25 de Julio Dia de Galicia
31 de Julio S. Ignacio
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Ignacio de Loyola (1491- 1556) fue un militar y luego religioso español, surgido como un líder religioso durante la Contrarreforma. Su devoción a la Iglesia católica se caracterizó por la obediencia absoluta al Papa. Fundador de la Compañía de Jesús (cuyos miembros son denominados como jesuitas) de la que fue el primer general; la misma prosperó al punto que contaba con más de mil miembros en más de cien casas —en su mayoría colegios y casas de formación— repartidas en doce provincias al momento de su muerte. Sus Ejercicios espirituales, publicados en 1548, ejercieron una influencia proverbial en la espiritualidad posterior como herramienta de discernimiento. Estuvo quince años al frente de la Compañía de Jesús como General, permaneciendo en Roma. Murió el 31 de julio de 1556 y su cuerpo, que fue inicialmente sepultado en la iglesia de Santa Maria della Strada, fue trasladado a la iglesia del Gesù, sede de la Compañía. El metodista Jesse Lyman Hurlbut consideró a Ignacio de Loyola como una de las personalidades más notables e influyentes del siglo XVI. El Papa Gregorio XV lo canonizó el 12 de marzo de 1622 y Pío XI lo declaró patrono de los ejercicios espirituales en 1922.
Nemesio Otaño y Eguino (1880 –1956) fue un compositor y musicólogo jesuíta. A los 6 años empezó a estudiar solfeo, a los 8 piano y a los 11 órgano, también estudió contrapunto en Valladolid. En 1896 ingresó en la Compañía de Jesús y pronto fue nombrado organista de la Basílica de Loyola (Azpeitia, Gipuzkoa). En 1907 organizó el Primer Congreso Nacional de Música Sacra en Valladolid; ese mismo año fundó Música Sacra Hispana, revista que dirigió hasta 1922; también creó y dirigió la célebre Schola Cantorum de la Universidad Pontificia de Comillas. Al finalizar la guerra civil, formó parte del primer Comisariado General de la Música y, entre 1940 y 1951, dirigió el Conservatorio de Madrid. En 1941 fue nombrado Caballero de la Orden de Alfonso X el Sabio y en 1943 ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. A lo largo de su vida Otaño escribió distintas obras de inspiración popular y abundante obra religiosa como su Himno a San Ignacio de Loyola que hoy lo podemos escuchar en versión del Orfeón Donostiarra, la Escolanía y la Coral de San Ignacio de San Sebastián, la Coral Eskifaia de Fuenterrabía, los Coros de Azpeitia y Azcoitia, el organista y concertista José Manuel Azkue y la Sinfónica de Euskadi dirigidos tod@s ell@s por Enrique Ugarte.
Xoán Montes (1840-1899) fue un compositor, instrumentista y docente gallego nacido en Lugo. En 1850 comienza sus estudios en el Seminario Conciliar de Lugo con el fin de cursar la carrera sacerdotal. Pasará catorce años formándose como interno en la institución eclesiástica, abandonándola en el verano de 1864 para dedicarse enteramente a la práctica de la música. Ya en sus últimos años en el seminario, tiene Montes una remunerada actividad musical como pianista en el Círculo de las Artes ―del que era socio desde 1861― que continuará después de dejar los estudios. Durante sus años como seminarista, Montes recibe una muy escasa formación musical que él mismo necesitará continuar de una manera autodidacta estudiando los textos de Fetis-Gil, Eslava o Berlioz. En lo que respecta a su formación como instrumentista, resulta probable que recibiera la docencia de Isidoro Blanco, organista de la Catedral de Lugo en aquellos años.
En la producción de Montes encontramos dos parcelas: la de la música sacra y la de la música popular. Con la excepción de la música escénica, casi no cultivada por el músico, en su catálogo se observan composiciones y arreglos para coro, órgano, banda, orquesta, cuarteto, sexteto, voz o piano. Xoán Montes muere en la noche del 23 al 24 de junio de 1899 a causa de una hemorragia cerebral; no dejó descendencia, ni se casó, ni es conocida relación sentimental alguna a lo largo de su vida.
