El 9 de Mayo se celebra el Día de Europa

Sugerencias de iniciación a la música clásica

El Himno Europeo es uno de los cuatro símbolos oficiales de la Unión Europea, junto con el lema, la bandera, y el día de Europa. El himno tiene su origen en la Oda a la Alegría (An die Freude en alemán), escrita por Friedrich von Schiller en 1785 y la composición realizada por Ludwig van Beethoven  para su Novena Sinfonía. Así pues, el Himno Europeo es un extracto de su cuarto movimiento y fue adoptado oficialmente en 1985 en una adaptada por Herbert von Karajan.

En 1793, a la edad de 23 años, Ludwig van Beethoven conoció la Oda a la Alegría (“Ode an die Freude”) obra del escritor alemán Friedrich von Schiller, y desde ese momento manifestó su inspiración y deseo de ponerle música. El 7 de mayo de 1824, diez años después de la Octava Sinfonía, Beethoven presenta en el Teatro de la Corte Imperial de Viena su Novena Sinfonía en Re menor, Op. 125 -posteriormente conocida como “Coral”- cuyo cuarto y último movimiento concibió para ser interpretado por un coro y solistas basándose en la Oda a la Alegría.


Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica también a la composición de oratorios y cantatas que junto con las óperas fueron la base principal de su producción musical, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. A los tres años viajó a Italia; primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres, donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera, cargo que ocuparía hasta su muerte en 1759.

El Oratorio es un género musical conformado generalmente por una obertura, recitados, arias y coros; a diferencia de la Cantata, narra una historia, cuyo hilo lo conduce frecuentemente un narrador, que tiene un desarrollo y a diferencia de la Ópera no tiene ni decorados, ni vestuarios, ni puesta en escena. Lascia la spina, que hoy ofrecemos, es un aria perteneciente al Oratorio Il trionfo del tempo e del disinganno que más tarde, con el título de Lascia ch’io pianga lo utilizaría en la Ópera Rinaldo. Cecilia Bartoli (1966) es una mezzosoprano ligera italiana de depurada técnica. Compagina su carrera de cantante de ópera con la de directora artística de festivales de relevancia mundial. De padres cantantes profesionales, a los nueve años debutó en la ópera Tosca en el papel de niño pastor. Ha actuado en las principales salas del mundo con los directores más renombrados.

Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica también a la composición de oratorios y cantatas que junto con las óperas fueron la base principal de su producción musical, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. A los tres años viajó a Italia; primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres, donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera, cargo que ocuparía hasta su muerte en 1759.

El Oratorio es un género musical conformado generalmente por una obertura, recitados, arias y coros; a diferencia de la Cantata, narra una historia, cuyo hilo lo conduce frecuentemente un narrador, que tiene un desarrollo y a diferencia de la Ópera no tiene ni decorados, ni vestuarios, ni puesta en escena. Lascia la spina, que hoy ofrecemos, es un aria perteneciente al Oratorio Il trionfo del tempo e del disinganno que más tarde, con el título de Lascia ch’io pianga lo utilizaría en la Ópera Rinaldo. Cecilia Bartoli (1966) es una mezzosoprano ligera italiana de depurada técnica. Compagina su carrera de cantante de ópera con la de directora artística de festivales de relevancia mundial. De padres cantantes profesionales, a los nueve años debutó en la ópera Tosca en el papel de niño pastor. Ha actuado en las principales salas del mundo con los directores más renombrados.


Aleksandr Scriabin (1872-1915) fue un pianista y compositor ruso. Su madre, pianista profesional, murió cuando él tenía un año de edad; recibió sus primeras clases de su tía. A los cinco años era capaz de tocar de oído e improvisar al piano. Formalizó sus estudios en el Conservatorio de Moscú con Taneyev y Arenski. Notable pianista, a pesar de sus pequeñas manos, en 1895 viaja por toda Europa. Como compositor, sus obras fueron muy bien acogidas en Rusia y más tarde, en Europa. Su estilo sufrió una profunda transformación a través de los años hasta llegar a ocultos contenidos esotéricos.

