el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El 16 de Diciembre de 1770 nace Beethoven
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El catálogo de la obras de Beethoven. Existen 138 obras musicales compuestas por Beethoven, ordenadas por números conocidos como opus (“obra” en latín) o su abreviatura op., asignados por los editores del compositor mientras él vivía. Al margen, existen otras 205 obras que no tienen número de opus y que se publicaron después de la muerte del compositor. A estas obras se les asignaron números WoO (Werke ohne Opuszahl, "obras sin número de opus"). Este catálogo fue realizado por primera vez por Georg Kinsky y Hans Halm (Das Werk Beethovens) en 1955.
Bagatela (del italiano Bagatella) es una composición musical ágil y corta, sin mayores pretensiones, originaria del movimiento romántico y generalmente de carácter "meloso". El nombre bagatella significa literalmente "una composición instrumental corta y sin pretensiones" como referencia al estilo ligero de una pieza. Su forma suele ser A - B - A, con coda final. Aunque las bagatelas generalmente se escriben para piano solo, también se han escrito para piano a cuatro manos y otros instrumentos, incluso coros, no acompañados.
Para Elisa. La obra que hoy ofrecemos es una bagatela escrita para piano solo y una de las obras más populares de Beethoven. La partitura se dio a conocer 40 años después de su muerte tras encontrarse su manuscrito entre los papeles de una ex alumna. Parece ser que hubo una confusión debido a las dificultades de lectura que tenía el título y que en lugar de “Fur Elise”, lo que estaba escrito era “Fur Therese”; por lo que la obra debiera titularse Para Teresa.
Hoy la interpreta Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991. Comenzó a estudiar piano a los tres años matriculándose posteriormente en el Conservatorio de Kiev donde conoció a su marido Alexei Kuznetsoff, también pianista. Lisitsa ha buscado a su audiencia a través de su propio canal en You Tube para el que ha grabado multitud de interpretaciones, siendo en la actualidad la concertista clásica más vista en internet.
Chiari Margarita Cozzolani (1602-1676/8) nació en el seno de una familia adinerada y se cree que su educación musical se impartió a través de uno de los dos coros que actuaban para familias y dignatarios locales. A los 18 años se hizo monja e ingresó en el monasterio benedictino de Santa Radegonda en Milán. Su talento como compositora e intérprete era reconocido en la zona, convirtiendo el monasterio en uno de los principales atractivos musicales de la ciudad. Lamentablemente, algunas de las obras de Cozzolani se perdieron en la Segunda Guerra Mundial, pero de las que se conservan, es evidente que fue una compositora de gran talento, que compuso no solo obras espirituales, sino también profanas. Sus composiciones eran todas vocales, y abarcaban desde monodias solistas hasta vísperas a pleno pulmón. Lo que resulta tan impresionante, dado que pasó toda su vida adulta en un monasterio, es el profundo conocimiento y comprensión que demuestran sus obras de las técnicas compositivas contemporáneas. En la última etapa de su vida, Cozzolani compuso con menos frecuencia debido a sus funciones como priora y abadesa. Afortunadamente para nosotros, gracias a las publicaciones que realizó durante su vida, sus composiciones se conocieron fuera de su monasterio, por lo que han sobrevivido (en su mayoría) para que las disfrutemos.
Hoy nos complace dar la bienvenida de nuevo a la soprano Hilary Cronin, a la clavecinista Asako Ogawa y a la violonchelista barroca Jenny Bullock, a quienes se unen las violinistas Christiane Eidsten Dahl y Emma Lake. Video y audio: Ben Tomlin Productions. (Extractado del comentario del pie del vídeo)
Joly Braga Santos (Lisboa, 14 de mayo de 1924 - ibídem, 18 de julio de 1988) fue un compositor de música clásica y director de orquesta portugués. Estudió violín y composición en el Conservatorio Nacional de Lisboa, y fue discípulo de Luís de Freitas Branco, y tras la Segunda Guerra Mundial, estudió dirección de orquesta, fuera de su país con Hermann Scherchen y Antonino Votto, y composición con Virgilio Mortari. Su estilo musical evolucionó de una acusada tendencia modal en su juventud a un mayor cromatismo en su madurez. Escribió seis sinfonías, tres óperas, música de cámara para diversas agrupaciones de instrumentos, música cinematográfica y música coral sobre textos de diversos poetas portugueses y españoles, desde Luís de Camoens hasta Garcilaso de la Vega. En 1981 fue nombrado comendador de la Orden de Santiago de la Espada. Falleció de una apoplejía en 1988.
