el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Tomaso Albinoni (1671- 1751) fue un compositor del barroco italiano, que nació y falleció en Venecia; conocido en su época por sus óperas, cuando en nuestros días su popularidad le viene de la música instrumental y, sobre todo de su famoso Adagio que parece ser que no lo escribió él, sino que lo compuso en 1945 el musicólogo italiano Remo Giazotto basándose en unos fragmentos de una sonata para cuerdas y órgano de Albinoni. En contraste con los compositores de su época, nunca pretendió un puesto en la Iglesia o en la Corte, puesto que se defendía con sus propios recursos y era un enamorado de su propia independencia. Hijo de una familia acomodada, estudió canto y violín y compuso unas 50 óperas y abundante música instrumental; fundamentalmente, sonatas para solo y en trío, y conciertos para oboe y violín.
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo (1750-1810), sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales. Frecuentemente, al final del primer y/o tercer movimiento, l@s solistas disponen de una cadencia sin acompañamiento orquestal con la que poder hacer gala de su virtuosismo.
Hoy proponemos el primer movimiento del Concierto para oboe en Re menor de Albinoni en interpretación de la oboísta britanica Amy Roberts.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
El Concierto para piano y orquesta n.º 20 está estructurado en tres movimientos, del que hoy ofrecemos el segundo, Romanza, que es un rondó formado por cinco partes con la forma A-B-A-C-A y una coda. Este movimiento comienza con un solo de piano que toca una melodía encantadora con acompañamiento de la orquesta en la tonalidad principal. Dicha melodía trata de transmitir sosiego y paz, y su juego con la orquesta ha inspirado el título de "Romanza". Justo a mitad del movimiento, encontramos que la paz de la melodía es sustituida por un tema agitado, contrastando con el espíritu que se había instalado en el movimiento. Pero, de nuevo, regresa la melodía tranquila a medida que nos acercamos al final del movimiento, que será finalizado con un arpegio ascendente, ligero y delicado, tocado casi como un murmullo.
Friedrich Gulda (1930 - 2000) fue un pianista austríaco que comenzó a estudiar piano a la edad de siete años. Ganó su primer premio en el Concurso Internacional de Ginebra, con sólo 16 años. En 1950 – con 20 años de edad- se presentó en el Carnegie Hall de Nueva York con gran éxito. Ya entonces estaba capacitado para presentar en público la versión integral de las 32 sonatas de Beethoven. Gulda fue además un excelente intérprete de la música de Mozart y también creador de excelentes “cadencias” para los conciertos para piano y orquesta de dicho genio. Gulda es considerado uno de los pianistas más importantes del siglo XX y entre sus alumnos se encuentran intérpretes como Martha Argerich o Claudio Abbado.
Georges Bizet (1836-1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses del mismo de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un referente del siglo XIX y un compositor brillante e imaginativo.
Carmen es una ópera dramática en cuatro actos con música de Georges Bizet y libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, basado en la novela Carmen de Prosper Mérimée. La acción transcurre en la Sevilla de 1820 protagonizada por una bella e impulsiva gitana de fuerte carácter.
La maestra japonesa Tomomi Nishimoto (1970) comenzó sus estudios pianísticos a los tres años de la mano de su madre. Tras la realización de su Licenciatura en Música en Composición de la Facultad de Música de Osaka en 1994, Nishimoto fue admitida en el Conservatorio Estatal de San Petersburgo. Aunque tuvo la experiencia de dirigir ópera durante sus años en el Osaka College of Music como subdirectora, su carrera formal como directora comenzó en 1998 con la Orquesta Sinfónica de Kyoto. Desde entonces ha dirigido muchas orquestas japonesas famosas y ha recibido importantes premios. Su carrera profesional en Rusia comenzó en 1999, cuando dirigió la Filarmónica de San Petersburgo; en 2002, fue nombrada directora principal de la Orquesta Sinfónica Bolshoi "Millennium"; de 2010 a 2011 fue la directora invitada principal de la Orquesta Sinfónica Estatal de Rusia y posteriormente ha dirigido numerosas e importantes orquestas europeas.
