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Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco. Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera. Tras tres años viajó a Florencia, y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759.  

Aria (del italiano aria, "aire"), es una pieza musical creada para ser cantada habitualmente por una voz solista sin coro, con acompañamiento orquestal y como parte de una ópera o de una zarzuela. Antiguamente, era cualquier melodía expresiva frecuentemente, aunque no siempre, ejecutada por un/a cantante.

Kathleen Battle (1948) es una soprano lírica de coloratura. Inicialmente fue conocida por su repertorio de conciertos con las orquestas más importantes del mundo. Su carrera operística se desarrolló a lo largo de los años 1980, con los directores más renombrados como  Karajan,  Muti,  Mehta, Ozawa,  Abbado,  Solti,  Giulini,  Levine ... En el presente vídeo, acompañada por la Academy of St Martin in the Fields conducida por Neville Marriner nos ofrece un florilegio de arias de ópera de Haendel.


Amilcare Ponchielli  (1834-1886) fue un compositor italiano nacido en  Paderno Fasolaro (hoy Paderno Ponchielli), Cremona. Comenzó a estudiar con su padre, que era organista y a los nueve años ingresó en el Conservatorio de Milán. Fue organista en la iglesia de San Hilario en Cremona, donde también fue profesor de música. Fue también maestro director de las Bandas Municipales de Piacenza y Cremona, para las que compuso algunas obras. En 1881 fue nombrado Maestro de Capilla de Santa María la Mayor en Bérgamo. En 1883 entra como profesor en el Conservatorio de Milán; entre otros alumnos, tuvo a Giacomo Puccini y Pietro Mascagni. Sus óperas, representadas con mucho éxito, son óperas italianas con cierta influencia de la gran ópera francesa: gran número de personajes, ballet e importante participación del coro.  

La Gioconda es una ópera, la obra más popular de Ponchielli, de la que hoy ofrecemos su pieza más conocida, la Danza de las Horas, un ballet miniatura romántico que es más conocido, incluso, que la ópera de la que proviene. Dicho ballet fue utilizado por Walt Disney en su película Fantasía, para hacer bailar a elefantes, avestruces, cocodrilos e hipopótamos con tutú. Hoy en versión de la Orquesta Filarmónica J.L.Moreno bajo la dirección del maestro Tulio Gagliardo

Amilcare Ponchielli  (1834-1886) fue un compositor italiano nacido en  Paderno Fasolaro (hoy Paderno Ponchielli), Cremona. Comenzó a estudiar con su padre, que era organista y a los nueve años ingresó en el Conservatorio de Milán. Fue organista en la iglesia de San Hilario en Cremona, donde también fue profesor de música. Fue también maestro director de las Bandas Municipales de Piacenza y Cremona, para las que compuso algunas obras. En 1881 fue nombrado Maestro de Capilla de Santa María la Mayor en Bérgamo. En 1883 entra como profesor en el Conservatorio de Milán; entre otros alumnos, tuvo a Giacomo Puccini y Pietro Mascagni. Sus óperas, representadas con mucho éxito, son óperas italianas con cierta influencia de la gran ópera francesa: gran número de personajes, ballet e importante participación del coro.  

La Gioconda es una ópera, la obra más popular de Ponchielli, de la que hoy ofrecemos su pieza más conocida, la Danza de las Horas, un ballet miniatura romántico que es más conocido, incluso, que la ópera de la que proviene. Dicho ballet fue utilizado por Walt Disney en su película Fantasía, para hacer bailar a elefantes, avestruces, cocodrilos e hipopótamos con tutú. Hoy en versión de la Orquesta Filarmónica J.L.Moreno bajo la dirección del maestro Tulio Gagliardo


Franz von Suppé (1819 - 1895) nacido en Split, Croacia, fue un director de orquesta y prolífico compositor muy apreciado en su tiempo. De niño cantó en un coro donde recibió clases de flauta y armonía; tras su traslado a Viena, ingresó en el Conservatorio componiendo cerca de 30 operetas y 180 farsas, ballets, vodeviles y otras obras. Aunque la mayoría de las óperas de Suppé han caído en el olvido, las oberturas, especialmente Caballería ligera, Poeta y aldeano, y Un día en Viena, que hoy ofrecemos,  han sobrevivido y son interpretadas con frecuencia en los conciertos sinfónicos populares. También escribió un Réquiem, un oratorio de réquiem Extremum Judicium, tres misas, canciones, sinfonías y oberturas de concierto. Falleció el 21 de mayo de 1895 en Viena.

