A las 10,37 h (hora española) del 20 de Marzo ha entrado la Primavera.
El 21 de Marzo de 1685 (para algun@s historiadores, el día 31) nace Bach

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Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

Las Cuatro Estaciones es un conjunto de cuatro conciertos, uno por cada estación, para violín y orquesta de cuerdas; es la obra más apreciada de Vivaldi y una de las más populares de la Historia de la Música. En su día con la publicación de la obra adjuntó un folleto explicativo en el que describía detalladamente el desarrollo y significado de la música, al modo que siglos más tarde se denominaría como Música Programática o descriptiva. Concerto n.º 1 en mi mayor, La Primavera. Esto es lo que decía el folleto que nos puede servir de guía de la audición: “I Allegro. Llegó la primavera y festejándola la saludan los pájaros con alegre canto y las fuentes con el soplo de los cefirillos. Con dulce murmullo discurren entretanto; vienen cubriendo el aire con negro manto, rayos, y truenos, elegidos para anunciarla. Callando éstos, los pajarillos vuelven otra vez a su canoro encanto. II Largo e pianissimo sempre. Y así, sobre el florido y ameno prado, al caro murmurar de bosques y plantas duerme el cabrero con el fiel perro al lado. III Allegro pastorale De la pastoral zanfoña al son festejante danzan ninfas y pastores en el techo amado a la brillante llegada de la primavera”.


Felix Mendelssohn (1809-1847) fue pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Hijo de una familia de banqueros judíos mudados al luteranismo y niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades; hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn. Nacido en Hamburgo, cuando tenía dos años su familia se trasladó a Berlín, recibió clases de piano de su madre y con siete años tenía su profesora particular. A los dieciocho años empezó a recibir clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y sus pasajes fugados, un dominio del contrapunto. Fue un compositor prematuro y prolífico pues ya a los 11 años había compuesto cuatro piezas para órgano, una sonata para piano y violín, un trío con piano, una cantata y una opereta cómica. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.

El Concierto para piano n.º 1 en sol menor fue escrito entre 1830-31, al mismo tiempo que su Cuarta sinfonía, «Italiana», y fue estrenado en Múnich en octubre de 1831. El concierto consta de tres movimientos conectados: I Molto allegro con fuoco en sol menor. II Andante en re mayor. III Presto - Molto allegro e vivace en sol mayor. Nuestra sugerencia de hoy se refiere al primer movimiento en interpretación de la pianista Marta Zak con Sylwia Anna Janiak a la batuta.

Felix Mendelssohn (1809-1847) fue pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Hijo de una familia de banqueros judíos mudados al luteranismo y niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades; hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn. Nacido en Hamburgo, cuando tenía dos años su familia se trasladó a Berlín, recibió clases de piano de su madre y con siete años tenía su profesora particular. A los dieciocho años empezó a recibir clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y sus pasajes fugados, un dominio del contrapunto. Fue un compositor prematuro y prolífico pues ya a los 11 años había compuesto cuatro piezas para órgano, una sonata para piano y violín, un trío con piano, una cantata y una opereta cómica. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.

El Concierto para piano n.º 1 en sol menor fue escrito entre 1830-31, al mismo tiempo que su Cuarta sinfonía, «Italiana», y fue estrenado en Múnich en octubre de 1831. El concierto consta de tres movimientos conectados: I Molto allegro con fuoco en sol menor. II Andante en re mayor. III Presto - Molto allegro e vivace en sol mayor. Nuestra sugerencia de hoy se refiere al primer movimiento en interpretación de la pianista Marta Zak con Sylwia Anna Janiak a la batuta.


La Cantata es una pieza musical para ser “cantada” y está escrita para una o más voces solistas con acompañamiento musical, generalmente de varios movimientos y en ocasiones, con un coro. Se distingue de la sonata en que ésta es una pieza para ser tocada o «sonada». La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea al oratorio (la diferencia fundamental respecto a la cantata es que tiene un argumento que lo sustenta) y a la ópera (que, además del argumento, tiene una escenografía, decorados, vestuario…). El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, nace hacia finales del siglo XVII y fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. La Cantata religiosa se creó para ritos religiosos, tanto católicos (cantatas sacras) como protestantes. Esas cantatas tenían una parte coral muy consistente, destinadas a ser cantadas por los feligreses. El gran maestro de la cantata religiosa fue Johann Sebastian Bach. Las cantatas de Bach tenían generalmente un coro inicial en que las sopranos iniciaban el tema musical seguido por las otras voces, completado por una sucesión de arias y recitativos cortos, a veces con instrumentos solistas que tocaban la melodía preparada para la voz (es lo que se denomina obbligato). La congregación de fieles conocía los corales de antemano, ya que se iniciaba el servicio religioso con un «preludio coral» que tocaba el órgano. En el Barroco también se cultivó la Cantata secular o cantata profana; de origen Italiano, apareció como género en 1620 consolidándose a finales del siglo XVII. Alessandro Scarlatti fue el primer autor de este género de cantatas que las estructuraba en una sucesión de recitativos y arias; cantatas concebidas para un público culto y muy selecto, por lo que la armonía y las melodías contrapuntísticas resultaban complejas, y tendían a no acentuar en demasía las partes vocales para conceder más importancia a los ritornelli instrumentales. Este modelo fue adoptado magistralmente por Antonio Vivaldi en las cantatas sacras y por Georg Friedrich Händel. Sin embargo, el término cantata apenas fue utilizado por Bach; a no ser en contadas ocasiones para sus cantatas profanas. Los manuscritos de las partituras de Bach tienen casi siempre sólo la fecha litúrgica como cabezal y la palabra “concierto”. El término cantata para referirse a estas piezas se popularizó un siglo después de su muerte. Según su obituario, Bach habría compuesto ciclos de cinco años de cantatas sacras y cantatas de iglesia adicionales, por ejemplo, para bodas y funerales. De estas obras sacras se conservan unas 200 y otras 50 cantatas seculares. Las cantatas de Bach varían mucho en forma e instrumentación, incluidas las de cantantes solistas, coros individuales, grupos instrumentales pequeños y grandes orquestas.

