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Maria Callas (1923-1977) fue una soprano griega, a juicio de muchxs críticxs, la de mayor calidad del siglo XX. Con un muy amplio registro de voz y calidad técnica y expresiva era capaz de interpretar papeles desde mezzo a soprano ligera. Su azarosa vida afectiva hasta tal punto influyó en su quehacer profesional, que provocó su declive artístico y existencial.

La Opera Arias que hoy presentamos es una amplia colección de arias de distintas épocas y estilos con las que hoy, además de disfrutar de su arte, podemos asombrarnos de su técnica vocal e interpretativa.


Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Aprovechando estas facultades, su padre, Leopold,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales;. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Como obras maestras tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; sin embargo, tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.  

La Sinfonía n.º 35 en re mayor, K. 385, conocida como "Haffner" es una sinfonía compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart en 1782 en la que se observa la evolución de la sinfonía clásica. De hecho, es la primera sinfonía que compone lejos de Salzburgo, de su familia, del arzobispo y de los ciudadanos de Salzburgo entre los que se sintió "imposibilitado de probar con libertad." La obra consta de cuatro movimientos: I. Allegro con spirito. II Andante. III Menuetto. IV Finale (Presto), de los cuales hoy visionaremos el cuarto movimiento en interpretación de la Sinfónica de San Luis conducida por la maestra Gemma New.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Aprovechando estas facultades, su padre, Leopold,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales;. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Como obras maestras tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; sin embargo, tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.  

La Sinfonía n.º 35 en re mayor, K. 385, conocida como "Haffner" es una sinfonía compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart en 1782 en la que se observa la evolución de la sinfonía clásica. De hecho, es la primera sinfonía que compone lejos de Salzburgo, de su familia, del arzobispo y de los ciudadanos de Salzburgo entre los que se sintió "imposibilitado de probar con libertad." La obra consta de cuatro movimientos: I. Allegro con spirito. II Andante. III Menuetto. IV Finale (Presto), de los cuales hoy visionaremos el cuarto movimiento en interpretación de la Sinfónica de San Luis conducida por la maestra Gemma New.


Modest Mússorgski (1839-1881) fue un compositor ruso que defendió y practicó encarecidamente los objetivos del grupo de Los Cinco (César Cui, Milij Balakirev, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexandre Borodin); muchas de sus obras están inspiradas en la historia rusa o en temas folklóricos nacionales. Su madre, Yulia Ivánovna pianista profesional, le introdujo en el estudio del piano a los seis años; a los 13 años ingresó en la Academia Militar de Oficiales de la Guardia Imperial, mientras al año siguiente publicaba su primera composición, una polca; por esta época conoció a Balakirev  de quien recibió clases de composición e información sobre lo que llegaría a ser el grupo de Los Cinco; a los 19 años abandonó su carrera militar para poderse dedicar enteramente a la composición. A lo largo de su carrera escribió numerosas canciones, entre las que destacaremos el ciclo Cantos y danzas de la muerte, las óperas Khovanshchina y Boris Godunov y abundante música para piano muchas de cuyas obras serían posteriormente orquestadas por otros compositores, entre las que destacaremos el poema sinfónico  que hoy sugerimos, Una noche en el Monte Pelado orquestada por Rimsky-Korsakov, y la suite Cuadros de una exposición, basada en los cuadros de su amigo pintor Víktor Hartmann y posteriormente orquestada por Maurice Ravel. Murió a los 42 años tras una serie de ataques epilépticos. 

Una noche en el Monte Pelado (o La noche de San Juan en el Monte Pelado), tal como lo hemos avanzado, es un poema sinfónico de Músorgski. La pieza fue originalmente inspirada por un cuento de Nikolái Gógol, en la cual un campesino presencia un aquelarre en el Monte Pelado, cerca de Kiev en la Noche de San Juan (equivalente a la Noche de Walpurgis). Músorgski encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra: Rumores subterráneos de voces sobrenaturales.- Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernobog (Satanás).- Glorificación de Chernobog y misa negra.- Aquelarre de brujas.- Es un aquelarre de brujas y las ve un campesino, dispersando a los espíritus de las tinieblas.- Amanecer. Después de la muerte de Músorgski, su amigo y compañero Nikolái Rimski-Kórsakov orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza que la han hecho muy popular en los conciertos.