El Quinteto de viento es un grupo de cinco instrumentistas (mayormente flauta, oboe, clarinete, trompa y fagot). Al contrario que el cuarteto de cuerda, cuyo color sonoro es muy homogéneo, los instrumentos del quinteto de viento se diferencian entre ellos considerablemente por su timbre y técnica. El quinteto moderno surge del grupo patrocinado por José II de Habsburgo en el siglo XVIII en Viena: 2 oboes, 2 clarinetes, 2 trompas y 2 fagotes, hasta que los quintetos compuestos por Anton Reicha y por Franz Danzi establecieron definitivamente el género: flauta, oboe, clarinete, trompa y fagot. Aunque decayeron durante la segunda mitad del siglo XIX, recobró fuerza a partir del siglo XX.
Scherzino es la forma diminutiva de "scherzo" en italiano, que significa "juego", "broma" o "diversión". En música, un scherzo o scherzino es una sección o movimiento musical, generalmente en forma ternaria (ABA), caracterizado por un carácter rápido, vivaz y a menudo humorístico. Es similar a un allegro, pero con un carácter más juguetón y rápido.
Hoy ofrecemos el Scherzino del Quinteto de Joly Braga Santos en interpretación de Manuel Luís Cochofel (flauta), Frederico Fernandes (oboe), Paulo Bernardino (clarinete), Ricardo Conde (trompa) y Gonçalo Pereira (fagot).
John Philip Sousa (Washington, 6 de noviembre de 1854-6 de marzo de 1932), conocido popularmente como el Rey de las marchas, fue un compositor, marine y director musical estadounidense, particularmente conocido por sus composiciones de marchas militares. Nació en Washington, hijo de John Antonio Sousa (nacido en Sevilla de ascendencia portuguesa y de madre española), y María Elisabeth Trinkhaus (nacida en Fränkisch-Crumbach, Alemania).Aprendió a tocar el violín a los seis años y cuando cumplió trece, su padre, trombonista en la banda del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, lo enroló en esa institución armada como aprendiz. Al poco tiempo John se escapó de casa para ir a tocar en la banda de música de un circo. Finalmente sirvió en el Cuerpo de Marines durante 7 años, hasta 1875, aprendiendo a tocar todos los instrumentos de viento y manteniendo su conocimiento del violín. Varios años después, abandonó su aprendizaje para unirse a una orquesta de teatro. Allí aprendió a dirigir, y retornó a la Banda de la Infantería de Marina estadounidense como director en 1880. En 1892 formó su propia banda, la Sousa Band, con la que realizó numerosas giras por su país y por Europa. Sousa siempre evitaba dirigir su banda en transmisiones de radio, ya que estaba en desacuerdo con perder el contacto directo con su audiencia. En 1929 fue persuadido de hacerlo, y sus programas radiofónicos se convirtieron rápidamente en un éxito. Sousa está enterrado en el Cementerio del Congreso de los EE. UU., en Washington D. C.
The Washington Post es una marcha compuesta por John Philip Sousa en 1889. En 1889 los propietarios del diario The Washington Post encomendaron a John Philip Sousa, por entonces director de la Banda del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos la composición de una marcha para la ceremonia de entrega de premios de su concurso de obras musicales. La creación de Sousa, «The Washington Post March» fue presentada en la ceremonia del 15 de junio de 1889, y se convirtió en una pieza muy popular. El fenómeno llevó a un periodista británico a bautizar a Sousa como el «rey de las marchas». En el edificio de The Washington Post se honra a Sousa por su contribución al periódico y a Estados Unidos.
Esta conocida marcha está escrita con una estructura estándar: AABBCCDCDC, en un ritmo de 6/8, una adaptación del ritmo «two-step» propio de aquella época. Hoy nos la ofrece la University of Michigan Symphony Band conducida por el maestro Jason Fettig
Sugerencias de música clásica
El legado musical de Beethoven comprende 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música. Este legado, para entenderlo mejor, lo podemos dividir en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septeto, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”, la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis …
La Sinfonía n.º 9 en Re menor, op. 125, conocida también como «Coral», es la última sinfonía completa del compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y populares de la música y el arte. El último movimiento causó asombro en su época por la incorporación de un cuarteto de solistas vocales y coro mixto, cosa inédita en ese momento; movimiento, por otra parte, que se ha convertido en símbolo de la libertad. En 2001, la partitura original de la sinfonía se inscribió en el Registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO donde forma parte, junto con otros sobresalientes monumentos, de la herencia espiritual de la humanidad.