Un día en Viena es una de sus oberturas más conocidas; hoy la presentamos con Zubin Mehta al atril, director indio, titular de la Filarmónica de Israel y considerado como uno de los más emblemáticos directores de la actualidad.


Aram Khachaturian (1903-1978) fue un compositor armenio bajo el régimen soviético; a los 16 años se trasladó a Moscú ingresando en su  Conservatorio; estudia con Miaskovski, entre otros, y a los 22 años empieza a escribir sus primeras obras para piano y música de cámara; más tarde se adentrará en la producción de la música orquestal, música de teatro y cine (más de 40 obras entre ambos géneros), además de música de ballet en la que son de destacar el ballet Espartaco y el de Gayaneh, al que pertenece la archiconocida “Danza del sable”. A los 33 años empieza a publicar algunas de sus principales obras, como el concierto para piano y orquesta, que le dan fama dentro y fuera de Rusia. Al igual que Prokofiev y Shostakovich, tuvo importantes desavenencias con el Partido, aunque tras la muerte de Stalin fue ampliamente reconocido entrando a formar parte del Soviet Supremo. En sus obras se deja sentir la música popular armenia, por la que siempre se sintió atraído. En Armenia es considerado como su principal compositor.

Masquerade, compuesta en 1941, es una suite de música incidental conformada por cinco movimientos, el primero de los cuales es el vals al que hoy podremos asistir bajo la batuta de Małgorzata Sapiecha-Muzioł, directora polaca que ha conducido distintas orquestas de su país y obtenido importantes premios.

Aram Khachaturian (1903-1978) fue un compositor armenio bajo el régimen soviético; a los 16 años se trasladó a Moscú ingresando en su  Conservatorio; estudia con Miaskovski, entre otros, y a los 22 años empieza a escribir sus primeras obras para piano y música de cámara; más tarde se adentrará en la producción de la música orquestal, música de teatro y cine (más de 40 obras entre ambos géneros), además de música de ballet en la que son de destacar el ballet Espartaco y el de Gayaneh, al que pertenece la archiconocida “Danza del sable”. A los 33 años empieza a publicar algunas de sus principales obras, como el concierto para piano y orquesta, que le dan fama dentro y fuera de Rusia. Al igual que Prokofiev y Shostakovich, tuvo importantes desavenencias con el Partido, aunque tras la muerte de Stalin fue ampliamente reconocido entrando a formar parte del Soviet Supremo. En sus obras se deja sentir la música popular armenia, por la que siempre se sintió atraído. En Armenia es considerado como su principal compositor.

Masquerade, compuesta en 1941, es una suite de música incidental conformada por cinco movimientos, el primero de los cuales es el vals al que hoy podremos asistir bajo la batuta de Małgorzata Sapiecha-Muzioł, directora polaca que ha conducido distintas orquestas de su país y obtenido importantes premios.


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Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.  

El Concierto para violín en la menor, BWV 1041 parece que fue escrito al poco de trasladarse a Leipzig y estructurado al modo propuesto por Vivaldi; es decir, tres movimientos: Rápido-Lento-Rápido. Su solista de hoy,  Julia Fischer (1983) de nacionalidad alemana, es una virtuosa del violín y del piano. A los doce años gana el premio de violín Yehudi Menuhin y en 2007 es declarada la “Artista del año” por la revista Gramophon. Para no extendernos en la enumeración de sus numerosos reconocimientos, diremos que aunque volcada en el violín, nunca se ha querido alejar del piano. Ha actuado en las principales salas del mundo con los mejores directores.


