El 25 de Mayo se celebra el Día Mundial de África

El 26 de Mayo, el Dia de la Ascensión

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John Williams (1932) es un compositor, director de orquesta, pianista y trombonista estadounidense, considerado como uno de los compositores más prolíficos de bandas sonoras de la historia del cine; ha compuesto algunas de las más famosas y reconocibles de todos los tiempos como: Star Wars, Harry Potter, Tiburón, ‘’Atrápame si puedes’’. E.T., Superman, Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Home Alone y otras. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, numerosas Series de televisión, Noticiarios y varias Obras de Concierto. Ha ganado el Óscar en cinco ocasiones y tiene en su haber 52 nominaciones, consagrándolo como el segundo hombre con más nominaciones al máximo galardón del séptimo arte después de Walt Disney.

Dry Your Tears, Áfrika (Seca tus lágrimas, África) es la canción perteneciente a la banda sonora de la película Amistad, cinta dirigida por Steven Spielberg y estrenada en 1997, cuyo argumento se basa en la historia real de un grupo de esclavos africanos amotinados en su viaje desde Sierra Leona a Cuba, a bordo de la embarcación La Amistad cerca de Puerto Rico en julio de 1839. La película se extiende desde esa fecha hasta el año de 1841 en que son declarados libres y se les da la opción de quedarse en USA como ciudadanos libres o volver a su país.


Hans Leo Hassler (1564-1612) nacido en Nuremberg, fue un organista y compositor  que realizó sus estudios con su padre, que también era organista, completándolos en Venecia con Andrea Gabrielli. En 1585 se instala en Ausburgo como organista para regresar a los seis años a su Nuremberg natal como Kappellmeister y en 1806 se traslada a Dresde como organista y Kappelmeister. Escribió numerosas canciones, madrigales, obras de carácter religioso y piezas para órgano. Hassler era un ardiente partidario de la asimilación del arte italiano a la moda, al que le unía menos la expresividad del madrigal que la dulzura de la canzonetta y del ballet con canto. En el campo religioso, Hassler comenzó en la línea de Orlando di Lasso, aunque con estructuras profanas.

El Motete (del francés motet, y éste de mot: 'palabra, mote') es una composición polifónica nacida en el siglo XIII para ser cantada en las iglesias, y sus temas son comúnmente bíblicos. Se trataba de canciones para el culto religioso a 4 voces en latín y "a capella" (sin instrumentos). Hasta el siglo XVII, seguía siendo una de las formas musicales más importantes de la música polifónica. Tras su nacimiento, en el siglo XIII,  se expandió como pieza vocal polifónica sin acompañamiento instrumental (a capella), con carácter dramático e imitativo. Hoy presentamos Cantate Domino, salmo escrito por Hassler para cuatro voces iguales e interpretado por el cuarteto femenino UCLA Early Music Ensemble.

Hans Leo Hassler (1564-1612) nacido en Nuremberg, fue un organista y compositor  que realizó sus estudios con su padre, que también era organista, completándolos en Venecia con Andrea Gabrielli. En 1585 se instala en Ausburgo como organista para regresar a los seis años a su Nuremberg natal como Kappellmeister y en 1806 se traslada a Dresde como organista y Kappelmeister. Escribió numerosas canciones, madrigales, obras de carácter religioso y piezas para órgano. Hassler era un ardiente partidario de la asimilación del arte italiano a la moda, al que le unía menos la expresividad del madrigal que la dulzura de la canzonetta y del ballet con canto. En el campo religioso, Hassler comenzó en la línea de Orlando di Lasso, aunque con estructuras profanas.

El Motete (del francés motet, y éste de mot: 'palabra, mote') es una composición polifónica nacida en el siglo XIII para ser cantada en las iglesias, y sus temas son comúnmente bíblicos. Se trataba de canciones para el culto religioso a 4 voces en latín y "a capella" (sin instrumentos). Hasta el siglo XVII, seguía siendo una de las formas musicales más importantes de la música polifónica. Tras su nacimiento, en el siglo XIII,  se expandió como pieza vocal polifónica sin acompañamiento instrumental (a capella), con carácter dramático e imitativo. Hoy presentamos Cantate Domino, salmo escrito por Hassler para cuatro voces iguales e interpretado por el cuarteto femenino UCLA Early Music Ensemble.


Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, músico aficionado, a los siete años le impartió su primera clase de piano. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX; sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos.

El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada en fiestas de noche. En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para un solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. El más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 obras de ese género. Liebesträume (sueño de amor) es un conjunto de tres nocturnos escritos para piano por Franz Liszt, de los que el nº 3, que hoy sugerimos, es el más conocido; su interpretación corre a cargo de la pianista Vanessa Benelli (1987).


Manuel Fernández Caballero (Murcia, 14 de marzo de 1835 - Madrid, 26 de febrero de 1906) fue un compositor español de zarzuelas del siglo XIX, de las que hoy sugerimos su obra más conocida, Gigantes y cabezudos. Se le puede considerar por sus trabajos como uno de los maestros padres del joven género chico. El éxito de Los bandos de Villafrita le consolida en su carrera, siendo la obra más representada en España sin caer de cartel durante todo el siglo. Sus obras en general muestran de manera elocuente un gran dominio de la orquestación y un estilo elegante. Además de zarzuelas, Fernández Caballero compuso música profana y religiosa.

Gigantes y cabezudos es una zarzuela en un acto y tres cuadros, con libreto de Miguel Echegaray y Eizaguirre y música del maestro Manuel Fernández Caballero. Se estrenó en el Teatro Principal de Zaragoza , con gran éxito, el martes 29 de noviembre de 1898. Los Gigantes y cabezudos, a los que hace referencia el título de la obra, son las figuras de cartón piedra que desfilan, a modo de caricatura, en pasacalles, verbenas y fiestas, costumbre de origen medieval muy popular todavía en pueblos y ciudades de Aragón, Cataluña, Comunidad Valenciana y norte del Estado. La acción se desarrolla en Zaragoza en plenas fiestas del Pilar.

Manuel Fernández Caballero (Murcia, 14 de marzo de 1835 - Madrid, 26 de febrero de 1906) fue un compositor español de zarzuelas del siglo XIX, de las que hoy sugerimos su obra más conocida, Gigantes y cabezudos. Se le puede considerar por sus trabajos como uno de los maestros padres del joven género chico. El éxito de Los bandos de Villafrita le consolida en su carrera, siendo la obra más representada en España sin caer de cartel durante todo el siglo. Sus obras en general muestran de manera elocuente un gran dominio de la orquestación y un estilo elegante. Además de zarzuelas, Fernández Caballero compuso música profana y religiosa.

Gigantes y cabezudos es una zarzuela en un acto y tres cuadros, con libreto de Miguel Echegaray y Eizaguirre y música del maestro Manuel Fernández Caballero. Se estrenó en el Teatro Principal de Zaragoza , con gran éxito, el martes 29 de noviembre de 1898. Los Gigantes y cabezudos, a los que hace referencia el título de la obra, son las figuras de cartón piedra que desfilan, a modo de caricatura, en pasacalles, verbenas y fiestas, costumbre de origen medieval muy popular todavía en pueblos y ciudades de Aragón, Cataluña, Comunidad Valenciana y norte del Estado. La acción se desarrolla en Zaragoza en plenas fiestas del Pilar.


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Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.  

El Oratorio es un género musical dramático sin puesta en escena, ni vestuario, ni decorados e interpretado en forma de concierto. Compuesto generalmente para voces solistas, coro y orquesta , a veces con un narrador, su tema es frecuentemente religioso (historias de la Biblia o del Evangelio, de la vida de Jesús o de las vidas de santos, etc.), aunque también puede ser profano (héroes mitológicos, temas históricos, himno a la naturaleza, etc.). Formalmente bastante cercano a la cantata y a la ópera, el oratorio comprende generalmente una obertura, recitativos, arias y coros.

El Oratorio de la Ascensión (Lobet Gott in seinen Reichen: Alabad a Dios en su reino), es un oratorio escrito por Johann Sebastian Bach, para la Fiesta de la Ascensión. La obra probablemente fue estrenada el 19 de mayo de 1735. El texto adicional a las fuentes bíblicas y corales se cree que fue escrito por Picander con el que había colaborado antes en el Oratorio de Navidad. Está organizado en dos partes (2ª PARTE: 16´20´´) para ser interpretadas antes y después del sermón; versión hoy conducida por  John Eliot Gardiner (1943), prominente director de orquesta británico conocido, sobre todo, por sus ejecuciones historicistas de la música del Barroco y del Clasicismo con instrumentos de época.


