el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Jean-Baptiste Lully (1632-1687) fue un compositor francés de origen italiano (nació en Florencia) y naturalizado francés a los 21 años (su verdadero nombre era Giovanni Battista Lulli). Pronto destacó como violinista y bailarín y a los veinte años entró a formar parte del servicio de Luis XIV como director musical de la familia real; a partir de entonces, su importancia en el desarrollo del ballet clásico ha sido primordial. Renovó, además, la esencia de la ópera con una mayor solemnidad en su puesta escénica, una decidida incidencia en la claridad del texto y una cuidada elaboración en los ballets y coros de la misma. Su producción musical se basa fundamentalmente en tres pilares: la ópera, los ballets y la música religiosa.
Le Bourgeois Gentilhomme (El burgués gentilhombre) es una comedia-ballet de Molière en cinco actos con música de Jean-Baptiste Lully; fue estrenada por la compañía de Molière el 14 de octubre de 1670 en la corte de Luis XIV en el castillo de Chambord.
Hoy ofrecemos la Marcha para la ceremonia de los turcos interpretada por la Sinfónica de la Radio Frankfurt bajo la batuta de la maestra clavecinista y directora de orquesta especialista en música barroca, Emmanuelle Haïm, que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC, entre otras formaciones.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronólogico de su creación y que es realmente válido para la mayoría de las obras; sin embargo aparecen, en su primera edición, obras de otros autores atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas.
Felix Klieser es un trompista profesional alemán que nació sin brazos y toca la trompa usando su pie izquierdo para accionar las válvulas y sin colocar una extremidad dentro de la campana; lo que contrasta con la forma en que se toca tradicionalmente este instrumento. Este joven se ha ganado los aplausos del público y la crítica gracias a su espectacular talento a la hora de tocar, con el cual ha logrado sobresalir en todo el mundo, demostrando una vez más que una discapacidad no trunca los sueños. Fue galardonado con el premio ECHO Classic en la categoría de mejor artista joven en el 2014, publicó un libro autobiográfico y en 2016 recibió el premio Leonard Bernstein del Festival de Música de Schleswig-Holstein. (Extractado de un artículo de Mundiario)
Hoy ofrecemos el primer movimiento, Allegro, del Concierto para trompa n.º 1 en Re mayor, K. 412 de Wolfgang Amadeus Mozart en interpretación de Felix Klieser, acompañado por la Camerata Salzburg.
Harold Arien (1905 - 1986) fue un compositor estadounidense de música popular, que compuso más de 500 canciones, algunas de las cuales han sido éxitos mundiales. Nacido en Buffalo estado de Nueva York, aprendió a tocar el piano desde niño y formó una banda cuando era joven. Logró cierto éxito local como pianista y cantante antes de mudarse a la ciudad de Nueva York a los veinte años, donde trabajó como acompañante en vodevil. En 1929, Arien compuso su primera canción conocida, "Get Happy " (con letra de Ted Koehler ). A principios y mediados de la década de 1930, Arien y Koehler escribieron espectáculos para el Cotton Club, un popular club nocturno de Harlem, así como para musicales de Broadway y películas de Hollywood.
Over the Rainbow. A mediados de la década de 1930, Arien se casó y pasó cada vez más tiempo en California, escribiendo para películas musicales. Fue en este momento cuando comenzó a trabajar con el letrista Yip Harburg; en 1938, el equipo fue contratado por Metro-Goldwyn-Mayer para componer canciones para la película El mago de Oz, la más famosa de las cuales es Over the Rainbow, ganadora del premio Óscar a la mejor canción original; además, Over the Rainbow fue votada como la canción número uno del siglo XX por la RIAA y la NEA.
Hoy ofrecemos dicha canción en versión para violín y piano con la violinista Claire Bucelle y la pianista Dominique Le Guern.