Hoy la Japan Philharmonic Orchestra, conducida por la maestra Nishimoto nos ofrece la Obertura de la Ópera Carmen de Georges Bizet
Peter Graham (nacido en 1958) es un prolífico compositor británico para bandas de metales. Nació en Lanarkshire , Escocia; estudió en la Universidad de Edimburgo y posteriormente realizó estudios de posgrado con Edward Gregson en el Goldsmiths College de la Universidad de Londres. Tiene un doctorado en composición. De 1983 a 1986, residió en la ciudad de Nueva York , donde trabajó como compositor/arreglista independiente. Desde su regreso al Reino Unido, ha trabajado regularmente como arreglista para BBC Television and Radio y se ha especializado en composición para bandas de metales.
Desde la publicación de Dimensions (1983), se ha labrado un nicho como arreglista excepcional para bandas de metales y una figura destacada entre los compositores de bandas contemporáneos. Sus composiciones originales se interpretan en todo el mundo y han sido seleccionadas como piezas de prueba para campeonatos nacionales en Australia, Nueva Zelanda, Norteamérica y toda Europa. Su música para instrumentos de viento y banda de concierto ha sido grabada e interpretada por muchas de las agrupaciones más importantes del mundo. Graham ha sido miembro asociado de la Black Dyke Band (1997-2004) y compositor residente de la Her Majesty's Coldstream Guards Band. Actualmente es profesor de Composición en la Universidad de Salford, especializado en arreglos y composición para bandas de viento y metal.
El Bombardino es un instrumento de viento metal que juega el papel de barítono-tenor en las Orquestas de Viento o Bandas de Música; también se le conoce como Eufonio (“dulce sonido”), lo que resalta el carácter de su sonido propio para hacerse cargo de las partes cantábiles que correspondan a la tesitura indicada. El papel que cumple el violonchelo en una orquesta, lo cumple el bombardino en la Banda de Música.
Brilliante lo compuso originalmente Peter Graham como un dúo de bombardinos para los hermanos Robert y Nicholas Childs. Se estrenó en el Concierto del Centenario del British Bandsman en 1987. Peter Graham reorganizó más tarde el dúo como un solo para David Childs. La obra es una fantasía sobre el tema patriótico británico “Rule, Britannia!”, y se desarrolla con una serie de variaciones y secciones contrastantes.
Hoy nos lo ofrece la National Youth Brass Band de Gran Bretaña, conducida por el maestro Robert Childs como director invitado y con David Childs como solista invitado (bombardino).
Sugerencias de música clásica
Joseph Touchemoulin (1727 - 1801) fue un violinista y compositor francés del período clásico que trabajó principalmente en Bonn y Ratisbona. Nacido en Chalon-sur-Saône, hijo del oboísta de la ciudad, Louis Touchemoulin, y Jeanne Roulot, trabajó como violinista en la corte del Elector de Colonia de Baviera, en Bonn, desde muy joven. Esto le permitió estudiar en Italia, donde recibió clases de Giuseppe Tartini , quien también inspiró a Touchemoulin a desarrollar sus habilidades compositivas.
Regresó a Bonn en 1753, donde su salario fue aumentado en 1.000 fl. en marzo de 1753. Una de sus sinfonías fue interpretada con éxito en el Concert Spirituel de París el 15 de agosto del año siguiente. El 4 de febrero de 1761, fue nombrado, en contra de la práctica habitual, Kapellmeister en Bonn en lugar del cantante de mayor edad Ludwig van Beethoven (1712-1773), abuelo del compositor del mismo nombre. Pero sólo dos días después murió el Elector. La reducción a la mitad de los salarios del músico por su sucesor Maximilian Friedrich von Königsegg-Rothenfels impulsó a Touchemoulin a dimitir y a aceptar un puesto en la corte de los príncipes de Thurn und Taxis en Ratisbona ese mismo año.