La Cantata BWV 140 Wachet auf, ruft uns die Stimme, (Despertad, nos llama la voz), que es una cantata de iglesia escrita por Bach en Leipzig para el vigésimo séptimo domingo después de la Trinidad y estrenada el 25 de noviembre de 1731. Estructurada en siete movimientos: I Coral, II Recitativo (tenor), III Aria (soprano, bajo), IV Coral, V Recitativo (bajo), VI Aria (soprano, bajo), VII Coral, hoy sugerimos el primero de ellos, Coral, conducido por el maestro neerlandés Ton Koopman (1944). 


John Barry (1933-2011) fue un compositor británico de música de cine y televisión, ganador de cinco Premios Óscar y a quien se le concedió la Orden del Imperio Británico. Era hijo de padre irlandés y madre inglesa. Su madre era pianista clásica y su padre, que había sido proyeccionista de cine mudo, fue después propietario de varios cines por el norte de Inglaterra. Debido a ello, el joven John creció influido por las películas que veía. Durante su Servicio Nacional en el ejército británico y después de tomar un curso de jazz por correspondencia, empezó a desempeñarse como músico (tocando la trompeta), y a trabajar como arreglista para varias de las bandas musicales de aquel entonces; entonces formó su propio grupo, The John Barry Seven y compuso canciones y piezas para varias películas. John Barry es normalmente conocido por tener un estilo que se basa en el extensivo uso de los instrumentos de viento y metal y en las cuerdas exóticas, a la par de ser un músico innovador, siendo de los primeros en utilizar sintetizadores en una partitura para el cine. También se le identifica por ser el compositor que acompañaba generalmente las películas de James Bond, llegando a escribir la música de once de sus catorce películas. Durante su estancia en la serie, Barry le dio a la misma un sonido muy característico basado en arreglos jazzísticos, la utilización de los instrumentos de viento-metal en las escenas de acción y un cierto toque de sensualidad, siendo la película Goldfinger la primera de la serie en la que hace aparición el llamado "sonido Bond". John Barry no sólo compuso música para cine, ya que su colaboración con la televisión ha sido enorme, también ha creado la música para varios musicales. De su trabajo en el cine, ha ganado cinco estatuillas: dos con Born Free (1966) premio a la mejor banda sonora y premio a la mejor canción; El león en invierno (1968); Out of Africa (1985) y Dances with Wolves (1990). John Barry murió de un ataque al corazón el 30 de enero de 2011, a la edad de setenta y siete años. Hoy ofrecemos la suite de la banda sonora de Dances with Wolves  (Bailando con lobos).

John Barry (1933-2011) fue un compositor británico de música de cine y televisión, ganador de cinco Premios Óscar y a quien se le concedió la Orden del Imperio Británico. Era hijo de padre irlandés y madre inglesa. Su madre era pianista clásica y su padre, que había sido proyeccionista de cine mudo, fue después propietario de varios cines por el norte de Inglaterra. Debido a ello, el joven John creció influido por las películas que veía. Durante su Servicio Nacional en el ejército británico y después de tomar un curso de jazz por correspondencia, empezó a desempeñarse como músico (tocando la trompeta), y a trabajar como arreglista para varias de las bandas musicales de aquel entonces; entonces formó su propio grupo, The John Barry Seven y compuso canciones y piezas para varias películas. John Barry es normalmente conocido por tener un estilo que se basa en el extensivo uso de los instrumentos de viento y metal y en las cuerdas exóticas, a la par de ser un músico innovador, siendo de los primeros en utilizar sintetizadores en una partitura para el cine. También se le identifica por ser el compositor que acompañaba generalmente las películas de James Bond, llegando a escribir la música de once de sus catorce películas. Durante su estancia en la serie, Barry le dio a la misma un sonido muy característico basado en arreglos jazzísticos, la utilización de los instrumentos de viento-metal en las escenas de acción y un cierto toque de sensualidad, siendo la película Goldfinger la primera de la serie en la que hace aparición el llamado "sonido Bond". John Barry no sólo compuso música para cine, ya que su colaboración con la televisión ha sido enorme, también ha creado la música para varios musicales. De su trabajo en el cine, ha ganado cinco estatuillas: dos con Born Free (1966) premio a la mejor banda sonora y premio a la mejor canción; El león en invierno (1968); Out of Africa (1985) y Dances with Wolves (1990). John Barry murió de un ataque al corazón el 30 de enero de 2011, a la edad de setenta y siete años. Hoy ofrecemos la suite de la banda sonora de Dances with Wolves  (Bailando con lobos).


