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Tomaso Albinoni (1671- 1751) fue un compositor del barroco italiano, que nació y falleció en Venecia; conocido en su época por sus óperas, cuando en nuestros días su popularidad le viene sobre todo de su famoso Adagio que no lo escribió él, sino que lo compuso en 1945 el musicólogo italiano Remo Giazotto basándose  en unos fragmentos de una sonata para cuerdas y órgano de Albinoni. En contraste con los compositores de su época, nunca pretendió un puesto en la Iglesia o en la Corte, ya que se defendía con sus propios recursos y era tremendamente celoso de su propia independencia. Hijo de una familia acomodada, estudió canto y violín y compuso unas 50 óperas y abundante música instrumental; sobre todo, sonatas para solo y en trío y conciertos para oboe y violín.

El Barroco. La música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la, generalmente llamada, música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo.

Principales características del Barroco: Constante presencia del contrapunto. -. Polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave); aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, éstas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo .-. Presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores; el bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, archilaúd, órgano positivo, guitarra barroca, arpa, tiorba...) .-. Desarrollo de la armonía tonal con un ritmo armónico rápido (cambio frecuente de acordes); el ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo .-. Desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática) .-. En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica .-. Aparecen nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite orquestal entre las segundas .-. El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento .-. Amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.

El Adagio de Albinoni es una pieza neobarroca para cuerda y órgano en sol menor originalmente atribuida al compositor veneciano Tomaso Albinoni, pero en realidad fue compuesta en 1945 por el musicólogo italiano Remo Giazotto. Publicado por primera vez en 1958 por la editorial Casa Ricordi, el editor lanzó como argumento de venta que el autor se había basado en unos fragmentos de un movimiento lento de una sonata a trío de Albinoni presumiblemente encontrados en las ruinas de la Biblioteca de Dresde tras los bombardeos de la ciudad acaecidos en la Segunda Guerra Mundial, pero nunca se ha encontrado una prueba seria de la existencia de tales fragmentos. Por el contrario, la Staatsbibliothek Dresden ha desmentido formalmente tenerlas en su colección de partituras. ​

Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta austríaco nacido en Kaliště, actualmente Chequia, considerado como uno de los compositores mas eminentes del posromanticismo. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el  lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; a ello hay que añadir la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado y la larga duración de sus sinfonías; si a esto añadimos que tuvo enfrente a determinada prensa antisemita debido a sus orígenes judíos, no es de extrañar que sus composiciones no tuvieran el éxito merecido en vida.

La Sinfonía n.º 1 («Titán») en re mayor de Gustav Mahler fue terminada en 1888, un año antes de su estreno en Budapest en 1889. En un principio la obra fue concebida como un largo poema sinfónico, en el que Mahler utilizó música procedente de su abandonado proyecto de ópera Rübezahl y de la música incidental compuesta para la obra teatral El trompeta de Säkkingen de Viktor Nessler. En todas las ocasiones en que fue interpretada a partir de su estreno en Budapest, la obra se encontró con un rechazo casi total por parte de crítica y público. Mahler revisó posteriormente esta sinfonía en varias ocasiones y hoy en día es una de las más apreciadas de Mahler, debido a su gran riqueza melódica, y es interpretada con bastante frecuencia en las salas de concierto.

Hoy ofrecemos el segundo movimiento de esta sinfonía en la versión conducida por la maestra uruguaya Gisele Ben-Dor.

Luigi Boccherini (1743-1805) fue un virtuoso violonchelista y compositor italiano, de padre también violonchelista; de él recibió las primeras clases del instrumento y a los trece años salió al escenario como concertista de violonchelo. Posteriormente bajo la tutela de Vannuci perfeccionó su técnica instrumental además de estudiar armonía, contrapunto y composición. Siguió con sus estudios en Roma y tras visitar y residir en distintas ciudades europeas, se instala definitivamente en Madrid donde escribe la mayor parte de su producción musical. Boccherini escribió gran cantidad de música de cámara (más de cien quintetos y otros noventa cuartetos de cuerda, además de tríos, sonatas y piezas en otros géneros) y su repertorio para orquesta incluye cerca de 30 sinfonías y conciertos.

Música de cámara es aquella compuesta para un reducido grupo de instrumentos, en contraposición a la música de orquesta. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento. A esas habitaciones, no muy grandes, se les llamaba cámaras. Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzó poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene inducido por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y porque, económicamente, era mucho más rentable que una orquesta. Hay dos detalles que caracterizan una obra de cámara: 1) cada músic@ toca una parte diferente y 2) no hay director; los músicos están situados de modo que puedan mirarse entre sí, para la mejor coordinación.

Flute Quintet in F Major, G. 437.  Boccherini creó el quinteto de dos violines, viola y dos violonchelos, en gran parte para que él mismo tocara con un cuarteto establecido. Escribió más de 100 de estos quintetos, y también arregló muchos de ellos para otros medios, como el presente quinteto de cuerdas y flauta; su Allegro de apertura es vivaz, mientras el movimiento lento es una escena lírica dulcemente diversificada, como una versión instrumental de un conjunto de ópera; los dardos finales son enérgicos, con las cuerdas en un despliegue idiomático sin restricciones. (Extractado del artículo aparecido en LA Phil)

El Impresionismo musical es una tendencia musical que surgió en Francia a finales del siglo XIX. Al llegar el posromanticismo, autores como Gabriel Fauré o Camille Saint-Saëns experimentaron con los modos griegos y con el timbre, pero sin profundizar demasiado. Y así, a finales del siglo XIX, surgió el Impresionismo (cuyo nombre ya se usaba en la pintura de los años 1860-70 a partir de la idea de expresar las ideas de una manera insinuada). En música, la utilización de la escala pentatónica y de los modos griegos, la libertad armónica y rítmica y la experimentación con el timbre fueron las características principales de este movimiento, en el que Claude Debussy es el autor impresionista más notorio, junto con Maurice Ravel y Erik Satie.