Negra sombra es un poema gallego de Rosalía de Castro musicalizado por Xoán Montes y hoy ofrecido por María Eugenia Boix acompañada por Natalia Ensemble. Singularmente vinculada a la música antigua y al repertorio barroco, la soprano María Eugenia Boix se reivindica también como una solista muy pegada al escenario, al teatro y a la música popular. Por otro lado, Natalia Ensemble es un conjunto creado en 2013 y formado por 17 intérpretes que, tras haber coincidido en diversas orquestas, han querido seguir haciendo música juntos.
Jorge Cardoso (1949) es un concertista y compositor argentino de más de 400 obras, la mayoría para guitarra sola o acompañada; casi el mismo número alcanzan las transcripciones y arreglos de todas las épocas y especialmente las referidas a los países latinoamericanos. Sujeto de numerosos e importantes galardones, en la actualidad es Profesor Superior de Guitarra en el Real Conservatorio de Madrid.
La Milonga es un género musical típico de Argentina y Uruguay cercano al Tango. Tatyana Ryzhkova (1986) guitarrista bielorrusa, de depurada técnica y preciso sentido del tempo, ha ofrecido más de 500 conciertos y ganado importantes premios, siendo en la actualidad una de las guitarristas emergentes más prometedoras.
Athanasius Kircher fue sacerdote jesuita, políglota, erudito, estudioso orientalista, de espíritu enciclopédico y uno de los científicos más importantes de la época barroca.
La Tarantela es un baile de parejas de origen napolitano, popular en distintas regiones del Sur de Italia. De ritmo vivo y escrito en 6/8; normalmente era un baile cantado, aunque a partir del siglo XIX, con el Romanticismo, la música instrumental asumió esta forma y muchos notables compositores se ocuparon de ella. La versión que hoy presentamos es obra de L'Arpeggiata; conjunto internacional de música antigua y tradicional vocal e instrumental. L'Arpeggiata fue fundada en el año 2000 por la arpista, laudista y tiorbista austríaca Christina Pluhar. El conjunto reúne artistas venidos de horizontes musicales variados, originarios de Europa y otros continentes, en torno a proyectos elaborados por Christina Pluhar. El conjunto ha actuado en numerosos festivales internacionales de música antigua y de música barroca.
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Domenico Zipoli (1688–1726) fue un compositor ítalo-latino del barroco, considerado como el compositor europeo más famoso que haya viajado hacia América durante el período colonial, y también el músico más dotado que haya contribuido a las misiones jesuíticas en el continente. Desde 1707 estudió en Florencia, probablemente con Giovanni Maria Casini, durante un breve período en Nápoles con Alessandro Scarlatti, para trasladarse luego a Bolonia, donde trabajó a las órdenes del padre Felipe Lavinio Vannucci. En 1709 completó su formación musical con Bernardo Pasquini en Roma, hasta la muerte de este último. Luego permaneció en la ciudad, donde ocupó varios cargos, el más importante de los cuales fue el de organista de la Chiesa del Gesú. Durante los primeros meses de 1716, Zipoli viajó a Sevilla, donde comenzó su noviciado, ingresando el 1 de julio en la Provincia jesuítica del Paraguay. El año siguiente se estableció en Córdoba, Argentina. Allí completó sus estudios en filosofía y teología, como preparación para ser ordenado sacerdote. Debido a que la sede obispal de Córdoba se encontraba vacante, la ceremonia nunca se llegó a realizar. Falleció en 1726 debido a una enfermedad infecciosa, probablemente tuberculosis. De las obras que escribió en Italia se han logrado recuperar tres cantatas para soprano y bajo continuo y las Sonate d'Intavolatura per órgano e címbalo; mientras que de su producción en Latinoamérica, se conserva abundante obra religiosa y la ópera que hoy presentamos.
San Ignacio de Loyola es una ópera en dos actos con un libreto eminentemente pedagógico cuyo fin era la evangelización. Los personajes principales son San Ignacio de Loyola, San Francisco Javier y el Demonio, que tienta, sin éxito, a los dos santos. Al ser una obra escrita para ser representada en las misiones, habitualmente por niños, está escrita para una tesitura de voz de tiples. (Extractado de la Revista Scherzo). La versión que hoy ofrecemos está conducida por el maestro Gabriel Garrido.