Hoy presentamos un álbum de Mazurkas (danza de salón de la nobleza polaca que con el tiempo sería también de las clases populares) con  Marta Deyanova, pianista búlgara nacida en Sofía, que ha ganado numerosos primeros premios en distintos concursos internacionales, lo que le ha servido para realizar diversas giras por Europa, Asia y América,  actuar con las primeras orquestas y directores y efectuar numerosas grabaciones.


Pablo Sorozábal, (1897-1988) nacido en Donostia/San Sebastián, según sus propias memorias, en el seno de una familia proletaria y euskaldun (euskera-parlante); su padre, José María, cantero de profesión, fue bertsolari conocido con los sobrenombres de "Asteasu" y "Portzale". Pablo comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián. A los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y con 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. En 1931 estrena Katiuska, a la que seguirían otras zarzuelas que le darían gran fama como La del manojo de rosas y La Tabernera del Puerto, que hoy presentamos, entre otras; escribió, además, distintas obras de música vasca, obras para txistu, obras corales y música sinfónica. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich, hecho que provocó su dimisión.

La tabernera del puerto, que hoy sugerimos, es una zarzuela en 3 actos con música de Pablo Sorozabal y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw; fue estrenada el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tívoli de Barcelona. La acción se desarrolla en el puerto de la ciudad imaginaria de Cantabreda. En el puerto se encuentra la taberna de Marola. Nadie sabe el origen de Marola, solamente se conoce que la taberna fue costeada por el bandido Juan de Eguía, al que todos creen su marido. Marola y Leandro se enamoran. Sin embargo, un grupo de mujeres del pueblo reprochan a Marola que vuelve locos a todos los hombres, pero ella se defiende recriminándoles que no prestan atención a sus esposos. Marola confiesa a Leandro que Juan de Eguía es su padre, ante lo cual Leandro convence a su amada para que huya con él. Juan de Eguía aparece de nuevo y le promete a Leandro la mano de Marola a cambio de que introduzca un fardo de cocaína en la ciudad. Leandro acepta y acompañado de su amada se dirigen en una pequeña embarcación para cargar el fardo de cocaína, pero son sorprendidos por una tormenta y desaparecen. Juan entristecido les cuenta a todos los presentes que ella es en realidad su hija. Poco después, el marinero Simpson trae la buena noticia de que Leandro y Marola están vivos y se dirigen al puerto detenidos por los carabineros. Juan confiesa ser el verdadero culpable de todo lo sucedido y es detenido, mientras que Leandro y Marola quedan en libertad. La versión musical que hoy ofrecemos está conducida por el maestro Arturo Díaz Boscovich.

Pablo Sorozábal, (1897-1988) nacido en Donostia/San Sebastián, según sus propias memorias, en el seno de una familia proletaria y euskaldun (euskera-parlante); su padre, José María, cantero de profesión, fue bertsolari conocido con los sobrenombres de "Asteasu" y "Portzale". Pablo comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián. A los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y con 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. En 1931 estrena Katiuska, a la que seguirían otras zarzuelas que le darían gran fama como La del manojo de rosas y La Tabernera del Puerto, que hoy presentamos, entre otras; escribió, además, distintas obras de música vasca, obras para txistu, obras corales y música sinfónica. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich, hecho que provocó su dimisión.

