Desde aquí nuestro recuerdo a Pablo Milanés, recientemente fallecido.

El 3 de Diciembre se celebra el Día Internacional del Euskera.

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El Euskera, o euskara, es una lengua europea, ergativa y aglutinante que se habla principalmente en Euskal Herria. Existen además comunidades vascófonas en Europa y América. El euskera es oficial junto al castellano en el País Vasco de dominación española y la zona vascófona de Nafarroa/Navarra, mientras que en el País Vasco de dominación francesa no tiene estatus oficial. Es una de las pocas lenguas no indoeuropeas de Europa y es la única lengua aislada del continente. El origen de los vascos es desconocido; aunque hay múltiples hipótesis al respecto, ninguna ha sido probada definitivamente. Su posible conexión con otras lenguas de la Europa prehistórica y sus características únicas han suscitado el interés de lingüistas y antropólogos de todo el mundo.

La pieza que hoy ofrecemos forma parte de "Euskaraz", una grabación que incluye el estreno de piezas compuestas para guitarra por el compositor ganador del Grammy y Latin Grammy Carlos Fernando López. La música fue creada para la laureada guitarrista guipuzcoana Andrea González Caballero. El conjunto de obras es un recorrido por una variedad de sonoridades con la guitarra como hilo conductor. Además, en cada una de las piezas este instrumento solista se rodea de formas musicales habituales como la orquesta de cuerdas o tan insólitas como el bajo eléctrico.


Mozart y la masonería. La masonería apareció en Europa a finales del siglo XVII como una agrupación selectiva de carácter filantrópico, de estructura federal y con unos objetivos humanistas, como son la búsqueda de la verdad, el estudio de la conducta humana, de las ciencias y de las artes y el desarrollo social y moral de las personas y de la sociedad; todo ello fundamentado en un sentimiento de fraternidad, cuyas enseñanzas son simbolizadas con elementos de la albañilería. Teniendo estos objetivos en cuenta, con 28 años Mozart ingresó como aprendiz en la Logia Masónica de Viena; al mes siguiente ascendió al grado de Compañero y a los cuatro meses es nombrado Maestro masón. Influenciado por la Ilustración perseguía el racionalismo, aunque sin sumarse al carácter ocultista de muchos de sus compañeros.

La Flauta mágica es una ópera que fue estrenada en Viena dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. El libreto fue escrito  por un compañero de su logia masónica, Emanuel Schikaneder, con un argumento que apunta a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una narración repleta de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales.

El aria Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (“La venganza del infierno hierve en mi corazón”), hoy ofrecida por la soprano de coloratura francesa Patricia Petibon, pertenece al segundo acto de la ópera La Flauta mágica en el que la Reina de la Noche expresa su ira y su afán de venganza.

Mozart y la masonería. La masonería apareció en Europa a finales del siglo XVII como una agrupación selectiva de carácter filantrópico, de estructura federal y con unos objetivos humanistas, como son la búsqueda de la verdad, el estudio de la conducta humana, de las ciencias y de las artes y el desarrollo social y moral de las personas y de la sociedad; todo ello fundamentado en un sentimiento de fraternidad, cuyas enseñanzas son simbolizadas con elementos de la albañilería. Teniendo estos objetivos en cuenta, con 28 años Mozart ingresó como aprendiz en la Logia Masónica de Viena; al mes siguiente ascendió al grado de Compañero y a los cuatro meses es nombrado Maestro masón. Influenciado por la Ilustración perseguía el racionalismo, aunque sin sumarse al carácter ocultista de muchos de sus compañeros.

La Flauta mágica es una ópera que fue estrenada en Viena dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. El libreto fue escrito  por un compañero de su logia masónica, Emanuel Schikaneder, con un argumento que apunta a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una narración repleta de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales.

El aria Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (“La venganza del infierno hierve en mi corazón”), hoy ofrecida por la soprano de coloratura francesa Patricia Petibon, pertenece al segundo acto de la ópera La Flauta mágica en el que la Reina de la Noche expresa su ira y su afán de venganza.