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) fue un clavecinista y compositor alemán, segundo hijo del primer matrimonio de Johann Sebastian Bach con quien estudió clavecín, interpretación y composición; fue uno de los fundadores del clasicismo. En 1738 era considerado como unos de los clavecinistas más importantes de Europa por lo que entró a formar parte de la Corte de Federico el Grande. Al no sentirse suficientemente apreciado, abandonó la Corte para trasladarse a Zittau y más tarde a Leipzig. En 1768, tras la muerte de Telemann, le sucedió a éste en el cargo de Maestro de Capilla de Hamburgo, donde residió hasta su fallecimiento en 1788. A lo largo de su carrera escribió numerosas obras para teclado, unas doscientas obras de cámara, diecinueve sinfonías, quince conciertos para distintos instrumentos, varias canciones e himnos, dos oratorios y veinte pasiones.
El Concierto para piano en Re M, que hoy presentamos, está estructrado en tres movimientos: I Allegro di molto - Andante - Allegro di molto; II Andante; III Allegreto e interpretado al piano por Anastasia Injushina, pianista rusa que estudió en el Conservatorio de San Petersburgo; ha realizado notables actuaciones tanto como solista como integrante de pequeños grupos de cámara y ha sido invitada por importantes Festivales Internacionales.
Jean Sibelius (1865-1957) fue un violinista y compositor finlandés, considerado como el referente musical de su país. Comenzó sus estudios de piano con una tía suya hasta que ingresó en el Conservatorio de Helsinki donde se formó en violín y composición. Sufrió una gran frustración al constatar que había llegado demasiado tarde a los estudios de violín y tener que dedicarse forzosamente sólo a la composición. Tras conseguir una beca, se trasladó a Berlín y más tarde a Viena para perfeccionar sus estudios de composición. Interesado en las voluntades independentistas de su país (Finlandia entonces pertenecía a Rusia) escribe numerosas obras, en muchas de las cuales prevalece el carácter nacionalista: música de piano, música de cámara, más de 100 canciones para voz y piano, música masónica, trece poemas sinfónicos, siete sinfonías, un concierto de violín, música incidental para teatro, una ópera y otras obras de menor envergadura.
La Segunda Sinfonía la escribe en 1901 durante su estancia temporal en una casa de campo de Italia estrenándola en Helsinki al año siguiente bajo la batuta del mismo Sibelius; a pesar del exitoso estreno, hizo una serie de correcciones en algunos pasajes que no le satisfacían. Esa versión revisada es la que hoy visionaremos con Susanna Mälkki (1969) al atril, violonchelista y directora de orquesta finlandesa. Empezó sus estudios musicales con el violín, piano y violonchelo para entregarse definitivamente a éste último; más tarde estudiaría dirección de orquesta como alumna de Esa-Pekka Salonen. Como violonchelista ha obtenido importantes premios y durante tres años ha ejercido de primera violonchelista en la Sinfónica de Gotemburgo. Como directora, ha dirigido importantes agrupaciones europeas y americanas y se ha especializado en música contemporánea. En la actualidad es la directora principal invitada de la Filarmónica de Los Ángeles.