El Góspel se origina en las regiones sureñas de USA en las Iglesias protestantes afroamericanas del siglo XVIII; nace de los espirituales negros, cantos inspirados en las plegarias de l@s esclav@s negr@s cristian@s, que se basaban en las músicas africanas. El/la cantante principal establece un diálogo con el coro a base de llamadas y respuestas con palmas y bailes participativos.  Los espirituales evolucionan al góspel con la incorporación de instrumentos musicales y una armonía más compleja.

Oh Happy Day es un himno de música gospel de 1755 del clérigo Philip Doddridge arreglado por Edwin Hawkins (1943-2018), que fue un pianista y compositor estadounidense considerado como uno de los pioneros que evolucionaron el actual góspel urbano; él con su coro Edwin Hawkins Singers fue quien popularizó la canción, hasta hacerla mundialmente famosa en 1969, alcanzando el número 4 en la lista de singles de USA, n ° 1 en Francia, Alemania y los Países Bajos y el número 2 en la lista de singles de Canadá , UK Singles Chart, y la lista de singles irlandeses . Desde entonces se ha convertido en un estándar de música gospel .

El Góspel se origina en las regiones sureñas de USA en las Iglesias protestantes afroamericanas del siglo XVIII; nace de los espirituales negros, cantos inspirados en las plegarias de l@s esclav@s negr@s cristian@s, que se basaban en las músicas africanas. El/la cantante principal establece un diálogo con el coro a base de llamadas y respuestas con palmas y bailes participativos.  Los espirituales evolucionan al góspel con la incorporación de instrumentos musicales y una armonía más compleja.

Oh Happy Day es un himno de música gospel de 1755 del clérigo Philip Doddridge arreglado por Edwin Hawkins (1943-2018), que fue un pianista y compositor estadounidense considerado como uno de los pioneros que evolucionaron el actual góspel urbano; él con su coro Edwin Hawkins Singers fue quien popularizó la canción, hasta hacerla mundialmente famosa en 1969, alcanzando el número 4 en la lista de singles de USA, n ° 1 en Francia, Alemania y los Países Bajos y el número 2 en la lista de singles de Canadá , UK Singles Chart, y la lista de singles irlandeses . Desde entonces se ha convertido en un estándar de música gospel .


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Georg Friedrich Händel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Cantatas, oratorios y óperas fueron la base principal de su producción musical, entre los que hemos de destacar por encima de todos el Oratorio de El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Italia: primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica a la composición de oratorios, entre los que destaca El Mesías. Fallece en 1759 en su casa.

La contralto Nathalie Stutzmann dirige a su ensamble Orfeo 55 y, al lado de Emőke Baráth —¡la soprano del momento en música barroca!—, presenta Il Duello Amoroso, una "ópera imaginaria" a dos voces conformada por algunas de las arias y duetos más estremecedores de Händel. Extractos de sus óperas más conocidas, como Rodelinda, Alcina y Julio César, se alternan con joyas de títulos que apenas comienzan a resurgir, como Scipione y Faramondo, todos llos desprendidos de la temática del amor y la pasión puesta en música por el genial compositor inglés, nacido en Alemania: un hombre de teatro absoluto.


Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach  y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis …

La Sinfonía n.º 4 en si bemol mayor, op. 60, de Ludwig van Beethoven fue compuesta en 1806, dedicada al conde Franz von Oppersdorff y estrenada en marzo de 1807 en un concierto privado que tuvo lugar en la casa del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz, junto con la Obertura Coriolano y el Concierto para piano n.º 4. Varios historiadores insinúan que las sinfonías de número impar de Beethoven son majestuosas, mientras que las pares son tranquilas. Éste es el caso especial de la sinfonía que hoy presentamos, que contrasta con la inmensamente heroica Sinfonía n.º 3 en Mi bemol mayor y la trágica Sinfonía n.º 5 en do menor. Robert Schumann dijo que esta obra era «una esbelta doncella griega entre dos gigantes nórdicos». Esto es explicable, pues cuando escribió esta sinfonía en 1806, era la etapa más tranquila de su vida. La sinfonía consta de cuatro movimientos: I Adagio - Allegro vivace. II Adagio. III Allegro vivace – Trío: Un poco meno allegro. IV Allegro ma non troppo.