La tabernera del puerto, que hoy sugerimos, es una zarzuela en 3 actos con música de Pablo Sorozabal y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw; fue estrenada el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tívoli de Barcelona. La acción se desarrolla en el puerto de la ciudad imaginaria de Cantabreda. En el puerto se encuentra la taberna de Marola. Nadie sabe el origen de Marola, solamente se conoce que la taberna fue costeada por el bandido Juan de Eguía, al que todos creen su marido. Marola y Leandro se enamoran. Sin embargo, un grupo de mujeres del pueblo reprochan a Marola que vuelve locos a todos los hombres, pero ella se defiende recriminándoles que no prestan atención a sus esposos. Marola confiesa a Leandro que Juan de Eguía es su padre, ante lo cual Leandro convence a su amada para que huya con él. Juan de Eguía aparece de nuevo y le promete a Leandro la mano de Marola a cambio de que introduzca un fardo de cocaína en la ciudad. Leandro acepta y acompañado de su amada se dirigen en una pequeña embarcación para cargar el fardo de cocaína, pero son sorprendidos por una tormenta y desaparecen. Juan entristecido les cuenta a todos los presentes que ella es en realidad su hija. Poco después, el marinero Simpson trae la buena noticia de que Leandro y Marola están vivos y se dirigen al puerto detenidos por los carabineros. Juan confiesa ser el verdadero culpable de todo lo sucedido y es detenido, mientras que Leandro y Marola quedan en libertad. La versión musical que hoy ofrecemos está conducida por el maestro Arturo Díaz Boscovich.


Sugerencias de música clásica

Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano Claro de luna, Appasionata,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … 

La Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125, conocida también como «Coral», es la última sinfonía de Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y populares de la música y el arte. El último movimiento causó asombro en su época por la incorporación de un cuarteto de solistas vocales y coro mixto, cosa inédita en ese momento; movimiento, por otra parte, que se ha convertido en símbolo de la libertad. En 2001, la partitura original de la sinfonía se inscribió en el Registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO donde forma parte, junto con otros sobresalientes monumentos, de la herencia espiritual de la humanidad. Hoy ofrecemos el cuarto movimiento conducido por la maestra coreana Shi-Yeon Sung.


El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809), hermano de Michael Haydn, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo. Al apreciar sus padres las cualidades de su hijo para la música, a los seis años le enviaron a Hainburg (a once kilómetros de la residencia paterna) con un pariente para que realizase sus estudios musicales de clavecín y violín. A los dos años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz se quedó  sin coro y sin techo, por lo que tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos. Estudió composición de modo autodidacta analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach y empezó a abrirse camino con la composición de sus primeros cuartetos y su primera ópera.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart, además de ser profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata, del desarrollo del trío con piano y, sobre todo, de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena. 

El Concierto para violonchelo nº 2 que hoy presentamos, estructurado en tres movimientos (I Allegro moderato. II Adagio. III Rondo: Allegro) es uno de los conciertos para chelo más famosos y más interpretados con fragmentos de gran dificultad que suponen un reto para el intérprete, en este caso para Mstislav Rostropovich (1927- 2007), músico violonchelista y director de orquesta soviético-ruso, considerado el máximo violonchelista de su generación. Además de sus interpretaciones y técnicas, fue conocido por inspirar y encargar nuevas obras, que ampliaron el repertorio de violonchelo más que cualquier violonchelista anterior o posterior. Inspiró y estrenó más de 100 piezas, formando amistades de larga duración y asociaciones artísticas con los compositores más eminentes del siglo XX. Rostropovich fue reconocido internacionalmente como un firme defensor de los derechos humanAos y recibió el Premio de la Liga Internacional de Derechos Humanos en 1974.

El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809), hermano de Michael Haydn, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo. Al apreciar sus padres las cualidades de su hijo para la música, a los seis años le enviaron a Hainburg (a once kilómetros de la residencia paterna) con un pariente para que realizase sus estudios musicales de clavecín y violín. A los dos años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz se quedó  sin coro y sin techo, por lo que tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos. Estudió composición de modo autodidacta analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach y empezó a abrirse camino con la composición de sus primeros cuartetos y su primera ópera.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart, además de ser profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata, del desarrollo del trío con piano y, sobre todo, de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena. 