La orquesta Thurn und Taxis de Ratisbona estaba clasificada como una de las mejores en los territorios de habla alemana a finales del siglo XVIII. Sus únicos rivales eran la Hofkapelle de Mannheim y la Orquesta de Esterházy con Joseph Haydn como Kapellmeister. Touchemoulin trabajó primero como violinista en la orquesta y posteriormente la gestión diaria de la orquesta pasó a sus manos. Murió en Ratisbona el 25 de octubre de 1801 y su lápida se encuentra en la Abadía de San Emerano .
Symphony Nr 17 in D Major. La sinfonía está articulada en cuatro movimientos: I (0´15´´) ADAGIO .–. II (1´10´´) ALLEGRO ASSAI .-. III (7´00´´) ANDANTE .–. IV (11´25´) PRESTO
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El legado musical de Beethoven comprende 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música. Este legado, para entenderlo mejor, lo podemos dividir en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septeto, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”, la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis …
Sinfonía. La palabra sinfonía deriva del latín symphonĭa y esta a su vez del griego συμφωνία (symphōnía), que significa “consonancia” en oposición a διαφωνία (diaphōnia), que significa «disonancia». En la Edad Media y más tarde, la palabra sinfonía se usó para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente; en el sentido de «sonar juntos», la palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de compositores del siglo XVI y del XVII y a finales del siglo XVIII la palabra ya había adquirido el significado común que en la actualidad se le asigna: una obra que generalmente consta de cuatro secciones o movimientos distintos y compuesta la mayoría de las veces para orquesta.
La sinfonía a partir del Romanticismo. Las sinfonías de Beethoven solían tener un primer movimiento “Allegro” en forma sonata, un segundo movimiento lento (a veces en forma de tema y variaciones), un tercer movimiento con ritmo ternario (usualmente un scherzo; aunque anteriormente a Beethoven lo común era un minueto y trío), para finalizar con el cuarto movimiento rápido (rondó); aunque existen sinfonías con un último movimiento escrito también en forma sonata.
La Novena Sinfonía de Beethoven, denominada también como «Coral», es una de las composiciones musicales más importantes de la historia. El último movimiento causó asombro en su época por la incorporación de un cuarteto vocal de solistas y coro mixto, cosa inédita en aquel tiempo; movimiento, por otra parte, que se ha convertido en símbolo de la libertad. En nuestros días ha tenido innumerables arreglos y adaptaciones desde el Himno a la alegría de Miguel Ríos hasta el arreglo de Herbert von Karajan para convertirlo en el Himno de la Comunidad Europea; el texto que utiliza es una reducción de la Oda a la Alegría del poeta alemán Friedrich Schiller. La Sinfonía consta de cuatro movimientos y su estreno se produjo en Viena el 7 de Mayo de 1824 con un clamoroso éxito con Beethoven presente. El 12 de Enero de 2003 la Unesco declara a la Sinfonía Patrimonio de la Humanidad.