Aram Khachaturian (1903-1978) fue un compositor armenio bajo el régimen soviético; a los 16 años ingresa en el Conservatorio de Moscú para estudiar con Nikolai Myaskovsky, entre otros profesores, y a los 22 años empieza a escribir para piano y música de cámara; más tarde se adentrará en la producción de música orquestal, música de teatro, de cine y de ballet en la que son de destacar el ballet Espartaco y el ballet Gayane, al que pertenece la archiconocida danza del sable. Su obra, a pesar de ocupar importantes cargos, fue descalificada como “anti-personas” en la época de Stalin. Su música es clara, ágil y vibrante, y en sus obras se deja sentir la música popular armenia, por la que siempre se sintió atraído; en Armenia es considerado como su principal compositor.

Gayanéh es un ballet en cuatro actos con música de Aram Khachaturian, compuesto en 1942 sobre un libreto de Konstantín Derzhavin, y coreografiado por Nina Anísimova; fue estrenado por el Ballet Kirov en Perm (Rusia) el 9 de diciembre de 1942. La partitura fue revisada en 1952, y en 1957, con un nuevo libreto. Cuenta la historia de una joven armenia cuyos sentimientos patrióticos colisionan con los personales cuando descubre la traición de su marido. No obstante, el argumento fue modificado posteriormente en varias ocasiones resaltando más la importancia del romance que la del patriotismo. Hoy ofrecemos una suite del ballet, que comienza con la mencionada danza del sable, en interpretación de la Filarmónica de Sofía bajo la dirección de la maestra italiana Beatrice Venezi.

Aram Khachaturian (1903-1978) fue un compositor armenio bajo el régimen soviético; a los 16 años ingresa en el Conservatorio de Moscú para estudiar con Nikolai Myaskovsky, entre otros profesores, y a los 22 años empieza a escribir para piano y música de cámara; más tarde se adentrará en la producción de música orquestal, música de teatro, de cine y de ballet en la que son de destacar el ballet Espartaco y el ballet Gayane, al que pertenece la archiconocida danza del sable. Su obra, a pesar de ocupar importantes cargos, fue descalificada como “anti-personas” en la época de Stalin. Su música es clara, ágil y vibrante, y en sus obras se deja sentir la música popular armenia, por la que siempre se sintió atraído; en Armenia es considerado como su principal compositor.

Gayanéh es un ballet en cuatro actos con música de Aram Khachaturian, compuesto en 1942 sobre un libreto de Konstantín Derzhavin, y coreografiado por Nina Anísimova; fue estrenado por el Ballet Kirov en Perm (Rusia) el 9 de diciembre de 1942. La partitura fue revisada en 1952, y en 1957, con un nuevo libreto. Cuenta la historia de una joven armenia cuyos sentimientos patrióticos colisionan con los personales cuando descubre la traición de su marido. No obstante, el argumento fue modificado posteriormente en varias ocasiones resaltando más la importancia del romance que la del patriotismo. Hoy ofrecemos una suite del ballet, que comienza con la mencionada danza del sable, en interpretación de la Filarmónica de Sofía bajo la dirección de la maestra italiana Beatrice Venezi.


Marshall McDonald es un pianista, arreglista y compositor que ha producido varios álbumes, películas y tiene dos sinfonías en su haber. Ha producido, además, numerosas partituras y libros para piano. Se graduó en la Universidad de Utah en 2003 con una licenciatura en música y comunicaciones y luego obtuvo una maestría en administración pública. Además de su actividad como compositor, también se dedica a la docencia como profesor de música. Steven Sharp Nelson es un compositor y chelista estadounidense que también estudió y se graduó en la Universidad de Utah.

Africa es una obra para Coro y Orquesta Sinfónica con 8 percusionistas compuesta por Marshall McDonald y Steven Sharp Nelson y basada en temas africanos; es un homenaje al continente africano. La dirección corre a cargo del maestro chino Xun Sun.


