el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
José Antonio Donostia o Aita Donostia, en castellano Padre Donostia (1886-1956), fue un escritor, compositor, musicólogo y organista donostiarra, que comenzó sus estudios musicales en 1896 en la población de Lekaroz (Nafarroa). A los diez años ingresó como alumno en el Seminario de Lekaroz. En 1908, tras hacerse sacerdote, amplió su formación musical en Barcelona y en los años 1920 y 21 los perfeccionó en París con Eugenio Cools. En 1932 llegó a ser euskaltzain, es decir, miembro de la Real Academia de la Lengua Vasca (Euskaltzaindia). Como compositor produjo abundante música de cámara, piezas de órgano, numerosas obras corales, melodías y canciones con piano, que le aportaron merecido renombre. Como folclorista recogió más de un millar de canciones populares vascas.
Oñazez (dolor), preludio para piano nº 6, “reproduce la melodía de una canción popular tradicional de encantadora belleza y sencillez en su melodía. Su armonización es novedosa pero adecuada a la línea; presenta dificultades pianísticas ajenas al virtuosismo tradicional y, a pesar de encontrar en ella variadas influencias estilísticas, mantiene el sello personal del compositor y el perfil del folklore vasco” (Taringa).
Hoy nos la ofrece la catedrática de piano de la Universidad de San Juan, Argentina, Ana Inés Aguirre.
Phoon Yew Tien es una de las figuras más influyentes de la música contemporánea de Singapur. Formada inicialmente como pianista, desarrolló después una destacada carrera como compositora y docente, interesándose especialmente por la integración de elementos de la tradición asiática en el lenguaje musical occidental. Estudió en instituciones de prestigio internacional y recibió reconocimiento por sus obras orquestales, corales y de cámara. A lo largo de su trayectoria promovió activamente la creación musical en el sudeste asiático y defendió una identidad cultural propia dentro de la música académica contemporánea. Su estilo combina sensibilidad lírica, exploración tímbrica y una profunda atención al patrimonio cultural de la región.
La Obertura The Forge Ahead de la compositora Phoon Yew Tien surgió en el contexto del crecimiento cultural y artístico de Singapur, cuando la compositora buscaba consolidar una identidad musical propia que integrara tradición china y lenguaje sinfónico occidental. concibiendo la obra como una expresión de dinamismo colectivo, progreso y confianza en el futuro. La pieza refleja además la influencia de las agrupaciones orquestales singapurenses con las que colaboró durante décadas y presenta una estructura claramente progresiva, organizada mediante contrastes temáticos y acumulaciones dinámicas que refuerzan su carácter ceremonial. Desde el punto de vista formal, la obertura presenta una estructura tripartita claramente contrastada: una Introducción vigorosa y rítmica, un Desarrollo central más lírico y expansivo, y una Recapitulación final brillante que recupera los motivos iniciales. La instrumentación enfatiza los metales y la percusión, mientras las cuerdas y maderas aportan contraste melódico y equilibrio tímbrico.
Hoy nos la ofrece la Victoria Chinese Orchestra conducida por el maestro Ng Rui Jun.
Aaron Copland (1900- 1990) fue un compositor estadounidense de origen ruso de música clásica y de cine. Su obra está influida por el impresionismo y en especial por Igor Stravinsky. Destacó junto a George Gershwin como uno de los compositores más importantes de la identidad musical de Estados Unidos en el siglo XX. En el otoño de 1917 inició estudios de armonía y contrapunto con Rubin Goldmark; por sugerencia de él, estudió piano primero con Victor Wittgenstein y a partir de 1919 con el afamado pedagogo Clarence Adler. En junio de 1921 se trasladó a Francia para estudiar con Nadia Boulanger; en 1924 regresó a USA y al año siguiente fue el primer compositor que recibió la Beca Guggenheim, que renovó en 1926.
Rodeo es un ballet referido al Oeste Americano, compuesto por Aaron Copland y coreografiado por Agnes de Mille , que se estrenó en 1942 y que consta de cinco secciones. El ballet original fue coreografiado para el Ballet Russe de Monte-Carlo, una compañía de danza que se mudó a Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Entre muchas críticas se destacó la coreografía altamente evocadora de De Mille, descrita como "sensibilidad cinematográfica" y reconocida por su realismo.
Hoy ofrecemos el fragmento musical de este ballet, Hoe-Down, preparado para un ensemble femenino de metal liderado por Tine Thing Helseth.
