el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El 20 de Marzo comienza la Primavera en el hemisferio norte
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.
Las Cuatro Estaciones son un conjunto de cuatro conciertos (Rápido-Lento-Rápido) para violín, que en su estreno adjuntó un folleto explicativo similar a lo que entendemos como música programática. Hoy ofrecemos el Concierto Primavera con Julia Fisher como solista.
Primavera. Esto es lo que decía el folleto que nos puede servir de guía de la audición: “I (0´20´´) ALLEGRO “Llegó la primavera y festejándolo la saludan los pájaros con alegre canto y las fuentes con el soplo de los cefirillos. Con dulce murmullo discurren entretanto: Vienen cubriendo el aire con negro manto, rayos, y truenos, elegidos para anunciarla. Callando así éstos, los pajarillos; vuelven otra vez a su canoro encanto”. II (3´43´´) LARGO E PIANISSIMO SEMPRE. “Y así, sobre el florido y ameno prado, al caro murmurar de bosques y plantas duerme el cabrero con el fiel perro al lado”. III (6´38´´) ALLEGRO PASTORALE “De la pastoral zanfoña al son festejante danzan ninfas y pastores en el techo amado a la brillante llegada de la primavera”.
I musici es una orquesta de cámara italiana con sede en Roma fue compuesta por seis violines, dos violas, dos violonchelos, un contrabajo y un clavecín. Este conjunto fue formado en 1952 e integrado por virtuosos instrumentistas; fue deliberadamente creado sin un director para resaltar la libertad individual de cada miembro. Su repertorio está formado en su gran mayoría por obras del barroco italiano, donde destacan sus interpretaciones de Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi. Con más de 60 años de historia ininterrumpida, son actualmente el conjunto de cámara más antiguo en activo. Arturo Toscanini afirmó que eran la mejor orquesta de cámara del mundo tras asistir a uno de sus ensayos.
Teresa Carreño (Caracas, 22 de diciembre de 1853-Nueva York, 12 de junio de 1917) fue una pianista, mezzosoprano y compositora venezolana. Ha sido calificada por varios expertos como la principal pianista de América Latina de los siglos XIX y XX, así como una de las pianistas más importantes del mundo. A lo largo de su carrera, se convirtió en una pianista virtuosa de renombre internacional y a menudo se la conocía como la «Valquiria del piano». Fue una de las primeras en adoptar las obras de uno de sus estudiantes, el compositor y pianista estadounidense Edward MacDowell (1860-1908) y estrenó varias de sus composiciones en todo el mundo. También interpretó con frecuencia las obras del compositor y pianista noruego Edvard Grieg (1843-1907). Carreño compuso aproximadamente 75 obras para piano solo, voz y piano, coro y orquesta, y conjunto instrumental. Vari@s compositoras/es dedicaron sus composiciones a Carreño; entre ell@s, Amy Beach (el concierto para piano).
La Primavera. Esta obra, bajo la forma de vals de salón, es una de sus piezas más representativas. Es un vals con carácter elegante y refinado, que muestra tanto la influencia de los valses vieneses como su propio estilo. El título sugiere evocación de la estación, de la luz, de algo de renovación, de frescura; es una pieza más lírica, menos dramática que sus elegías o piezas más sombrías. La Primavera ha sido grabada por pianistas modern@s y forma parte de recopilaciones de su obra para piano. Se la reconoce por su belleza melódica, por su gracia, y por los pasajes en los que la armonía se enriquece y en los que la ornamentación pianística brilla con sutileza.
Ottorino Respighi (1879 - 1936) fue un compositor, director de orquesta y musicólogo italiano. Con su padre comenzó los estudios de piano y violín para proseguirlos en el Liceo Musicale de Bolonia, además de composición y estudios históricos de la música antigua. En 1900, aceptó el papel de violista principal en la orquesta del Teatro Ruso de San Petersburgo, donde conoció a Rimsky-Korsakov, con quien estudió orquestación durante cinco meses, al cabo de los cuales regresó a Bolonia. En 1913, fue nombrado profesor de composición del Conservatorio di Santa Cecilia de Roma, cargo que ocupó el resto de su vida. Escribió obras para piano, guitarra, violín y piano, variados conjuntos de cámara, numerosa música sinfónica, música coral, ocho óperas y cinco ballets.