El acordeón es un instrumento musical armónico de viento, constituido por un fuelle, un diapasón y dos cajas armónicas de madera. En sus dos extremos el fuelle está cerrado por las cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene además un diapasón con una disposición de teclas que pueden ser como el de un piano (acordeón a piano) o teclas redondas (también llamadas botones); la parte de la mano izquierda tiene botones en ambos tipos de acordeón para tocar los bajos y los acordes de acompañamiento.

Isabelle Lépinay nació el 29 de enero de 1974 en Mamers en Sarthe. A la edad de 8 años comenzó a tocar el acordeón con el Sr. Serge Duval, un profesor particular en Mamers. En 1986, se unió a la escuela de acordeón del Sr. Christian Lemée, también profesor en Mamers. El año de su 18 cumpleaños es rico en eventos ya que por un lado es declarada "Revelation of Sarthe" en el festival nacional de acordeón de Le Mans y por otro lado "Super prodigio y generación 2000" de Maurice Larcange. En 1992, además, Isabelle ingresó a la Escuela de Acordeón de París, dirigida por la Presidenta del Club de Acordeón de Francia, la Sra. Lydie Kotala, donde permanecerá durante 5 años y saldrá como "Profesora graduada de la Escuela Superior de Acordeón de París". (Extractado del Sitio oficial de Isabelle)


Pablo Milanés (1943-2022) fue un cantautor y guitarrista cubano, Estudió música en el Conservatorio Municipal de La Habana. En sus comienzos estuvo muy influido por la música tradicional cubana y por el feeling, estilo musical que se inició en Cuba en los años 1940 y suponía una nueva manera de afrontar la canción, donde el sentimiento definía la interpretación y estaba influido por las corrientes estadounidenses de la canción romántica y del jazz. El feeling se acompañaba de una guitarra, al estilo de los viejos trovadores pero enriquecido por armonizaciones jazzísticas. Así se establecía esta nueva forma de comunicación o "feeling" con el público.

Milanés empezó a crear canciones de contenido político bajo el influjo del Primer Encuentro Internacional de la Canción de Protesta, celebrado en Varadero en 1967, En 1968 ofreció su primer concierto con Silvio Rodríguez en la Casa de las Américas. En ese mismo lugar conocería a los miembros de la élite cultural y musical de otros países americanos con los que compartía sus preocupaciones sociales. Violeta Parra, Mercedes Sosa, Daniel Viglietti, Chico Buarque, Simone, Vinícius de Moraes, Milton Nascimento y Víctor Jara entre otros muchos. Con presente vídeo ofrecemos algunas de sus más memorables canciones.

Pablo Milanés (1943-2022) fue un cantautor y guitarrista cubano, Estudió música en el Conservatorio Municipal de La Habana. En sus comienzos estuvo muy influido por la música tradicional cubana y por el feeling, estilo musical que se inició en Cuba en los años 1940 y suponía una nueva manera de afrontar la canción, donde el sentimiento definía la interpretación y estaba influido por las corrientes estadounidenses de la canción romántica y del jazz. El feeling se acompañaba de una guitarra, al estilo de los viejos trovadores pero enriquecido por armonizaciones jazzísticas. Así se establecía esta nueva forma de comunicación o "feeling" con el público.

Milanés empezó a crear canciones de contenido político bajo el influjo del Primer Encuentro Internacional de la Canción de Protesta, celebrado en Varadero en 1967, En 1968 ofreció su primer concierto con Silvio Rodríguez en la Casa de las Américas. En ese mismo lugar conocería a los miembros de la élite cultural y musical de otros países americanos con los que compartía sus preocupaciones sociales. Violeta Parra, Mercedes Sosa, Daniel Viglietti, Chico Buarque, Simone, Vinícius de Moraes, Milton Nascimento y Víctor Jara entre otros muchos. Con presente vídeo ofrecemos algunas de sus más memorables canciones.