El Concierto para violonchelo nº 2 que hoy presentamos, estructurado en tres movimientos (I Allegro moderato. II Adagio. III Rondo: Allegro) es uno de los conciertos para chelo más famosos y más interpretados con fragmentos de gran dificultad que suponen un reto para el intérprete, en este caso para Mstislav Rostropovich (1927- 2007), músico violonchelista y director de orquesta soviético-ruso, considerado el máximo violonchelista de su generación. Además de sus interpretaciones y técnicas, fue conocido por inspirar y encargar nuevas obras, que ampliaron el repertorio de violonchelo más que cualquier violonchelista anterior o posterior. Inspiró y estrenó más de 100 piezas, formando amistades de larga duración y asociaciones artísticas con los compositores más eminentes del siglo XX. Rostropovich fue reconocido internacionalmente como un firme defensor de los derechos humanAos y recibió el Premio de la Liga Internacional de Derechos Humanos en 1974.


Tomás Aragüés Bernad (1935) es un compositor vasco-aragonés que a los cinco años se traslada a Barakaldo, Bizkaia, al ganar su padre Tomás Aragüés Bayarte (1903-1956), mediante oposiciones reglamentarias, la plaza de Director de la Banda Municipal de dicha localidad. Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio de Bilbao con primeros premios en Solfeo, Armonía y Composición. Posteriormente realizó cursos de perfeccionamiento en Composición en Compostela y Siena. Durante sus años de permanencia en la Congregación religiosa de La Salle, trabajó como Profesor de Música Sacra en el Instituto San Pío X, adscrito a la Universidad Pontificia de Salamanca, donde al mismo tiempo, crea una copiosa producción de música religiosa destinada a la Liturgia, y que está recogida en su mayor parte en las Ediciones del Instituto San Pío X. De esta época data su Misa Cantada en Castellano, que obtuvo desde el principio (1964) una amplia difusión en los países de habla hispana y que se mantiene hasta nuestros días. A partir de 1973 la actividad docente de Aragüés está ligada al Conservatorio de San Sebastián, primero como titular de la Cátedra de Solfeo y Teoría de la Música y posteriormente como Catedrático de Dirección de Orquesta, asumiendo la creación y dirección de la Banda de Música del Conservatorio y de la Orquesta del Conservatorio y colaborando como Profesor de Composición, hasta su jubilación en el año 2000. Fue, además,  Director del Coro Easo,  Director-fundador del Conjunto Barroco de San Sebastián. A raíz de la creación de la Orquesta Sinfónica de Euskadi (1982) colabora en sus primeros años en tareas de dirección. Dirigió el primer L.P. de esta Orquesta. Entre otras obras aparece en dicho registro la versión oficial del Himno de Euskadi, del que es autor. Durante su estancia en Donostia/San Sebastián compuso abundante música vasca como la obra que hoy presentamos o el Concierto para txistu y orquesta por el que en el año 2001 la Asociación de Txistularis del País Vasco le otorgó la medalla de oro de dicha asociación. Al año siguiente fue distinguido con el Premio Orfeón Donostiarra-Universidad del País Vasco.

El Tríptico Sacro-Festivo, que hoy sugerimos, está escrito para dos bloques principales de instrumentos contrastantes: el de la banda de txistus y el ensamble de metal a los que una pequeña percusión les sirve de nexo de unión; además, una soprano interviniente en el segundo movimiento nos lleva a la melancólica añoranza de tiempos pasados. Tod@s ell@s conducids@s por Txaber Fernández,  Lu música de Aragüés, como lo podemos comprobar en la presente obra, está considerada más cercana al clasicismo formal con lenguaje actual que a los modernos conceptos de contemporaneidad experimentalista.


Nejc Kuhar (enlace en autores) (1987) Guitarrista y compositor esloveno, terminó sus estudios de guitarra y composición en el Conservatorio de Viena. Ha ganado importantes premios internacionales tanto como guitarrista, como con sus trabajos de composición en Alemania, China, USA, Turquía e Italia. Como concertista, actúa en solitario y como integrante del Eminent Duo; como docente, es profesor de guitarra y música de cámara en el Conservatorio Joseph Haydn de Eisenstadt y en la Academia de Música de Viena.

