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Léo Delibes  (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música, y su abuelo fue cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Fue criado sobre todo por su madre y su tío después de la temprana muerte de su padre. Léo Delibes comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847 donde fue alumno de Adolphe Adam. Empezó a trabajar como pianista acompañante y director de coro en el Théâtre Lyrique, segundo director de coro en la Ópera de París (1864), y organista en el Saint-Pierre-de-Chaillot entre 1865 y 1871. Como compositor, Delibes alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia que se estrenó en la Ópera de París. Entre sus otros ballets están Sylvia, escrito conjuntamente con Léon Minkus y publicado en 1876. Es de destacar el Pizzicato de este ballet, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas, la última de las cuales, la exuberante y orientalizante Lakmé, fue estrenada con gran éxito en la Opéra-Comique en 1883. En 1867 compuso el divertimento Le Jardin Animé para la recuperación del ballet de Adam, Le Corsaire. Delibes escribió, además, una misa, una cantata sobre el tema de los argelinos; y compuso operetas y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos.

El Dúo de las flores (título original en francés: Duo des fleurs o Sous le dôme épais) es un dúo para soprano y mezzosoprano de la famosa ópera Lakmé de Léo Delibes. Lakmé está ambientada en la época del dominio de la India Británica y el dúo se interpreta en el primer acto, entre Lakmé, la hija de un brahmán, y su criada Mallika, cuando van a recoger flores cerca de un río; se trata de una barcarola que los anuncios comerciales de British Airways hicieron familiar al público general. Para la interpretación de hoy, nos visitan dos sobresalientes cantantes de ópera: la soprano rusa Ana Netrebko y la mezzo letona Elīna Garanča. 

Vangelis (1943) es un compositor griego de música electrónica y orquestal que ha escrito fundamentalmente para teatro, ballet, cine y televisión con un estilo grandemente majestuoso, casi religioso; entre sus bandas sonoras cabe destacar Carros de fuego, Blade Runer y 1492: La conquista d el Paraíso, parte de cuya banda sonora hoy ofrecemos. Ha editado, además, varios álbums en los que ha ido experimentando distintas sensaciones sonoras con alusiones a la música clásica, al jazz, a la música electrónica y al minimalismo formal.  Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas o, más ampliamente, como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970. Ha desarrollado una carrera paralela como pintor, y ha realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal. En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis.

Hoy presentamos el tema principal de la banda sonora de 1492: La conquista del Paraíso escrita para coro y orquesta al modo clásico y sobre una base rítmica obstinada bajo la dirección del maestro Miguel Roa  (1944-2016).

Louise Farrenc, (1804-1875) fue una compositora, pianista y profesora francesa, hija de Marie-Élisabeth-Louise Curton y del escultor Jacques-Edme Dumont, además de hermana del también escultor, Auguste Dumont. Realizó estudios de piano con Anne Soria, un de las discípulas del compositor italiano, Muzio Clementi, luego con Antoine Reicha, profesor del Conservatorio de París, quien le enseñó escritura musical (armonía, contrapunto). Ignaz Moscheles y Johann Nepomuk Hummel también le dieron clases de piano. En 1821, se casó con el flautista, compositor y editor musical de Marsella, Aristide Farrenc (1794-1865). De esta unión nació en 1826, Victorine, su única hija, también pianista, que murió en 1859. Consciente de los dones excepcionales de Louise, su esposo se dedicó a sus actividades musicales, creó Éditions Farrenc, y rápidamente se convirtió en su empresario teatral. Entre 1842 y 1872, Farrenc enseñó piano en el Conservatorio de París, donde terminó recibiendo un salario igual al de sus compañeros varones. Contribuyó activamente con su esposo en la publicación de veinte entregas de la colección de música para clavecín y piano Le Trésor des pianistes, publicación que continuó, después de la muerte de su esposo en 1865. Recibió el apoyo de los mejores músicos de su tiempo, como el violinista Joseph Joachim, quien participó en 1850, en la creación de su Nonette para cuerdas y vientos en mi bemol mayor. Su Tercera Sinfonía, op. 36, fue interpretada por la orquesta de la Société des Concerts du Conservatoire en 1849, y recibió dos veces el Premio Chartier del Instituto de Francia, destinado a recompensar las mejores composiciones de música de cámara, en 18618 y 1869. Louise Farrenc murió el 15 de septiembre de 1875 y enterrada en el cementerio de Montparnasse.

El trabajo de Louise Farrenc sigue siendo poco difundido hoy en día. La Guía de Fuentes para la historia de las mujeres, afirma que, sin embargo fue aplaudida por sus contemporáneos; sin embargo, luego se encontró lamentablemente olvidada y descuidada como muchas otras de sus colegas compositoras; cosa que hoy lo queremos evidenciar con esta composición tan magistral que presentamos. De los dos quintetos para piano y cuarteto de cuerda que escribió, hoy tenemos el gusto de ofrecerles el quinteto nº 1 estructurado en cuatro movimientos: I Allegro (en La menor y en forma sonata, termina en La mayor). II Adagio non troppo (en Mi mayor y en forma "A-B-A-C-A-B-A" con una coda adicional). III Scherzo: Presto (en La menor y en forma ternaria, con una sección de "trío" en La mayor). IV Finale: Allegro (en La menor y en forma sonata).

