el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El 6 de Enero se celebra la llegada de los Reyes Magos
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Antonia Bembo (Venecia, 1640-París, 1720) compositora italiana y cantante. Hija del médico Giacomo Padoani y de Diana Pareschi, cantó para el rey Luis XIV. Estudió música y literatura. Realizó varios viajes con el guitarrista Francesco Corbetta, entre ellos a Viena, Bruselas, Hannover, España y París. Fue también discípula de Francesco Cavalli. Se la identifica como la fligia que canta (la hija cantante), siendo una persona de talento para el canto. En 1659 se casa con Lorenzo Bembo (1637-703); pasan su primer año de matrimonio en la casa de los Padoani en Venecia, donde surgen conflictos entre el padre y su marido y tienen tres hij@s. A la muerte de su padre, se mudan a Venecia viviendo en la iglesia de San Moisés. En 1672 se divorcia de Lorenzo Bembo y regresa a Francia bajo la protección de Luis XIV, ofreciéndole cobijo en la comunidad femenina Petite Union Chrétienne des Dames de Saint Chaumont (Pequeña Unión Cristiana de Damas de Saint Chaumont), en la parroquia de Notre Dame de Bonne Nouvelle, en las afueras de París.
Suzanne Jerosme, soprano francesa formada en Londres y Colonia, se consolidó en Theater Aachen interpretando un repertorio barroco, clásico, romántico y contemporáneo tanto en teatro lírico como en conciertos y recitales internacionales.
Hoy, Suzanne nos ofrece el aria “Ah que l‘absence est un cruel martyre” de Antonia Bembo.
Frédéric Chopin (1810-1849) fue un virtuoso pianista y compositor polaco; como pianista, está considerado uno de los más importantes de la historia y como compositor, uno de los referentes del Romanticismo. Nació en una familia vocacionalmente musical; su madre tocaba el piano y el padre, el violín y la flauta; su primera profesora fue una hermana suya con la que le gustaba tocar piezas a cuatro manos. A los ocho años dio su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia. La obra de Chopin se centra exclusivamente en el piano, solo o concertante, con el que emprendió una carrera en solitario de perfeccionamiento técnico, esplendor expresivo y profundización en el rubato hasta llegar a ser el referente musical de dicho instrumento.
La Polonesa es una danza nacional y forma musical originaria de Polonia; de ahí su nombre. Formalmente consiste en un movimiento de marcha moderada y ritmo ternario (3/4), con característico comienzo en ritmo tético (la melodía comienza en el primer tiempo del primer compás) y final en prótesis (la última nota acentuada de la última frase tiene una o más notas añadidas); ritmo que recuerda al bolero. Algunas de las polonesas más destacables y famosas son las de Frédéric Chopin, como la nº 1 que hoy ofrecemos en interpretación de la pianista rusa Anastasia Huppmann.
Ariel Ramírez (1921-2010) es una de las figuras más relevantes del nativismo argentino. Estudió piano y composición, y a los 20 años, animado por Atahualpa Yupanqui, viajó por todo el país contactando con las distintas expresiones musicales de cada región. Nueve años más tarde realizó un viaje de cuatro años por Europa ofreciendo variados conciertos de música de su tierra; en su regreso a Argentina formó una compañía formada por músicos y bailarines con la que recorrería el país durante 20 años; tras esta etapa actuó como solista de piano en innumerables recitales en los que intercalaba obras propias. Escribió numerosas canciones y obras entre las que cabe destacar la Misa Criolla mundialmente conocida.
Navidad Nuestra es una cantata con letra de Félix Luna y música de Ariel Ramírez estructurada en seis escenas o movimientos musicales, de los que hoy ofrecemos el quinto, Los Reyes Magos, en interpretación del Coro de la Escuela Secundaria Experimental de la Universidad de Macedonia.
Leroy Anderson (1908-1975) fue un compositor estadounidense de breves piezas orquestales de música ligera, muchas de las cuales fueron estrenadas por la Orquesta Boston Pops bajo la dirección de Arthur Fiedler. El compositor de bandas sonoras John Williams le ha descrito como «uno de los más grandes maestros americanos de la música orquestal ligera». Nacido en Cambridge, Massachusetts de padres suecos, Anderson recibió sus primeras lecciones de piano de su madre, que era organista de iglesia. Continuó estudiando piano en el New England Conservatory of Music. En 1925 ingresó en la Universidad de Harvard, donde estudió armonía, contrapunto, fuga, composición, orquestación y contrabajo. Asimismo estudió órgano con Henry Gideon.