Zequinha de Abreu (1880 – 1935), compositor, instrumentista y regente brasileño nacido en Santa Rita do Passa Quatro, autor de Tico-Tico no Fubá, una de las músicas brasileñas más grabadas en el exterior. Niño prodigio en música, durante el curso primario organizó su banda, en la escuela. Entró en el Seminario en São Paulo (1894), donde estudió armonía, pero volvió para Santa Rita do Passa Quatro (1896), yendo a trabajar en la farmacia del padre. A partir de esa época hizo sus primeras composiciones, como Flor de la Carretera y Bafo de Onza y organizó una nueva banda (1897) pasando a hacer shows por el interior paulista. Al presentar en un baile de la ciudad un choro aún sin nombre, ante el estrepitoso éxito bullicioso entre bailarines/as resolvió denominarlo Tico-Tico no Fubá (1917), que se haría su composición más famosa, divulgada en Estados Unidos los años 40 por Carmen Miranda. Volviendo a São Paulo (1919), trabajó como pianista demostrador de la Casa Beethoven, especializada en la venta de partituras e instrumentos musicales. Allí animó dancings y cabarés y tocó sus composiciones en las casas de las familias más pudientes, donde aprovechaba para vender partituras. Fundó la Banda Zequinha de Abreu (1933) y murió dos años después, en São Paulo.
La canción “Tico-Tico no Fubá” es una de las obras más famosas del compositor brasileño Zezinha de Abreu (cuyo nombre real era José Gomes de Abreu); fue compuesta en 1917 y se convirtió en una de las piezas más representativas del género choro brasileño. El título significa literalmente “Tico-tico en la harina de maíz”. “Tico-tico” es un pequeño pájaro (el gorrión Zonotrichia capensis), y la imagen describe al ave picoteando en el maíz. La música originalmente fue instrumental; la letra se añadió años después, en 1931, por Aloysio de Oliveira. Como hemos dicho, el estilo musical pertenece al género choro, un estilo instrumental brasileño caracterizado por un ritmo rápido y virtuoso con influencias europeas (polca, vals) combinadas con ritmos afrobrasileños. La pieza es conocida por su energía, velocidad y dificultad técnica, especialmente para pianistas y guitarristas.
“Tico-Tico no Fubá” alcanzó fama mundial en los años 40, cuando fue grabada por artistas como Carmen Miranda, Andrews Sisters o Ethel Smith; también apareció en películas de Hollywood durante la época dorada, lo que ayudó a difundir la música brasileña en Estados Unidos y Europa y ser considerada como una de las canciones brasileñas más grabadas de la historia, convirtiéndose en un símbolo internacional de la música brasileña, junto con otros géneros como la samba y, más tarde, la bossa nova.
Sugerencias de música clásica
Francesca Caccini (1587-después de 1641) fue una compositora, cantante, laudista, profesora de música y poetisa italiana de comienzos del Barroco (1600-1750), nacida en Florencia. Su padre, Giulio Caccini, era un compositor famoso y popular, pionero en la música monódica; desde muy joven, le enseñó música y composición. Su madre, Lucia Gagnolanti, era cantante; su hermana menor, Settimia, también se convirtió en compositora y tenía un hermano mayor, Pompeo Caccini, que era cantante y pintor. Recibió una educación humanística: latín, algo de griego, así como lengua y literatura modernas y matemáticas. Fue una de las pocas mujeres compositoras del siglo XVII cuyas obras se publicaron.
El aria sacra “O che nuovo stupor” de Francesca Caccini presenta una estructura breve y flexible, típica de la monodia barroca temprana. La obra se organiza mediante frases contrastantes que alternan momentos de tensión y reposo, evitando la simetría rígida del Renacimiento. La línea vocal domina claramente la textura y desarrolla un discurso expresivo sustentado por un bajo continuo sobrio, cuya función es reforzar la armonía y sostener el carácter afectivo del texto. Formalmente, la composición avanza siguiendo el sentido poético de las palabras, por lo que la música adopta un diseño cercano al recitativo ornamentado. El ritmo es libre y cambiante, con pausas que intensifican la declamación. Las ornamentaciones melódicas, los intervalos expresivos y los cambios armónicos contribuyen a crear un ambiente de asombro y refinamiento emocional característico del primer Barroco. Además, la relación entre texto y música evidencia la búsqueda barroca de persuasión afectiva inmediata.
Hoy nos la ofrece el ensemble jerezano El Concierto Ylustrado.
Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríaco cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el Clasicismo (1750-1810). Con seis años de edad comenzó sus estudios de clavecín y violín y con ocho, fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios musicales. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.