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Johann Sebastian Bach (1685-1750). Nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven; violinista, organista, director, y compositor alemán, nació en Eisenach y falleció en Leipzig; su fama de organista traspasó las fronteras europeas. Perteneció a la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. Empezó a estudiar con su padre y a la muerte de éste continuó con su hermano mayor, Johann Christoph. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y más tarde, como organista; en 1705 obtiene un permiso para trasladarse unos meses a Lübeck a tomar clases de Buxtehude. En 1707 se traslada a Mülhausen como organista donde se casa con su prima María Bárbara con la que tiene siete hijos (tres de ellos morirían a muy temprana edad). En 1708 deja Mülhausen para trabajar como concertino y organista de la capilla del duque de Weimar donde compone numerosas obras de teclado y orquestales a la vez que tiene ocasión de transcribir y estudiar diversas obras de Vivaldi. En 1714 es premiado con mejoras económicas a la vez que obligado a nuevos requerimientos como la creación de una cantata mensual. En 1717 se le ofrece el cargo de Maestro de Capilla del Príncipe de Köthen, que era el cargo musical mejor remunerado en aquel entonces; aquí compone los Conciertos de Brandemburgo, que hoy sugerimos, y numerosas obras profanas. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte. Aquí compuso las más importantes obras de teclado, numerosas cantatas, el Oratorio de Navidad, la Pasión de San Mateo, la Pasión de San Juan y la Misa en Si menor. Fallece a los 65 años en Leipzig tras un año de ceguera. Prolífico compositor, escribió sonatas, arias, suites, conciertos, cantatas, oratorios, misas y obras de todo tipo de formas musicales de su época; su legado de refinada técnica, está considerado como la cumbre del contrapunto (distintas líneas melódicas que se mueven independientes, guardando, sin embargo, estudiadas relaciones armónicas entre sí) y su influencia ha sido notable en Haydn , Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin,… y otros muchos renombrados compositores.

Los Conciertos de Brandemburgo, que hoy presentamos, constituyen una colección de seis conciertos (los conciertos 1, 2, 4 y 5, conciertos grosso; los nº 3 y 6, orquestales) que Johann Sebastian Bach presentó en 1721 a Christian Ludwig, Marqués de Brandenburg,  y son algo así como la “joya de la corona” de la música instrumental no sólo de Bach, sino de todo el barroco. Probablemente Bach compuso los conciertos a lo largo de varios años mientras ocupaba en Köthen el puesto de maestro de capilla. Heinrich Besseler, eminente musicólogo alemán,  ha señalado que los efectivos totales requeridos (dejando de lado el primer concierto, que fue reescrito para una ocasión especial) coinciden exactamente con los 17 intérpretes que Bach tenía a su disposición en Köthen. La instrumentación de estos seis conciertos es para un conjunto de cuerdas y vientos. Varios instrumentos alternan como solistas pero el clave lo hace en todos: en el primero alterna con el corno, oboe, fagot y violín; en el segundo se destaca la trompeta principalmente seguida por la flauta, oboe y violín; en el tercero es el clave el solista; en el cuarto hay un diálogo entre la flauta y el violín; en el quinto repiten la flauta y el violín, pero el que impone es el clave otra vez; culminando el sexto concierto con dos violas, cello y contrabajo. Hoy están conducidos por el inolvidable maestro italiano Claudio Abbado.