Pierre Boulez (1925- 2016) fue un compositor, pedagogo y director de orquesta francés cuya influencia en el terreno musical e intelectual contemporáneo ha sido notable. Inició estudios de matemáticas en el Politécnico de Lyon, antes de ingresar en 1944 en las clases de armonía de Olivier Messiaen en el Conservatorio de París. También estudió contrapunto con Andrée Vaurabourg, esposa del compositor suizo Arthur Honegger, y la técnica dodecafónica con René Leibowitz. Comenzó cultivando una música atonal dentro de un estilo serial post-weberniano influido por Olivier Messiaen. Este serialismo, a diferencia del dodecafonismo, no sólo aplicaba el concepto de serie a la altura de las notas, sino también a otras variables del sonido: ritmos, dinámicas, ataques, etc. Esto daría lugar al llamado serialismo integral, corriente estética de la que fue uno de los principales representantes. Junto a compositores como Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono, Ernst Krenek, Milton Babbitt o el propio Messiaen, aunque este último nunca se adscribió a ella. En 1948 comenzó a ejercer como director musical de la compañía Renaud-Barrault en el teatro Marigny. Continuando la labor de figuras como Pierre Schaeffer y Edgar Varèse, fue un precursor de la música culta electrónica y la música por computadora. Desde 1950 experimentó con la música aleatoria y mantuvo una notable correspondencia con John Cage. La madurez del compositor ha sustituido la feroz concentración del Boulez temprano por una música serena, más expansiva y accesible. Su obra, construída con sonoridades densas y líneas melódicas que revolotean entre cambios inesperados de rumbo, es compleja e intrincada, pero evita la retórica grandilocuente. En 1970, el presidente francés Georges Pompidou invitó a Boulez a crear y dirigir una institución para la exploración y desarrollo de la música moderna, dando lugar al IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique), del que Boulez fue director hasta 1992. Continuó dirigiendo y componiendo hasta su muerte en enero de 2016.
Le Marteau Sans Maître fue escrito por Boulez entre 1953 y 1954 por primera vez como una composición de seis movimientos para contralto, flauta, viola, guitarra, vibráfono y percusión y se publicó en esa forma; en 1955, Boulez revisó el orden de estos movimientos e interpoló tres de nueva composición. Realizó su estreno en 1955 en el 29 ° Festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea en Baden-Baden. Boulez, conocido por considerar que sus obras siempre están "en progreso", hizo más pequeñas revisiones a Le Marteau en 1957, año en el que Universal Edition emitió una partitura grabada. Tras las correcciones pertinentes de Boulez, sus nueve movimientos son los siguientes: I Antes de "La artesanía furiosa". II Primer comentario sobre "Verdugos de la soledad". III La artesanía furiosa. IV Segundo comentario sobre "Verdugos de la soledad". V "Edificio señorial y presentimientos", primera versión. VI "Verdugos de la soledad". VII Después de "La artesanía furiosa". VIII Tercer comentario sobre "Verdugos de la soledad". IX "Edificio señorial y presentimientos", nuevamente. La versión que hoy ofrecemos está conducida por el propio compositor.
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Alton Glenn Miller (1904-1944) fue un trombonista, compositor y director de Big Band estadounidense. A los 33 años fundó Glenn Miller Orchestra con la que interpretaba, grababa y vendía sus creaciones que obtenían clamorosos éxitos; sólo entre 1939 y 1942 tuvo 16 discos número uno en USA. En 1942 en plena Segunda Guerra Mundial se alistó en el ejército con la misión de actuar ante las compañías de soldados americanos; en uno de estos viajes, mientras cruzaba el Canal de la Mancha, desapareció su avión sin que nunca más se supiera de él. La Glenn Miller Orchestra actual se fundó en 1956 con las mismas ideas y objetivos que tuvo en sus inicios.
Birdy (1996) es una cantante y compositora inglesa. Birdy ganó el concurso de talentos musicales Open Mic UK en 2008 con 12 años. Debutó con una versión de la canción Skinny Love, de Bon Iver, que triunfó en Europa y recibió seis veces el disco de platino en Australia. Su álbum debut, titulado Birdy, fue publicado el 7 de noviembre de 2011 y tuvo un éxito similar, ya que llegó al número 1 en Australia, Bélgica y Países Bajos. Su segundo álbum de estudio, titulado Fire Within fue lanzado el 23 de septiembre de 2013 en Reino Unido y otros países. Beautiful Lies, su tercer álbum de estudio, fue lanzado el 26 de marzo de 2016.
Chuck Berry (1926-2017) Fue un compositor, guitarrista y cantante estadounidense, uno de los más reputados creadores e intérpretes del rock and roll. La revista Rolling Stone lo considera como el 5º mejor artista musical de todos los tiempos tras The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones.