El compositor austríaco Franz Joseph Haydn (1732-1809), cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1820). A los seis años de edad comenzó sus estudios musicales de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena

Die Jahreszeiten (Las estaciones) Hob. XXI.3, es un oratorio profano compuesto por Franz Joseph Haydn entre 1799 y 1801. Impresionado por la cantidad de público que atraían los oratorios de Haendel en Londres, siente el deseo de componer obras de este género. Aborda entonces la composición de La Creación entre 1796 y 1798 que obtiene un éxito rotundo. El barón Gottfried van Swieten, traductor y libretista de La Creación, propone a Haydn trabajar sobre el poema The Seasons del escocés James Thomson. Van Swieten utiliza la versión alemana publicada en Hamburgo en 1745, de la que mantiene las descripciones de la naturaleza y la vida sencilla de los campesinos; pero realiza cortes, modifica ampliamente este largo poema e introduce personajes ausentes en la obra original.

El compositor austríaco Franz Joseph Haydn (1732-1809), cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1820). A los seis años de edad comenzó sus estudios musicales de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena

Die Jahreszeiten (Las estaciones) Hob. XXI.3, es un oratorio profano compuesto por Franz Joseph Haydn entre 1799 y 1801. Impresionado por la cantidad de público que atraían los oratorios de Haendel en Londres, siente el deseo de componer obras de este género. Aborda entonces la composición de La Creación entre 1796 y 1798 que obtiene un éxito rotundo. El barón Gottfried van Swieten, traductor y libretista de La Creación, propone a Haydn trabajar sobre el poema The Seasons del escocés James Thomson. Van Swieten utiliza la versión alemana publicada en Hamburgo en 1745, de la que mantiene las descripciones de la naturaleza y la vida sencilla de los campesinos; pero realiza cortes, modifica ampliamente este largo poema e introduce personajes ausentes en la obra original.


Robert Schumann (1810-1856) fue un compositor alemán, uno de los pilares del romanticismo. Estudió piano, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su carrera pianística para centrarse en la composición. Se casó con Clara Wieck (“Clara Schumann”), hija del que fuera su profesor, compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones con un intento de suicidio en 1854. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (canciones); pero animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría varias obras corales, obras de cámara, obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías, un poema dramático, Manfred, y una ópera. 

El Concierto para piano y orquesta en la menor de Robert Schumann está considerado como una de las columnas básicas del repertorio para piano y orquesta. Schumann había compuesto en 1841 una fantasía para esta combinación; pero no estando satisfecho con ella la dejó reposar durante un tiempo. En 1845 la revisó cuidadosamente y añadió al inicial otros dos movimientos, con lo que formó su Concierto para piano. El resultado fue una obra singular, de especial dificultad para el solista; pero no es una obra virtuosística en el sentido habitual del término: musicalidad, estilo, sensibilidad, son más necesarios que el deslumbramiento técnico o mecánico. La personalísima orquestación que utilizó su autor contribuye al ámbito intimista de la partitura, alejada de cualquier veleidad de efectismos vulgares.


Zoltán Kodály (1882-1967) fue un destacado músico húngaro cuyo estilo musical, tras una fase posromántica-vienesa, evolucionó hacia su característica principal: la mezcla de folclore y armonías complejas del siglo XX. En el año 1900 conoce al compositor Béla Bartók, con el que estrechará una amistad de por vida; juntos profundizarán en el estudio de la etnografía musical. En la Academia de Franz Liszt, se encarga de las asignaturas de lenguaje musical y de composición, compaginándolas con sus estudios etnomusicológicos y con su trabajo como compositor. Psalmus Hungaricus,  la ópera Háry János y las Danzas de Galánta (1933) son las obras que le consagran internacionalmente. Como pedagogo, el método Kodály sigue aun hoy vigente en muchas escuelas de música, método basado en el uso de la voz y en el canto grupal.

Psalmus Hungaricus , op. 13, es una obra coral para tenor, coro y orquesta, compuesta por Zoltán Kodály en 1923. Fue encargada para el concierto conmemorativo que se celebró con ocasión del quincuagésimo aniversario de la unificación de Buda, Pest y Óbuda el 19 de noviembre de 1923, donde fue interpretada en compañía de la Suite de danzas de Béla Bartók y una Apertura solemne de Erno Dohnányi , quien dirigió el concierto. La primera ejecución de la obra fuera de Hungría tuvo lugar en Zúrich , bajo la dirección de Marc Andreae, el 18 de junio de 1926. Este hecho marcó un punto de inflexión en el reconocimiento internacional de Kodály como compositor, aparte de su fama como etnomusicólogo y pedagogo musical.