Juan Crisóstomo de Arriaga (1806 - 1826) , conocido por muchos como el Mozart vasco, nació en Bilbao. Su padre, Juan Simón, procedía de Errigoiti, villa cercana a Gernika de donde procedía la madre, Maria Rosa. El padre, organista de Berriatua (pueblecito de Bizkaia), se trasladó a Bilbao para, como buen errigoitiarra, dedicarse a los negocios con los que prosperó y así pudo favorecer el desarrollo educativo de Juan Crisóstomo enviándole con tan sólo 15 años a París a proseguir unos estudios musicales que a la edad de 3 años había comenzado con él y proseguido con el violinista Faustino Sanz; en París seguiría con los estudios de violín además de adentrarse en los de armonía, contrapunto y composición. Pronto llamaría la atención de sus profesores por las capacidades que mostraba, razón por la que al año siguiente fue nombrado professeur repetiteur de contrapunto y fuga. Murió en París 10 días antes de cumplir los 20 años; tras el triste suceso, se envió a casa de sus padres un baúl con algunos de sus objetos personales. Su legado musical, teniendo en cuenta que su producción no es muy amplia debido a su corta vida y a que muchas de sus obras se han perdido, lo podemos clasificar en dos grandes apartados: a) música instrumental y b) música vocal. En el primer apartado destacaremos los Tres cuartetos de cuerda, el octeto Nada y mucho, escrito a los 11 años, la Obertura nº 1 y la Sinfonía en Re, estructurada en cuatro movimientos. En el capítulo de música vocal, escribió varias arias y cantatas además de música religiosa como O Salutaris hostia y Stabat Mater además de una ópera escrita a los trece años de la que únicamente se conserva su obertura Los esclavos felices escrita a los trece años.

Los Cuartetos de Cuerda de Arriaga son una colección de tres cuartetos para dos violines, viola y violoncello compuestos en 1823, cuando el compositor solamente tenía dieciséis años de edad. Los Tres Cuartetos, estructurados en cuatro movimientos cada uno de ellos, fueron la única obra que el autor vería publicada en vida. Hoy asistiremos a la ejecución del Cuarteto nº 2 (I Allegro con brio. II Andante con variazioni. III Menuetto. Scherzo. IV Andante ma non troppo. Allegro) en versión del Qube String Quartet.

Juan Crisóstomo de Arriaga (1806 - 1826) , conocido por muchos como el Mozart vasco, nació en Bilbao. Su padre, Juan Simón, procedía de Errigoiti, villa cercana a Gernika de donde procedía la madre, Maria Rosa. El padre, organista de Berriatua (pueblecito de Bizkaia), se trasladó a Bilbao para, como buen errigoitiarra, dedicarse a los negocios con los que prosperó y así pudo favorecer el desarrollo educativo de Juan Crisóstomo enviándole con tan sólo 15 años a París a proseguir unos estudios musicales que a la edad de 3 años había comenzado con él y proseguido con el violinista Faustino Sanz; en París seguiría con los estudios de violín además de adentrarse en los de armonía, contrapunto y composición. Pronto llamaría la atención de sus profesores por las capacidades que mostraba, razón por la que al año siguiente fue nombrado professeur repetiteur de contrapunto y fuga. Murió en París 10 días antes de cumplir los 20 años; tras el triste suceso, se envió a casa de sus padres un baúl con algunos de sus objetos personales. Su legado musical, teniendo en cuenta que su producción no es muy amplia debido a su corta vida y a que muchas de sus obras se han perdido, lo podemos clasificar en dos grandes apartados: a) música instrumental y b) música vocal. En el primer apartado destacaremos los Tres cuartetos de cuerda, el octeto Nada y mucho, escrito a los 11 años, la Obertura nº 1 y la Sinfonía en Re, estructurada en cuatro movimientos. En el capítulo de música vocal, escribió varias arias y cantatas además de música religiosa como O Salutaris hostia y Stabat Mater además de una ópera escrita a los trece años de la que únicamente se conserva su obertura Los esclavos felices escrita a los trece años.

Los Cuartetos de Cuerda de Arriaga son una colección de tres cuartetos para dos violines, viola y violoncello compuestos en 1823, cuando el compositor solamente tenía dieciséis años de edad. Los Tres Cuartetos, estructurados en cuatro movimientos cada uno de ellos, fueron la única obra que el autor vería publicada en vida. Hoy asistiremos a la ejecución del Cuarteto nº 2 (I Allegro con brio. II Andante con variazioni. III Menuetto. Scherzo. IV Andante ma non troppo. Allegro) en versión del Qube String Quartet.


Robert Schumann (1810-1856) compositor alemán considerado como uno de los pilares del romanticismo. Hijo de un librero, siempre mantuvo una estrecha relación con la literatura, hasta el punto que estuvo a punto de dedicarse a ella. Estudió piano con Friedrich Wieck, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su prometedora carrera pianística para centrarse únicamente en la composición; se casó con Clara Wieck, hija del que fuera su profesor,  también compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones auditivas que fueron multiplicándose a través del tiempo con un intento de suicidio en 1854. Internado en un psiquiátrico por voluntad propia, murió a los dos años. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (canciones); pero a partir de su matrimonio y animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría distintas obras de cámara y obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías, obras corales y una ópera.