Olivier Messiaen (1908- 1992) fue un compositor, organista, pedagogo y ornitólogo francés, uno de los músicos más destacados de toda la centuria. Tanto su fascinación por el hinduismo, su admiración por la naturaleza y los pájaros, su profunda fe cristiana y su amor por el color instrumental, fueron primordiales para su formación como persona y artista. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de 11 años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte. En 1941 fue nombrado profesor de armonía y en 1966, profesor de composición en el Conservatorio de París, puesto que mantuvo hasta su retiro en 1978.

La Ascensión es el título de una obra para orquesta de Olivier Messiaen escrita entre 1932 y 1933, que lleva por subtítulo Cuatro meditaciones sinfónicas para orquesta. Sus movimientos son: I (0´41´´) MAJESTÉ DU CHRIST DEMANDANT SA GLOIRE À SON PÈRE (La majestad de Cristo pidiendo la gloria a su Padre) .-. II (7´24´´) ALLÉLUIAS SEREINS D'UNE ÂME QUI DÉSIRE LE CIEL (Aleluyas serenas de un alma que anhela el cielo) .-. III (13´20´´) ALLÉLUIA SUR LA TROMPETTE, ALLÉLUIA SUR LA CYMBALE (Aleluya en la trompeta, aleluya en el címbalo) .-. IV (19´21´´) PRIÈRE DU CHRIST MONTANT VERS SON PÈRE (Plegaria de Cristo ascendiendo hacia su padre). Hoy presentamos la versión de la Sinfónica de Radio Frankfurt conducida por el maestro estadounidense Hugh Wolff.

Olivier Messiaen (1908- 1992) fue un compositor, organista, pedagogo y ornitólogo francés, uno de los músicos más destacados de toda la centuria. Tanto su fascinación por el hinduismo, su admiración por la naturaleza y los pájaros, su profunda fe cristiana y su amor por el color instrumental, fueron primordiales para su formación como persona y artista. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de 11 años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte. En 1941 fue nombrado profesor de armonía y en 1966, profesor de composición en el Conservatorio de París, puesto que mantuvo hasta su retiro en 1978.

La Ascensión es el título de una obra para orquesta de Olivier Messiaen escrita entre 1932 y 1933, que lleva por subtítulo Cuatro meditaciones sinfónicas para orquesta. Sus movimientos son: I (0´41´´) MAJESTÉ DU CHRIST DEMANDANT SA GLOIRE À SON PÈRE (La majestad de Cristo pidiendo la gloria a su Padre) .-. II (7´24´´) ALLÉLUIAS SEREINS D'UNE ÂME QUI DÉSIRE LE CIEL (Aleluyas serenas de un alma que anhela el cielo) .-. III (13´20´´) ALLÉLUIA SUR LA TROMPETTE, ALLÉLUIA SUR LA CYMBALE (Aleluya en la trompeta, aleluya en el címbalo) .-. IV (19´21´´) PRIÈRE DU CHRIST MONTANT VERS SON PÈRE (Plegaria de Cristo ascendiendo hacia su padre). Hoy presentamos la versión de la Sinfónica de Radio Frankfurt conducida por el maestro estadounidense Hugh Wolff.


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Sona Jobarteh (Londres, 17 de octubre de 1983) es una compositora, cantante e instrumentista de origen gambiano e inglés. Proveniente de una de las principales líneas de griots en África Occidental (Un griot o jeli es un narrador de historias); ha estado estudiando Kora desde los tres años, con su hermano Tunde Jegede y con su padre Sanjally Jobarteh. Es la primera mujer miembro de esta familia en tocar este instrumento en público. Estudió en el Royal College of Music, donde tocaba el violonchelo, el piano y el clavicémbalo, y poco después se trasladó a la Purcell School of Music para estudiar composición. En el mismo período, participó en varios grupos orquestales, como la Irish Chamber Orchestra, la Royal Philharmonic Orchestra o la BBC Symphony Orchestra

La Kora es un instrumento africano, mezcla de arpa y laúd, que se construye a partir de la transformación del sonido provocada por una cubierta de cuero para lograr la caja de resonancia a lo que se le agrega un puente con muescas para transmitir la vibración de las cuerdas sujetas al mástil. El sonido de la Kora recuerda el del arpa, aunque cuando se toca de forma tradicional, se asemeja más al estilo de las guitarras flamencas. El músico utiliza sólo el dedo pulgar y el índice de ambas manos para pulsar las cuerdas, mientras que los restantes dedos se sujetan a los palos por ambos lados de las cuerdas para mantenerlo fijo. Las koras tradicionales tienen 21 cuerdas, de las cuales 11 se tocan con la mano izquierda y 10 con la derecha; aunque se pueden encontrar koras modernas a las que se les agrega hasta cuatro cuerdas de bajo.