El "Trittico Botticelliano" es una obra de Respighi, escrita en 1927 y articulada en tres movimientos (I La Primavera, II La Adoracion de los Magos, III El Nacimiento de Venus) inspirados en pinturas del renombrado pintor renacentista Sandro Botticelli. La obra refleja el estilo característico de Respighi, con una orquestación rica y colorida, y un fuerte sentido del impresionismo italiano; y es que Respighi, además de compositor, fue un erudito en música antigua; en esta obra fusiona la sensibilidad renacentista con el lenguaje orquestal moderno de principios del siglo XX. El Trittico Botticelliano fue compuesto durante su período más maduro y refleja su fascinación por el arte visual y la historia cultural de Italia.
La Primavera es el primero de los tres movimientos del tríptico, cuya música fresca, vivaz y pastoral nos evoca la llegada de la Primavera, con melodías ligeras, texturas floridas y un ambiente bucólico. Respighi usa ritmos danzantes y motivos que recuerdan a la música del Renacimiento; todo ello dentro de un estilo impresionista muy influido por Debussy y Ravel, aunque con el inconfundible color orquestal de Respighi.
Hoy la Orquesta de la Fundación Prometheus (Argentina) conducida por el maestro italiano Giovanni Panella nos ofrece el presente vìdeo de la obra.
Estitxu, nacida el 4-6-44 en Beskoitze (Briscous), Lapurdi (País Vasco francés) y fallecida en Bilbao el 24-2-93, fue hija de Manuel Robles‑Arangiz, político nacionalista vasco exiliado y fundador del sindicato ELA. Estitxu, benjamina de once hermanos, fue una cantante que tuvo tres ejes principales en su quehacer existencial: el canto, la risa y Euskal Herria. Con su inseparable guitarra, Estìbaliz Robles Aranguiz fue una cantante sobresaliente de la nueva canción vasca en los años 60 y 70, cantante que cosechó un enorme éxito tanto en Euskadi, como en Venezuela, Mèxico o Paris en un contexto en el que cantar en euskera no era nada fácil y en el que tuvo que superar durante años la censura impuesta por el franquismo; a pesar de lo que consiguió muchas veces ser invitada a las televisiones de Francia y de Sudamérica, gracias a sus cualidades artísticas y personales.
Udaberria es una canción esperanzadora, que alude al renacer y al florecer de la primavera después de un crudo invierno (una metáfora común en la canción vasca para referirse a los ansiados momentos de cambio y renovación política, social y cultural). El estilo musical encaja con la canción vasca de los años 60‑70: denuncia de la dictadura y uso del euskera; todo ello anunciado, en este caso, con una voz limpia y cristalina y con arreglos sencillos del acompañamiento de la guitarra, con influencias folk, dado que Estitxu combinaba lo emotivo con lo reivindicativo y lo intimista con lo comunitario.
Sugerencias de música clásica
Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríaco, cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1810). Con seis años de edad comenzó sus estudios de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde recibió clases de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerdas y de la sinfonía; mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven.
El catálogo de las obras de Haydn. Las obras de Joseph Haydn están clasificadas hoy día según el sistema creado por Anthony van Hoboken. Cada obra se identifica con una cifra romana que corresponde a la categoría, que en la mayoría de los casos se asocia con un género. Algunas categorías tienen subdivisiones, cosa que se indica con una letra minúscula y a continuación aparece un número arábigo que se corresponde con el orden de la obra concreta dentro de la categoría. Estas cifras van precedidas de la palabra Hoboken (en memoria del autor del catálogo) y a veces de Hob (su abreviatura).