Albert J. Alcaraz Pastor (Alicante 1978) Cursó estudios de piano, violín, canto y composición en los Conservatorios de Novelda, Elda y Alacant. También Magisteri Musical en la Universitat d'Alacant; ha estudiado, además, con otr@s notables maestr@s. Escribe bajo encargo y para diferentes concursos, y sus obras corales son interpretadas por coros de todo el mundo, algunas en ciclos o festivales eminentemente significativos. En la actualidad realiza estudios superiores de Canto y Dirección en el CSM con los maestros A. Martín y E. Sánchez y es director del Orfeó St. Joan, AE Vocalis y el Cor Xivarri. (Extractado del artículo de CM Ediciones Musicales S.L.)
Landarbaso Abesbatza se configura en 1991 como un grupo coral de jóvenes de edades comprendidas entre los 16 y 36 años. En la actualidad la asociación está compuesta por tres grupos superando los 100 miembros: Kontari (8 a 14 años), Landarbasoko Dizdizka Taldea (15 a 21 años) y Landarbaso Abesbatza (17 a 45 años). En clara apuesta por innovar y desarrollar proyectos atractivos y originales, Landarbaso emprendió un cambio firme en la organización, preparación e interpretación de sus proyectos, entendiendo una actuación musical dentro de un espectáculo lleno de sorpresas, donde los y las espectadoras fueran absorbidos/as por una propuesta musical enlazada y compacta. (Extractado de la Web de Landarbaso Abesbatza).
Hoy el Coro Landarbaso Abesbatza nos ofrece desde el 43. Concurso Internacional de Coros de Tolosa (Gipuzkoa) la canción Artzainaren kantu (Canción del pastor) del maestro Alkaraz.
Sugerencias de música clásica
Élisabeth Jacquet de La Guerre (París, 1665 - París, 1729) fue una renombrada compositora e intérprete de clavecín francesa, hija de Claude Jacquet, y de Anne de la Touche, ambos músic@s procedentes de familias de intérpretes, profesores y constructores de claves. Élisabeth comenzó la interpretación de instrumentos de tecla a edad muy temprana, siendo presentada por su padre a Luis XIV con sólo cinco años de edad. Pronto se trasladó a Versalles aceptando una oferta de Madame de Montespan, amante del rey francés, y allí permaneció deleitando a la corte francesa con su música hasta contraer matrimonio. En 1684 se casó con Marin de La Guerre, organista, mudándose con él a París, donde siguió actuando en conciertos públicos y privados, impartiendo lecciones particulares como clavecinista y componiendo obras.
Un ejemplo es su ópera Céphale et Procris; también compuso un ballet por encargo de la corte de Versalles, Les jeux à l’honneur de la victoire, que tristemente no se conserva. Hacia 1687 publica un libro de piezas para clavecín en el que aparecen algunas de sus suites de danzas francesas para teclado más célebres, incluyendo en ellas Preludios, Chaconas y Tocatas. En el año 1700 quedó viuda y perdió también a su único hijo, de sólo diez años de edad; hasta 1707 Élisabeth deja de componer; es en este año cuando publica su segundo libro de clavecín. Además, se adentra en las nuevas formas italianas con sus sonatas en trío para violín y sus cantatas. En 1715 publicaba su última gran obra, el tercer libro de Cantates françaises. Su última obra conocida fue un coral encargado para celebrar la recuperación del rey Luis XV de una infección de viruela, lo cual nos da una idea del prestigio que consiguió como compositora. Desde entonces hasta su muerte, el 27 de junio de 1729, Élisabeth Jacquet de La Guerre fue retirándose paulatinamente de la vida pública.
Hoy ofrecemos su Sonata nº 2 en Sib mayor para dos violines, chelo y continuo en interpretación de Adriane Post y Boel Gidholm, violines; Lisa Terry, violonchelo; Naomi Gregory, clavecín y Deborah Fox, tiorba.