Alfred McCoy Tyner (1938-2020) fue un pianista estadounidense de jazz. Comenzó a estudiar piano a la edad de 13 años y dos años más tarde, la música se había convertido en el centro de su vida. Conocido especialmente por sus trabajos con el John Coltrane Quartet, a lo largo de su carrera se aproximó a una amplia variedad de estilos, aunque siempre dentro de la vanguardia jazzística: jazz progresivo, jazz modal, hard bop, etc.; también dedicó algunos discos a la música afrocubana. La forma de interpretar solos con la mano derecha de Tyner es reconocida por una cualidad de staccato y arpeggios descendentes, tanto de una forma triádica como en otros patrones. Su enfoque de la forma de tocar los acordes (característicamente en cuartas), ha ejercido influencia en una enorme cantidad de pianistas de jazz.

Alfred McCoy Tyner (1938-2020) fue un pianista estadounidense de jazz. Comenzó a estudiar piano a la edad de 13 años y dos años más tarde, la música se había convertido en el centro de su vida. Conocido especialmente por sus trabajos con el John Coltrane Quartet, a lo largo de su carrera se aproximó a una amplia variedad de estilos, aunque siempre dentro de la vanguardia jazzística: jazz progresivo, jazz modal, hard bop, etc.; también dedicó algunos discos a la música afrocubana. La forma de interpretar solos con la mano derecha de Tyner es reconocida por una cualidad de staccato y arpeggios descendentes, tanto de una forma triádica como en otros patrones. Su enfoque de la forma de tocar los acordes (característicamente en cuartas), ha ejercido influencia en una enorme cantidad de pianistas de jazz.


Ana Moura (1979) es una cantante portuguesa de fado reconocida internacionalmente. Ana Moura inició su recorrido discográfico con Guarda-me a Vida na Mão, grabando después Aconteceu; además, canta en varios locales de la noche lisboeta. En la actualidad está considerada como una de las fadistas más exitosas de su generación y es, además, récord de ventas de discos en su país. 

El fado es la expresión más conocida internacionalmente de la música portuguesa. En el fado se expresan las experiencias de la vida a través del canto. Generalmente lo canta una sola persona, acompañado por la «viola» (guitarra española) y la guitarra portuguesa. Los temas más cantados en el fado son la melancolía, la nostalgia o pequeñas historias del vivir diario de los barrios humildes, pero especialmente el fatalismo y la frustración.


Rihanna (1988) es una cantante, empresaria, diseñadora de moda, actriz, diplomática, escritora, bailarina y filántropa nacida en Barbados. Es conocida por fusionar géneros caribeños con la música pop y por reinventar su imagen a través de los años. Su impacto en la cultura popular la ha llevado a convertirse en un icono de la música y de la moda, por lo que se refieren a ella como la Princesa del R&B y Reina de la Moda. Rihanna es considerada una de las artistas musicales más influyentes y exitosas del siglo XXI. Adquirió fama mundial tras el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, Good Girl Gone Bad (2007). Con más de 250 millones de producciones musicales distribuidas a lo largo de su carrera en todo el mundo, Rihanna es un@ de l@s artistas más vendidas de todos los tiempos

Rihanna (1988) es una cantante, empresaria, diseñadora de moda, actriz, diplomática, escritora, bailarina y filántropa nacida en Barbados. Es conocida por fusionar géneros caribeños con la música pop y por reinventar su imagen a través de los años. Su impacto en la cultura popular la ha llevado a convertirse en un icono de la música y de la moda, por lo que se refieren a ella como la Princesa del R&B y Reina de la Moda. Rihanna es considerada una de las artistas musicales más influyentes y exitosas del siglo XXI. Adquirió fama mundial tras el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, Good Girl Gone Bad (2007). Con más de 250 millones de producciones musicales distribuidas a lo largo de su carrera en todo el mundo, Rihanna es un@ de l@s artistas más vendidas de todos los tiempos


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Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana, del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina  y el Triunfo de Afrodita; su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición; por lo que desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, con música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras.