Die Jahreszeiten (Las Estaciones) Hob. XXI. 3 Para escribir este Oratorio Haydn se vio impulsado por el gran éxito de su anterior Oratorio, La Creación (1798), que se había vuelto muy popular y se estaba representando en toda Europa. Al igual que La Creación, Las Estaciones fue concebida como una obra bilingüe; dado que Haydn era muy popular en Inglaterra (especialmente después de sus visitas allí en 1791-1792 y 1794-1795), deseaba que la obra se pudiera interpretar tanto en inglés como en alemán, por lo que Haydn tardó dos años en completar el trabajo. The Seasons (Las Estaciones) está escrito para una orquesta bastante grande, un coro que canta principalmente a cuatro voces y tres solistas vocales: lo mismo que en La Creación. El oratorio se divide en cuatro partes: I Primavera, II Verano, III Otoño y IV Invierno, con los habituales recitativos , arias , estribillos y números de conjunto.
Primera Parte: "Primavera". Esta sección representa el despertar de la Naturaleza después del invierno. Tiene un tono alegre y pastoral, que comienza con una obertura animada que representa la salida del invierno y el renacer del mundo natural. Se escuchan pájaros cantando, ríos descongelados, y flores floreciendo, todo pintado con los distintos colores orquestales con los que imita sonidos naturales como el canto del cuco, el murmullo de arroyos, etc. En su desarrollo tiene partes para solistas (soprano, tenor, bajo) que representan personajes campesinos, y coro que canta sobre la renovación de la vida; todo ello dentro de un equilibrio entre lo solemne y lo alegre y con momentos muy descriptivos y vivaces.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
La Sonata en un principio era una composición de varias secciones (generalmente tres o cuatro) escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser “cantada” por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) su definición se ajusta a una obra estructurada generalmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido) y a veces cuatro, con una pequeña introducción o sin ella. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) exposición de los dos temas principales y contrastantes, b) desarrollo de ambos temas, c) reexposición o recapitulación. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de las sonatas, cuartetos, sinfonías y conciertos.
La sonata para violín y piano n.º 5 en fa mayor, Op. 24, conocida como "Primavera" o en alemán "Frühling", es una pieza camerística compuesta por Ludwig van Beethoven en 1800 y publicada en 1801. La partitura está dedicada al conde Moritz von Fries. El sobrenombre Primavera surgió más tarde y pretende describir el carácter de la pieza. La composición de la Sonata para violín n.º 4 Op. 23 y de la n.º 5 Op. 24 se desarrolló al mismo tiempo desde el verano de 1800 hasta principios de 1801. Bocetos de los dos primeros movimientos del Op. 23 se encuentran mezclados con esbozos del Op. 24. Durante los primeros años del nuevo siglo Beethoven se volvió cada vez más impaciente con aquellos que no podían seguir el ritmo de sus ideas, entre ellos Joseph Haydn que había sido su maestro. Las crecientes demandas sinfónicas de Beethoven, le hace pasar de la forma concertante en tres movimientos a los cuatro de la forma sinfónica. Fue la primera de las sonatas para violín en romper con el patrón clásico de sonata en tres movimientos, aunque fue una ruptura tímida ya que el nuevo Scherzo apenas dura más de un minuto. La obra rompe con el siglo XVIII en otros aspectos, sobre todo en el lirismo desenfadado que impregna cada movimiento
Estructura. La sonata consta de cuatro movimientos: I (1`00``) ALLEGRO. Está escrito en la tonalidad de Fa mayor, en compás de 4/4 y sigue la forma sonata. Se abre con el lírico tema principal de cuatro compases cantado por el violín sobre un delicado acompañamiento del teclado. El segundo grupo temático es más turbio y agitado, determinado por el acompañamiento de acordes golpeando en el piano y las notas del violín. Esta sensación persiste en el siguiente pasaje a través de apretados acordes menores y ritmos sincopados. Pronto vuelve la suave luz del sol con la ondulada melodía inicial. En el desarrollo, Beethoven como es habitual, presta la misma atención a todos sus temas. Le sigue una transición a la reexposición, que comienza el piano con la melodía del tema principal. Una frase secuenciada que consta del material motívico del tema principal conduce al cierre .