Franz Benda (1709-1786) nació en Staré Benátky, Bohemia, Chequia, hermano del compositor Georg Benda. En su juventud fue coralista en Praga y después en la Capilla Real en Dresde. Al mismo tiempo comenzó a estudiar violín y se unió a un grupo de músicos viajeros que asistían a fiestas, ferias, etc. Con dieciocho años abandonó esta vida itinerante y volvió a Praga, trasladándose después a Viena, donde continuó sus estudios de violín con Johann Gottlieb Graun, que a su vez era discípulo de Giuseppe Tartini. Después de dos años, fue nombrado maestro de capilla en Varsovia . En 1732, entró al servicio de Federico el Grande , entonces príncipe heredero de Prusia, con quien permaneció el resto de su vida. Fue miembro de la orquesta del príncipe heredero y más tarde se convirtió en concertino del rey. Tocó alrededor de 50.000 conciertos durante un período de cuarenta años. A petición de Benda, Federico permitió que sus padres y hermanos se mudaran a Potsdam cuando, como protestantes, sufrieron persecución religiosa en Bohemia. Benda dominaba con maestría todas las dificultades de la interpretación del violín, y la rapidez de su ejecución y la suave dulzura de sus notas más agudas eran inigualables. Tuvo numerosos alumnos y escribió numerosas obras, principalmente ejercicios y estudios para violín. Benda murió en Nowawes, una pequeña colonia cerca de Potsdam establecida por Federico el Grande para albergar a los refugiados protestantes que huían de la persecución religiosa en Bohemia.
Hoy ofrecemos su Concierto para flauta en Mi menor en interpretación de la flautista húngara Andrea Bertalan acompañada por la Capella Savaria, Concierto de Benda estructurado en tres movimientos: I (0´00´´) ALLEGRO CON BRIO .-. II (7´38´´) ADAGIO UN POCO ANDANTE .-. III (13´41´´) PRESTO.
Gioachino Rossini (1792-1868) fue un compositor italiano de 39 óperas, distintas canciones, algunas obras de piano y algo de música sacra. Empezó a componer a los 12 años; las primeras composiciones de Rossini incluyen numerosas piezas sacras, una ópera, algunas oberturas y una modesta cantidad de música instrumental, gran parte de ella en el estilo de la temprana escuela vienesa de Haydn, Mozart y Beethoven. En 1812 fue contratado por la Scala de Milán donde obtuvo un memorable éxito con “La piedra de toque”; al año siguiente estrena en Venecia su primera ópera seria, Tancredi y al poco estrena otro gran éxito, La italiana en Argel. En 1815 se establece en Nápoles donde escribe con regularidad y sin agobios con ensayos y fechas regulados. En 1822 se traslada a Viena donde llega a conocer al admirado Beethoven. De Viena a Londres, vuelta a París y tras el estreno de su última ópera, Guillermo Tell, abandona la ópera en pleno auge económico y de popularidad a los 37 años de edad. Falleció a los 77 años.
Mosè in Egitto (Moisés en Egipto) es una ópera en tres actos con música de Gioacchino Rossini y libreto en italiano de Andrea Leone Tottola, basado en una obra de Francesco Ringhieri, L'Osiride, de 1760. Se estrenó el 5 de marzo de 1818 en el recientemente reconstruido Teatro San Carlo, Nápoles. Considerada como una azione tragico-sacra, el drama sagrado con algunos rasgos del oratorio permitió eludir proscripciones de interpretaciones dramáticas seculares durante la Cuaresma. Rossini revisó la ópera para Nápoles en 1819, cuando introdujo el aria de oración de Moisés '"Dal tuo stellato soglio", que se convirtió en una de las piezas de ópera más populares de la época, inspiró una serie de variaciones para violín y piano a Niccolò Paganini, y sobrevive en forma de concierto. Rossini amplió la obra en 1827, esta vez con un libreto en francés. Moïse et Pharaon, ou Le passage de la Mer Rouge (Moisés y el Faraón, o El cruce del mar Rojo) es en cuatro actos, con un ballet. Se estrenó en París el 26 de marzo.