Dulce Pontes (1969) es una cantante y compositora de fado portuguesa; se la considera como una artista de la world music. Su actividad artística contribuyó al renacimiento del fado en los años noventa del siglo pasado. Pontes se distingue por su voz versátil, dramática y con calidez emotiva; algunos de los temas de su repertorio son composiciones propias. Ha actuado junto a artistas como Ennio Morricone, Giorgos Dalaras, Andrea Bocelli y José Carreras.
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Sergei Rachmaninoff (1873-1943) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso, nacido en una familia aristócrata de músic@s. Comenzó a tocar el piano a los cuatro años formalizando sus estudios en el Conservatorio de San Petersburgo y posteriormente, en el de Moscú. Para los 20 años ya había compuesto distintas obras pianísticas y orquestales. Tras el estreno de su Primera Sinfonía y las críticas recibidas sufrió durante cuatro años una crisis creativa con continuas depresiones . Tras su superación escribió el Concierto para piano nº 2, el cual recibió unánimes aplausos y un reconocimiento a nivel mundial; esto sucedía en 1901. Tras la revolución rusa, se trasladó con su familia a Suiza y en 1935, a Estados Unidos trabajando como concertista mientras seguía componiendo en los intervalos que le permitían sus compromisos. Escribió abundante producción para piano solo y concertante, música de cámara, tres sinfonías y otras obras orquestales, numerosas canciones para voz y piano, composiciones corales y tres óperas. Está considerado como uno de los pianistas más influyentes del siglo XX y uno de los compositores más representativos de Rusia.
La Rapsodia sobre un tema De Paganini es una obra escrita para piano y orquesta con variaciones sobre el Capricho nº 24 para violín solo de Paganini; hoy ofrecemos una parte de la misma coreografiada por Michel Fokine y en versión de Manuel Legris (1964), bailarín francés que fue solista del Ballet de la Ópera Nacional de París y que ha sido invitado de las compañías de ballet más relevantes del mundo y actuado con las bailarinas más prestigiosas. Actualmente tiene su propia compañía Manuel Legris et ses Étoiles con la que realiza giras por todo el planeta.
Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor francés nacido en París y autor de abundante música escénica. Fue hijo del renombrado pianista y profesor del Conservatorio de París, Lois Adam, con quien comenzó sus estudios musicales. De joven, ingresó en la orquesta del Théâtre du Gymnase donde llegó a ser timbalero y maestro del coro. A los 18 años ingresó en el Conservatorio de París y a los 20, componía canciones para los vaudevilles parisinos. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas; en total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el ballet Le Corsaire y el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night. Desde 1849 hasta su muerte en 1856 fue profesor de composición del Conservatorio de París.
Giselle, una de las obras maestras del ballet blanc y obra fundamental en el repertorio romántico, es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam; de este famoso ballet, hoy ofrecemos el Pas de deux del segundo acto en interpretación de la célebre bailarina italiana Carla Fracci y el renombrado bailarín y coreógrafo danés Erik Bruhn.
La Biwa es un instrumento japonés de púa parecido al laúd occidental. Su origen proviene de China que lo exportó a Japón hacia el año 730. Consta de una caja de resonancia, un mástil con trastes y cinco cuerdas que son rasgadas con una enorme púa.
La Danza en Camerún ya no se refiere sistemáticamente a los grupos de danza folclórica como lo ha hecho durante décadas. El nacimiento de numerosas comparsas y un festival de danza, Abokingoma, contribuyen a un nuevo boom de la danza. El país cuenta con más de 200 grupos etnolingüísticos y la misma cantidad de danzas patrimoniales que generalmente llevan los nombres de los ritmos que las sustentan. Si bien la mayoría de estos bailes han conservado su forma original y su lugar en las sociedades tradicionales, otros se han urbanizado, se han fusionado con los llamados bailes modernos o simplemente han inspirado nuevas expresiones coreográficas. Elementos fundamentales de las ceremonias rituales y tradicionales, las danzas patrimoniales se han convertido, para varios grupos étnicos cameruneses, en el único elemento visible de una tradición que se está desvaneciendo lentamente.
Guéhéma es un baile de la etnia Yambassa, particularmente los Gunu o Begunu del distrito de Ombessa en el departamento de Mbam e Inoubou en Camerún.
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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.