-. II (11`50``) ADAGIO MOLTO ESPRESSIVO. El movimiento lento cambia a un ambiente profundamente reflexivo. El piano presenta la nostálgica melodía sobre la que el violín hace pequeñas intervenciones para meditar unos instantes. Después, los dos instrumentos entablan un suave diálogo basado en este tema. Conforme avanza el movimiento el violín va adquiriendo un papel más secundario. El delicado tema guarda relación con el tema principal del Allegro inicial, que se expresa en el carácter así como en la progresión melódica .-. III (18` 09``) SCHERZO: ALLEGRO MOLTO. El tercer movimiento retoma la tonalidad inicial, en compás de 3/4 y adopta una forma ternaria de scherzo y trío. El escueto movimiento empieza y termina con una breve melodía de parada y arranque, en la que el violín está intencionadamente desincronizado con el piano. Ni siquiera la nota final la tocan a la vez. En la parte central hay un fugaz pasaje para ambos instrumentos .-. IV (19`31``) RONDO: ALLEGRO MA NON TROPPO. El cuarto y último movimiento sigue en la tonalidad inicial, el ritmo es alla breve y responde a la forma rondó (ABACADA'BA' y Coda). Su duración es similar a la del primer movimiento. El inicio recuerda al estilo mozartiano o más bien cortesano. El estribillo del rondó se repite en diversas variantes, aunque nunca se altera significativamente. Entremedias hay pasajes en modo menor de cierta agitación y modesto dramatismo, aunque al final se impone la luminosa disposición del tema principal.
La Sonata de hoy nos la ofrece la virtuosa violinista alemana Anne.Sophie.Mutter acompañada al piano por su fiel compañero estadounidense Lambert.Orkis.
Claude Debussy (1862-1918) fue un compositor francés considerado como el primer compositor del Impresionismo. En 1884, con la cantata L'enfant prodigue ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Premio de Roma. De vuelta a París le impresionó la ópera Tristán e Isolda de Wagner, “lo mejor que he escuchado”. Posteriormente se dejaría influenciar por las estructuras de la música javanesa, por la libertad armónica de Rimski-Korsakov y por Erik Satie, afín a sus planteamientos. En 1894 estrenó su Prélude à l'après-midi d'un faune; cuatro años más tarde es cuando alcanzó su fama internacional con su única ópera conclusa Pelléas et Mélisande; tenía entonces 37 años. En la actualidad, Debussy está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX.
El impresionismo musical surge a partir de la idea de expresar las ideas de una manera insinuada. Sus características principales son: A) Un tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete. B) Utilización de los modos griegos, introduciendo numerosas variaciones, e incluso inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta, de Claude Debussy); también es muy frecuente encontrar escalas propias de diferentes etnias (como en el tercer movimiento de Ma mère l'oye de Maurice Ravel). C) Experimentar con el timbre, convirtiendo a éste en uno de los factores más importantes de la música impresionista. Claude Debussy junto con Maurice Ravel y Erik Satie son sin duda los autores impresionistas más notorios.
Printemps (Primavera) es una suite sinfónica escrita por Claude Debussy cuando tenía unos 25 años, mientras estudiaba en la Villa Medici en Roma tras ganar el prestigioso Prix de Rome. La obra originalmente fue escrita para piano a cuatro manos y coro, aunque la partitura original se perdió. En 1912, la obra fue reconstruida y orquestada por Henri Büsser, con base en los bocetos de Debussy, y es esta versión la que se interpreta hoy en día. Aunque su estilo no es tan radical como en sus obras posteriores, en Printemps ya muestra el uso de armonías ambiguas, colores orquestales y una sensibilidad más evocadora que estructurada. Debussy dijo que intentó retratar “las distintas fases de la Naturaleza durante la primavera”: desde el renacer de la vida hasta el clímax de la energía vital y explicó que con Printemps no intentaba imitar sonidos naturales directamente (como los pájaros o el viento), sino capturar la esencia emocional de la primavera: el despertar de la naturaleza, el entusiasmo vital, el color, la luz. Printemps es una obra temprana de Debussy que prefigura su estilo impresionista, aunque todavía contiene elementos del romanticismo tardío; es una composición rica en atmósfera y color, más centrada en evocar sensaciones que en seguir formas musicales estrictas.