Estructura. La sinfonía tiene cuatro movimientos: I (0´06´´) ALLEGRO MA NON TROPPO, UN POCO MAESTOSO, en Re menor. La Sinfonía empieza de forma poderosa, con un tema principal que transcurre en escalas y variaciones trepidantes, con incisos más adelante para los momentos líricos, nuevamente interrumpidos por la intensidad titánica de la composición.-. II (14´50´´) SCHERZO. MOLTO VIVACE, en Re menor – PRESTO, en Re mayor. El segundo movimiento es calificado por algunos cronistas como «el infierno en llamas», por su contundencia y velocidad, suavizado majestuosamente en la recapitulación. -. III (26´41´´) ADAGIO MOLTO E CANTABILE, en Si bemol mayor – ANDANTE MODERATO – TEMPO PRIMO – ANDANTE MODERATO – ADAGIO – LO STESSO TEMPO. El tercer movimiento, aunque sosegado, conduce firmemente a lo que será el cuarto movimiento, que contiene una melodía fácilmente reconocible y mundialmente famosa y original de Beethoven. -. IV (39´13´´) FINALE. RECITATIVO (PRESTO – ALLEGRO MA NON TROPPO – VIVACE – ADAGIO CANTABILE – ALLEGRO ASSAI – PRESTO: O FREUNDE) – ALLEGRO ASSAI: FREUDE, SCHÖNER GÖTTERFUNKEN – ALLA MARCIA – ALLEGRO ASSAI VIVACE: FROH, WIE SEINE SONNEN – ANDANTE MAESTOSO: SEID UMSCHLUNGEN, MILLIONEN! – ADAGIO MA NON TROPPO, MA DIVOTO: IHR, STÜRZT NIEDER – ALLEGRO ENERGICO, SEMPRE BEN MARCATO: (FREUDE, SCHÖNER GÖTTERFUNKEN – SEID UMSCHLUNGEN, MILLIONEN!) – ALLEGRO MA NON TANTO: FREUDE, TOCHTER AUS ELYSIUM! – PRESTISSIMO, MAESTOSO, PRESTISSIMO: SEID UMSCHLUNGEN, MILLIONEN! PRESTO ALLEGRO TEMPO. El movimiento comienza con breves recapitulaciones de los movimientos anteriores. Finalmente, el bajo irrumpe con una llamada: «Amigos, no en esos tonos...», tras lo cual suena la melodía basada en la oda, primero a través de la orquesta y luego con el coro. Al intervenir el coro, generalmente lo hace de manera homofónica. Constituye una grandiosa arquitectura musical con diversas texturas que van desde el recitativo a la doble fuga pasando por solistas, coro, etcétera.
Hoy nos la ofrecen la soprano Erin Wall, la mezzosoprano Sonia Prina, el tenor Simon O'Neill y el bajo Alexander Vinogradov con el Coro CBSO, el Coro Nacional de Gales de la BBC y la Orquesta Nacional de Gales de la BBC, tod@s ell@s conducid@s por la maestra china Xian Zhang.
Emilie Mayer (1812- 1883) fue una compositora y escultora alemana del romanticismo. A pesar de que empezó sus estudios de composición relativamente tarde en su vida, fue una compositora prolífica muy reconocida en vida a lo largo de Europa, componiendo al menos 8 grandes sinfonías, 15 oberturas de concierto junto a una gran cantidad de música de cámara. El 28 de agosto de 1840 su vida dio un sorpresivo giro cuando su padre se disparó a sí mismo, acabando con su vida en el 26° aniversario de la muerte de la madre de Emilie Mayer. La autora Marie Silling, escribió respecto de este acontecimiento: «La muerte de su padre causó su primera y gran profunda pena; con el fin de adormecer este dolor, se enterró en el trabajo».
Cuarteto de cuerdas es un conjunto musical de cuatro instrumentos de cuerda, usualmente dos violines, una viola y un violonchelo, o una pieza escrita para ser interpretada para dicho grupo. El cuarteto de cuerdas es ampliamente visto como una de las formas más importantes de música de cámara, teniendo en cuenta que muchos de los compositores renombrados a partir del siglo XVIII escribieron obras para cuarteto de cuerdas, composición tradicionalmente estructurada en cuatro movimientos.
String Quartet No. 1 in G minor, Op. 14 de Emilie Mayer es una obra significativa dentro del repertorio de música de cámara del siglo XIX, y es una excelente muestra del talento compositivo de Mayer. La tonalidad de Sol menor le da un carácter dramático, introspectivo y apasionado; además, Mayer maneja el contrapunto y la interacción entre instrumentos con gran habilidad. En la composición se aprecia la influencia clásica y romántica: se notan ecos de Beethoven y Mendelssohn, pero con un lenguaje propio, especialmente en la forma en que desarrolla los temas y aunque sigue estructuras formales tradicionales, Mayer aporta un enfoque muy personal a las modulaciones y al desarrollo temático.