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Giovanni Battista Pergolesi  (1710 -1736), fue un compositor, violinista y organista italiano del Barroco (1600-1750). Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La Serva Padrona (1733). También compuso muchas obras de música profana y música sacra en la que su obra más conocida es, sin duda, el Stabat Mater que hoy presentamos. Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.

Stabat Mater es una composición musical para la secuencia Stabat Mater, compuesta en 1736. Fue creada en las últimas semanas de vida de Pergolesi, cuando estaba enfermo de tuberculosis y sabía que podría morir. La obra se caracteriza por el uso magistral de las disonancias, que expresan un emotivo patetismo. La versión que hoy sugerimos está protagonizada por la soprano Emöke Barath , el contratenor Philippe Jaroussky   y la directora Nathalie Stutzmann.


Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un  compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

Sinfonía. La palabra sinfonía deriva del latín symphonĭa y esta a su vez del griego συμφωνία (symphōnía), que significa “consonancia” en oposición a διαφωνία (diaphōnia), que significa «disonancia». En la Edad Media y más tarde, la palabra sinfonía se usó para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente; en el sentido de «sonar juntos», la palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de compositores del siglo XVI y del XVII y a finales del siglo XVIII la palabra ya había adquirido el significado común que en la actualidad se le asigna: una obra que generalmente consta de cuatro secciones o movimientos distintos y compuesta la mayoría de las veces para orquesta.

La Sinfonía n.º 4 en fa menor, Op. 36 de Piotr Ilich Chaikovski fue compuesta entre 1877 y 1878. Durante la composición de la sinfonía, Chaikovski escribió a su mecenas, Nadezhda von Meck, que deseaba «muchísimo» dedicársela a ella, y que haría constar en la partitura «Dedicada a mi mejor amiga». Había comenzado a componer la sinfonía poco después de que Meck entrara en su vida. Lo completaría después de su catastrófico matrimonio, y afirmó que encontraría en ella «un eco de tus pensamientos y emociones más íntimos». El estreno tuvo lugar en un concierto de la Sociedad Musical Rusa en San Petersburgo el 10 de febrero (calendario juliano) o 22 de febrero (calendario gregoriano) de 1878; con dirección de Nikolái Rubinstein.

La sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I (0´21´) ANDANTE SOSTENUTO-MODERATO CON ANIMA-MODERATO ASSAI, QUASI ANDANTE-ALLEGRO VIVO.-. II (18´38´´) ANDANTINO IN MODO DI CANZONA.-. III (29´08´´) SCHERZO: PIZZICATO OSTINATO-ALLEGRO.-. IV (34´25´´) FINALE: ALLEGRO CON FUOCO. Hoy nos la ofrece la Gyeonggi Philharmonic Orchestra bajo la batuta de la maestra coreana Shiyeon Sung.

Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un  compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

Sinfonía. La palabra sinfonía deriva del latín symphonĭa y esta a su vez del griego συμφωνία (symphōnía), que significa “consonancia” en oposición a διαφωνία (diaphōnia), que significa «disonancia». En la Edad Media y más tarde, la palabra sinfonía se usó para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente; en el sentido de «sonar juntos», la palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de compositores del siglo XVI y del XVII y a finales del siglo XVIII la palabra ya había adquirido el significado común que en la actualidad se le asigna: una obra que generalmente consta de cuatro secciones o movimientos distintos y compuesta la mayoría de las veces para orquesta.

La Sinfonía n.º 4 en fa menor, Op. 36 de Piotr Ilich Chaikovski fue compuesta entre 1877 y 1878. Durante la composición de la sinfonía, Chaikovski escribió a su mecenas, Nadezhda von Meck, que deseaba «muchísimo» dedicársela a ella, y que haría constar en la partitura «Dedicada a mi mejor amiga». Había comenzado a componer la sinfonía poco después de que Meck entrara en su vida. Lo completaría después de su catastrófico matrimonio, y afirmó que encontraría en ella «un eco de tus pensamientos y emociones más íntimos». El estreno tuvo lugar en un concierto de la Sociedad Musical Rusa en San Petersburgo el 10 de febrero (calendario juliano) o 22 de febrero (calendario gregoriano) de 1878; con dirección de Nikolái Rubinstein.

La sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I (0´21´) ANDANTE SOSTENUTO-MODERATO CON ANIMA-MODERATO ASSAI, QUASI ANDANTE-ALLEGRO VIVO.-. II (18´38´´) ANDANTINO IN MODO DI CANZONA.-. III (29´08´´) SCHERZO: PIZZICATO OSTINATO-ALLEGRO.-. IV (34´25´´) FINALE: ALLEGRO CON FUOCO. Hoy nos la ofrece la Gyeonggi Philharmonic Orchestra bajo la batuta de la maestra coreana Shiyeon Sung.


Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor y pianista noruego, considerado como uno de los principales representantes del romanticismo musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano; más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de su madre. Grieg adaptó muchos temas y canciones del folclore de su país, contribuyendo así a crear una identidad nacional noruega, al igual que hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Antonín Dvořák en Bohemia. Sus obras más importantes son: el Concierto para piano en la menor, las intimistas Piezas líricas (para piano), la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas) y, especialmente, Peer Gynt, música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama homónimo.

Peer Gynt, op 23, es una composición musical de Edvard Grieg para la obra de teatro Peer Gynt del dramaturgo noruego Henrik Ibsen escrita en principio para recitadores, solistas vocales, coro y orquesta del compositor romántico; aunque entre el gran público se han hecho más famosas las dos suites que el propio autor escribió, (la Suite n.º 1 op. 46 y n.º 2 op. 55) y que hoy ofrecemos en versión de la  Orquesta Filarmónica Estatal de Eslovaquia conducida por el maestro estadounidense Stephen Gunzenhauser

Suite 1: I (0:00) LA MAÑANA .-. II (4:30) MUERTE DE AASE .-. III  (9:36) DANZA DE ANITRA .-. IV (13:13) EN LA CAVERNA DEL REY DE LA MONTAÑA .-. 

Suite 2: I (15:48) LAMENTO DE INGRID .-. II (20:13) DANZA ÁRABE .-. III (24:56) REGRESO DE PEER GYNT .-. IV (27:35) CANCIÓN DE SOLVEIG  


Francisco Escudero (1912 - 2002) fue un compositor vasco nacido en Zarauz (Gipuzkoa). Comenzó sus estudios musicales en la Academia Municipal de Música de San Sebastián y los continuó en Madrid, París y Múnich. En 1937 obtiene el Premio Nacional de Bellas Artes; en 1945 es nombrado director de la Sociedad Coral de Bilbao; en 1947 gana el primer Premio del Concurso Homenaje a Falla; en 1948 obtiene la Cátedra de Armonía y composición del Conservatorio de Música de San Sebastián; en 1957 recibe el Premio Nacional de Música. Entre sus obras más destacadas están el oratorio fúnebre Illeta, el poema sinfónico Arantzazu, la ópera Zigor, el Concierto para violoncello y orquesta, el Concierto vasco para piano y orquesta, la Sinfonía sacra, Tonemas, Fantasía geosinfónica o la ópera Gernika.

Zigor (Castigo) es una ópera en cuatro actos escrita por Francisco Escudero en 1962, por encargo de la ABAO, con libreto en euskera de Manuel Lekuona  basado en un cuento de José Zinkunegi. La acción comienza con tres hadas cantando sobre el sombrío futuro inmediato del País Vasco y la  era próspera que llegará con Sancho Garcés.  El traidor Zunbeltz desafía a Dios reclamando la corona de Nafarroa/Navarra. Sin embargo, San León asegura a los vascos que el enemigo será castigado. De ahí viene el título Zigor (Castigo): los normandos son castigados con la derrota y el malvado Zunbeltz es castigado tanto psicológicamente (remordimiento, alucinaciones...) como físicamente, cuando accidentalmente hiere fatalmente a su hija, Lore.