La Sinfonía nº 1, Primavera, que hoy sugerimos, tuvo su estreno bajo la dirección de Felix Mendelssohn el 31 de marzo de 1841 en Leipzig. Antes de haber compuesto esta sinfonía, Schumann era extensamente conocido por sus obras para piano y voz. Clara lo motivó para escribir música sinfónica. El título "Primavera" fue otorgado, según el diario de Clara, por los poemas de primavera de Adolph Boettger; sin embargo, el propio Schumann expresó que la sinfonía está meramente inspirada en su Liebesfrühling (Primavera de amor), colección de 12 lieder escrita por el matrimonio Schumann. La Sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I Andante un poco maestoso – Allegro molto vivace. II Larghetto. III Scherzo: Molto vivace. IV Allegro animato e grazioso. Su ejecución está conducida por la directora taiwanesa Yi-Chen Lin (1985).


Claude Debussy (1862-1918) compositor francés considerado como el primer compositor del Impresionismo. Con siete años comenzó sus clases de piano y a la edad de 10 años fue admitido en el Conservatorio de París; a partir de los 17 años empezó a ganarse la vida como pianista, mientras empezaba a componer para este instrumento y seguía con sus estudios del Conservatorio. En 1884, con la cantata  L'enfant prodigue ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Premio de Roma, que consistía en una beca, estancia incluída, en la Academia francesa en Roma para seguir estudiando durante un período de cuatro años. Desde su época en el Conservatorio de París su enfrentamiento con el profesorado había sido evidente debido a sus ansias de buscarse su propio camino en la composición fuera de las férreas normas académicas; de modo que la estancia en Roma se le antojó como un corsé del que seguía liberándose y sus composiciones eran a veces duramente criticadas por el profesorado. De vuelta a París le impresionó la ópera Tristán e Isolda de Wagner, “lo mejor que he escuchado”, y durante unos años estuvo influenciado por el maestro. Posteriormente se dejaría influenciar por las estructuras de la música javanesa, por el colorido y libertad armónica de Rimski-Korsakov y por el compatriota Erik Satie afín a sus planteamientos. En 1894 estrenó su Prélude à l'après-midi d'un faune con el que tuvo un merecido reconocimiento; pero no sería hasta cuatro años más tarde cuando alcanzó su fama internacional con su única ópera conclusa Pelléas et Mélisande; tenía entonces 37 años. En la actualidad, Debussy está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX y su influencia en los compositores  posteriores del siglo XX ha sido definitiva.

Danses Sacrée et Profane, obra que hoy sugerimos, fue un encargo de la casa Pleyel para promocionar su nuevo instrumento, el arpa; la obra fue estrenada en 1904 cuando el prestigio de Debussy estaba bien afianzado. Aunque son dos danzas contrastantes, no hay entre ellas pausa alguna y para algun@s crític@s vienen a simbolizar la unidad del cuerpo con el alma. Hoy la podemos visionar en interpretación de la arpista Aiste Baliunyte y la directora Giedre Slekyte, ambas artistas lituanas.

Claude Debussy (1862-1918) compositor francés considerado como el primer compositor del Impresionismo. Con siete años comenzó sus clases de piano y a la edad de 10 años fue admitido en el Conservatorio de París; a partir de los 17 años empezó a ganarse la vida como pianista, mientras empezaba a componer para este instrumento y seguía con sus estudios del Conservatorio. En 1884, con la cantata  L'enfant prodigue ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Premio de Roma, que consistía en una beca, estancia incluída, en la Academia francesa en Roma para seguir estudiando durante un período de cuatro años. Desde su época en el Conservatorio de París su enfrentamiento con el profesorado había sido evidente debido a sus ansias de buscarse su propio camino en la composición fuera de las férreas normas académicas; de modo que la estancia en Roma se le antojó como un corsé del que seguía liberándose y sus composiciones eran a veces duramente criticadas por el profesorado. De vuelta a París le impresionó la ópera Tristán e Isolda de Wagner, “lo mejor que he escuchado”, y durante unos años estuvo influenciado por el maestro. Posteriormente se dejaría influenciar por las estructuras de la música javanesa, por el colorido y libertad armónica de Rimski-Korsakov y por el compatriota Erik Satie afín a sus planteamientos. En 1894 estrenó su Prélude à l'après-midi d'un faune con el que tuvo un merecido reconocimiento; pero no sería hasta cuatro años más tarde cuando alcanzó su fama internacional con su única ópera conclusa Pelléas et Mélisande; tenía entonces 37 años. En la actualidad, Debussy está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX y su influencia en los compositores  posteriores del siglo XX ha sido definitiva.

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El Jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en USA que se extendió por todo el mundo a lo largo del siglo XX. Su identidad es muy compleja de definir pues más que un único género musical es un conjunto de géneros musicales; géneros musicales que comparten características comunes, pero que a la vez gozan de marcadas diferencias individuales, entre otras razones, por su función social que va desde la música de fondo hasta la música de baile o a la música de concierto que exige una escucha más atenta y concentrada; hay que hacer notar también que al ser un producto de la cultura afroamericana abierto a la mezcla de todo tipo de culturas, esto ha generado especificidades muy notables. El crítico alemán  Joachim-Ernst Berendt lo describe de este modo “El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos”. El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea: a) Una cualidad rítmica especial conocida como swing. b) El papel de la improvisación y c) Un sonido y un fraseo individuales que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

Hoy el Trío Jacques Loussier nos presenta a Bach revestido de jazz.