Estructura. La sinfonía tiene cuatro movimientos: I (0´06´´) ALLEGRO MA NON TROPPO, UN POCO MAESTOSO, en Re menor. La Sinfonía empieza de forma poderosa, con un tema principal que transcurre en escalas y variaciones trepidantes, con incisos más adelante para los momentos líricos, nuevamente interrumpidos por la intensidad titánica de la composición .-. II (14´50´´) SCHERZO. MOLTO VIVACE, en Re menor – PRESTO, en Re mayor. El segundo movimiento es calificado por algunos cronistas como «el infierno en llamas», por su contundencia y velocidad, suavizado majestuosamente en la recapitulación .-. III (26´41´´) ADAGIO MOLTO E CANTABILE, en Si bemol mayor – ANDANTE MODERATO – TEMPO PRIMO – ANDANTE MODERATO – ADAGIO – LO STESSO TEMPO. El tercer movimiento, aunque sosegado, conduce firmemente a lo que será el cuarto movimiento, que contiene una melodía fácilmente reconocible y mundialmente famosa y original de Beethoven .-. IV (39´13´´) FINALE. RECITATIVO (PRESTO – ALLEGRO MA NON TROPPO – VIVACE – ADAGIO CANTABILE – ALLEGRO ASSAI – PRESTO: O FREUNDE) – ALLEGRO ASSAI: FREUDE, SCHÖNER GÖTTERFUNKEN – ALLA MARCIA – ALLEGRO ASSAI VIVACE: FROH, WIE SEINE SONNEN – ANDANTE MAESTOSO: SEID UMSCHLUNGEN, MILLIONEN! – ADAGIO MA NON TROPPO, MA DIVOTO: IHR, STÜRZT NIEDER – ALLEGRO ENERGICO, SEMPRE BEN MARCATO: (FREUDE, SCHÖNER GÖTTERFUNKEN – SEID UMSCHLUNGEN, MILLIONEN!) – ALLEGRO MA NON TANTO: FREUDE, TOCHTER AUS ELYSIUM! – PRESTISSIMO, MAESTOSO, PRESTISSIMO: SEID UMSCHLUNGEN, MILLIONEN! PRESTO ALLEGRO TEMPO. El movimiento comienza con breves recapitulaciones de los movimientos anteriores,. Finalmente, el bajo irrumpe con una llamada: «Amigos, no en esos tonos...», tras lo cual suena la melodía basada en la oda, primero a través de la orquesta y luego con el coro. Al intervenir el coro, generalmente lo hace de manera homofónica. Constituye una grandiosa arquitectura musical con diversas texturas que van desde el recitativo a la doble fuga pasando por solistas, coro, etcétera.
Hoy nos la ofrecen la soprano Erin Wall, la mezzosoprano Sonia Prina, el tenor Simon O'Neill y el bajo Alexander Vinogradov con el Coro CBSO, el Coro Nacional de Gales de la BBC y la Orquesta Nacional de Gales de la BBC, tod@s ell@s conducid@s por la maestra china Xian Zhang.
Henry Purcell (1659-1695) está considerado como uno de los mejores compositores ingleses de la historia. Escribió todo tipo de obras corales e instrumentales, tanto sacras como profanas, entre las que brilla la ópera Dido and Aeneas. Tras la muerte de su padre y a instancias de su tío fue admitido como miembro del coro de la Capilla del Rey donde iniciaría sus primeros estudios. A los 17 años es nombrado ayudante organista de la Abadía de Westminster; a los 23, organista titular, momento a partir del cual y durante seis años sólo escribe obras sacras hasta que a partir de 1689 escribe distintas óperas. En su obra se aprecia la influencia francesa e italiana dentro de lo que sería un estilo propio de barroco británico. Muere a los 36 años en el cénit de su carrera.
El catálogo de las obras de Purcell comprende un total de 861 obras y fue realizado por Franklin B. Zimmerman, identificando sus obras con una Z.