La Sinfonía n.º 97 en Do mayor, Hoboken I/97 es la quinta de las doce sinfonías denominadas Sinfonías de Londres (números 93-104) compuesta por Joseph Haydn. Se completó en 1792 como parte de la serie de sinfonías compuestas en su primer viaje a Londres. Su estreno tuvo lugar en las Hanover Square Rooms de Londres el 3 o 4 de mayo de 1792. Se publicó por primera vez en Inglaterra y se expandió por el continente en los siguientes años.
Estructura. Presenta una arquitectura clásica equilibrada y de gran claridad formal. El PRIMER MOVIMIENTO adopta la forma sonata con una Introducción (0´00´´) lenta que crea expectación antes de un Allegro (1´04´´) dinámico basado en contrastes temáticos y modulaciones precisas. El SEGUNDO MOVIMIENTO, ADAGIO MA NON TROPPO (8´33´´), de carácter lírico, desarrolla variaciones ornamentales sobre un tema sereno, destacando la transparencia tímbrica y el refinamiento melódico. EL TERCER MOVIMIENTO, MENUETTO E TRIO. ALLEGRETTO (17´20´´) mantiene la solidez rítmica propia de Haydn, aunque incorpora acentos inesperados y diálogos entre secciones instrumentales que aportan vivacidad. El TRÍO CENTRAL (18´44´´) ofrece un contraste más ligero y pastoral. El CUARTO MOVIMIENTO, FINALE: PRESTO ASSAI (21´32´´), rápido y brillante, utiliza procedimientos contrapuntísticos y recursos de repetición motívica que refuerzan la cohesión global de la obra. En conjunto, la Sinfonía combina simetría estructural, ingenio temático y equilibrio expresivo característicos del clasicismo vienés.
La versión de hoy nos la ofrece la Tanglewood Music Center Orchestra conducida por el maestro letón Andris Nelsons.
Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida, fue el compositor del Romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del Clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del Romanticismo y de la música popular. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores posteriores pues, incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.
El Concierto para violín en Re mayor, op. 77, fue compuesto por Johannes Brahms durante el verano de 1878, mientras descansaba en Pörtschach, Austria. La obra nació de su estrecha amistad con el violinista Joseph Joachim, quien colaboró revisando pasajes técnicos y estrenó la partitura en Leipzig en 1879. Aunque algunos críticos la consideraron excesivamente sinfónica para un concierto solista, Brahms buscaba equilibrar el virtuosismo del violín con la densidad orquestal propia de su lenguaje romántico.
La composición se articula en tres movimientos claramente contrastados: El PRIMER MOVIMIENTO (0´39´´), ALLEGRO NON TROPPO, presenta una estructura de sonata de grandes dimensiones. La orquesta introduce los temas principales antes de la entrada del violín, recurso heredado del Clasicismo, pero ampliado por Brahms con un tratamiento sinfónico muy denso. El primer tema posee un carácter noble y expansivo, mientras que el segundo aporta mayor lirismo. El desarrollo explora modulaciones complejas y un intenso diálogo entre solista y orquesta, evitando que el violín actúe únicamente como instrumento virtuoso. La Cadenza, tradicionalmente interpretada en la versión de Joseph Joachim, funciona como culminación expresiva y técnica.-. El SEGUNDO MOVIMIENTO (24´09´´), ADAGIO, adopta una forma ternaria y destaca por su atmósfera contemplativa. El oboe expone el tema principal con gran sencillez melódica antes de que el violín lo transforme mediante ornamentaciones delicadas y amplias frases cantábiles. Brahms utiliza una orquestación transparente que favorece el equilibrio tímbrico y la profundidad emocional más que el virtuosismo.-. El TERCER MOVIMIENTO (32´15´´), ALLEGRO GIOCOSO, MA NON TROPPO VIVACE, combina rondó y sonata. Inspirado en ritmos de danzas húngaras, posee un carácter festivo y dinámico. El tema principal es enérgico y rítmico, mientras los episodios intermedios introducen contrastes líricos y variaciones temáticas. El violín despliega gran brillantez técnica mediante dobles cuerdas, rápidos pasajes y acentos vigorosos, culminando en un final exuberante y triunfal.
Hoy acudimos a la versión de la excelente violinista estadounidense Hilary Hahn acompañada por la Frankfurt Radio Symphony Orchestra, conducida por el maestro estonio Paavo Järvi.