La obra que hoy podemos visionar, Quasar, es una pequeña composición escrita en un lenguaje directo y contemporáneo para acordeón y guitarra y ejecutada, por dos mujeres de nacionalidad eslovena (al igual que su compositor). Neža Torkar (1990), acordeonista eslovena, realiza sus estudios de música y acordeón en Eslovenia y Alemania, habiendo ofrecido numerosos conciertos por media Europa como solista y como integrante de grupos de cámara; ha obtenido importantes premios europeos como solista de acordeón. Karmen Stendler, guitarrista eslovena que realizó sus estudios de guitarra en Eslovenia, Alemania y España, ha participado en importantes festivales Internacionales de guitarra y música de cámara y ha obtenido notables premios nacionales e internacionales.

Nejc Kuhar (enlace en autores) (1987) Guitarrista y compositor esloveno, terminó sus estudios de guitarra y composición en el Conservatorio de Viena. Ha ganado importantes premios internacionales tanto como guitarrista, como con sus trabajos de composición en Alemania, China, USA, Turquía e Italia. Como concertista, actúa en solitario y como integrante del Eminent Duo; como docente, es profesor de guitarra y música de cámara en el Conservatorio Joseph Haydn de Eisenstadt y en la Academia de Música de Viena.

La obra que hoy podemos visionar, Quasar, es una pequeña composición escrita en un lenguaje directo y contemporáneo para acordeón y guitarra y ejecutada, por dos mujeres de nacionalidad eslovena (al igual que su compositor). Neža Torkar (1990), acordeonista eslovena, realiza sus estudios de música y acordeón en Eslovenia y Alemania, habiendo ofrecido numerosos conciertos por media Europa como solista y como integrante de grupos de cámara; ha obtenido importantes premios europeos como solista de acordeón. Karmen Stendler, guitarrista eslovena que realizó sus estudios de guitarra en Eslovenia, Alemania y España, ha participado en importantes festivales Internacionales de guitarra y música de cámara y ha obtenido notables premios nacionales e internacionales.


Sugerencias de música para todos los gustos

Natalie Cole (1950-2015) hija del legendario Nat King Cole fue una cantante estadounidense de jazz. Su carrera está dividida en dos etapas: en la primera trabaja el R&B (música movida, con ritmo persistente y basada en el jazz; música fundamento del rock and roll) y es en su segunda etapa cuando se entrega definitivamente al jazz. A los 25 años ganó sus dos primeros premios Grammy; tras éstos le vendrían numerosos premios y discos de oro y de platino, llegando a vender más de 60 millones de discos.


Alberto Barros (1957), apodado "El Titán de la Salsa", es uno de los artistas más representativos de la música colombiana a nivel internacional, artista que tiene una amplia trayectoria como productor musical, compositor, arreglista, trombonista y cantante. Con tan solo 14 años comenzó sus estudios de música en el Conservatorio de la Universidad del Atlántico, posteriormente viajó a la Medellín para desarrollar sus estudios de armonía y orquestación. En el año 2017 es nominado a la 18a. entrega del Latín Grammy Awards como "Mejor álbum de salsa". Anteriormente, Barros había sido nominado siete veces al máximo galardón de la música, la estatuilla del “Grammy Latino”  habiendo ganado tres de ellas. Alberto Barros ha grabado siete producciones de los Tributos a la Salsa Colombiana y cuatro Tributos a la Cumbia Colombia, de los que hoy presentamos el nº 1.

La Cumbia es un ritmo musical y baile folclórico tradicional de Colombia. Posee contenidos de tres vertientes culturales, indígena, africana y, en menor medida, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas. En la instrumentación están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (caña de millo y gaitas) de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española, aunque adaptadas luego. Presencia de movimientos sensuales, marcadamente galantes, seductores, característicos de los bailes de origen africano. Las vestiduras tienen claros rasgos españoles: largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres; camisa y pantalón blanco, pañolón rojo anudado al cuello y sombrero en los hombres.

