de Dumka, forma musical típica de la tradición eslava (especialmente ucraniana y checa) caracterizada por la alternancia de secciones melancólicas y meditativas con otras más vivas, rítmicas y a veces danzables. Dvořák la utilizó con frecuencia como símbolo de identidad nacional.
El movimiento comienza con un tema introspectivo y nostálgico, presentado por el piano, con un aire casi improvisatorio. Las cuerdas responden con un canto cálido y expresivo, creando una atmósfera de melancolía serena, muy lírica. A lo largo del movimiento, esta tristeza contenida se ve interrumpida por episodios más animados, en los que el ritmo se vuelve más marcado y la música adquiere un carácter casi popular o danzante. Estas transiciones no son bruscas, sino orgánicas, como cambios de estado de ánimo. Por otra parte, el referido movimiento no sigue una forma clásica estricta (como ABA o forma sonata), sino una estructura libre basada en contrastes, típica de la dumka. Los materiales temáticos reaparecen transformados, lo que da unidad al movimiento sin rigidez formal. En cuanto a su instrumentación, el piano tiene un papel central, tanto lírico como rítmico, mientras las cuerdas (especialmente el violonchelo y la viola) aportan profundidad emocional y un color oscuro en las secciones lentas. El diálogo entre los instrumentos es íntimo, casi confesional, reforzando su carácter camerístico.
Hoy nos lo ofrece el quinteto conformado por Assaff Weisman, piano; Carmit Zori y Itamar Zorman, violines; Dov Scheindlin, viola y Michal Korman, chelo.
Reinhold Glière (1875 –1956) fue un compositor posromántico nacido en Kiev (en aquellos años perteneciente a la Unión Soviética); su padre fue un músico de muy buen nivel y multi-instrumentista, dominando entre otros la flauta, el clarinete, la trompa y la trompeta. Glière es autor de numerosas óperas, ballets, conciertos y obras sinfónicas, entre otros trabajos, por los que recibió el premio de Artista del pueblo de la URSS (1938) y en tres ocasiones el premio Stalin de primer grado (1946, 1948, 1950).
Catálogo de las obras de Glière. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra') o por su abreviatura Op.
El Concierto para arpa y orquesta en Mi♭ mayor, Op. 74 de Reinhold Glière es una de las obras más importantes y queridas del repertorio para arpa, tanto por arpistas como por el público. Fue compuesto en 1938 (estrenado en 1939) por Glière en colaboración con la célebre arpista soviética Ksenia Erdely, quien le aportó consejos técnicos fundamentales en una época en la que el arpa rara vez era protagonista como solista con orquesta; esta obra ayudó a consolidar el arpa como instrumento concertante en el siglo XX. Es una obra tardorromántica, muy melódica, lírica y accesible ya que, aunque se compuso en pleno siglo XX, no es vanguardista: su lenguaje armónico recuerda a Tchaikovsky, Rachmaninov y al romanticismo ruso y su música combina características que recuerdan tanto al estilo clásico vienés como al nacionalismo romántico ruso. El arpa se presenta tanto de manera virtuosa como cantábile, evitando el mero efecto decorativo, hasta el punto de que es pieza obligatoria en numerosos concursos internacionales y audiciones. Muchos arpistas lo consideran el “concierto romántico por excelencia” del repertorio del arpa.
Estructura. Consta de los tres movimientos tradicionales (rápido-lento-ràpido): I (0´05´´) ALLEGRO MODERATO. Amplio y noble, con un carácter casi épico, donde el arpa dialoga constantemente con la orquesta, diálogo que exige gran control del sonido y claridad en los pasajes rápidos. El Movimiento está escrito en forma sonata (exposición de dos temas contrastantes-desarrollo-reexposiciòn y coda) .-. II (11´27´´) TEMA CON VARIACIONES Movimiento de carácter íntimo y poético, que permite lucir diferentes colores del arpa: arpegios, armónicos, trémolos. Es éste uno de los movimientos más apreciados por su expresividad .-. III (23´00´´) ALLEGRO GIOCOSO en forma de rondò con un tema principal vivo, rítmico y danzante que reaparece varias veces y unos episodios contrastantes más virtuosísticos con modulaciones a tonalidades cercanas, culminando la obra con un despliegue de virtuosismo y energía.
Hoy ofrecemos la versión de la arpista Elizaveta Bushueva acompañada por la Moscow City Symphony "Russian Philharmonic" conducida por el maestro Sergey Tararin.
Teresa Catalán Sánchez (Iruña/Pamplona, 12 de abril de 1951) es una compositora navarra y catedrática Emérita del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid , doctora en Filosofía del Arte y ganadora del Premio Nacional de la Música en 2017 en la modalidad de Composición. Catalán realizó estudios musicales en el Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona donde se formó con maestros como Fernando Remacha, Luis Morondo, Juan Eraso, Luis Taberna y Pilar Bayona, titulándose en Piano y Composición. Fue alumna en los cursos de Técnicas de Composición Contemporánea de Agustín González Acilu entre 1983 y 1986. Asistió a cursos de perfeccionamiento en la Accademia Musicale Chigiana de Siena (Italia) con el compositor Franco Donatoni y recibió lecciones magistrales de Luigi Nono, Samuel Adler, Yihzak Sadai, George Benjamin, Luca Lombardi, Leo Brower y Guy Reibel entre otros. En 1985 fue cofundadora del Grupo de Compositores de Pamplona Iruñeako Taldea Musikagilleak. Cinco años después, en 1990, obtuvo por oposición la cátedra de Composición, Instrumentación y Formas Musicales, cargo que ejerció en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Catalán es doctora en Filosofía del Arte por la Universidad de Valencia desde 2005 y autora de varios libros, artículos y ponencias. En 2021 recibió el Premio Príncipe de Viana de la Cultura, galardón que otorga el Gobierno de Navarra.