La trama transcurre en el Egipto de alrededor del año 1230 a. C. La ópera se basó vagamente en el Éxodo de Egipto de los israelitas, liderados por Moisés, hecho más atractivo para la ópera a través de la introducción de un tema amoroso, en el que el hijo del faraón, Amenofis (tenor) planea impedir su marcha, puesto que ama a la israelita Anaïs (soprano). La ópera se abre con una escena oscura, al tiempo que la plaga de las tinieblas es disuelta por la oración de Moisés, y acaba con el espectáculo del Mar Rojo abriéndose y el ahogamiento de las huestes del Faraón, que "provocó aullidos de burla" por la torpe maquinaria de su puesta en escena en el estreno, aunque la ópera superó sus fallos técnicos y fue un éxito.
Hoy la Sinfónica Simón Bolívar con la Coral Simón Bolívar conducid@s por el maestro venezolano Christian Vásquez nos ofrecen el estreno en Venezuela de la ópera Moisés en Egipto de Gioachino Rossini.
Tan Dun (1957) es un compositor chino de música clásica contemporánea, residente en Nueva York y conocido por las bandas sonoras de las películas Wò hǔ cáng lóng, por la que ganó el premio Óscar, el premio Grammy y el premio Bafta, y por Hero, así como para la música utilizada para la transmisión de El Día del Milenio (2000 Today) y la música para la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. En 2013, fue nombrado embajador de UNESCO. Su salida de la comuna vino en la forma de una compañía itinerante patrocinada por el gobierno de la Ópera de Pekín. Desde allí se dirigió al Conservatorio Central de Música en Pekín y estudió con músicos como Tōru Takemitsu. Ha escrito sinfonías, conciertos, óperas y música para bandas sonoras.
Concierto para orquesta. Aunque un concierto suele ser una pieza musical para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta completa , varios compositores han escrito obras con el título aparentemente contradictorio de Concierto para orquesta . Este título generalmente se elige para enfatizar el tratamiento solista y virtuoso de varios instrumentos o secciones individuales en la orquesta, con énfasis en el cambio de instrumentos durante la pieza. Se diferencia de la sinfonía concertante en que no tiene solista o grupo de solistas que permanezca igual a lo largo de la composición.
Hoy ofrecemos el Concierto para Orquesta de Tan Dun en versión de la NEC Philharmonia bajo la batuta del maestro estadounidense Hugh Wolff.
Sugerencias de música para todos los gustos
Willie Dixon (1915- 1992) fue un bajista, cantante, compositor musical, productor discográfico de blues y boxeador estadounidense, nacido en Vicksburg, Misisipi. Fue el productor musical de la compañía discográfica de Chicago Chess Records, siendo considerado uno de los exponentes principales en la creación del Chicago blues. Su progresión a la hora de aprender y tocar el bajo se detuvo debido a su negativa a alistarse en el ejército debido a la Segunda Guerra Mundial; razón por la que fue encarcelado durante diez meses.
Tras la guerra, volvió a reunirse con Baby Doo Caston, su profesor de bajo, convirtiéndose poco a poco en un prolífico y prodigioso artista de blues, llegando a comentar él mismo "Yo soy el blues". Destacó por su calidad a la hora de tocar el bajo; así mismo, es mencionado en muchas de las primeras grabaciones de Chuck Berry, aportando así una prueba más de relación entre el blues y el nacimiento del rock and roll. Por otro lado, grupos musicales de R&B de la década de 1960 buscaron constantemente inspiración en las canciones de Dixon, quien falleció en 1992, debido a un ataque al corazón, en Burbank, California, siendo enterrado en el Burr Oak Cemetery de Alsip, Illinois.
Lila Downs (Heroica Ciudad de Tlaxiaco, Oaxaca, 9 de septiembre de 1968) es una cantante, compositora, productora, actriz y antropóloga mexicana. Además de cantar en español e inglés, también interpreta melodías en diversos idiomas nativos de su país, como mixteco y zapoteco, así como maya, purépecha y náhuatl. Reivindica sus raíces mexicanas y de los pueblos originarios, además de la música regional de Oaxaca. Downs ha sido ganadora en una ocasión del Premio Grammy y ha quedado nominada otras dos veces; también ha sido ganadora de cinco premios Grammy Latino. En su trayectoria como actriz, ha participado en tres películas y dos documentales Es considerada una de las artistas femeninas más influyentes de México, por la revista Forbes.