Francisco Escudero (1912 - 2002) fue un compositor vasco nacido en Zarauz (Gipuzkoa). Comenzó sus estudios musicales en la Academia Municipal de Música de San Sebastián y los continuó en Madrid, París y Múnich. En 1937 obtiene el Premio Nacional de Bellas Artes; en 1945 es nombrado director de la Sociedad Coral de Bilbao; en 1947 gana el primer Premio del Concurso Homenaje a Falla; en 1948 obtiene la Cátedra de Armonía y composición del Conservatorio de Música de San Sebastián; en 1957 recibe el Premio Nacional de Música. Entre sus obras más destacadas están el oratorio fúnebre Illeta, el poema sinfónico Arantzazu, la ópera Zigor, el Concierto para violoncello y orquesta, el Concierto vasco para piano y orquesta, la Sinfonía sacra, Tonemas, Fantasía geosinfónica o la ópera Gernika.

Zigor (Castigo) es una ópera en cuatro actos escrita por Francisco Escudero en 1962, por encargo de la ABAO, con libreto en euskera de Manuel Lekuona  basado en un cuento de José Zinkunegi. La acción comienza con tres hadas cantando sobre el sombrío futuro inmediato del País Vasco y la  era próspera que llegará con Sancho Garcés.  El traidor Zunbeltz desafía a Dios reclamando la corona de Nafarroa/Navarra. Sin embargo, San León asegura a los vascos que el enemigo será castigado. De ahí viene el título Zigor (Castigo): los normandos son castigados con la derrota y el malvado Zunbeltz es castigado tanto psicológicamente (remordimiento, alucinaciones...) como físicamente, cuando accidentalmente hiere fatalmente a su hija, Lore.


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José Antonio Larrañaga Etxabe, más conocido como Urko (1948- ) es un cantautor nacido en Donostia/San Sebastián que inició su carrera en la década de 1970 a finales de la dictadura franquista, cuando la expresión en euskera era una actividad de reivindicación política. Urko fue uno de los impulsores en la creación de una nueva música vasca. Su obra discográfica es extensa con títulos como Sakonki, Maite zaitut Euskal-Erria, Hemen gaude, Gure lagunei, Goiherri, Biltzen, Donosti Maitia, Kaioan amodioa, Lasai o Donosti Maitia.

Entre todas sus canciones destaca Guk euskaraz (Nosotros en euskera), con letra de Gabriel Aresti,  que se hizo un tema muy popular y que es, posiblemente, la canción más extendida de Urko, hoy materializada por Xaramela en el vídeo que ofrecemos.


Pablo Milanés ha tocado diversos estilos, entre ellos el son cubano y la canción de protesta a finales de los sesenta. Fue uno de los fundadores —junto a Silvio Rodríguez y Noel Nicola— de la Nueva Trova Cubana, perteneció al Grupo de Experimentación Sonora y compuso diversos temas para el cine. Numerosos artistas han colaborado con él, entre los que destacan Silvio Rodríguez, Ana Belén, Fito Páez, Ricardo Arjona, Maná, Luís Represas, Joaquín Sabina, Caco Senante, Ismael Serrano, Joan Manuel Serrat, Los Van Van, Carlos Varela, Lilia Vera, Víctor Manuel o Javier Ruibal. Durante los últimos vivió entre Cuba (La Habana) y España; falleció en Madrid, en la madrugada del 21 de noviembre del 2022, después de varios años de lucha contra el cáncer.

La canción "Yolanda" es una de las canciones más míticas que nos deja el legado de Pablo Milanés. El compositor cubano escribió más de 400 canciones pero quizá una de las más icónicas sea ésa. La compuso para dedicársela a su esposa y madre de tres de sus hijas. La canción ha sido versionada a lo largo de todo el mundo por grandes artistas. (María Santander) Hoy la escuchamos junto a su hija Lynn.  