La obra sigue la estructura habitual de la época en cuatro movimientos: I (0´02´´) ALLEGRO APPASSIONATO .-. II (10´12´´) SCHERZO: ALLEGRO ASSAI .-. III (13´59´´) ADAGIO CON MOLTA ESPRESSIONE .-. IV (23´10´´) FINALE: ALLEGRO MOLTO.
George Gershwin (1898 –1937), compositor estadounidense hijo de emigrantes rusos, es conocido y apreciado por haber sabido conjugar el jazz con la música clásica. Desde niño se esforzó en el estudio del piano y ya desde joven empezó a escribir sus primeras canciones llegando a estrenar en Broadway su primer musical con su hermano Ira como letrista, compañía que nunca abandonaría. A partir de los veinte años empezó a componer, además, obras pensadas para salas de conciertos con las que obtenía renombrados éxitos. A pesar de ello, y consciente de sus déficits formales, viajó a París a completar su formación con Stravinski, quien tras preguntarle por el dinero ganado en un año le contestó que era él quien debiera tomar clases con Gershwin. Con Ravel le sucedió algo parecido, pues le espetó aquello de “¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?” Así que al poco volvió a USA para trabajar y estrenar la ópera Porgy and Bess perfecta fusión del jazz y góspel americanos con el sinfonismo europeo. Al poco tiempo un tumor cerebral acabó con su vida.
Girl Crazy es un musical de 1930 con música y letras de George e Ira Gershwin respectivamente, y libreto de Guy Bolton y John McGowan. El argumento se refiere al rico playboy Danny Churchill que ha sido enviado por sus padres a Custerville, Arizona, para administrar el rancho de su familia y concentrarse en asuntos más serios que el alcohol y las mujeres. Pero Danny convierte el lugar en un rancho para turistas e importa showgirls de Broadway. Finalmente Danny se enamora de la directora de correos local, Molly Gray. El musical ha sido adaptado al cine en tres ocasiones, la más popular la de 1943, con Judy Garland y Mickey Rooney. Sus canciones más conocidas son Embraceable You y I Got Rhythm. En la presente ocasión, el musical está presentado en forma de suite con Barbara Hannigan (1971) en su doble papel de solista (soprano) y directora.
Sugerencias de música para todos los gustos
Vanesa Martín (Málaga, 14 de noviembre de 1980) es una cantante y compositora andaluza. A los seis años su padre le regaló su primera guitarra y a partir de ahí comenzaría su afición por la música. Más tarde, decide iniciar su formación en guitarra, a través de coros rocieros, y poco después empezaría a escribir sus primeras canciones. Ya a los quince años actúa en numerosos locales malagueños y aparece en televisiones y programas de radio locales. A finales del año 2003, tras realizar los grados de Magisterio y Pedagogía en la Universidad de Málaga, se afincó en Madrid, donde realizaría sus primeros conciertos en el Bar El Taburete. Su primera aparición en un disco fue en el CD llamado El búho real. Su primer álbum se tituló Agua, el cual salió en 2006. En 2009, ficha por la multinacional Warner Music. Hasta la fecha ha editado ocho álbumes de estudios, ha vendido miles de copias en España y Latinoamérica y realizando gran cantidad de conciertos por toda la geografía española.