Madonna (1958) conocida como la Reina del Pop, es una actriz y cantante estadounidense. Sus discos han sido calurosamente recibidos no sólo en USA, sino en todo el mundo donde muchas de sus canciones han logrado auparse al nº 1 de estos países. Con la venta de más de 300 millones de producciones musicales es la mujer más exitosa de la historia en este campo; así mismo, su popularidad se ha visto aumentada con la participación en diversas películas. Artista polifacética, ha realizado trabajos de escritora, diseñadora de moda, directora de cine y productora discográfica. En 2008 La revista Bilboard la coloca como número 2, detrás sólo de The Beatles.

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Bob Dylan (1941) es un músico, compositor, cantante y poeta estadounidense, ampliamente considerado como una de las figuras más prolíficas e influyentes en la música popular del siglo XX y de comienzos del siglo XXI. Gran parte de su trabajo más célebre data de la década de 1960, en la que se dio a conocer como cantautor folk con composiciones como Blowing in the Wind y A Hard Rain's a-Gonna Fall con un importante contenido de protesta social. Tras dejar atrás la música folk, Dylan combinó la música rock con composiciones complejas y literarias influidas por imaginería surrealista. Su primer sencillo, Like a Rolling Stone, fue elegido como la mejor canción de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y alcanzó el segundo puesto en la lista estadounidense Billboard Hot 100. Dylan amplió y personalizó géneros musicales a lo largo de cinco décadas de carrera musical, en las que exploró la tradición musical estadounidense con el folk, el blues, el country, el góspel, el rock and roll y el rockabilly, así como la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing. Sus discos le han valido varios Grammys, Globos de Oro y premios de la Academia, y su nombre se halla en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang. En 1999, fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. En el año 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música, y en 2004 alcanzó el segundo puesto en la lista de los cien mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, después de The Beatles. En mayo de 2012, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad por parte del presidente Barack Obama. Las letras de Dylan incorporan una variedad de temas sociales, políticos, filosóficos y literarios que desafiaron la música pop convencional existente y apelaron generalmente a la contracultura emergente en la época. En 2016, recibió el Premio Nóbel de Literatura.


Maria del Mar Bonet (1947) es una cantante y compositora catalana, con una larga trayectoria de investigación en las músicas populares de las Islas Baleares, Catalunya, y de todo el entorno mediterráneo. En 1967 empezó a cantar con Els Setze Jutges y formó parte del movimiento de la Nova Cançó. Desde entonces ha editado discos de música folk en catalán; además ha realizado diversos conciertos en diferentes puntos de Europa, norte de África, Estados Unidos, Japón e Iberoamérica, además de participar en el campo de investigación de nuevas formas artísticas. Desde 1988 actúa reinterpretando en clave de jazz canciones propias y de otros autores. En 1993 dedica un álbum a la obra de Mikis Theodorakis con letras adaptadas al catalán. En 2007 es galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña en reconocimiento a su labor durante la etapa de Els Setze Jutges. En 2012 es nombrada doctora honoris causa por el Consell de Govern de la Universidad de las Islas Baleares.

En el presente vídeo Mª del Mar nos ofrece un mensaje de esperanza con su Danza de la Primavera.

Maria del Mar Bonet (1947) es una cantante y compositora catalana, con una larga trayectoria de investigación en las músicas populares de las Islas Baleares, Catalunya, y de todo el entorno mediterráneo. En 1967 empezó a cantar con Els Setze Jutges y formó parte del movimiento de la Nova Cançó. Desde entonces ha editado discos de música folk en catalán; además ha realizado diversos conciertos en diferentes puntos de Europa, norte de África, Estados Unidos, Japón e Iberoamérica, además de participar en el campo de investigación de nuevas formas artísticas. Desde 1988 actúa reinterpretando en clave de jazz canciones propias y de otros autores. En 1993 dedica un álbum a la obra de Mikis Theodorakis con letras adaptadas al catalán. En 2007 es galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña en reconocimiento a su labor durante la etapa de Els Setze Jutges. En 2012 es nombrada doctora honoris causa por el Consell de Govern de la Universidad de las Islas Baleares.

En el presente vídeo Mª del Mar nos ofrece un mensaje de esperanza con su Danza de la Primavera.