Idir (1945 - 2020) fue un cantante argelino, considerado uno de los máximos exponentes de la música amazig o bereber. Hijo de un pastor, nació en Ait Lahcène, en Cabilia, al este de Argelia. Estudió geología pero su carrera acabó derivando en la música. En 1973 visitó por casualidad Radio Alger para hacer una sustitución y su canción en bereber V vava Inouva sonó y empezó a hacerse famosa. En 1975 se instaló en París para grabar su primer álbum publicado al año siguiente, con la discográfica Pathé Marconi. En 1999 presentó su nuevo disco "Identités" reivindicando el diálogo y la fraternidad entre los pueblos. Las relaciones con el régimen argelino no fueron fáciles a causa de su reivindicación identitaria amazig. Murió en París el 2 de mayo de 2020.
C.C. Catch (1064), es una cantante germano-neerlandesa de música Eurodisco, además de compositora. Nació en Oss (Países Bajos) el 31 de Julio de 1964, mudándose con su familia a Alemania a finales de los setenta. En 1980 fue miembro de un cuarteto de chicas llamado Optimal. Después de eso, desde 1985 trabajó musicalmente con Dieter Bohlen bajo el nombre C.C. Catch. Fue Dieter Bohlen, precisamente, la fuerza guiadora de sus grabaciones, ya que escribía y producía todas sus canciones. Ésta fue la principal razón para el fin de su trabajo juntos en 1989: Catch quería participar en el proceso creativo contribuyendo con su propio material, pero Dieter no estaba de acuerdo. Después de terminar su relación musical con Dieter, la cantante continuó con su carrera, pero con éxito moderado.
Sugerencias de videos peculiares
Johann Strauss (hijo)(1825-1899) fue un compositor austríaco hijo de Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss. Conocido en vida como “el rey del vals”, fue factor esencial en la evolución y sofisticación del vals pasando de ser una danza campesina a una danza de entretenimiento de la Corte Imperial. Es el más conocido de la familia por sus valses, sus polcas y sus marchas; compositor, además, de varias operetas. Su padre quería evitar que su hijo pasase por las estrecheces de vida de un músico, por lo que fue su madre quien le ayudó y animó a centrarse en la música. Su obra constituye la base del repertorio que se ofrece anualmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena.
El Murciélago es una opereta cómica en tres actos con música de Johann Strauss (hijo) y libreto en alemán de Carl Haffner y Richard Genée. Se estrenó el 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien en Viena, Austria. La obra se basa en una comedia alemana de Julius Roderich Benedix llamada Das Gefängnis (La prisión), que a su vez se basa en un vodevil, Le Réveillon, de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. Fue traducida al alemán por Carl Haffner como una obra de teatro producida en Viena, Le Réveillon (Un banquete de medianoche); pero, en el contexto del conflicto franco-prusiano y sus secuelas, causó problemas por sus características francesas, que fueron resueltas al adaptarse como un libreto para Johann Strauss, quien trasladó Le Réveillon a una fiesta vienesa.
Hoy ofrecemos el pas de deux del acto 2º de la mencionada opereta en versión coreografiada por Roland Petit y protagonizada por Alessandra Ferri (1962), considerada como la más grande bailarina italiana desde Carla Fracci), y Massimo Murru (etoile del Teatro de la Scala de Milán)
Las danzas filipinas se caracterizan por su diversidad cultural, con estilos variados según la región. Son una forma de expresión cultural, ritual y social, a menudo asociadas con festividades y celebraciones. Las danzas filipinas a menudo incorporan música tradicional, vestimenta colorida y movimientos rítmicos, reflejando influencias tanto indígenas como coloniales.