Alberto Barros (1957), apodado "El Titán de la Salsa", es uno de los artistas más representativos de la música colombiana a nivel internacional, artista que tiene una amplia trayectoria como productor musical, compositor, arreglista, trombonista y cantante. Con tan solo 14 años comenzó sus estudios de música en el Conservatorio de la Universidad del Atlántico, posteriormente viajó a la Medellín para desarrollar sus estudios de armonía y orquestación. En el año 2017 es nominado a la 18a. entrega del Latín Grammy Awards como "Mejor álbum de salsa". Anteriormente, Barros había sido nominado siete veces al máximo galardón de la música, la estatuilla del “Grammy Latino”  habiendo ganado tres de ellas. Alberto Barros ha grabado siete producciones de los Tributos a la Salsa Colombiana y cuatro Tributos a la Cumbia Colombia, de los que hoy presentamos el nº 1.

La Cumbia es un ritmo musical y baile folclórico tradicional de Colombia. Posee contenidos de tres vertientes culturales, indígena, africana y, en menor medida, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas. En la instrumentación están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (caña de millo y gaitas) de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española, aunque adaptadas luego. Presencia de movimientos sensuales, marcadamente galantes, seductores, característicos de los bailes de origen africano. Las vestiduras tienen claros rasgos españoles: largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres; camisa y pantalón blanco, pañolón rojo anudado al cuello y sombrero en los hombres.


Birkin Jane (Londres 1946) cantante y actriz anglo-francesa. Después de sus inicios cinematográficos en Inglaterra, a finales de los sesenta se establece en Francia gracias al apoyo del que sería su socio, el cantante, compositor y director de cine Serge Gainsbourg. Su presentación en París la hizo precisamente con canciones de Gainsbourg escritas para ella, canciones que se irían sumando a lo largo de su carrera. Hoy asistimos a un recital público acompañada por la Orquesta Sinfónica Lamoureux bajo la batuta del maestro Didier Benetti.


Earth, Wind & Fire (enlace en intérpretes) (Tierra, Viento y Fuego), conocidos también como EWF, es un grupo musical estadounidense, formado en Chicago en 1970. Fue fundado por Maurice White. Utiliza varios géneros de música, una fusión de disco, R&B, funk con el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y rock and roll. Durante su carrera han sido 20 veces candidatos a los Grammy, ganando 6 premios. También obtuvieron su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, junto a la del jamaicano Bob Marley.

Earth, Wind & Fire (enlace en intérpretes) (Tierra, Viento y Fuego), conocidos también como EWF, es un grupo musical estadounidense, formado en Chicago en 1970. Fue fundado por Maurice White. Utiliza varios géneros de música, una fusión de disco, R&B, funk con el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y rock and roll. Durante su carrera han sido 20 veces candidatos a los Grammy, ganando 6 premios. También obtuvieron su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, junto a la del jamaicano Bob Marley.


Sugerencias de videos peculiares

Amilcare Ponchielli (1834-1886) fue un compositor italiano nacido en  Paderno Fasolaro (hoy Paderno Ponchielli), Cremona. Comenzó a estudiar con su padre, que era organista y a los nueve años ingresó en el Conservatorio de Milán. Fue organista en la iglesia de San Hilario en Cremona, donde también fue profesor de música. Fue maestro director de las Bandas Municipales de Piacenza y Cremona, y para ellas compuso algunas obras. En 1881 fue nombrado Maestro de Capilla de Santa María la Mayor en Bérgamo. En 1883 entra como profesor en el Conservatorio de Milán. Entre otros alumnos, tuvo a Giacomo Puccini y Pietro Mascagni. Sus óperas, representadas con mucho éxito, son óperas italianas con cierta influencia de la gran ópera francesa: gran número de personajes, ballet e importante participación del coro.