Pablo Milanés ha tocado diversos estilos, entre ellos el son cubano y la canción de protesta a finales de los sesenta. Fue uno de los fundadores —junto a Silvio Rodríguez y Noel Nicola— de la Nueva Trova Cubana, perteneció al Grupo de Experimentación Sonora y compuso diversos temas para el cine. Numerosos artistas han colaborado con él, entre los que destacan Silvio Rodríguez, Ana Belén, Fito Páez, Ricardo Arjona, Maná, Luís Represas, Joaquín Sabina, Caco Senante, Ismael Serrano, Joan Manuel Serrat, Los Van Van, Carlos Varela, Lilia Vera, Víctor Manuel o Javier Ruibal. Durante los últimos vivió entre Cuba (La Habana) y España; falleció en Madrid, en la madrugada del 21 de noviembre del 2022, después de varios años de lucha contra el cáncer.

La canción "Yolanda" es una de las canciones más míticas que nos deja el legado de Pablo Milanés. El compositor cubano escribió más de 400 canciones pero quizá una de las más icónicas sea ésa. La compuso para dedicársela a su esposa y madre de tres de sus hijas. La canción ha sido versionada a lo largo de todo el mundo por grandes artistas. (María Santander) Hoy la escuchamos junto a su hija Lynn.  


Dalida (1933-1987), fue una cantante, actriz, bailarina, productora, modelo y presentadora de televisión francesa, hija de inmigrantes italianos establecidos en Egipto, donde en 1954 se convierte en miss Egipto; en 1954, sin embargo, se instala en París, donde  conoce su primer éxito como cantante con el título Bambino, a partir del que forma un repertorio que reagrupa cerca de 2.000 canciones, interpretadas en numerosas lenguas, con lo que se le reconoce como una gran artista de la canción francesa y una estrella a escala internacional. En 1981 fue la primera mujer en recibir un disco de diamante en reconocimiento a la cantidad de copias vendidas, que le valieron un total de 55 discos de oro a lo largo de su carrera. Se suicidó en 1987, como consecuencia de varios dramas personales.


Helene Fischer (1984), cuyo nombre al nacer era Елена Петровна Фишер (Jelena Petrovna Fischer), es una cantante alemana nacida en la Unión Soviética. Desde su debut en 2005, ha ganado numerosos premios, entre ellos ocho premios Echo, cuatro premios Die Krone der Volksmusik y el premio Bambi. Según su registro de certificaciones ha vendido al menos 9 115 000 de discos. En junio de 2014, Farbenspiel, su álbum multiplatino de 2013, se convirtió en el álbum más descargado de un/a artista alemán/a de todos los tiempos.

Helene Fischer (1984), cuyo nombre al nacer era Елена Петровна Фишер (Jelena Petrovna Fischer), es una cantante alemana nacida en la Unión Soviética. Desde su debut en 2005, ha ganado numerosos premios, entre ellos ocho premios Echo, cuatro premios Die Krone der Volksmusik y el premio Bambi. Según su registro de certificaciones ha vendido al menos 9 115 000 de discos. En junio de 2014, Farbenspiel, su álbum multiplatino de 2013, se convirtió en el álbum más descargado de un/a artista alemán/a de todos los tiempos.


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Xabier Solano Maiza (Hernani, País Vasco, 1978) es un músico vasco, que comenzó en la música tocando la trikitixa en el grupo de rock Etzakit, fundado por él y Jon Mari Beasain en 1994. Con Etzakit publicó dos álbumes: Etzakit y Goiz edo noiz . A partir de 2003 empezó a colaborar asiduamente  con Fermin Muguruza.