Peter Maffay (Braşov, Rumanía, 30 de agosto de 1949), de nombre real Peter Alexander Makkay, es un músico alemán en activo desde hace más de cuatro décadas. Hijo de madre alemana (sajona de Transilvania) y padre húngaro, en 1963, migraron desde la Transilvania sajona a Alemania. Ese mismo año Maffay inició su primer proyecto musical, The Dukes. Tras finalizar sus estudios y trabajar para Chemigraphics, un fabricante de arte, Maffay trabajó en clubs donde dio a conocer su música. Su carrera comenzó oficialmente en 1969 con su primer sencillo, "Du" (Tú en alemán). Fue el mayor éxito alemán en 1970 lo que le catapultó a la fama. Con el álbum Steppenwolf editado en 1979, Maffay se consolidó como una de las grandes estrellas de la música alemana. Del álbum se vendieron 1,6 millones de copias, lo que le convirtió por aquel entonces en el LP más vendido de la historia del país. En 1980, el álbum Revanche (Venganza) rompió su récord anterior, alcanzando los 2,1 millones de ejemplares. Maffay ostenta el récord alemán de sencillos y de álbumes (12) que alcanzaron el número uno de ventas. Además, casi todos sus álbumes alcanzaron puestos entre los 10 más vendidos. También cuenta con el récord alemán de álbumes que alcanzaron el millón de copias, concretamente 14, incluyendo su último álbum, Laut und Leise (Ruidoso y tranquilo). En total, Maffay ha vendido más de 35 millones de álbumes. Desde 1980, cada una de sus 13 giras han sido uno de los 3 eventos más visitados en Alemania, con nueve de ellos como los más visitados.
Peter Maffay es un activista pacífico, que también realiza donaciones a proyectos de niñ@s traumatizad@s y de l@s que se ha abusado sexualmente. Tiene una finca en Ca'n Llompart, Pollensa, Mallorca, una de las sedes de La Fundación Peter Maffay donde niñ@s traumatizad@s de todo el mundo pueden pasar dos semanas de vacaciones gratis. Recibió el Bundesverdienstkreuz, medalla al mérito alemán, en 1996, y en 2001, el "Goldene Henne" ("Gallina dorada").
Annural Khalid nació en Islamabad, Pakistán, el 13 de octubre de 1999 y comenzó su carrera musical en 2020 compartiendo covers en redes sociales. Estudió Diseño de Comunicación Visual en el National College of Arts (NCA) de Islamabad, graduándose en 2021. Su estilo fusiona el chill pop, desi R&B, soul, y pop contemporáneo. Musicalmente, explora emociones como el amor no correspondido, la vulnerabilidad y las relaciones personales. Hemos mencionado que comenzó a cantar desde que pudo hablar y ve la música como un medio de expresión emocional continuo. Además, es una fan declarada de Rihanna, a quien considera una inspiración. Su canal de YouTube tiene más de 156 000 suscriptores, y durante 2024 acumuló más de 2 millones de horas reproducidas. Publica activamente en Instagram y TikTok bajo el usuario @annuralkhalid.
Víctor Jara (1932-1973) fue un músico, cantautor, profesor, escritor y director de teatro chileno. La figura de Víctor Jara es un referente internacional de la canción de protesta, aunque él nunca se sintió del todo identificado con esa definición. Fue uno de los más emblemáticos del movimiento músico-social llamado «Nueva canción chilena», y uno de los pilares en la música latinoamericana. Al asumir Salvador Allende como presidente de Chile, Jara fue nombrado embajador cultural. Con la discográfica Dicap, editó el disco El derecho de vivir en paz, que le valió el Laurel de Oro a la mejor composición del año y cuyo vídeo hoy ofrecemos. Trabajó como compositor de música en la Televisión Nacional de Chile de 1972 a 1973 y viajó a la Unión Soviética y a Cuba, y dirigió el homenaje a Pablo Neruda por la obtención del Premio Nobel.
Tras el golpe de Estado que derrocó al gobierno de Salvador Allende el 11 de septiembre de 1973, Jara fue detenido al día siguiente por las Fuerzas Armadas de la dictadura militar; fue torturado y brutalmente golpeado, le quebraron las costillas a patadas y fracturaron sus manos a culatazos. Tras cuatro días, fue asesinado con más de cuarenta disparos en el antiguo Estadio Chile que, con el retorno de la democracia, fue renombrado «Estadio Víctor Jara». Su cuerpo fue encontrado el día 19 por vecinos de la Población Santa Olga en las cercanías del Cementerio Metropolitano.