Su obra más conocida es la ópera La Gioconda, de la que hoy ofrecemos su pieza más conocida, la Danza de las Horas, un ballet miniatura romántico que es más conocido, incluso, que la ópera de la que proviene. Dicho ballet fue utilizado por Walt Disney en su película Fantasía, para hacer bailar a elefantes, avestruces, cocodrilos e hipopótamos con tutú.


La Zamba es una danza del norte de Argentina que en sus orígenes procede de Perú. La denominación "zamba" se refiere al término que se aplica a los individuos mestizos descendientes de una persona indígena americana y otra negra. Su coreografía está compuesta por estos tres elementos principales: a) Vuelta entera: los bailarines hacen un recorrido, que inician cada uno en su lugar individual, para pasar por el del compañero; y esto se completa con el retorno al lugar propio del inicio. b) Media vuelta: los bailarines pasan de su sector al otro (cambian de posiciones); y así describen una semicircunferencia en su recorrido. c) Arresto: (o "Festejo") los movimientos de los bailarines se realizan generalmente en el espacio central, con giros en ambos sentidos, donde el hombre en general corona a la dama con los movimientos del pañuelo. Dichos elementos se conjugan en dos tramos de la partitura, que son indicados líricamente por los intérpretes musicales: "primera" y "segunda".

Hoy tenemos la suerte de poder disfrutar de la pareja de baile compuesta por Georgina Vargas y Oscar Mandagaran.

La Zamba es una danza del norte de Argentina que en sus orígenes procede de Perú. La denominación "zamba" se refiere al término que se aplica a los individuos mestizos descendientes de una persona indígena americana y otra negra. Su coreografía está compuesta por estos tres elementos principales: a) Vuelta entera: los bailarines hacen un recorrido, que inician cada uno en su lugar individual, para pasar por el del compañero; y esto se completa con el retorno al lugar propio del inicio. b) Media vuelta: los bailarines pasan de su sector al otro (cambian de posiciones); y así describen una semicircunferencia en su recorrido. c) Arresto: (o "Festejo") los movimientos de los bailarines se realizan generalmente en el espacio central, con giros en ambos sentidos, donde el hombre en general corona a la dama con los movimientos del pañuelo. Dichos elementos se conjugan en dos tramos de la partitura, que son indicados líricamente por los intérpretes musicales: "primera" y "segunda".

Hoy tenemos la suerte de poder disfrutar de la pareja de baile compuesta por Georgina Vargas y Oscar Mandagaran.


Igor Moiseyev (1906-2007), coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios de el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico.

Kryzhachok es una danza folclórica popular de Bielorrusia. Este nombre proviene de la palabra bielorrusa con la que se denomina al ganso salvaje, kryzhak, ya que la danza imita los movimientos de los pájaros. La danza folclórica también tenía otros nombres como Kryzhik, Pauluchok, Antoshka que dependían de la canción. Esta danza de Bielorrusia es ornamental, realizada en parejas por un gran grupo de bailarines, en el caso presente, de la Compañía de Ballet Igor Moiseyev.


Carl Maria Von Weber (1786-1826) fue un compositor alemán; su padre tocaba el violín y su madre había sido cantante profesional al igual que sus cuatro primas, una de las cuales, Constanze, se casaría con Mozart. Desde muy niño aprendió a cantar y a tocar el piano y a los 12 años recibió en Salzburgo clases gratuitas de Michael Haydn, hermano del eminente Joseph Haydn. Tras la muerte de su madre, la familia se trasladó a Munich donde tomó clases de canto y de composición; pero tres años después la familia volvió a Salzburgo, mientras Weber volvió a las clases de Michael Haydn; con 17 años fue nombrado director de la orquesta de Brelau. Mientras trabajaba, seguía estudiando y comenzaba a publicar alguna obra. En 1812 murió su padre y al año siguiente fue nombrado director de la orquesta de Praga y posteriormente de la de Dresde, mientras trabajaba en su ópera más famosa  Der Freischütz (El cazador furtivo) que sería estrenada en Berlín con un clamoroso éxito; compuso otras dos óperas Euryanthe y Oberon; las tres óperas son consideradas por much@s crític@s como obras maestras del género escénico. Compuso además de otras óperas, numerosas canciones, obras para piano, obras de cámara, dos sinfonías, varias oberturas, conciertos y obras concertantes para distintos instrumentos, tres misas y ocho cantatas. Michel Fokine (1880-1942) fue un bailarín, coreógrafo, maestro de ballet y director de compañía ruso, nacionalizado estadounidense. Estudió danza en la Escuela Imperial y fue bailarín del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo. Formó parte del grupo en torno a Serguéi Diáguilev, creador de los Ballets Rusos, para los que coreografió obras maestras como Las Sílfides, El pájaro de fuego, Sheherezade, Petrushka o El Espectro de la rosa, que hoy sugerimos. Su concepto total de la danza y sus innovaciones en el terreno de la coreografía, que revolucionaron el ballet clásico ruso, tuvieron repercusión internacional.