Bayanihan National Dance Company of The Philippines . Es la compañía de danza más antigua de Filipinas; una compañía multipremiada, tanto a nivel nacional como internacional; Guillermo Gómez Rivera la ha calificado como la "depositaria de casi todos los bailes , vestimentas y canciones filipinos ". La compañía fue fundada en 1957 por Helena Z. Benítez y debutó el 27 de mayo de 1958 en la Expo '58 , la Feria Mundial de Bruselas , a petición del entonces presidente Ramon Magsaysay . Desde entonces, han realizado al menos 14 giras importantes por África, Asia, Australia, Europa, Estados Unidos y Oriente Medio. Se ha presentado en 6 continentes, 66 países y 700 ciudades de todo el mundo, interpretando danzas folclóricas de Filipinas y de otros países. El nombre del grupo proviene de la palabra filipina bayanihan , que significa «trabajar juntos por el bien común». En reconocimiento y apreciación de sus esfuerzos pioneros y su éxito internacional en el ámbito de la danza filipina , el pueblo de Filipinas, a través del 10º Congreso, promulgó la RA 8626 declarando a la Compañía de Danza Filipina Bayanihan como la Compañía Nacional de Danza Folclórica de Filipinas.
La marinera es un baile de pareja suelta mixta caracterizado por el uso de pañuelos y el más conocido de la costa del Perú. Proviene «de la jota aragonesa, de la zamacueca y otras de origen indígena y asume una connotación nacionalista para convertirse en una versión de música peruana con identidad propia». Es una muestra del mestizaje hispano-indígena-africano, entre otros, y existen diversas teorías o corrientes sobre su origen y evolución. El 30 de enero de 1986, las formas coreográficas y musicales de la marinera en todas sus variantes regionales fueron declaradas Patrimonio Cultural Inmaterial por el Instituto Nacional de Cultura del Perú (INC), siendo ésta la primera declaratoria de este orden otorgado por el Estado peruano. En 2012, el Congreso de la República del Perú declaró celebrar el Día de la Marinera el 7 de octubre.
Chuscada Ancashina. El huayno ancashino «chuscada» es uno de los géneros musicales de la música andina del Perú propio de la sierra central y oriental de la región Ancash. El escritor William Tamayo Ángeles escribe: “Cuando el Libertador Simón Bolívar viajaba de Caraz a Yungay a fines de junio de 1824, encontró a varias parejas de campesinos en Punyan bailando a la vera del camino. Al ver la gracia en los movimientos y la rítmica agitación de los pañuelos dijo: ¡Qué bella chuscada!, queriendo decir en expresión venezolana de su época; belleza con gracia y picardía”. Desde entonces, y en su homenaje, los ancashinos decidieron distinguir a su huayno nombrándolo también «chuscada».
Kathak es una de las formas de danzas clásicas de la India. Encuentra sus orígenes en los bardos nómadas de la India antigua del Norte conocidos como kathakas o cuentacuentos/narradores. En la actualidad esta danza contiene rasgos de danzas rituales y de templos, así como influencia del movimiento bhakti y características de la danza persa y de Asia central adquiridas durante el siglo XVI, importadas por las cortes reales de la Era Mogol. El nombre Kathak deriva de la palabra sánscrita katha que significa historia, y katthaka :"el que cuenta una historia". El término comenzó a utilizarse para el estilo que conocemos actualmente hacia principios del siglo XX. Hay tres gharanas principales o escuelas de kathak de las que se sigue un linaje: las gharanas de Jaipur, Lucknow, y Varanasi, nacidas respectivamente en las cortes de los reyes Kachwaha Rajput, los Nawab de Oudh y Varanasi. Se suman a éstas gharanas más recientes como la Raigarh gharana que amalgama elementos de las tres gharanas mayores y se hizo famosa por composiciones distintivas.
La bailarina de Kathak , Tanmoyee Chakraborty, interpretó aquí el Nritya paksha, basado en un taal de 14 matra (tiempos). Kathak es una danza tradicional originaria de Uttar Pradesh, India. Kathak significa historia/relato; los bailarines de Kathak cuentan una historia a través de su danza. (Extracto del comentario del pie del vídeo)
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