La obra esta articulada en dos movimientos: I (0`38``) TRÈS MODÉRÉ .-. II (9`28``)MODÉRÉ y hoy nos lo ofrece la Orquesta Nacional de Francia conducida por el maestro francés Emmanuel Krivine
Kai-Yue Chen es un percusionista talentoso, que nació en Taipéi, Taiwán, en 1970. Como percusionista, ha viajado con orquestas de pareja (orquestas de baile) y de viento por Estados Unidos, Sudáfrica y países asiáticos. También es un compositor virtuoso; sus obras han sido interpretadas y galardonadas tanto en Taiwán como en el extranjero. “Nébuleuse” le valió el premio del IXeme Concours International de Composition Musicale de Besançon pour Orchestre Symphonique, convirtiéndose en el primer compositor taiwanés en recibir este galardón. Chen se graduó de la Universidad Nacional Normal de Taiwán con un título en composición musical. En 1995, continuó sus estudios en Francia y, en dos años, obtuvo el certificado y el diploma superior de composición musical de la Escuela Normal de Música de París. Posteriormente, en 1999, obtuvo el diploma de director musical del Conservatorio Nacional de la Región de Dijon en reconocimiento a su excelente expediente académico.
Hoy ofrecemos este Quinteto para marimba y cuarteto de cuerda, Spring Rain, en versión de Li-Ting Chiu, acompañada por el Yeeyoo Chamber Ensemble.
Sugerencias de música para todos los gustos
Joan Baez (1941) es una cantante, compositora y activista estadounidense, cuya música folk contemporánea incluía a menudo canciones protesta o de justicia social. Caracterizada por una voz potente, aguda y con un vibrato sabiamente controlado, fue una de las mayores figuras de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor de la Guerra de Vietnam. Su repertorio, no obstante, abarca también lo tradicional, el country y el pop rock, además de ser compositora. Comenzó su carrera musical en 1960 y logró un éxito inmediato. Sus tres primeros discos, Joan Baez, Joan Baez Vol. 2 y Joan Baez in Concert, fueron certificados como discos de oro. En sus actuaciones profesionales mostró su compromiso en los campos de la no violencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio ambiente.
Armando Manzanero (1935- 2020), fue un compositor, cantante, actor, músico y productor discográfico mexicano, considerado por parte de especialistas, prensa y músicos como uno de los compositores mexicanos más exitosos de la historia. Escribió más de cuatrocientas canciones, de las cuales más de cincuenta han alcanzado fama internacional, como «Somos novios», «Esta tarde vi llover», «Contigo aprendí» y «Adoro». Sus temas le valieron el seudónimo de Rey del Romanticismo y fueron interpretados por múltiples estrellas internacionales. Fue acreedor de un premio Grammy a la carrera artística, participó en numerosos programas de radio y televisión, grabó más de treinta discos y musicalizó numerosas películas.
Elissa (1972) nacida en Líbano de padre libanés y madre siria, es una de las cantantes árabes más reconocidas. Empezó su carrera artística muy joven, participando en teatro antes de dedicarse plenamente a la música. Comenzó su carrera a los 20 años ganando la medalla de plata del concurso libanés LBC; después, en 1998, lanzó el sencillo Baddi Doub, música árabe fusionada con flamenco, cuyo éxito le llevó a participar en el Festival de Cannes del 2000. Ha recibido importantes reconocimientos en Hollywood, Londres y en el mundo árabe y a lo largo de su carrera ha vendido más de 30 millones de álbumes y es una de las artistas femeninas árabes más exitosas. Su estilo es mayormente pop árabe romántico, con letras que remiten al amor, el desamor y las emociones profundas, lo que le valió el apodo de «reina de las emociones». Es una cantante que ha sabido fusionar elementos árabes tradicionales con sonidos más contemporáneos, lo que le ha permitido conectar con audiencias diversas.