El maestro húngaro György Ligeti (1923-2006) fue uno de los compositores más importantes del siglo XX, comparable en importancia y circunstancias a Shostakovich, aunque más inconformista,  y popularizado sobre todo por el director de cine Stanley Kubrick que contó con él para la banda sonora de las películas 2001 Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut. Rumano de padres judíos, creció en Hungría donde fue reclutado por el ejército húngaro en 1944, lo que le libró de la “limpieza” nazi. Estudió en Budapest con Zoltan Kodaly y Sándor Veress. Tras la guerra europea, la música de vanguardia estaba prohibida en la Hungría comunista mientras él la escuchaba secretamente a través de la radio. De modo que en cuanto pudo se trasladó a Austria donde se nacionalizó y conectó, entre otros, con Stockhausen y Koenig con quienes trabajó el serialismo y la música electrónica; no obstante, su espíritu innovador le llevó a buscar y experimentar nuevas sensaciones.  

Lontano, obra orquestal que hoy proponemos, fue escrita en 1967 y en ella la atención recae, más que en la altura y duración de los sonidos, en la riqueza tímbrica de los mismos y en su dinámica. Según el propio Ligeti “lo que está escrito es la polifonía aunque lo que se escucha es la armonía”. Curiosamente quien hoy conduce esta obra orquestal sin percusión es el percusionista y director brasileño Eduardo Leandro.

Dua Lipa (1995), compositora y cantante británica que comenzó su carrera a los 14 años; desde entonces ha recibido importantes reconocimientos, incluidos tres premios Grammy, tres premios Brit, dos premios MTV Europe Music Awards, un premio MTV Video Music y un premio American Music. En 2020, Billboard honró a Lipa con el Powerhouse Award, otorgado al artista cuya música dominó en su año respectivo a través de streaming, ventas y radio. Hoy ofrecemos un álbum con algunos de sus éxitos más celebrados.

Krisdayanti (1975) es una popular cantante y actriz indonesia. Su carrera como cantante empezó cuando era sólo una niña; con apenas nueve años empezó a entregarse a la música. A los 12 años de edad fue reconocida como una de las artistas más jóvenes del pop de su país. Además de ser uno de los iconos más exitosos en la industria musical indonesia, ha recibido varios premios, tanto dentro como fuera del país. Fue nombrada como uno de las "10 artistas asiáticos más grandes" por Channel V en 2005. También es una de las "99 mujeres más poderosas de Indonesia" en la edición de octubre de 2007 de la revista Globe Asia y  una de "Los 50 mejores cantantes de Indonesia de todos los tiempos" en la edición de diciembre de 2010 de Rolling Stone.

Hector Berlioz (1803-1869) Fue un compositor francés, figura eminente de la música programática (música que sigue un argumento) y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a París a estudiar medicina; pero a él no le gustó; de modo que abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. En 1830 escribe la Symphonie Fantastique, su obra más conocida. De aquí, a Roma donde estuvo becado estudiando ópera italiana. Escribió varias óperas, sinfonías, oberturas, diversas canciones y obra coral.

La Symphonie Fantastique es, como hemos dicho, su obra más conocida. De esta sinfonía, hoy sugerimos la coreografía del IV Movimiento, Marcha al cadalso.

El trombón es un instrumento de viento metal. Su sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna de aire (flujo del aire). Las diferentes notas se obtienen por el movimiento de un tubo móvil, denominado vara, alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer, produciendo de este modo sonidos que también se pueden controlar con la presión del aire soplado por el intérprete en la vara. Se diferencian siete posiciones distintas a lo largo de la vara. Cuanto más se alarga la columna de aire con cada posición, el sonido producido es más grave que en la anterior. Sin embargo, también existen trombones con válvulas. Al igual que casi todos los instrumentos de esta familia de viento-metal, el trombón de varas es de latón (aunque actualmente muchas fábricas optan también por el cobre y los baños de plata), y consiste en un tubo cilíndrico y abierto enrollado sobre sí mismo. Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa, y desde el siglo XIX es imprescindible en la gran orquesta sinfónica. También se utiliza en la música de jazz, donde, además de ser un instrumento clave para la big band, interpreta pasajes solistas. En la orquesta sinfónica se suele usar el trombón tenor y a veces el bajo. En la familia del trombón hay muchas variantes con distintas tesituras y tamaños que de más agudos a más graves son: Trombón sopranino o trombón piccolo, Trombón soprano o trompeta "slide", Trombón alto, Trombón tenor, Trombón bajo, Trombón contrabajo, Címbasso.

El instrumento se compone de las siguientes partes: Boquilla o embocadura: pieza pequeña y hueca que se adapta al tubo del trombón para que el intérprete sople, de modo que los labios se apoyen en los bordes, vibren y produzcan el sonido primario; esta boquilla determina su timbre. Pabellón o campana: es el ensanchamiento final del tubo. Vara: tiene forma de U y se mueve en siete diferentes posiciones con distinta longitud del tubo. La vara del trombón no permite grandes velocidades cuando se toca, pero es perfecto para interpretar glissandos (recorrido rápidamente progresivo del sonido entre dos notas).