Alban Berg nació en Viena en 1885 y fue uno de los compositores más influyentes de la Segunda Escuela de Viena, junto a Arnold Schoenberg y Anton Webern. Desde joven mostró interés por la literatura y la música, aunque comenzó sus estudios musicales de manera relativamente tardía. Su formación con Schoenberg resultó decisiva, ya que adoptó técnicas innovadoras como la atonalidad y el dodecafonismo, aunque siempre conservó una gran sensibilidad expresiva y lírica. Berg logró combinar la modernidad musical con una intensa carga emocional, especialmente en sus óperas Wozzeck y Lulu, consideradas obras fundamentales del siglo XX. Su música refleja frecuentemente temas como el sufrimiento, el amor y la angustia humana, influida también por el ambiente cultural y político de la Europa de entreguerras. A pesar de su prestigio artístico, su vida fue breve: murió en Viena en 1935 a causa de una infección derivada de la picadura de un insecto.
La Ópera Wozzeck narra la degradación psicológica del soldado Wozzeck, explotado por el Capitán y utilizado como conejillo de indias por el Doctor mientras intenta mantener a Marie y a su hijo. La infidelidad de Marie con el Tambor Mayor intensifica sus alucinaciones y su sentimiento de humillación. Finalmente, Wozzeck asesina a Marie junto al estanque y muere ahogado al intentar ocultar el cuchillo, dejando al niño abandonado. Alban Berg construye esta tragedia mediante una escritura expresionista y atonal inspirada en Büchner. La obra se organiza en tres actos de cinco escenas, cada una basada en formas musicales clásicas reinterpretadas: suite, passacaglia, rondó, invención y fuga. La orquesta funciona como reflejo psicológico de los personajes mediante leitmotivs, contrastes tímbricos y densas acumulaciones armónicas que acentúan la tensión dramática y la crítica social, además de reforzar el carácter opresivo y fragmentado de toda la representación.
Hoy nos la ofrece la Filarmónica de Viena con el Coro y protagonistas solistas de la Ópera estatal conducid@s tod@s por el añorado maestro italiano Claudio Abbado.
Sugerencias de música para todos los gustos
Count Basie (1904-1984) fue un pianista estadounidense de jazz y director de Big Band. Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia, vinculado, prácticamente durante cincuenta años, a la dirección de una big band de importante influencia en determinados registros estilísticos del jazz asociados, principalmente, al swing y a su corriente más tradicional. A partir de 1927 trabajó formando parte de distintos grupos hasta que en 1935 construye su propia orquesta. Su One O'clock Jump se colocó en los primeros lugares de las listas de éxito de 1937; a partir de entonces su nombre como pianista y director de Big Band es uno de los más conocidos de la historia. Murió de cáncer de páncreas en 1984.
Nazia Hassan (1965 - 2000) fue una mujer cantante, compositora, abogada, analista política y filántropa pakistaní. Conocida como la «Reina del Pop del Sur de Asia», es considerada una de las figuras musicales más influyentes de la historia del Sur de Asia y la primera estrella pop del subcontinente. A partir de la década de 1980, como parte del dúo Nazia y Zoheb, ella y su hermano Zoheb Hassan, han vendido más de 65 millones de discos en todo el mundo. Nacida en Karachi, Pakistán, se criò entre Karachi y Londres al efectuar sus estudios en Inglaterra, al lado de su hermano Zohaib Hassan y ahí recibirían influencia directa del maestro Suhail Sana, quien les produjo el show musical Saray Dost Hamaray (‘todos son nuestros amigos’). Años después, el 22 de marzo del 2002 recibió un reconocimiento póstumo por sus contribuciones y logros por parte del Gobierno de Pakistán, al concederle el más alto premio al desempeño y orgullo civil en el área de cultura, arte y música.
Georges Brassens nació en Sète, Occitania, Francia, en 1921 y creció en un ambiente humilde donde descubrió la poesía y la música popular. Durante la Segunda Guerra Mundial fue enviado a Alemania por el Servicio de Trabajo Obligatorio, experiencia que reforzó su espíritu inconformista y libertario. A comienzos de los años cincuenta empezó a cantar en pequeños cabarés parisinos y pronto destacó por sus letras irónicas, sensibles y críticas con la moral tradicional. Sus canciones, acompañadas casi siempre por guitarra, mezclaban humor, ternura y referencias literarias. Obras como “La mauvaise réputation” y “Les copains d’abord” lo convirtieron en una figura esencial de la chanson française. Aunque evitó la fama ostentosa, alcanzó enorme prestigio y dejó una influencia duradera antes de morir en 1981.