Mark Forster (Kaiserslautern, Alemania 11 de enero de 1983), nacido como Mark Ćwiertnia, es un cantante y compositor alemán de ascendencia polaca. Creció en Winnweiler, Kaiserslautern; luego se mudó a Berlín donde desarrolló una carrera como cantante, compositor, pianista, compositor de jingles para televisión incluyendo para el show Krömer – Die Internationale Show, Entre el año 2007 y 2010, actuò junto al actor y comediante Kurt Krömer como pianista acompañante. En 2006, Forster se unió a la banda Balboa como su líder. También estuvo en "Kröm De La Kröm" junto al músico Mitumba Lumbumba y en 2010 firmó con el sello discográfico alemán Four Music donde lanzó sus álbumes Karton en 2012. El álbum fue producido por Ralf Christian Mayer y coproducido por Sebastian Böhnisch y grabado en Alemania, Francia y España. Realizó una gira a partir de febrero de 2012 con Laith Al-Deen y promocionó su álbum. En noviembre de 2013, apareció en el éxito del rapero Sido, "Einer dieser Steine", cantando en el coro. Un éxito aún mayor para Forster fue "Au revoir", esta vez con papeles invertidos (Forster aparece como artista principal y presenta a Sido). Este sencillo es un preludio del exitoso álbum "Bauch und Kopf" en 2013. El álbum obtuvo la certificación de oro e incluyó el ahora exitoso "Au revoir" y otros dos sencillos de seguimiento, "Flash mich" y la canción principal "Bauch und Kopf", la última de las cuales ganó el Bundesvision Song Contest 2015.
Sugerencias de videos peculiares
Artes marciales chinas. A lo largo de los siglos en China se han desarrollado cientos de estilos de lucha que tienen sus propias escuelas de artes marciales con ejercicios físicos inspirados en los movimientos de determinados animales o en antiguas creencias chinas. Su origen data de hace más de 4000 años como modo de autodefensa frente al ataque de otros pueblos, para la que la lucha cuerpo a cuerpo era inevitable y el entrenamiento militar, indispensable. Hoy, convertido en asombroso espectáculo artístico, podemos visionar los movimientos de miles de jóvenes con una precisión y sincronización milimétrica, jóvenes de Henan Shaolin Tagou Martial Arts SCHOOL, la escuela de Kung Fu más grande del mundo, ubicada en la provincia de Henan, en el área del templo Songshan Shaolin.
Ritu Basant Ki (también conocida como "Ritu Basant" o "Basant Ritu") es una danza relacionada con la celebración de la primavera, temporada muy celebrada en la poesía, la música, el arte y la danza clásica en la India. Se trata de una danza festiva que se realiza tradicionalmente durante esta época del año para celebrar la renovación de la naturaleza, el amor, la alegría y los nuevos comienzos, danza que marca el fin del invierno y el inicio del renacimiento de la naturaleza: los árboles florecen, los campos reverdecen y los pájaros regresan. Musicalmente se utilizan ragas (modos musicales indios) asociados con la primavera, como Raga Basant, que inspiran una sensación alegre y romántica, mientras el vestuario de las bailarinas se muestra con colores brillantes y alegres, especialmente el amarillo, símbolo de la primavera en la India.
Francisco de Madina Igarzábal, conocido como Aita Madina (1907- 1972), fue un religioso lateranense, músico y compositor vasco nacido en Oñati, Gipuzkoa. Siendo adolescente ingresó en el noviciado de los Canónigos Regulares de Letrán; en paralelo a sus estudios de teología realizó su formación como músico, en Oñati y en Burgos donde fue discípulo de José María Beobide y de Antonio José Martínez Palacios. En 1932 fue destinado a Argentina, donde desarrolla su labor como compositor estrenando numerosas obras. En 1955 se traslada a Nueva York donde sigue componiendo y estrenando sus obras. En abril de 1972 se trasladó por última vez de Nueva York a su caserío natal de Oñati, donde fallecería unos meses más tarde.