El estilo musical de Anderson emplea efectos instrumentales creativos y en ocasiones hace uso de elementos que producen sonidos como La máquina de escribir que hoy presentamos con su pizca de humor (Erik Satie usó una máquina de escribir en su ballet Parade antes que él). La máquina de escribir es una novedosa pieza instrumental compuesta por Leroy Anderson en 1950, y estrenada por los Boston Pops. Su nombre se refiere al hecho de que para su interpretación se requiere una máquina de escribir, que se utiliza en el escenario: las pulsaciones de las teclas, su campana, y el mecanismo de retorno de carro son un componente importante de la pieza.
Hoy lo podemos visionar con la sinfónica de Músicos solidarios, el percusionista Alfredo Anaya como solista y el maestro Miguel Roa como director.
Sugerencias de música clásica
Georg Friedrich Händel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida. A pesar del silencio total con el que protegió su intimidad, parece clara su homosexualidad. Fallece a los 74 años en su casa.
El catálogo de las obras de Georg Friedrich Händel, se conoce con las siglas HWV y significan Handel Werke Verzeichnis (en alemán, Catálogo de obras de Händel), no está ordenado cronológicamente sino temáticamente, por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental. Abarca 612 obras más 25 suplementos y obras dudosas y perdidas, siendo elaborado entre 1978 y 1986 en tres volúmenes. El número exacto de composiciones es por tanto difícil de precisar. Su autor es el musicólogo Bernd Baselt.
El Mesías es un oratorio en inglés compuesto por Georg Friedrich Händel en 1741, con un texto bíblico recopilado por Charles Jennens. Su estreno fue en Dublín el 13 de abril de 1742 y se representó casi un año después en Londres. Después de una acogida de público inicial modesta, el oratorio ganó popularidad y finalmente se convirtió en una de las obras corales más conocidas e interpretadas con mayor frecuencia en la música occidental. Händel se pasó al oratorio en inglés en la década de 1730 en respuesta a los cambios de gusto del público; El Mesías fue su sexta obra en este género, mientras que en los demás oratorios puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música de El Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.
La estructura de tres partes de la obra se aproxima a la de las óperas de tres actos de Händel, con las «partes» subdivididas por Jennens en «escenas». Cada escena es una colección de números individuales o «movimientos» que toman la forma de recitativos, arias y coros. La PARTE I (0´15´´) comienza con la sinfonía/obertura, tras la que el texto utiliza las profecías de Isaías y otros, y pasa a la anunciación a los pastores, la única escena tomada de los Evangelios. En la PARTE II (56´42´´), Händel se concentra en la Pasión y termina con el coro «Aleluya». En la PARTE III (1h 53´41´´) abarca la resurrección de los muertos y la glorificación de Cristo en el Cielo.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El catálogo de la obras de Beethoven. Existen 138 obras musicales compuestas por Beethoven, ordenadas por números conocidos como opus (“obra” en latín) o su abreviatura op., asignados por los editores del compositor mientras él vivía. Al margen, existen otras 205 obras que no tienen número de opus y que se publicaron después de la muerte del compositor. A estas obras se les asignaron números WoO (Werke ohne Opuszahl, "obras sin número de opus"). Este catálogo fue realizado por primera vez por Georg Kinsky y Hans Halm (Das Werk Beethovens) en 1955.
El Trío para piano en si bemol mayor, Op. 11, también conocido como Trío Gassenhauer, es una pieza camerística para piano, clarinete (o violín) y violonchelo (a veces sustituido por fagot) compuesta por Ludwig van Beethoven entre 1797 y 1798. La partitura está dedicada a la condesa Maria Wilhelmine von Thun. El sobrenombre de "Trío Gassenhauer" se debe a su tercer movimiento, que contiene nueve variaciones sobre un tema del drama giocoso L'amor marinaro ossia Il corsaro de Joseph Weigl.