Music for the Funeral of Queen Mary es una cantata fúnebre escrita por Purcell para el funeral de la reina María II de Inglaterra en marzo de 1695; la cantata está estructurada en siete movimientos: I (00:00) MARCHA EN DO MENOR .-. II (01:53) SENTENCIA FÚNEBRE «HOMBRE QUE NACE» .-. III (08:10) CANZONA .-. IV (09:03) ORACIÓN FÚNEBRE «EN MEDIO DE LA VIDA» .-. V (15:00) CANZONA .-. VI (17:08) ORACIÓN FÚNEBRE «TÚ CONOCES, SEÑOR, LOS SECRETOS DE NUESTRO CORAZÓN» .-. VII (19:11) MARCHA EN DO MENOR.
En el vídeo que hoy presentamos es el maestro Jean Tubery quien dirige el Ensemble La Fenice.
Béla Bartók (1881-1945) pianista y compositor húngaro que investigó profusamente el folklore de su país; fue uno de los fundadores de la etnomusicología. A los cinco años comenzó sus estudios musicales con su madre, profesora de piano; a los once años dio su primer concierto con una obra de Beethoven y otra propia compuesta dos años antes. Al poco, la familia se trasladó a Pozsony donde conoció a Ernő Dohnányi. Juntos se trasladan a Budapest donde estudia composición además de proseguir con sus estudios de piano; conoce a Zoltán Kodály con quien realizará un estudio profundo del folklore húngaro (llegó a recopilar millares de canciones de boca de los campesinos), que lo aplicará a sus propias composiciones. Escribió música para piano, música de cámara, dos cantatas, un Concierto para Orquesta, dos rapsodias para violín y orquesta, dos conciertos para violín y uno para viola, tres conciertos para piano, una ópera y dos ballets.
Hoy ofrecemos su Concierto para dos pianos , percusión y orquesta estructurado en tres movimientos: I (0´10´´) ASSAI LENTO - ALLEGRO MOLTO .-. II (13´55´´) LENTO, PERO NO DEMASIADO .-. III (20´08´´) ALLEGRO NO DEMASIADO.
Dicho concierto está conducido por Vladimir Jurowski (1972) director ruso hijo del director Michail Jurowski y hermano del director Dimitri Jurowski. El director de hoy, Vladimir, comenzó sus estudios en Moscú hasta que, en 1990, su padre por motivos profesionales hubo de trasladarse a Alemania con toda la familia; en Dresde y Berlin completó sus estudios de composición y dirección. En 1997 entra a formar parte de la Ópera Cómica de Berlín como director asistente y al año siguiente como director principal. En 2007 es nombrado director principal de la Filarmónica de Londres. En la actualidad es el titular de la Sinfónica de Radio Berlín.
La música de Punjab refleja las tradiciones de la región asociadas con el idioma punjabi . Actualmente, Punjab se divide en dos partes: Punjab Oriental , en la India y Punjab Occidental , la provincia más poblada de Pakistán . El Punjab cuenta con diversos estilos musicales , que abarcan desde el folk y el sufí hasta la música clásica , en particular el Patiala gharana . La música punjabi contemporánea tiende a incluir sonidos más modernos de hip-hop y R&B . Si bien este estilo musical es, obviamente, más popular en Punjab, ha alcanzado popularidad en todo el subcontinente y en zonas con una gran población de diáspora punjabi , como Canadá, el Reino Unido y Estados Unidos.
Dolly Guleria es una reconocida cantante de música folclórica de panyabí, nacida en Bombay, India, el día del Baisakhi, según el calendario tradicional; es hija de Surinder Kaur, una cantante popularmente conocida. A la edad de cinco años, Dolly aprendió la música de Manipuri y Bharat Natyam, en el Triveni Kala Sangam, en Delhi y comenzó su formación en música clásica cuando tenía siete años de edad, en el Gandharva Maha Vidyalaya Delhi, donde también aprendió la danza de 'Kathak'. Interpretó su primera canción en solitario en el All India Radio en 1967, como una cantante aficionada en Punjabi. En 1970 se casó y se convirtió en madre, teniendo una hija y dos hijos; después de establecerse con su maternidad, es alentada por su esposo para continuar su formación de música clásica para aplicar la misma técnica del canto clásico y popular.