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La Paul Taylor Dance Company es una compañía profesional de danza fundada por Paul Taylor, coreógrafo estadounidense del siglo XX y actualmente, una de las primeras compañías estadounidenses de baile moderno. Paul Taylor al principio actuó en distintas compañías nacionales; pero en 1954 fundó su propia compañía de la que emergieron importantes bailarines/as y coreógraf@s. La compañía ha aparecido nueve veces en los programas de PBS (Public Broadcasting Service es la red de televisión pública de USA) y en 1999 American Masters, una serie de PBS, transmitió el documental, nominado al Oscar de Mathew Diamond, acerca de Paul Taylor y su compañía. En el 2005, fue una de las 406 instituciones sociales y artísticas de Nueva York que recibieron parte de 20 millones de la corporación Carnegie, la cual fue posible gracias a una donación del alcalde de Nueva York Michael Bloomberg.

Hoy nos ofrecen la famosa Tocata y fuga de Bach, obra originariamente escrita para órgano, orquestada y arreglada por el director británico de ascendencia polaca, Leopold Stokowski (1882-1977).


Riverdance (Danza del río) es un famoso espectáculo teatral de música y danza tradicionales irlandesas creado por el músico y compositor Bill Whelan; cuenta con la participación de los campeones de danza irlandesa Jean Butler y Michael Flatley. La idea original fue cubrir el intermedio del Festival de la Canción de Eurovisión que se celebró en el Teatro Point en Dublín. Poco tiempo después, la pareja productora, John McColgan y Moya Doherty, estrenaron el espectáculo en Dublín el 9 de febrero de 1995. Desde entonces, el show se ha presentado en 450 lugares en todo el mundo y ha sido visto por más de 25 millones de personas, convirtiéndose en uno de las producciones de danza más exitosas de todo el mundo. Debido al rotundo éxito, Riverdance fue invitado a participar en el prestigioso Royal Variety Performance en el Teatro Dominion de Londres ante el Príncipe Carlos, el 28 de noviembre de 1994. En marzo del 2000, el espectáculo se mudó a Broadway al Teatro Gershwin. Riverdance continúa presentándose en todo el mundo, aunque en un formato más simple y en lugares más pequeños. Hoy ofrecemos su parte final.

Riverdance (Danza del río) es un famoso espectáculo teatral de música y danza tradicionales irlandesas creado por el músico y compositor Bill Whelan; cuenta con la participación de los campeones de danza irlandesa Jean Butler y Michael Flatley. La idea original fue cubrir el intermedio del Festival de la Canción de Eurovisión que se celebró en el Teatro Point en Dublín. Poco tiempo después, la pareja productora, John McColgan y Moya Doherty, estrenaron el espectáculo en Dublín el 9 de febrero de 1995. Desde entonces, el show se ha presentado en 450 lugares en todo el mundo y ha sido visto por más de 25 millones de personas, convirtiéndose en uno de las producciones de danza más exitosas de todo el mundo. Debido al rotundo éxito, Riverdance fue invitado a participar en el prestigioso Royal Variety Performance en el Teatro Dominion de Londres ante el Príncipe Carlos, el 28 de noviembre de 1994. En marzo del 2000, el espectáculo se mudó a Broadway al Teatro Gershwin. Riverdance continúa presentándose en todo el mundo, aunque en un formato más simple y en lugares más pequeños. Hoy ofrecemos su parte final.


La Morenada es una danza folclórica altiplánica cuyo origen se encuentra en debate. Este baile se practica principalmente en Bolivia, así como en Perú y en los últimos años, con la inmigración boliviana o peruana, en Chile, Argentina y otros países. En Bolivia, la Morenada es una de las danzas más representativas del país y su importancia se hace evidente por la difusión del baile y la música en las fiestas patronales y cívicas en distintas regiones del país. En el Perú la Morenada es un baile típico del altiplano peruano, de la región Puno, y forma parte de la Festividad de la Virgen de La Candelaria, Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Asimismo, es practicado y difundido en los departamentos de Tacna y Moquegua, debido a la presencia de población aimara. La Danza se remonta a la época colonial y se inspira en la trata de esclavos, traídos por los conquistadores españoles para que trabajasen como laboreros en las minas de plata en el Virreinato del Perú, probablemente iniciado por los aimaras disfrazados de negros y representando personajes como el caporal y la tropa de negros. La danza de los morenos evoca los días de la colonia. Nació justamente en las cofradías de esclavos llegados de África que se mofaban de los bailes de los señores blancos. Luego, la danza de los "morenos", cambia su denominación en un proceso histórico de aceptación de la misma, hacia todas las clases sociales en Oruro, Bolivia. Tal es el caso de la Comparsa de Morenos fundada por familias migrantes aimaras y que provienen de los antiguos danzarines de las Comparsas de morenos de mediados del siglo XIX; finalmente adopta el nombre de Morenada en el año 1950.


Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida compuso una gran cantidad de obras abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo. Eventualmente, el futuro musical de Stravinski fue encaminado por Serguéi Diáguilev, director de los Ballets Rusos en París, quien contrató a Stravinski para escribir un ballet para su compañía, que sería El pájaro de fuego. Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París a su estreno por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera que hoy ofrecemos (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov de quien fue alumno, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró: el estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto). Para muchos, estos ballets atrevidos e innovadores prácticamente reinventaron el género. Posteriormente viaja a USA en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en 1945 y donde continuó viviendo hasta su muerte en 1971. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz; pero no sólo alcanzó fama como compositor, sino que ésta le siguió además como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue esencialmente un ruso cosmopolita, uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal; así mismo fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

La consagración de la primavera (Le Sacre du printemps) es un ballet y obra de concierto orquestal del compositor ruso Ígor Stravinski, escrito para la temporada 1913 en París de la compañía Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev; la coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Cuando fue estrenado, en el Teatro de los Campos Elíseos el 29 de mayo de 1913, el carácter vanguardista de la música y la coreografía causó sensación y un casi disturbio en la audiencia. Aunque se diseñó como una obra para el escenario, con pasajes específicos acompañando los personajes y la acción, la música alcanzó igual o incluso mayor reconocimiento como una pieza de concierto, y es ampliamente considerada como una de las obras musicales más influyentes del siglo XX. El concepto que desarrolla Roerich desde la idea de esquema de Stravinsky, es sugerido por su subtítulo, «Imágenes de la Rusia pagana en dos partes». La obra describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, la cual debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación. Para ello, se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad, evocando escenas primitivas en cuanto a diversos ámbitos de la vida. El ballet está estructurado del siguiente modo: Primera parte, Adoración de la tierra: I Introducción (Lento. Più mosso. Tempo I); II Augurios primaverales. Danza de las adolescentes) (Tempo giusto); III Juego del rapto (Presto); IV Rondas primaverales (Tranquillo. Sostenuto e pesante. Vivo. Tranquillo); V Juego de las tribus rivales (Molto allegro); VI Cortejo del sabio; VII Adoración de la tierra (El sabio) (Lento); VIII Danza de la tierra (Prestissimo).  Segunda parte, El sacrificio: I Introducción (Lento); II Círculos misteriosos de las adolescentes (Andante con moto - Più mosso - Tempo I); III Glorificación de la elegida (Vivo); IV Evocación de los antepasados; V  Acción ritual de los antepasados (Lento); VI Danza sagrada (La elegida) (Allegro)

Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida compuso una gran cantidad de obras abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo. Eventualmente, el futuro musical de Stravinski fue encaminado por Serguéi Diáguilev, director de los Ballets Rusos en París, quien contrató a Stravinski para escribir un ballet para su compañía, que sería El pájaro de fuego. Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París a su estreno por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera que hoy ofrecemos (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov de quien fue alumno, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró: el estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto). Para muchos, estos ballets atrevidos e innovadores prácticamente reinventaron el género. Posteriormente viaja a USA en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en 1945 y donde continuó viviendo hasta su muerte en 1971. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz; pero no sólo alcanzó fama como compositor, sino que ésta le siguió además como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue esencialmente un ruso cosmopolita, uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal; así mismo fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

La consagración de la primavera (Le Sacre du printemps) es un ballet y obra de concierto orquestal del compositor ruso Ígor Stravinski, escrito para la temporada 1913 en París de la compañía Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev; la coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Cuando fue estrenado, en el Teatro de los Campos Elíseos el 29 de mayo de 1913, el carácter vanguardista de la música y la coreografía causó sensación y un casi disturbio en la audiencia. Aunque se diseñó como una obra para el escenario, con pasajes específicos acompañando los personajes y la acción, la música alcanzó igual o incluso mayor reconocimiento como una pieza de concierto, y es ampliamente considerada como una de las obras musicales más influyentes del siglo XX. El concepto que desarrolla Roerich desde la idea de esquema de Stravinsky, es sugerido por su subtítulo, «Imágenes de la Rusia pagana en dos partes». La obra describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, la cual debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación. Para ello, se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad, evocando escenas primitivas en cuanto a diversos ámbitos de la vida. El ballet está estructurado del siguiente modo: Primera parte, Adoración de la tierra: I Introducción (Lento. Più mosso. Tempo I); II Augurios primaverales. Danza de las adolescentes) (Tempo giusto); III Juego del rapto (Presto); IV Rondas primaverales (Tranquillo. Sostenuto e pesante. Vivo. Tranquillo); V Juego de las tribus rivales (Molto allegro); VI Cortejo del sabio; VII Adoración de la tierra (El sabio) (Lento); VIII Danza de la tierra (Prestissimo).  Segunda parte, El sacrificio: I Introducción (Lento); II Círculos misteriosos de las adolescentes (Andante con moto - Più mosso - Tempo I); III Glorificación de la elegida (Vivo); IV Evocación de los antepasados; V  Acción ritual de los antepasados (Lento); VI Danza sagrada (La elegida) (Allegro)


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