La versión de hoy nos la ofrece la West-Eastern Divan Orchestra, proyecto ideado por el maestro Daniel Barenboim y el filósofo Edward Said en 1999 para reunir, con espíritu de concordia, a jóvenes talentos musicales palestinos, árabes e israelíes así como un foro para el diálogo y la reflexión sobre el conflicto israelí-palestino; orquesta conducida por el eminente maestro argentino nacionalizado español, Daniel Barenboim (1942).

Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach  y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis …

La Sinfonía n.º 4 en si bemol mayor, op. 60, de Ludwig van Beethoven fue compuesta en 1806, dedicada al conde Franz von Oppersdorff y estrenada en marzo de 1807 en un concierto privado que tuvo lugar en la casa del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz, junto con la Obertura Coriolano y el Concierto para piano n.º 4. Varios historiadores insinúan que las sinfonías de número impar de Beethoven son majestuosas, mientras que las pares son tranquilas. Éste es el caso especial de la sinfonía que hoy presentamos, que contrasta con la inmensamente heroica Sinfonía n.º 3 en Mi bemol mayor y la trágica Sinfonía n.º 5 en do menor. Robert Schumann dijo que esta obra era «una esbelta doncella griega entre dos gigantes nórdicos». Esto es explicable, pues cuando escribió esta sinfonía en 1806, era la etapa más tranquila de su vida. La sinfonía consta de cuatro movimientos: I Adagio - Allegro vivace. II Adagio. III Allegro vivace – Trío: Un poco meno allegro. IV Allegro ma non troppo.

La versión de hoy nos la ofrece la West-Eastern Divan Orchestra, proyecto ideado por el maestro Daniel Barenboim y el filósofo Edward Said en 1999 para reunir, con espíritu de concordia, a jóvenes talentos musicales palestinos, árabes e israelíes así como un foro para el diálogo y la reflexión sobre el conflicto israelí-palestino; orquesta conducida por el eminente maestro argentino nacionalizado español, Daniel Barenboim (1942).


Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX,  que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. Su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Sóviet Supremo de la Unión Soviética. Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS. En efecto, a pesar de su vocación innovadora mantuvo una buena  relación con el régimen soviético; y eso que su música fue considerada como reaccionaria en distintas ocasiones puesto que trataba de conjugar las tradiciones musicales rusas con las innovaciones que florecían en Occidente. Influído por Mussorgski, Prokofiev y Stravinski, además de Mahler y Hindemith, su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos de cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet.  

La Sinfonía n.º 7, “Leningrado”, que hoy ofrecemos, fue compuesta en 1941 en plena Segunda Guerra Mundial y dedicada a la ciudad que en esos días estaba asediada pos las fuerzas alemanas; se estrenó con gran éxito al año siguiente. La sinfonía consta de cuatro movimientos cada uno de los cuales tenía un subtítulo, aunque luego Shostakovich desistió de ponerlos. I Allegretto; II Moderato, poco allegretto; III Adagio; IV Allegro non troppo. La sinfonía pronto se convirtió en un símbolo de la lucha del pueblo soviético contra el fascismo.

Hoy la visionamos bajo la batuta de Marin Alsop (1956), violinista y directora de orquesta estadounidense y actualmente titular de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, lo que le ha convertido en ser la primera mujer que ocupa un puesto de este nivel en USA; es además, directora principal invitada de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo.


Federico Jusid (1973) es un pianista y compositor argentino que comienza sus estudios de piano a los siete años. Hijo de una actriz y un director de cine, aunó su vocación musical con su afición al cine escribiendo más de 40 bandas sonoras para cine y televisión, por las que ha sido galardonado con notables premios, además de numerosos arreglos de publicidad; todo ello sin olvidar la música de cámara, la música coral ni la música concertante. Mientras como pianista, ha ofrecido recitales en importantes salas de América, Europa y Asia.