La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre (La mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta), o simplemente La mer , que hoy ofrecemos, es una obra para orquesta que Debussy comenzó a escribirla en 1903 y la completó en 1905 durante su estancia en la costa del Canal de la Mancha, en Eastbourne. Fue estrenada por la orquesta Lamoureux, bajo la dirección de Camille Chevillard, el 15 de octubre de 1905 en París. Consta de tres movimientos: I (0´14´´) DESDE EL AMANECER HASTA EL MEDIODÍA EN EL MAR – MUY LENTO .-.  II (9´00´´) JUEGOS DE OLAS - ALLEGRO . -. III (16´00´´) DIÁLOGO DEL VIENTO Y EL MAR – ANIMADO Y TUMULTUOSO.

Hoy nos la ofrece la Filarmónica de Los  Ángeles conducida por el eminente maestro ruso Valery Gergiev.

Pello Reparaz, exintegrante del grupo Vendetta, es el cantante de la banda navarra Zetak, reciente premio MIN 2021 a Mejor Álbum en euskera. Cuando el mundo entero se encerró en casa en marzo de 2020, Pello Reparaz (Arbizu, 1990) acababa de dar un salto mortal con tirabuzón para caer de pie con su proyecto de música electrónica Zetak, galardonado recientemente con un premio de la música independiente (los MIN) a Mejor Álbum en euskera por su segundo disco. En un inteligente ejercicio de reajuste, Reparaz y su banda (Gorka Pastor en los sintetizadores y Leire Colomo e Iban Larreburu a la percusión) han logrado sacar algo positivo de la pandemia: “Ha traído cosas negativas, pero en lo profesional ya se me están olvidando. Hemos podido posicionar Zetak en un lugar en el que quizás a estas alturas no estaríamos gracias a Zeinen ederra izango den y a cómo ha sabido transformarse el proyecto en función de lo que está sucediendo”. Concebido como un proyecto artístico multidisciplinar, la experimentación está en el ADN de Zetak, que prepara junto a la compañía Sherpa AI, con sede en Bilbao, una canción que tendrá su origen en un algoritmo de inteligencia artificial. “Cuando llegas a tu meta, te das cuenta de que en realidad era otra. Me parece algo positivo; todo cambia y eso es positivo”. (extractado del artículo de Nerea Basterra en El País)

Claudio Capéo (Cernay, Francia, 10 de enero de 1985) es un cantante y acordeonista francés de ascendencia italiana. Se dio a conocer al público en general al participar en la temporada 5 de The Voice : La Plus Belle Voix. Su primer álbum, Claudio Capéo, ​ ocupó el primer lugar en las listas de ventas de Francia durante cinco semanas seguidas en agosto de 2016, ​ vendiendo más de 400.000 copias. El primer sencillo del álbum, «Un Homme Debout», fue certificado disco de diamante por el SNEP​ y alcanzó la sexta posición en las listas musicales francesas y la séptima en la Ultratop de Bélgica; su videoclip fue filmado en la Plaza Bellecour de Lyon. Le han seguido dos álbumes más, Tant que rien ne m'arrête (2018) y Penso a te (2020), ambos certificados disco de platino en Francia. Su proyecto más reciente, Rose des vents, fue publicado el 25 de noviembre de 2022.

Colombia es un país de una riqueza cultural inigualable, donde cada región tiene sus propias tradiciones, ritmos y danzas que cuentan la historia de su gente. Desde la costa caribeña hasta los Andes, pasando por los Llanos Orientales y el Pacífico, los bailes típicos de Colombia son una expresión viva de la diversidad cultural que caracteriza al país. Cada baile, desde la cumbia hasta el sanjuanero, es una ventana a la identidad y el alma de las comunidades que los practican. Estas danzas no sólo son una forma de entretenimiento, sino también una manera de mantener vivas las tradiciones y de transmitirlas a las nuevas generaciones. En un mundo cada vez más globalizado, la preservación de estas tradiciones es fundamental para mantener la riqueza cultural de Colombia.

La Cumbia es un ritmo musical y baile folclórico tradicional de Colombia. Posee contenidos de tres vertientes culturales: indígena, africana y, en menor medida, blanca (española), fruto del largo mestizaje entre estas culturas. En la música están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (caña de millo y gaitas) de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española. En cuanto al baile, es de destacar la presencia de movimientos sensuales, galantes y seductores, característicos de los bailes de origen africano.

Jeux ( Juegos ) es un ballet escrito por Claude Debussy . Descrito como un "poema bailado"), fue escrito para los Ballets Russes de Diaghilev. Jeux se estrenó el 15 de mayo de 1913 en el Théâtre des Champs-Élysées de París, bajo la dirección de Pierre Monteux . La obra no fue bien recibida y pronto fue eclipsada por La consagración de la primavera de Stravinsky, que fue estrenada dos semanas después. Hay alrededor de sesenta marcas de tempo diferentes en la obra, suficientes para que Émile Vuillermoz describa la partitura como cambiando "velocidad y matiz cada dos compases".  Los motivos temáticos de Jeux son igualmente muy cortos, a menudo de dos compases de largo o construidos a partir de dos bloques de construcción de un solo compás.