Sugerencias de videos peculiares
Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia, escrito conjuntamente con Léon Minkus; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos.
Ludwig Minkus (1826-1917) fue un violinista y compositor austriaco de música para ballet. Estudió en el Conservatorio de Viena; en esa época a la vez que compuso música para ballet, actuó como solista de violín y fundó una orquesta que haría la competencia a la del joven Johann Strauss. En 1846, Minkus se muda a París y ese mismo año se estrena el ballet Paquita, con música de Édouard Deldevez ayudado por Minkus. En 1847 se instala en Rusia; en 1861, ingresa en la Orquesta del Teatro Bolshói como violinista; un año más tarde, como director y dos años después es nombrado compositor del Ballet Bolshói. Aunque radicado definitivamente en Rusia, mantiene sus lazos con París y en 1866 viaja a la capital francesa para componer el nuevo ballet La Source.
La Source es un ballet en tres actos cuya música fue escrita conjuntamente por Leo Delibes y Ludwig Minkus. De este ballet, hoy el Ballet de la Ópera Nacional de París nos ofrece la segunda parte del segundo acto
Argia Dantzari Taldea, espectáculo Alakiketan, 1993. Fue la continuación de "Alakiketan" “Irradaka” (1987) y "Zortziko" (1988), estrenándose en el Teatro Arriaga de Bilbao en 1992. En 1993 se unió "Muriska", un drama o coreografía inspirada en las pastorales de Zuberoa, y todo el montaje se estrenó por primera vez en el Festival Internacional de Olite.
El presente vídeo pertenece a este último formato. Dirección, coreografía y vestuario: Juan A. Urbeltz Dirección musical y arreglos: Marian Arregi Colaboraciones: Grupos de danza Goizaldi, Haritz eta Arkaitz, joaldunak de Ituren, Oin Arin y Antiguo, Grupos infantiles de Añorga y Astigarraga. Músicos: De los grupos Argia y Haritz, Instrumentistas de viento del grupo Antiguotarrak y la Orquesta de cuerda de Lasarte. Maestros de danza: Fernando Aristizabal, Iñaki Arregi, Claude Iruretagoiena, Jexux Larrea, Josema Mendiola y Lurdes Odriozola. Vestuario: Amaia Bueno, Claude Iruretagoiena y Javier Cuadrado. (Comentario de pie de página del vídeo)
Mayib' K'astajib'al es una agrupación cultural de Guatemala, proveniente de Santo Tomás Chichicastenango, que se dedica a preservar, fomentar y difundir la cultura guatemalteca y los valores mayas a través de la riqueza de la danza tradicional maya. El nombre se traduce como "Amanecer Mayense" y promueve la difusión de las tradiciones y valores artísticos de su pueblo. El grupo se enfoca en la representación de bailes culturales mayas, como el que se puede apreciar en los eventos de Chichicastenango. La misión de esta agrupación, constituida por personas jóvenes de ambos sexos, es difundir y fortalecer la identidad cultural de sus comunidades a través de sus manifestaciones artísticas.
Las Danzas Chinas tienen un amplio abanico de expresiones artísticas por sus coloridos, por sus estudiados movimientos, por sus orígenes tan diversos y por las circunstancias en la que se desenvuelven; representan desde danzas populares hasta actuaciones de ópera y ballet. De los 56 grupos étnicos reconocidos oficialmente en China, cada grupo tiene sus propios bailes folclóricos y momentos de representarlos. En la actualidad existe un resurgimiento y un movimiento de recuperación de las danzas tradicionales adaptadas a nuestros tiempos, como en el vídeo que hoy presentamos.
Creative National Dress Fashion Show (Desfile de moda de vestimenta nacional creativo). Es una muestra de un desfile/danza de trajes nacionales de China bajo el soporte de un popurrí de música tradicional con la colaboración de distintos equipos de danza de adult@s y de niñ@s.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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