Bi Mundu. La canción ha sido compuesta por Solano a propuesta de la Fundación Elkano. La letra es de Jon Garmendia Txuriya, colaborador habitual del músico. Se trata de un tema inspirado en la primera circunnavegación de Elkano, que canta a la diversidad, al intercambio cultural y a la unión de todas las personas que hicieron posible aquel viaje, en euskera y desde la óptica del pueblo vasco.

(Extractado de un artículo publicado por la Fundación Elkano)


Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia, escrito conjuntamente con Léon Minkus; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos. 

Coppélia es un ballet sentimental y cómico, en tres actos, con coreografía original de Arthur Saint-Léon para un libreto de ballet de Saint-Léon y Charles Nuitter y música de Léo Delibes. Está basado en una historia macabra de E. T. A. Hoffmann titulada Der Sandmann (El hombre de arena). El ballet se estrenó el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de París. La historia trata acerca de un inventor misterioso, el Doctor Coppélius, que tiene una muñeca danzante de tamaño real. Parece tan real que Franz, un pueblerino, se enamora de ella, dejando de lado a su verdadero amor, Swanilde, que en el Acto II le muestra su locura, al vestirse como una muñeca y pretender cobrar vida.

Hoy ofrecemos la primera parte del ballet Coppelia con Charline Giezendanner (Swanilda), Mathieu Ganio (Frantz) Pierre Lacotte (Coppelius) y la Escuela de danza de la Ópera Nacional de París.

Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia, escrito conjuntamente con Léon Minkus; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos. 

Coppélia es un ballet sentimental y cómico, en tres actos, con coreografía original de Arthur Saint-Léon para un libreto de ballet de Saint-Léon y Charles Nuitter y música de Léo Delibes. Está basado en una historia macabra de E. T. A. Hoffmann titulada Der Sandmann (El hombre de arena). El ballet se estrenó el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de París. La historia trata acerca de un inventor misterioso, el Doctor Coppélius, que tiene una muñeca danzante de tamaño real. Parece tan real que Franz, un pueblerino, se enamora de ella, dejando de lado a su verdadero amor, Swanilde, que en el Acto II le muestra su locura, al vestirse como una muñeca y pretender cobrar vida.

Hoy ofrecemos la primera parte del ballet Coppelia con Charline Giezendanner (Swanilda), Mathieu Ganio (Frantz) Pierre Lacotte (Coppelius) y la Escuela de danza de la Ópera Nacional de París.


Ion Ivanovici (1845 - 1902) fue un compositor y director de orquesta rumano, autor de música para banda militar y música ligera. Su interés por la música empezó cuando aprendió a tocar la flauta desde niño en forma autodidacta. Se registró en el 6º Regimiento de Infantería de Galati en donde aprendió a tocar el clarinete bajo la guía de Alois Riedl. Su talento por la música lo llevó a ser uno de los mejores músicos del regimiento, y a continuar sus estudios en Iasi bajo la dirección de Emil Lehr. Se hizo director de orquesta y viajó por Rumania ofreciendo numerosos conciertos. Vivió en Galati casi toda su vida, pero en 1901 se asentó en Bucarest, donde murió un año después. Compuso a lo largo de su vida más de 350 canciones, entre las que se encuentran diversos valses, cuadrillas, polcas y marchas.

El vals vienés (en alemán, Wiener Walzer) es uno de los estilos de baile dentro de los bailes de salón; es un baile rotativo donde l@s bailarinas/es constantemente están girando hacia la derecha del líder (natural) o hacia la izquierda (reversa), intercalados con pasos de cambio no giratorios para cambiar entre el sentido de rotación. Un verdadero vals vienés consiste sólo en giros y pasos de cambio. Además, en un vals vienés correctamente bailado, las parejas no pasan, sino que giran continuamente de izquierda a derecha mientras viajan en sentido contrario a las agujas del reloj alrededor del piso, siguiendo uno al otro.


La construcción del acordeón. Hoy fijaremos nuestra atención en la fabricación de este popular instrumento.

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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.