Nathy Peluso nació en 1995 en Luján, provincia de Buenos Aires, y pasó parte de su infancia en España, país al que emigró con su familia. Desde joven mostró interés por la música, la danza y la interpretación, influencias que más tarde fusionaría en un estilo propio que mezcla rap, soul, jazz, salsa y ritmos latinos. Comenzó a ganar popularidad gracias a canciones publicadas en internet y a presentaciones en pequeños escenarios, destacándose por su potente voz y su gran presencia escénica. Su carrera dio un salto internacional con álbumes como Calambre, trabajo que recibió numerosos reconocimientos y consolidó su imagen artística. Además de su talento musical, Nathy Peluso se ha convertido en una figura influyente dentro de la música urbana latina por su personalidad intensa, creativa y versátil.
Sugerencias de videos peculiares
Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
Cascanueces, la obra que hoy visionamos, es un cuento de hadas/ballet representado habitualmente en las fiestas de Navidad. El estreno se realizó en el teatro Mariinski de San Petersburgo, pero antes de estrenarlo ya había conformado una suite orquestal con ocho de sus números. El argumento se basa en un cuento de E.T.A. Hoffmann adaptado por Alejandro Dumas; la historia transcurre en plenas navidades en las que llega un mago al hogar de Clara con una caja de marionetas y el muñeco Cascanueces que en realidad es un príncipe. Tras múltiples incidencias, resulta que todo ha sido un sueño de Clara.
Hoy ofrecemos la versión de 2019 del Ballet Nacional Ruso dirigido por Sergei Radchenko.
La Samba es un género musical de raíces africanas surgido en Brasil, del cual deriva un tipo de danza. Es una de las principales manifestaciones de la cultura popular brasileña y un símbolo de la identidad nacional. (No debe confundirse con la Zamba, género musical completamente distinto, de origen argentino). Si bien en algunos países se utiliza la voz femenina (la samba), en Brasil y en algunos países como Argentina y Uruguay, se utiliza la voz masculina (el samba). Fue en la antigua capital de Brasil donde la danza de los esclavos libertos entró en contacto con otros géneros musicales y los incorporó, adquiriendo un carácter singular. De esta forma, fue el samba carioca el que alcanzó la condición de símbolo de la identidad nacional brasileña difundiéndose en todo Brasil, asociada al Carnaval.
Las danzas de Turquía reflejan siglos de mezcla cultural entre Asia, Europa y Oriente Medio. Surgieron en aldeas, celebraciones religiosas y ceremonias militares, evolucionando con influencias otomanas y regionales. Cada zona desarrolló estilos propios: en el Mar Negro predominan movimientos rápidos y enérgicos, mientras que en Anatolia central destacan pasos más solemnes y coordinados. Muchas danzas se interpretan en círculo o en fila, simbolizando unión y comunidad. L@s bailarinas/es suelen acompañarse con tambores, flautas y laúd tradicional, reforzando su identidad cultural y festiva con coloridos trajes tradicionales.
Halay es una danza colectiva tradicional de Turquía que se interpreta en celebraciones y festividades populares. L@s bailarines/as forman una línea o círculo, tomados de las manos o de los hombros, mientras siguen movimientos rítmicos y coordinados al compás de tambores y flautas tradicionales. Sus pasos combinan energía, resistencia y sincronización grupal, simbolizando unión, alegría y solidaridad dentro de la comunidad.
Sambalpur, en Orissa, India, es una región que tiene una identidad cultural distinta. Las canciones, la ropa, los bailes, el idioma y los festivales que se celebran en Sambalpur son únicos. Esta identidad cultural distinta surge de la fuerte asociación de las comunidades tribales y folclóricas que han estado coexistiendo en Sambalpur durante siglos.
Las danzas Sambalpuri nacieron en la región de Sambalpur, en el estado indio de Odisha, como expresión festiva de las comunidades rurales y tribales. A lo largo de los siglos se integraron en celebraciones agrícolas, bodas y rituales religiosos, destacando por su energía y ritmo marcado. Entre las más conocidas sobresale Dalkhai, interpretada principalmente por mujeres jóvenes durante festividades estacionales. Estas danzas se caracterizan por movimientos ágiles, giros coordinados y el acompañamiento de tambores tradicionales como el dhol y la nishan. Las bailarinas suelen vestir tejidos Sambalpuri de colores vivos y motivos geométricos, mientras las canciones narran historias de amor, naturaleza y devoción, preservando así la identidad cultural de la región.
Sugerencias de música para niñ@s
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