Estructura. La obra consta de tres movimientos: I (0´11´´) ALLEGRO CON BRIO. Está escrito en la tonalidad de Si bemol mayor, en compás de 4/4 y en forma sonata (exposición-desarrollo-reexposición). Cabe destacar la transición entre el primer y el segundo tema. Tras una convincente modulación a la dominante, Fa mayor, comienza lo que parece un segundo tema, pero en Re mayor; éste se disuelve rápidamente en fragmentos del primer tema y conduce al segundo tema propiamente dicho, que aparece primero en el piano en Fa mayor. En la reexposiciòn, el compositor renuncia al episodio de Re mayor .-. II (9´32´´) ADAGIO Este movimiento está en Mi bemol mayor y en compás de 3/4. Adopta de nuevo una forma sonata que en esta ocasión presenta un breve desarrollo y una reexposiciòn muy ornamentada .-. III (14´03´´) TEMA CON VARIAZIONI. ALLEGRETTO. Retoma el ritmo de 4/4 y se estructura como un tema con nueve variaciones. El Finale es tanto un vehículo para el virtuosismo pianístico de Beethoven como un ejemplo de su técnica de variaciones.
Hoy nos lo ofrecen Katrina Clements (clarinete), Elena Denny (chelo) y Wayne Ching (piano).
José Pablo Moncayo (1912-1958) fue un compositor mexicano, que representa uno de los más importantes legados musicales del nacionalismo mexicano, junto a Silvestre Revueltas, Carlos Chávez y Julián Carrillo. Produjo algunas de las obras maestras que simbolizan la esencia de las aspiraciones nacionales. Estudió piano con Eduardo Hernández Moncada y posteriormente ingresó en el Conservatorio Nacional de Música en 1929. Sus maestros en esta institución fueron Candelario Huízar y Carlos Chávez, de armonía y composición respectivamente. En esta época se vio obligado a tocar como pianista en cafés y estaciones de radio para contribuir a la economía familiar y para poder pagar sus estudios, hasta que ingresó como percusionista en la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Carlos Chávez.
Amatzinac es una suite de pequeñas piezas escrita para flauta y orquesta de cuerda, que toma su nombre del río homónimo mexicano. Hoy nos la ofrece la flautista María Esther García Salinas acompañada por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México conducida por el maestro mexicano José Areán.
Tony Prabowo. Nacido en Malang, Indonesia en 1956, estudió música bajo la guía del aclamado compositor Slamet Abdul Syukur. Conocido por fusionar elementos de la música clásica occidental con tradiciones musicales indonesias como el gamelán, pronto fue reconocido como uno de los compositores más importantes de su país por sus numerosas colaboraciones con renombrados coreógrafos, artistas visuales, poetas, directores de teatro y cineastas. Estudió violín en la Akademi Musik Indonesia en Yogyakarta (hoy AMI), antes de trasladarse al Instituto de Artes de Yakarta (IKJ), donde aprendió composición bajo la tutela de Slamet Abdul Sjukur. Sin embargo, gran parte de su aprendizaje fue autodidacta.
Ha trabajado en una amplia variedad de géneros: música de cámara, ópera, danza y teatro. Composiciones notables incluyen Dongeng Sebelum Tidur (1992), Autumnal Steps (1996), y Requiem for Strings (1998). Su ópera "The King's Witch" (1999) fue encargada e interpretada por el New Juilliard Ensemble en el Alice Tully Hall (NYC) en 2000. En 1996 fundó el New Jakarta Ensemble, una agrupación de percusión e instrumentos tradicionales que ha actuado en Indonesia, EE.UU., Reino Unido, Australia y Corea del Sur. Su música ha sido interpretada en festivales especializados, como el Tanglewood y el festival de música contemporánea de Linz.