La obra concertante Tango Rhapsody,  fue estrenada por el dúo de pianistas, que hoy aparecen en nuestro vídeo, Karin Kechner y Sergio Tiempo, dúo argentino especializado en tangos, y compuesta por otro compositor argentino, como es Federico Jusid para dos pianos y orquesta. Su música desprende imágenes tangueras mezcladas con sonoridades de Rachmaninoff, sentimientos íntimos con momentos de gran brillantez; música ofrecida hoy por los dos pianistas citados acompañados por la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela dirigida por el maestro venezolano Alfredo Rugeles.

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La obra concertante Tango Rhapsody,  fue estrenada por el dúo de pianistas, que hoy aparecen en nuestro vídeo, Karin Kechner y Sergio Tiempo, dúo argentino especializado en tangos, y compuesta por otro compositor argentino, como es Federico Jusid para dos pianos y orquesta. Su música desprende imágenes tangueras mezcladas con sonoridades de Rachmaninoff, sentimientos íntimos con momentos de gran brillantez; música ofrecida hoy por los dos pianistas citados acompañados por la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela dirigida por el maestro venezolano Alfredo Rugeles.


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Alice Coltrane (de soltera, Alice McLeod 1937 - 2007) fue una compositora, pianista, organista, arpista, y cantante estadounidense de jazz, fue una de las pocas personas que han empleado el arpa como integrante de bandas de jazz de la misma forma que Dorothy Ashby lo había hecho anteriormente, y Deborah Henson-Conant lo haría después. Alice nació en Detroit, Míchigan, en una familia interesada en la música. Fue la primera de los seis hijos que tuvieron Annie y Solon McLeod, su madre fue corista de iglesia y su medio hermano, Ernest Farrow, se convirtió en un bajista de jazz. Motivada por su padre, Alice empezó a tocar el órgano en la Iglesia Bautista Mount Olive y posteriormente en clubes de Detroit. Su interés en la música de góspel, clásica y jazz la llevó a la creación de su propio estilo innovador, llevándola de un estilo común de jazz hacia una visión más cósmica y espiritual. En 1965 se casó con John Coltrane formando parte de su cuarteto.


Julien Doré (1982) es un actor, compositor y cantante francés, ganador del programa de televisión Nouvelle Star de 2007, a partir de lo cual ha tenido una exitosa carrera musical con tres álbumes de estudio, Ersatz (2008), Bichon (2011) y Løve (2013), todos alcanzando los cuatro primeros lugares en la lista oficial de álbumes franceses. También ha obtenido éxitos en Bélgica y Suiza. En 2009, Doré grabó la canción Helsinki con la cantante francesa Mélanie Pain. Doré también colaboró con la cantante francesa Sylvie Vartan en el lanzamiento de su álbum de 2010, Soleil bleu.

Julien Doré (1982) es un actor, compositor y cantante francés, ganador del programa de televisión Nouvelle Star de 2007, a partir de lo cual ha tenido una exitosa carrera musical con tres álbumes de estudio, Ersatz (2008), Bichon (2011) y Løve (2013), todos alcanzando los cuatro primeros lugares en la lista oficial de álbumes franceses. También ha obtenido éxitos en Bélgica y Suiza. En 2009, Doré grabó la canción Helsinki con la cantante francesa Mélanie Pain. Doré también colaboró con la cantante francesa Sylvie Vartan en el lanzamiento de su álbum de 2010, Soleil bleu.


Kate Bush (1958) es una compositora, productora y cantante inglesa. A los 20 años realizó su debut con el sencillo Wuthering Heights que se colocó como número uno durante cuatro semanas en las listas musicales de Gran Bretaña y aún hoy día sigue siendo su sencillo más solicitado. De niña ingresó en  St. Joseph's Convent School donde estudió violín y piano; a los 16 años recibió clases de mimo, danza y piano y a los 19 años grabó su primer álbum. A los veinte años fue la artista femenina que más discos vendió en Reino Unido, Holanda , Bélgica, Nueva Zelanda y Australia y "top-ten" in Alemania, Francia, Brasil, Argentina, Sudáfrica, Dinamarca, Suecia y Finlandia. La publicación de discos desde entonces ha sido constante, pero exigente y sus éxitos continuados. En 2016 fue nominada al Mejor Álbum Pop Británico y Mejor Artista Femenina Británica.