Ha publicado algunas de sus composiciones en España y Alemania, que forman parte del programa de estudios en diferentes conservatorios. Es miembro del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música, del Consejo Artístico de la Música y del Consejo del Teatro Real. También es miembro electo de número de Jakiunde, la Academia de las Ciencias, las Artes y las Letras del País Vasco, Navarra y Aquitania desde 2015. Como compositora, su obra se enmarca dentro de la música post-tonal, y la mayor parte de sus composiciones son instrumentales, tanto obras para piano como obras de cámara, teniendo también obras orquestales y corales. Ha recibido encargos de numerosos intérpretes y distintas instituciones nacionales e internacionales y su obra ha sido programada en Festivales de distintos países en Europa y América.
Azul es una composición sinfónica de Teresa Catalán, escrita para orquesta sinfónica y estrenada por la Orquesta Nacional de España bajo la dirección de Jaime Martín en el Auditorio Nacional de Música de Madrid en el marco de los conciertos del ciclo Sinfónico 21/22; la obra fue un encargo de la Orquesta y Coro Nacionales de España; obra que explora una reflexión profunda sobre el tiempo: Catalán plantea el tiempo como algo fugaz, voluble e inaprensible, ligado tanto a las tradiciones como a las modas de cada época. Esta negociación entre la voz interior del/la artista, la tradición y la innovación estética es uno de los ejes de Azul. Aunque no hay una declaración programática detallada de la obra, el título Azul remite quizá a asociaciones sensoriales y emocionales con el color - como ocurre en otras piezas de Catalán donde el color funciona como una imagen evocadora - aunque aquí es más abstracto y ligado a cuestiones internas del discurso musical.
Hoy nos la presenta la Orquesta Nacional de España conducida por el maestro Jaime Martín.
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Georges Bizet (1838- 1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses del mismo de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un referente del siglo XIX y un compositor brillante e imaginativo.
L'Arlesienne (La chica de Arlés) Es una obra de música incidental compuesta por Georges Bizet para voz, coro y orquesta de cámara, conformada por 27 números de distinta duración, de los que hoy asistiremos a una selección conformada en forma de suite y coreografiada por Roland Petit en interpretación de Jérémie Bélingard, Eleonora Abbagnato y el Ballet Nacional de la Ópera de París
La Kawleeya (también escrita Kawliya, Kaouliya o Kawleeya) es una danza folklórica y urbana de Irak, muy expresiva y enérgica, que suele verse en celebraciones, bodas y espectáculos populares. Está asociada históricamente a las comunidades Kawliyya (frecuentemente vinculadas al pueblo Dom, emparentado culturalmente con los gitanos de Oriente Medio), aunque hoy en día la danza es practicada y disfrutada por personas de todo Irak, no sólo por ese grupo. Con el tiempo se ha convertido en un símbolo de alegría, fuerza femenina y carácter popular, difundiéndose en teatros, televisión y fiestas. La música de Kawleeya es rápida, rítmica y muy potente, música que invita a movimientos intensos y repetitivos, casi hipnóticos, con gran protagonismo del cabello (giros rápidos de cabeza, sacudidas y lanzamientos del pelo) largo y suelto que se convierte casi en un “instrumento” más de la danza; todo ello dentro de unos movimientos fuertes de caderas, hombros y torso expresados con una actitud desafiante, orgullosa y explosiva muy conexionada con el suelo y con el ritmo. Hoy la Kawleeya representa la identidad cultural iraquí, a la vez que la expresión de la fiesta, libertad y fuerza femeninas.
Hoy nos lo ofrece el Ballet Mileias
El baile de Jalisco se refiere principalmente al baile folclórico jalisciense, uno de los más representativos de México; baile que nace en el estado de Jalisco, especialmente en Guadalajara y sus alrededores y que es conocido por su energía, colorido y fuerte vínculo con la música de mariachi y baile que tiene influencias indígenas, españolas y mestizas. Se popularizó a nivel nacional e internacional a finales del siglo XIX y principios del XX. Hoy asistimos además a la expresión del Jarabe Tapatío, considerado el baile nacional de México, que representa el cortejo entre el hombre y la mujer, donde el sombrero charro juega un papel simbólico durante la danza.; danza de zapateado fuerte y rítmico, especialmente del hombre y movimientos elegantes y coquetos de la mujer. Símbolo de la identidad mexicana en el mundo está presente en fiestas, festivales y celebraciones nacionales y es enseñado en escuelas de danza folclórica como base del folclore mexicano.
Hoy nos lo ofrece el Ballet Amalia Hernández, también denominado Ballet Folklórico de México, que cuenta con más de 60 coreografías propias con actuaciones en toda la geografía mexicana y con más de 100 giras internacionales visitando un total de 60 países.
Lesakako Zubigaineko dantza (El Baile sobre el puente de Lesaka) es uno de los bailes más populares del País Vasco. Coincidiendo con la festividad de San Fermín, el día 7 de julio, los espatadantzaris de Lesaka bailan el Zubigain (“Sobre el puente”) en el pretil de la orilla del río Onin. Es un gran día para los lesakarras; y para los que bailan el Zubigain, sin duda el momento más emotivo de la fiesta. Parece ser que esta danza es un recuerdo del pacto de paz entre los barrios de esta localidad en el siglo XV. Sin embargo, fuera de la historia, algunos especialistas lo han visto muy relacionado con los rituales del solsticio de San Juan. En realidad, puede que sea un ritual surgido de tradiciones diferentes. Es de destacar que el día de San Fermín de 2019, por primera vez en la historia, tres mujeres actuaron como espadachines después de varios años de ensayos.
Sugerencias de música para niñ@s
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