El texto se basa en la glosa del Salmo 55, "Escucha, oh Dios, mi oración", escrita por Mihály Vég, poeta, predicador y traductor del siglo  XVI. Kodály eligió un texto sacro para una celebración secular; los pasajes de desesperación y llamada a Dios contenidos en el libreto le proporcionaron el medio para referirse al trágico pasado inmediato y al desastroso presente de Hungría. La música refleja la crisis nacional durante y después de la primera Guerra Mundial (la disolución de la Gran Hungría) y propone un paralelismo entre las penas del Rey David y los sufrimientos de los magiares en la Hungría otomana. La versión de hoy nos la ofrecen el tenor István Kovácsházi con la Internationale Chorakademie Lübeck y la Frankfurt Radio Symphony dirigid@s tod@s ell@s por el maestro húgaro Peter Eötvös.

Zoltán Kodály (1882-1967) fue un destacado músico húngaro cuyo estilo musical, tras una fase posromántica-vienesa, evolucionó hacia su característica principal: la mezcla de folclore y armonías complejas del siglo XX. En el año 1900 conoce al compositor Béla Bartók, con el que estrechará una amistad de por vida; juntos profundizarán en el estudio de la etnografía musical. En la Academia de Franz Liszt, se encarga de las asignaturas de lenguaje musical y de composición, compaginándolas con sus estudios etnomusicológicos y con su trabajo como compositor. Psalmus Hungaricus,  la ópera Háry János y las Danzas de Galánta (1933) son las obras que le consagran internacionalmente. Como pedagogo, el método Kodály sigue aun hoy vigente en muchas escuelas de música, método basado en el uso de la voz y en el canto grupal.

Psalmus Hungaricus , op. 13, es una obra coral para tenor, coro y orquesta, compuesta por Zoltán Kodály en 1923. Fue encargada para el concierto conmemorativo que se celebró con ocasión del quincuagésimo aniversario de la unificación de Buda, Pest y Óbuda el 19 de noviembre de 1923, donde fue interpretada en compañía de la Suite de danzas de Béla Bartók y una Apertura solemne de Erno Dohnányi , quien dirigió el concierto. La primera ejecución de la obra fuera de Hungría tuvo lugar en Zúrich , bajo la dirección de Marc Andreae, el 18 de junio de 1926. Este hecho marcó un punto de inflexión en el reconocimiento internacional de Kodály como compositor, aparte de su fama como etnomusicólogo y pedagogo musical.

El texto se basa en la glosa del Salmo 55, "Escucha, oh Dios, mi oración", escrita por Mihály Vég, poeta, predicador y traductor del siglo  XVI. Kodály eligió un texto sacro para una celebración secular; los pasajes de desesperación y llamada a Dios contenidos en el libreto le proporcionaron el medio para referirse al trágico pasado inmediato y al desastroso presente de Hungría. La música refleja la crisis nacional durante y después de la primera Guerra Mundial (la disolución de la Gran Hungría) y propone un paralelismo entre las penas del Rey David y los sufrimientos de los magiares en la Hungría otomana. La versión de hoy nos la ofrecen el tenor István Kovácsházi con la Internationale Chorakademie Lübeck y la Frankfurt Radio Symphony dirigid@s tod@s ell@s por el maestro húgaro Peter Eötvös.


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Dianne Reeves (Detroit 1956) fue descubierta por el trompetista Clark Terry cuando todavía iba al colegio. La cantante comenzó a cantar en la banda de su escuela, y con ella recibió un premio durante la Citywide Big Band, una competición escolar celebrada en Denver. Aquel premio le sirvió para asistir a la conferencia de la National Association of Jazz Educators en Chicago. Terry la escuchó durante la conferencia y decidió ayudarla. Dianne Reeves ha cantado con el trompetista cuando aún estaba en la Universidad de Colorado. En California, descubre el trabajo en estudio, y se empapa de cultura musical. Graba con Lenny White, Stanley Turrentine, Alphonso Johnson, y The Latin Ensemble. En la actualidad está afianzada como una de las voces más cualificadas del jazz vocal contemporáneo.


La Raíz fue un grupo de música de Gandía (Valencia), que recorría los escenarios mezclando el rock, el ska, el reggae o el rap. Algunas veces se ha catalogado el estilo de esta banda como "rockstizaje". Once músicos de varias procedencias nacionales y musicales, repartidos en el escenario con una presencia fuerte y mucho contenido lírico en sus letras. Alguna gente cataloga su música dentro de los estilos de música de intervención.