Gozategi es un grupo de música vasca que alcanzó un gran éxito en el País Vasco con melodías de trikitixa en los años noventa. El grupo está formado por los hermanos Asier Gozategi y Ainhoa Gozategi y otros. El grupo Gozategi trajo un formato poco habitual en la trikitixa: el trío. Agregaron otro miembro al par tradicional de músicos de sonido y pandereta : el bajo y el de metales. Asier Gozategi (trikitixa y voz), Ainhoa Gozategi (pandereta y voz) e Iñigo Goikoetxea (bajo , metales) comenzaron a ofrecer romerías en 1992 con el nombre de Gozategi Anai-arrebak. Posteriormente, se convirtieron en Gozategi.

Elkar los presentó como representante de la nueva generación de trikitilaris , lanzando su primer disco: Gozategi( 1995 ). Destacó la juventud, frescura, vitalidad y color de la música del trío, y agregó que era "para oyentes jóvenes de todas las edades".

Ainhoa ( Elkar 1996), álbum que hoy ofrecemos,  fue su segundo disco y su mayor éxito concretamente con la canción Nirekin. Era una canción de verano de 1996 y el eslogan "emoixtaxux muxutxuek ..." se difundió de boca en boca.

Gozategi es un grupo de música vasca que alcanzó un gran éxito en el País Vasco con melodías de trikitixa en los años noventa. El grupo está formado por los hermanos Asier Gozategi y Ainhoa Gozategi y otros. El grupo Gozategi trajo un formato poco habitual en la trikitixa: el trío. Agregaron otro miembro al par tradicional de músicos de sonido y pandereta : el bajo y el de metales. Asier Gozategi (trikitixa y voz), Ainhoa Gozategi (pandereta y voz) e Iñigo Goikoetxea (bajo , metales) comenzaron a ofrecer romerías en 1992 con el nombre de Gozategi Anai-arrebak. Posteriormente, se convirtieron en Gozategi.

Elkar los presentó como representante de la nueva generación de trikitilaris , lanzando su primer disco: Gozategi( 1995 ). Destacó la juventud, frescura, vitalidad y color de la música del trío, y agregó que era "para oyentes jóvenes de todas las edades".

Ainhoa ( Elkar 1996), álbum que hoy ofrecemos,  fue su segundo disco y su mayor éxito concretamente con la canción Nirekin. Era una canción de verano de 1996 y el eslogan "emoixtaxux muxutxuek ..." se difundió de boca en boca.


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La zarabanda. Es una danza del barroco escrita en compás ternario en el que el segundo tiempo va frecuentemente ligado al tercero; en el caso presente, la última fracción del compás hay que entenderla como anacrusa del compás siguiente.


El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

La bella durmiente, uno de los ballets más representados del repertorio clásico, es un cuento de hadas/ballet estructurado en un prólogo y tres actos, cuya música la escribió Chaikovsky en 1889 con libreto y corografía de Marius Paipa, maestro del Ballet Imperial. Hoy ofrecemos una escena del segundo acto con Lauren Cuthbertson (1984), bailarina principal del Royal Ballet, como protagonista.

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Las Danzas Chinas tienen un amplio abanico de expresiones artísticas por sus coloridos, por sus estudiados movimientos, por sus orígenes tan diversos y por las circunstancias en la que se desenvuelven; se representan desde danzas populares hasta actuaciones de ópera y ballet, y pueden ser realizadas durante celebraciones públicas, rituales y ceremoniales. De los 56 grupos étnicos reconocidos oficialmente en China, cada grupo tiene sus propios bailes folclóricos y momentos de representarlos. Las danzas más importantes de los primeros tiempos fueron las danzas rituales y ceremoniales que han ido sobreviviendo en ceremonias confucianas; sin embargo, en la actualidad existe un resurgimiento y un movimiento de recuperación de danzas chinas tradicionales y de danzas adaptadas a nuestros tiempos como el vídeo que hoy presentamos en el que son de resaltar el colorido, la coordinación de movimientos corporales y la variedad de músicas y danzas. 

Creative National Dress Fashion Show Es una muestra de un desfile/danza de trajes nacionales de China bajo el soporte de un popurrí de música tradicional con la colaboración de distintos equipos de danza de adult@s y de niñ@s.