Sunaini Sharma pertenece a la tercera generación de músicos: su madre es Dolly Guleria y su abuela, la reconocida cantante punjabí Surinder Kaur, también conocida como el "Ruiseñor del Punjab". Es investigadora independiente, etnomusicóloga y conservacionista cultural . Sunaini tiene una maestría en Literatura Inglesa de la Universidad Panjab de Chandigarh y un MBA en Recursos Humanos.
Sugerencias de música para todos los gustos
La Salsa es un género musical bailable resultante de la síntesis del son cubano y otros géneros de música caribeña y estadounidenses como el jazz y el blues. La salsa se consolidó como un éxito comercial por músicos de origen puertorriqueño en Nueva York en la década de 1960, y por la labor de quien fue su principal armador, el dominicano Johnny Pacheco, si bien sus raíces se remontan a décadas anteriores en países de la cuenca del Caribe. Finalmente, la salsa se extendió por toda Latinoamérica, dando lugar a abundantes variantes regionales. A pesar de todo, aunque el son cubano es la espina dorsal de la salsa, el elemento fundamental en el surgimiento de la salsa es el papel de los músicos puertorriqueños y su cultura, tanto en la isla de Puerto Rico como en su diáspora neoyorquina.
En el presente vídeo Kyle Johnson nos ofrece un arreglo, versión salsa, del primer Movimiento de la Quinta de Beethoven.
Maider Zabalegi Galardi (nacida en Oiartzun, Gipuzkoa) es una cantante y compositora vasca. A los 14 años formó un dúo de trikitilaris con Alaitz Telletxea, llamado Alaitz eta Maider, que a finales de los 90 obtuvo un gran éxito. Publicaron tres discos hasta que en 2004 se despidió de los escenarios. Después de una década, en el año 2017 ha iniciado un nuevo proyecto y en marzo lanzó su primer disco, Zuei.
En 2019 publicó su segundo disco, Bidean, que hoy ofrecemos: 1 (0´00´´) Lanbrotuta .-. 2 (2´46´´) Agurra .-. 3 (6´45´´) Akotz.-. 4 (10´45´´) Soinu txikia .-. 5 (14´35´´) Bidezidorrean .-. 6 (17´52´´) Zirrara .-. 7 (21´15´´) Haur motxiladunei .-. 8 (23´47´´) Hemen ez bada, han .-. 9 (27´29´´) Min bizi.
Eric Clapton (Ripley, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues británico, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica cuando estaba en la mítica banda de rock inglesa Cream. Apodado Slowhand («mano lenta») es miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll por partida triple: como miembro de The Yardbirds y de Cream y por su carrera como solista. En opinión de muchos críticos, ha sido uno de los artistas de la cultura de masas más respetados e influyentes de la historia.
Aparece en el puesto número 2 de la lista de «Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos» de la revista Rolling Stone y en el puesto número 55 de su especial «Inmortales: los 100 artistas más grandes de todos los tiempos». Además, en 2005 la revista Guitar World incluyó cinco de sus canciones entre los mejores solos de guitarra de todos los tiempos. Algunos de sus mayores éxitos han sido los temas «Layla» de su época con Derek and the Dominos, Sunshine of Your Love con Cream; Tears in Heaven, dedicada a su hijo fallecido Conor que compuso con Will Jennings y For Your Love con The Yardbirds, su primer gran éxito.
Nicki Nicole (Rosario, 25 de agosto de 2000), es una cantante y compositora argentina de rhythm and blues, hip-hop, reguetón y pop urbano. Nació en la ciudad de Rosario, Santa Fe, en el seno de una familia de clase media (tiene dos hermanos y una hermana, ella es la menor de todos), de ascendencia italiana, manifestando interés por la música desde temprana edad. En 2019, saltó a la fama con el sencillo «Wapo traketero», logrando obtener millones de reproducciones en YouTube en un corto período de tiempo después de ser publicado. La canción se convirtió en un fenómeno viral, logrando ingresar en la lista «Argentina Hot 100» de Billboard. En agosto de ese mismo año terminó ganando más reconocimiento a nivel nacional e internacional con la publicación de su sesión de música junto al productor Bizarrap.