Gandari es la última ópera de Tony Prabowo tras Kali, La Bruja del Rey, y Tan Malaka. Se estrenó en diciembre de 2014 en el Teatro Yakarta, Indonesia. Este vídeo es la versión revisada que se presentará los días 16 y 17 de octubre de 2015 en el Frankfurt LAB durante la Feria del Libro de Frankfurt. Siendo uno de los protagonistas más importantes de la música contemporánea en Indonesia, ha creado una obra de arte única y multisensorial, junto con artistas internacionales, que combina música con canto, danza y recitaciones en la ópera-ballet "Gandari". Esta reinterpretación de un episodio de la epopeya india del Mahabharata se basa en un poema homónimo del reconocido intelectual y poeta Goenawan Mohamad, quien con brillantez percibió a Gandari más como un concepto que como una figura en el escenario. En solidaridad con su esposo Destrarastra, ciego de nacimiento, la princesa Gandari decide vivir su vida con los ojos vendados. Esta ópera es la transcripción de los últimos cinco días de Gandari antes de que, presa de la desesperación, finalmente cerrara los ojos ante el sensual deleite del mundo. Prabowo y l@s artistas adaptaron “Gandari” al presente para crear una evocadora parábola sobre la relación entre las normas sociales y la sensibilidad individual. (Extracto del comentario del pie del vídeo)
Hoy nos lo ofrece el Ensemble Modern Academy Frankfurt conducido por el maestro neerlandés Bas Wiegers.
Sugerencias de música para todos los gustos
Oscar Peterson (1925-2007) fue un pianista canadiense de jazz. Su estilo, formado durante los años cuarenta oscila entre el swing y el bop, y se engloba dentro de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Seguidor de Art Tatum, se trata de un pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Son elogiadas tanto sus interpretaciones en grupos pequeños como acompañando a cantantes, aunque sus mejores momentos sean como solista. Peterson es también compositor; por ejemplo, escribió y grabó la afamada Canadiana Suite en 1964 y varias de sus propias obras las ha grabado con piano eléctrico. Excepcionalmente vocalista, su voz recuerda mucho a la de Nat King Cole.
Anari es una cantante y compositora vasca nacida en Azkoitia (País Vasco) en 1970. Sus primeros pasos en la música los dio como batería en el grupo Psych Out (junto a miembros de Akauzazte). En solitario ha editado cinco discos y un disco en colaboración con el músico navarro Petti. Sus discos han recibido excelentes críticas, y se le ha comparado con PJ Harvey (la «PJ Harvey vasca»), Cat Power o Nick Cave. En 2004 la revista musical catalana Rockdelux le concedió el puesto número 77 en la lista de los 100 mejores discos nacionales del siglo XX. En 2018 se convierte en la primera mujer que recibe el premio Adarra, reconocimiento otorgado por el Ayuntamiento de Donostia/San Sebastián, siendo la persona más joven premiada hasta el momento.
Dámaso Pérez Prado (1916 - 1989), conocido como el "Rey del Mambo", fue un músico, compositor y arreglista cubano nacionalizado mexicano. Estudió música en su Cuba natal y trabajó en diversas orquestas de La Habana en los años 1940. Hábil pianista y conocedor a fondo del teclado, ha sido considerado por expertos críticos como uno de los mejores en este género de la música popular. Es conocido sobre todo por sus aportes al género del mambo, que tiene sus orígenes en el danzón cubano y que daría pauta al surgimiento y desarrollo del chachachá, así como también de la música surgida a finales de la década de 1950 y conocida luego, desde principios de los años 1970 como salsa. No fue el creador del ritmo, que ya se tocaba en La Habana de finales de los años treinta, pero sí su mayor difusor a nivel internacional.
Hoy nos visita la Orquesta Juvenil de New Brunswick bajo la dirección de Antonio Delgado con el Mambo potpourri de Pérez Prado.
Gwen Stefani (Fullerton, California; 3 de octubre de 1969) es una cantante, compositora, diseñadora de moda y actriz estadounidense. Es cofundadora, vocalista y compositora principal de la banda No Doubt, cuyos sencillos incluyen «Just a Girl», «Spiderwebs» y «Don't Speak», de su álbum de estudio de 1995 Tragic Kingdom, así como «Hey Baby» e «It's My Life», de álbumes posteriores. Durante el hiato de la banda, se embarcó en una carrera como solista en 2004 al lanzar su álbum de estudio debut Love. Angel. Music. Baby. inspirado en la música pop de la década de 1980, con el cual tuvo éxito comercial y de crítica. Su «Hollaback Girl» alcanzó el número uno en la lista Billboard Hot 100 y también se convirtió en la primera canción en vender un millón de copias en formato digital.