Udaberriko Abestia (Cancion de Primavera) es uno de los doce movimientos del Poema Sinfónico‑Coral “Arantzazu” compuesto por Aita Madina con motivo de la construcción de la nueva Basílica de Aránzazu, obra compuesta sobre el texto del poema Arantzazu. Euskal‑sinismenaren poema de Salbatore Mitxelena, poema publicado en 1949 que versa sobre la devoción mariana (la Virgen de Aránzazu): la aparición, el peregrinaje y la fe vasca; una obra de gran peso simbólico en la literatura y sensibilidad religiosa vasca. El Poema Sinfónico‑Coral de Madina se organiza en doce secciones de las que la cuarta es la Primavera que hoy ofrecemos. Esta sección marca una transición de las primeras escenas que evocan la llegada, el pastorío, el ambiente primaveral, la juventud, la esperanza, hacia los temas más dramáticos que vienen después (la lucha, el dolor, la súplica). “Udaberriko Abestia” sirve como introducción de esperanza, renovación, juventud, celebración de lo que está por venir. Madina quiso que su música fuera comprensible para el pueblo (“para el pueblo llano”), por lo que en esta parte de la obra se hace uso de un lirismo romántico que evoca naturaleza, frescura, alegría, acogida de la primavera. En un contexto histórico-cultural vasco, en los años 50, tras la Guerra Civil española y una época de represión cultural, esta canción de primavera puede leerse simbólicamente como un aire de renovación interna y expresión de identidad.
Hoy nos lo ofrecen los coros Oñati y Zarautz, la Banda de Música de Zarauz y l@s alumn@s de la Escuela de Danza de Zarauz “Gabota”
Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida se adentró en distintos estilos y géneros musicales desde el posromanticismo al serialismo o el jazz . Estudió, entre otros, con Rimski Korsakov y trabajó para distintos géneros y formaciones musicales; pero tras conocer a Serguei Diaghilev, fundador de los Ballets Rusos, colaboró estrechamente con él. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos y géneros desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz, alcanzando gran fama no sólo como compositor, sino también como pianista y director. La revista Time le consideró como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.
Le Sacre du printemps (La Consagración de la primavera) es un ballet de Stravinski escrito para la temporada 1913 en París de la compañía Ballets Rusos; la coreografía original fue de Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Su estreno en el Teatro de los Campos Elíseos, causó sensación y disturbios en la audiencia debido al carácter vanguardista de la música y de la coreografía. El concepto que desarrolla Roerich desde la idea de Stravinsky, es sugerido por su subtítulo, «Imágenes de la Rusia pagana en dos partes». La obra describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, la cual debía bailar hasta su muerte. Hoy nos la ofrecen el Ballet y Orquesta del Teatro Mariinsky bajo la batuta del maestro Valery Gergiev.
Estructura. La composición está estructurada en dos partes del siguiente modo: Primera parte, Adoración de la tierra: I (4´35´´) INTRODUCCIÓN (Lento. Più Mosso. Tempo I) .-. II (7´40´´) AUGURIOS PRIMAVERALES. DANZA DE LAS ADOLESCENTES (Tempo giusto) .-. III (11´00 ´) JUEGO DEL RAPTO (Presto) .-. IV (12´12´´) RONDAS PRIMAVERALES (Tranquillo. Sostenuto e pesante. Vivo. Tranquillo) .-. V (16´05´´) JUEGO DE LAS TRIBUS RIVALES (Molto allegro) .-. VI (17´32´´) CORTEJO DEL SABIO .-. VII (18´30´´) ADORACIÓN DE LA TIERRA (El Sabio) .-. VIII (18´55´´) DANZA DE LA TIERRA (Prestissimo) .-. Segunda parte, El sacrificio: I (20´02´´) INTRODUCCIÓN (Lento) .-. II (24´19´´) CÍRCULOS MISTERIOSOS DE LAS ADOLESCENTES (Andante con moto - Più Mosso - Tempo I) .-. III (27´34´´) GLORIFICACIÓN DE LA ELEGIDA (Vivo) .-. IV (29´06´´) EVOCACIÓN DE LOS ANTEPASADOS .-. V (29´59´´) ACCIÓN RITUAL DE LOS ANTEPASADOS (Lento); VI (33´31´´) DANZA SAGRADA (La Elegida) (Allegro).
Hoy nos la ofrecen el Ballet y Orquesta del Teatro Mariinsky bajo la batuta del eminente maestro ruso Valery Gergiev.
Sugerencias de música para niñ@s
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