En noviembre de ese año, lanzó su primer álbum de estudio Recuerdos, con canciones como «Años luz», «Shorty», «Plegarias», entre otras. En 2020, colaboró junto con Trueno y Bizarrap en el sencillo «Mamichula», el cual conseguiría más de cuatrocientos millones de reproducciones en la plataforma YouTube. Al año siguiente, publicó su segundo álbum de estudio, Parte de mí. En mayo del 2023, publicó su tercer álbum denominado Alma, el cual tiene colaboraciones con cantantes como Young Miko, Rels B, YSY A y Milo J. En su gira internacional se presentó en varios países como, Marruecos, España y USA, entre otros. En noviembre del 2024 público su cuarto álbum denominado «Naiki», el cual habla sobre su vuelta a sus comienzos en la música. Éste tiene colaboraciones con Duki y Khea. Afirma que tiene muy claro que es gracias a mujeres que en el pasado abrieron el camino para que las consideren y les dieran la misma atención que a los hombres.
Sugerencias de videos peculiares
Macedonia es un lugar fundamental y muy potente dentro de la música balcánica, la cual está muy influenciada por el pasado bizantino y otomano además de la extraordinaria mezcla del resto de nacionalidades. Junto con Grecia y Bulgaria es uno de los países con mayor variedad rítmica de Europa, especialmente en la utilización de los ritmos de amalgama; todo ello reflejado en su increíble música folclórica y sus danzas. Estos patrones suelen subdividirse grupos de dos y tres pulsos; por ejemplo, un patrón de 7/8 puede estar dividido en 3-2-2, en 2-2-3 o en 2-3-2. En el mejor de los casos el pulso está en corcheas, porque muchas veces se duplica el tempo y hay que contarlo en semicorcheas, es decir en el caso del 7, sería un 7/16, lo que dificulta todavía más la percepción del ritmo. (Extractado de un artículo de Mucume)
Igor Moiseyev (1906-2007) fue un coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios en el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente el Ballet Igor Moiseyev es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares con el academicismo del ballet clásico.
Gerónimo Giménez (Sevilla, 1854 – Madrid, 1923) fue un compositor y director de orquesta español, que se dedicó fundamentalmente a la composición de zarzuelas, dejando títulos destacados como La tempranica o La boda de Luis Alonso. Se inició con su padre en los estudios musicales y después continuó en Cádiz, con Salvador Viniegra. Fue un niño prodigio, que a los 12 años ingresó como primer violín del Teatro Principal de Cádiz. Con 17 años ya era director de una compañía de ópera y zarzuela y fue becado para estudiar violín y composición en París . En 1885 se le nombró director del Teatro Apolo de Madrid; poco después, director del Teatro de la Zarzuela y más tarde, director de la Sociedad de Conciertos, cargo que ocupó durante 12 años. Murió en Madrid, el 19 de febrero de 1923.
La Boda de Luis Alonso (o La noche del encierro) es un sainete lírico (zarzuela en un acto) dividido en tres cuadros, en verso, con música de Gerónimo Giménez y libreto de Javier de Burgos y Larragoiti. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 27 de enero de 1897.
Su Intermedio instrumental es probablemente el más popular de la zarzuela. Hoy nos lo ofrece el Ballet Alhambra en versión coreografiada.
El maculelé es una danza de palos folclórica de origen afro-brasileño, donde un número de personas se reúnen en un círculo llamado la roda. Se necesitan unos palos llamados grimas y unas faldas hechas de hierbas secas. Para bailar se forma un círculo de personas; cada persona porta un par de palillos largos, hecho tradicionalmente de la madera del biriba del Brasil; la gente en el círculo comienza a chocar los palos entre sí rítmicamente; el líder canta y la gente en el círculo responde cantando al estribillo de las canciones. El líder da la señal de comienzo de la danza. Parece que el origen de la danza comienza en la era de la esclavitud de Brasil, donde los esclavos de las plantaciones de la caña de azúcar recolectaban y bailaban el maculelé para expresar su cólera y frustración de ser esclavos.
Las Criaturas de Prometeo de Beethoven es un ballet en dos actos estrenado en 1801 y considerado como el primer ballet dramático a gran escala. El argumento es obra de Salvatore Viganò (1769-1821), bailarín y poeta, y trata sobre Prometeo, semidiós de espíritu sublime que regeneró la raza humana a través de las ciencias y las artes; como protector de la civilización humana, robó el fuego a los dioses para traerlo desde el monte Olimpo a la tierra.
La versión de hoy nos la ofrece el Centro de Danza de Praga con la Filarmónica de Cámara de Smíchov.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