La Raíz fue un grupo de música de Gandía (Valencia), que recorría los escenarios mezclando el rock, el ska, el reggae o el rap. Algunas veces se ha catalogado el estilo de esta banda como "rockstizaje". Once músicos de varias procedencias nacionales y musicales, repartidos en el escenario con una presencia fuerte y mucho contenido lírico en sus letras. Alguna gente cataloga su música dentro de los estilos de música de intervención.


Myriam Hernández (1965) es una cantautora, compositora y presentadora de televisión chilena. Ha incursionado principalmente en la balada romántica, por lo que a veces es apodada como «la baladista de América», aunque también ha fusionando su estilo con otros géneros como la electrónica o el hip-hop. Empezó su carrera musical a finales de la década de 1980 con su álbum Myriam Hernández y el sencillo «El hombre que yo amo», que alcanzó el 10º puesto en el Hot Latin Tracks de 1989, mientras que su primer disco alcanzó la cuarta posición del Latin Pop Songs de Billboard el mismo año. Ha vendido más de 6 millones de discos en todo el mundo. En 2011 fue nominada al Premio Grammy Latino y en 2015 ingresó al Salón de la Fama de los Compositores Latinos.


Pink Martini es una "pequeña orquesta" de Portland, Oregon, fundada en 1994 por el pianista Thomas M. Lauderdale, orquesta que interpreta diferentes géneros musicales como la música latina, música lounge, música clásica o el jazz. Su música ha sido descrita muchas veces como "vintage", una definición que muestra el contenido, el estilo y la duración que inspiraron muchas de sus canciones. Las letras de sus canciones están cantadas en diferentes idiomas: inglés, español, francés, italiano, portugués, japonés e incluso en árabe o griego moderno, en algunas ocasiones. El primer álbum debut de Pink Martini, Sympathique, consiguió vender más de 1.300.000 copias por todo el mundo; desde entonces, sus canciones se han hecho populares y han aparecido en numerosas películas.

Pink Martini es una "pequeña orquesta" de Portland, Oregon, fundada en 1994 por el pianista Thomas M. Lauderdale, orquesta que interpreta diferentes géneros musicales como la música latina, música lounge, música clásica o el jazz. Su música ha sido descrita muchas veces como "vintage", una definición que muestra el contenido, el estilo y la duración que inspiraron muchas de sus canciones. Las letras de sus canciones están cantadas en diferentes idiomas: inglés, español, francés, italiano, portugués, japonés e incluso en árabe o griego moderno, en algunas ocasiones. El primer álbum debut de Pink Martini, Sympathique, consiguió vender más de 1.300.000 copias por todo el mundo; desde entonces, sus canciones se han hecho populares y han aparecido en numerosas películas.


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Gioachino Rossini (1792-1868) fue un compositor italiano de 39 óperas, distintas canciones, algunas obras de piano y algo de música sacra. Empezó a componer a los 12 años. En 1812 fue contratado por la Scala de Milán donde obtuvo un memorable éxito con “La piedra de toque”; al año siguiente estrena en Venecia su primera ópera seria, Tancredi. Al poco estrena otro gran éxito, La italiana en Argel. En 1815 se establece en Nápoles donde escribe con regularidad y sin agobios con ensayos y fechas regulados.  En 1822 se traslada a Viena donde llega a conocer al admirado Beethoven. De Viena a Londres, vuelta a París  y tras el estreno de su última ópera, Guillermo Tell, abandona la ópera en pleno auge económico y de popularidad a los 37 años de edad. En 1835 se establece en Passy  donde fallecería a los 77 años.

Ottorino Respighi (1879 - 1936) fue un compositor, director de orquesta y musicólogo italiano. Con su padre comenzó los estudios de piano y violín para proseguirlos en el Liceo Musicale de Bolonia, además de composición y estudios históricos de la música antigua. En 1900, aceptó el papel de violista principal en la orquesta del Teatro Ruso de San Petersburgo, donde conoció a  Rimsky-Korsakov, con quien estudió orquestación durante cinco meses, al cabo de los cuales regresó a Bolonia. En 1913, fue nombrado profesor de composición del Conservatorio di Santa Cecilia de Roma, cargo que ocupó el resto de su vida. Escribió obras para piano, guitarra, violín y piano, variados conjuntos de cámara, numerosa música sinfónica, música coral, ocho óperas y cinco ballets.