El espectro de la rosa, que hoy sugerimos,  es una obra de ballet creada por Michel Fokine para una pareja mixta de bailarines sobre una música escrita por Carl Maria von Weber para piano. Invitación a la danza es el título de la obra para piano que escribió Weber y que posteriormente sería orquestada por Hector Berlioz. Hoy nos la ofrecen Los Ballets Rusos,  compañía de ballet creada por Sergéi Diáguilev con los mejores bailarines del cuerpo de baile del Teatro Mariinsky.

Carl Maria Von Weber (1786-1826) fue un compositor alemán; su padre tocaba el violín y su madre había sido cantante profesional al igual que sus cuatro primas, una de las cuales, Constanze, se casaría con Mozart. Desde muy niño aprendió a cantar y a tocar el piano y a los 12 años recibió en Salzburgo clases gratuitas de Michael Haydn, hermano del eminente Joseph Haydn. Tras la muerte de su madre, la familia se trasladó a Munich donde tomó clases de canto y de composición; pero tres años después la familia volvió a Salzburgo, mientras Weber volvió a las clases de Michael Haydn; con 17 años fue nombrado director de la orquesta de Brelau. Mientras trabajaba, seguía estudiando y comenzaba a publicar alguna obra. En 1812 murió su padre y al año siguiente fue nombrado director de la orquesta de Praga y posteriormente de la de Dresde, mientras trabajaba en su ópera más famosa  Der Freischütz (El cazador furtivo) que sería estrenada en Berlín con un clamoroso éxito; compuso otras dos óperas Euryanthe y Oberon; las tres óperas son consideradas por much@s crític@s como obras maestras del género escénico. Compuso además de otras óperas, numerosas canciones, obras para piano, obras de cámara, dos sinfonías, varias oberturas, conciertos y obras concertantes para distintos instrumentos, tres misas y ocho cantatas. Michel Fokine (1880-1942) fue un bailarín, coreógrafo, maestro de ballet y director de compañía ruso, nacionalizado estadounidense. Estudió danza en la Escuela Imperial y fue bailarín del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo. Formó parte del grupo en torno a Serguéi Diáguilev, creador de los Ballets Rusos, para los que coreografió obras maestras como Las Sílfides, El pájaro de fuego, Sheherezade, Petrushka o El Espectro de la rosa, que hoy sugerimos. Su concepto total de la danza y sus innovaciones en el terreno de la coreografía, que revolucionaron el ballet clásico ruso, tuvieron repercusión internacional.

El espectro de la rosa, que hoy sugerimos,  es una obra de ballet creada por Michel Fokine para una pareja mixta de bailarines sobre una música escrita por Carl Maria von Weber para piano. Invitación a la danza es el título de la obra para piano que escribió Weber y que posteriormente sería orquestada por Hector Berlioz. Hoy nos la ofrecen Los Ballets Rusos,  compañía de ballet creada por Sergéi Diáguilev con los mejores bailarines del cuerpo de baile del Teatro Mariinsky.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.