Catulli Carmina (Ludi Scaenic) (Canciones -o Palabras- de Catulo), de la que hoy ofrecemos una selección, es una cantata escénica compuesta por Carl Orff, estrenada en 1943 en Múnich y basada en los textos del poeta latino Cayo Valerio Catulo (84-54 A.C.). Está escrita para dos solistas, coro mixto, un amplio grupo de percusión y cuatro pianos. La obra experimenta con la repetición de frases y ritmos sincopados, en la línea ya utilizada en Carmina Burana, llevando ese juego aún más lejos. Esta composición es otro ejemplo del brillante uso de la orquesta, la percusión y la acción escénica por parte de Carl Orff, mostrando un interesante juego escénico cantado. Hoy presentamos una selección de la obra cuya dirección musical corre a cargo de Roman Válek, mientras la coreografía la realiza Ladislava Košíková.


Zoltán Kodály (1882-1967) fue un compositor húngaro comprometido con el folklore de su país (coleccionó más de 100.000 canciones populares) y con la pedagogía musical. Comenzó sus estudios en Galánta y más tarde en Budapest. En 1907 conoce a Debussy, cuya música le impacta hondamente. Trabajó conjunta y profundamente con Béla Bártok, quienes pusieron los fundamentos de lo que hoy conocemos como Etnomusicología Musical. Como compositor, utiliza con asiduidad tanto las melodías como las escalas populares, dando relevancia a sus obras corales. Como pedagogo, marca un hito en la historia y su Método Kodaly, en el que la voz es el instrumento principal, aún tiene vigencia.

Háry János es una "ópera folclórica húngara" (esto es, una obra hablada con canciones, a la manera de un Singspiel) en cuatro actos con música de Zoltán Kodály según un libreto en húngaro de Béla Paulini (1881-1945) y Zsolt Harsányi, basado en la epopeya cómica El veterano (Az obsitos) de János Garai. Se estrenó en el Teatro Real de Ópera Budapest, en 1926. El subtítulo de la pieza es János Háry: sus aventuras desde Nagyabony al Burgo de Viena. Hoy presentamos su Intermedio

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Háry János es una "ópera folclórica húngara" (esto es, una obra hablada con canciones, a la manera de un Singspiel) en cuatro actos con música de Zoltán Kodály según un libreto en húngaro de Béla Paulini (1881-1945) y Zsolt Harsányi, basado en la epopeya cómica El veterano (Az obsitos) de János Garai. Se estrenó en el Teatro Real de Ópera Budapest, en 1926. El subtítulo de la pieza es János Háry: sus aventuras desde Nagyabony al Burgo de Viena. Hoy presentamos su Intermedio


El San Juanito es el baile nacional de Ecuador. Esta danza tiene sus orígenes mucho antes de la época de la colonización española  y se dice que era practicada por los Incas como un tipo de ritual para honrar al dios Inti. Tal vez en sus inicios esta danza no tuviera este nombre, puesto que esta denominación tiene herencia cristiana y es un ejemplo de las tantas prácticas de apropiación cultural, dado que este nombre es en honor a  San Juan Bautista (Extractado de Factory Claqué). Hoy nos lo escenifica el conjunto de Profesores del Colegio Rafael María Carrasquilla


La danza bereber Kabyle o la danza de l@s Libres. Desde épocas remotas los Imazighen (plural de Amazigh), cuyo nombre significa “l@s libres” luchan por su intocable libertad, y lo hacen hasta el extremo. Romanos, árabes, otomanos o franceses son sólo algunos de los pueblos que trataron de arrebatar su bien más preciado, el que les da nombre. A pesar de la opresión conservan sus tradiciones y las practican con orgullo; desde su gastronomía o sus diversos idiomas hasta sus trajes y tatuajes, su música y sus bellísimas danzas alegres, rítmicas, coloridas y colectivas.

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