PDQ Bach es un compositor de ficción inventado por el satírico musical estadounidense Peter Schickele , quien desarrolló una carrera de cinco décadas interpretando las obras "descubiertas" del "único hijo olvidado" de la familia Bach . La música de Schickele combina parodias de la erudición musicológica, las convenciones de la música clásica y barroca y la comedia de payasadas . El nombre PDQ es una parodia de los nombres en tres partes que se dan a algunos miembros de la familia Bach que comúnmente se reducen a iniciales, como CPE para Carl Philipp Emanuel Bach; PDQ es el acrónimo de Pretty Damned Quick ("bastante rápido"). Schickele ofrece una biografía ficticia humorística del compositor según la cual PDQ Bach nació en Leipzig el 1 de abril de 1742, hijo de Johann Sebastian Bach y Anna Magdalena Bach; el vigésimo primero de los veinte hijos de Johann. También se le conoce como "el más joven y extraño de los veinte hijos de Johann Sebastian".  Murió el 5 de mayo de 1807, aunque sus años de nacimiento y muerte a menudo se enumeran en la literatura del álbum al revés, como "(1807-1742)?". Según Schickele, PDQ "poseía la originalidad de Johann Christian , la arrogancia de Carl Philipp Emanuel  y la oscuridad de Johann Christoph Friedrich."

Peter Schickele comenzó a trabajar en el personaje mientras estudiaba en el Aspen Music Festival and School y Juilliard y ha realizado una variedad de programas de PDQ Bach a lo largo de los años. El semanario The Village Voice menciona la yuxtaposición del collage , la bitonalidad , la sátira musical y el surrealismo orquestal en una "extraña corriente melódica de conciencia [...] En PDQ Bach ha trazado un mapa de un universo musical que todos sabían que estaba allí y que ningún otro tuvo las agallas (no simplemente el mal gusto) para explorar ".  A partir de 2012, Schickele había disminuido las giras debido a la edad. Realizó dos conciertos para conmemorar el 50 aniversario de su primer concierto en The Town Hall de Nueva York el 28 y 29 de diciembre de 2015 y continúa ofreciendo conciertos en vivo.

PDQ Bach es un compositor de ficción inventado por el satírico musical estadounidense Peter Schickele , quien desarrolló una carrera de cinco décadas interpretando las obras "descubiertas" del "único hijo olvidado" de la familia Bach . La música de Schickele combina parodias de la erudición musicológica, las convenciones de la música clásica y barroca y la comedia de payasadas . El nombre PDQ es una parodia de los nombres en tres partes que se dan a algunos miembros de la familia Bach que comúnmente se reducen a iniciales, como CPE para Carl Philipp Emanuel Bach; PDQ es el acrónimo de Pretty Damned Quick ("bastante rápido"). Schickele ofrece una biografía ficticia humorística del compositor según la cual PDQ Bach nació en Leipzig el 1 de abril de 1742, hijo de Johann Sebastian Bach y Anna Magdalena Bach; el vigésimo primero de los veinte hijos de Johann. También se le conoce como "el más joven y extraño de los veinte hijos de Johann Sebastian".  Murió el 5 de mayo de 1807, aunque sus años de nacimiento y muerte a menudo se enumeran en la literatura del álbum al revés, como "(1807-1742)?". Según Schickele, PDQ "poseía la originalidad de Johann Christian , la arrogancia de Carl Philipp Emanuel  y la oscuridad de Johann Christoph Friedrich."

Peter Schickele comenzó a trabajar en el personaje mientras estudiaba en el Aspen Music Festival and School y Juilliard y ha realizado una variedad de programas de PDQ Bach a lo largo de los años. El semanario The Village Voice menciona la yuxtaposición del collage , la bitonalidad , la sátira musical y el surrealismo orquestal en una "extraña corriente melódica de conciencia [...] En PDQ Bach ha trazado un mapa de un universo musical que todos sabían que estaba allí y que ningún otro tuvo las agallas (no simplemente el mal gusto) para explorar ".  A partir de 2012, Schickele había disminuido las giras debido a la edad. Realizó dos conciertos para conmemorar el 50 aniversario de su primer concierto en The Town Hall de Nueva York el 28 y 29 de diciembre de 2015 y continúa ofreciendo conciertos en vivo.


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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.