La Boutique fantasque, también conocida como La juguetería mágica o La juguetería fantástica, es un ballet en un acto concebido por Léonide Massine, quien ideó la coreografía de un libreto escrito con André Derain, quien también diseñó la decoración y el vestuario del ballet. Ottorino Respighi escribió la música basada en piezas para piano de Gioachino Rossini. Su estreno mundial fue en el Teatro Alhambra de Londres el 5 de junio de 1919, interpretado por Ballets Russes de Sergei Diaghilev. La acción de Massine se centra en la historia de amor entre dos muñecas bailarinas de can-can en una juguetería, incorporando elementos de comedia, danza folclórica nacional y mimo, así como coreografía clásica. Hoy ofrecemos una pequeña selección de la mano del  Portland Ballet.  


Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática  y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a ParÍs a estudiar medicina; pero él abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. De aquí a Roma donde, estando becado, escribió varias óperas, sinfonías, oberturas, diversas canciones y obra coral. Se fijó en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitó mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón.

La Symphonie Fantastique es su obra más conocida, de la que hoy sugerimos la coreografía del V Movimiento, Sueño de una noche de aquelarre. El protagonista presencia su propio funeral, rodeado por brujas y espíritus entre los que puede ver a la amada transformada en una arpía; el clarinete describe la aparición de la amada entre las brujas y los espíritus. El Dies Irae (melodía del siglo XII perteneciente al canto gregoriano, y que forma parte del Réquiem) se introduce en la obra junto a la ronda de las brujas acompañado del tañer de las campanas. (Extractado de Digital melómano).

Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática  y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a ParÍs a estudiar medicina; pero él abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. De aquí a Roma donde, estando becado, escribió varias óperas, sinfonías, oberturas, diversas canciones y obra coral. Se fijó en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitó mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón.

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Las danzas vascas (en euskera, Euskal Dantzak) son una parte muy importante de la cultura vasca y la fundamental de su folclore. Cada territorio histórico, o provincia, tiene las suyas propias y cada pueblo tiene también la suya propia que se acostumbra a bailar en sus fiestas mayores. Entre los bailes más destacados citaremos a los bailes de romería o plaza, basados en los bailes que se celebraban en las romerías y cuya participación era popular y espontánea, las danzas de espadas que tienen un paralelismo evidente con las europeas del mismo tipo, las danzas de fin de fiesta que se realizan para marcar el fin de unas fiestas, el fin de un ciclo y el comienzo de otro. Entre las danzas tradicionales hemos de citar entre otras muchas: Agurra, Fandangoa, Banakoa, Zortzikoa y Arin Arina

Kresala Danza Taldea creado en 1968 por el bailarín y coreógrafo Gene Yurre y dirigido desde 1993 por Faustino Aranzabal, es un conjunto pionero en el País Vasco en la búsqueda de nuevos caminos de la danza vasca.El 3 de diciembre de 2004 el grupo Kresala, invitado por el grupo bakiotarra Itxas Alde, interpretó esta nueva suite de cinco movimientos, basada en la manzana, con melodías recogidas por los folkloristas Aita Donostia y Resurrección Mª de Azkue: I (0´53´´) .-. II (2´39´´) .-.  III  (3´43´´).-. IV (5´31´´).-. V (6´48´´). 


Ballet Folklórico Nacional de Argentina, compañía artística de danzas folclóricas argentinas creada en 1986 por la Ley nacional n.º 23.329,2. Con la dirección de Santiago Ayala y Norma Viola, ambos referentes en el ámbito de las danzas folclóricas argentinas, el cuerpo de baile hizo su primera presentación el 9 de julio de 1990 en el Teatro Colón de Buenos Aires. Desde entonces, además de haber recorrido las principales ciudades y festivales argentinos, ha llevado su arte en giras y exposiciones internacionales, como México, Albania, Brasil, Chile, Colombia, España, Francia, Japón, Paraguay, Portugal y Suiza.

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