En 2006, lanzó su segundo álbum de estudio, The Sweet Escape. Entre los sencillos de este disco está «The Sweet Escape», canción que alcanzó el número tres en la lista Billboard Hot 100 a fines de 2007. Su tercer disco en solitario, This Is What the Truth Feels Like (2016), fue su primer álbum solista en alcanzar el número uno en la lista Billboard 200. Ha lanzado varios sencillos con Blake Shelton, incluido «Nobody but You» (2020), que alcanzó el número 18 en los EE. UU. Como solista, ha recibido un American Music Award, un Brit Award, un World Music Award y dos Billboard Music Awards. La revista Billboard clasificó a Stefani como la 54.ª artista más exitosa y la 37.ª artista Hot 100 más exitosa de la década 2000-2009. En VH1 ocupó el puesto 13 en su lista de las «100 mujeres más grandes de la música» en 2012. Como artista solista, Stefani ha vendido más de 30 millones de álbumes en todo el mundo.
Sugerencias de videos peculiares
Johann Strauss (hijo) (1825-1899) fue un compositor austríaco hijo de Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss; conocido en vida como “el rey del vals”, fue factor esencial en la evolución y sofisticación del mismo pasando de ser una danza campesina a una danza de entretenimiento de la Corte Imperial. Es el más conocido de la familia por sus valses, sus polcas y sus marchas; compositor, además, de varias operetas. Su padre quería evitar que su hijo pasase por las estrecheces de vida de un músico, por lo que fue su madre quien le ayudó y animó a centrarse en la música. Su obra constituye la base del repertorio que se ofrece anualmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena.
De uno de estos conciertos de Año Nuevo, concretamente el de 2011, hemos rescatado el vals Danubio azul dirigido por el maestro austríaco Franz Welser-Möst (1960) y bailado por l@s solistas y Cuerpo de Baile del Ballet de la Ópera Estatal de Viena.
La La Land es una película musical de 2016 dirigida por Damien Chazelle y con banda sonora compuesta por Justin Hurwitz.
El "Epílogo" de La La Land es una mezcla de temas musicales de la película, que ha sido interpretado a través del Bharatanatyam, una danza clásica india. Esta adaptación, interpretada frecuentemente por becarios de IndianRaga, combina la profundidad emocional de la música con el vocabulario expresivo del Bharatanatyam. El "Epílogo" es una compilación de temas musicales de La La Land, incluyendo "El tema de Mia y Sebastian" y "Ciudad de las estrellas". En el Bharatanatyam, esta pieza es interpretada por bailarines que utilizan los intrincados gestos de las manos (mudras), las expresiones faciales (abhinaya) y el rítmico juego de pies característicos de la danza para transmitir la narrativa y los matices emocionales de la música.
El San Juanito es el baile nacional de Ecuador. Esta danza tiene sus orígenes mucho antes de la época de la colonización española y se dice que era practicada por los Incas como un tipo de ritual para honrar al dios Inti. Tal vez en sus inicios esta danza no tuviera este nombre, puesto que esta denominación tiene herencia cristiana y es un ejemplo de las tantas prácticas de apropiación cultural, dado que este nombre es en honor a San Juan Bautista (Extractado de Factory Claqué).
Hoy nos lo escenifica el conjunto de Profesores del Colegio Rafael María Carrasquilla
Un instrumento idiófono, según la clasificación de Hornbostel-Sachs, es un instrumento musical que tiene sonido propio porque usa su cuerpo como materia resonadora. Produce el sonido primariamente por la vibración del propio cuerpo, sin uso de cuerdas, membranas o columnas de aire. Su cuerpo, de madera, metal o piedra, es duro pero sonoro, con la suficiente elasticidad como para mantener un movimiento vibratorio.
La Celesta es un instrumento musical de percusión, un armonio con la apariencia de un pequeño piano vertical; se clasifica entre los instrumentos idiófonos y su nombre proviene del francés: céleste (celestial). El mecanismo de la celesta se compone de martillos activados por teclas, los cuales golpean por arriba unas láminas metálicas colocadas sobre resonadores de madera.
Kelly Zuercher es teclista de la Filarmónica de Colorado Springs y en este video demuestra los sonidos mágicos de la celesta, uno de los instrumentos destacados, por ejemplo, en El cascanueces (1´40´´) de Tchaikovsky, tal como hoy lo podemos apreciar.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
