Sugerencias de iniciación a la música clásica

André Rieu (1949) es un violinista, director de orquesta y compositor holandés. Inició su carrera musical siendo niño y perteneció a diversas orquestas hasta que en 1987 fundó la propia, con el nombre de Johann Strauss Orkest  y a partir del año siguiente empezó su fulgurante carrera de éxitos por todo el mundo, comenzando por su propia patria, y convirtiéndose en una de las grandes estrellas de la música al nivel de los más prestigiosos artistas de pop o de rock, al tiempo que ganó multitud de adeptos y aficionados a su música. Con su característico estilo de difundir la música clásica, que anteriormente parecía reservada a las clases de élite o acomodadas, André Rieu decidió ponerla al servicio de un público variopinto y en aquellos lugares que suelen frecuentar todo tipo de gentes, bien sean de ocio o culturales, tales como plazas públicas y estadios deportivos. Y lo consiguió con gran éxito, pues ganó diversos premios como el Top 10 o el Top 100, este último ostentando un número uno.

El concierto que hoy presentamos se celebró en Maastricht, ciudad natal de Rieu, en julio de 2018. El concierto, ofrecido al aire libre, cuenta con treinta piezas de todo tipo de géneros: valses románticos, arias populares, , melodías de fama mundial y todo tipo de melodías fantásticas: Granada, Nessum Dorma, el Tema de Lara de la película “Doctor Zhivago”, Kalinka ... y así hasta completar el número de 30 vibrantes y delicadas melodías.


Pablo Sorozábal, (1897-1988) nacido en Donostia/San Sebastián, según sus propias memorias en el seno de una familia proletaria y euskaldun; su padre, José María, cantero de profesión, fue bertsolari conocido con los sobrenombres de "Asteasu" y "Portzale". Pablo comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián. A los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y con 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. En 1931 estrena Katiuska, a la que seguirían otras zarzuelas que le darían gran fama como La del manojo de rosas, y La Tabernera del Puerto, entre otras; escribió, además, distintas obras de música vasca, obras para txistu, obras corales y música sinfónica. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich, hecho que provocó su dimisión.

El Txistu pertenece a la familia europea comúnmente denominada como “Flauta de tres agujeros”. Se toca con una sola mano (normalmente la izquierda), de modo que la otra quede libre para poder tocar el tamboril que cuelga del brazo utilizado para tocar el txistu. Actualmente afinado en Fa es acompañado frecuentemente por el silbote o txistu haundi, instrumento más grave, afinado en Sib. A la misma familia pertenece la txirula, instrumento más agudo, que es acompañada habitualmente por el ttun ttun (tambor de cuerdas). El txistu es utilizado en romerías, pasacalles, homenajes, actos institucionales y en distintos tipos de conciertos tanto como instrumento solista acompañado de una orquesta, como formando una pequeña Banda de txistus, en cuyo caso las obras están escritas habitualmente para tres voces (txistu 1º, txistu 2º y silbote) con acompañamiento del tamboril y de la caja clara, atabal o redoblante. Hoy la Banda de Txistularis Alaitz nos ofrece esta pequeña polka del maestro Sorózabal.

Pablo Sorozábal, (1897-1988) nacido en Donostia/San Sebastián, según sus propias memorias en el seno de una familia proletaria y euskaldun; su padre, José María, cantero de profesión, fue bertsolari conocido con los sobrenombres de "Asteasu" y "Portzale". Pablo comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián. A los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y con 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. En 1931 estrena Katiuska, a la que seguirían otras zarzuelas que le darían gran fama como La del manojo de rosas, y La Tabernera del Puerto, entre otras; escribió, además, distintas obras de música vasca, obras para txistu, obras corales y música sinfónica. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich, hecho que provocó su dimisión.

El Txistu pertenece a la familia europea comúnmente denominada como “Flauta de tres agujeros”. Se toca con una sola mano (normalmente la izquierda), de modo que la otra quede libre para poder tocar el tamboril que cuelga del brazo utilizado para tocar el txistu. Actualmente afinado en Fa es acompañado frecuentemente por el silbote o txistu haundi, instrumento más grave, afinado en Sib. A la misma familia pertenece la txirula, instrumento más agudo, que es acompañada habitualmente por el ttun ttun (tambor de cuerdas). El txistu es utilizado en romerías, pasacalles, homenajes, actos institucionales y en distintos tipos de conciertos tanto como instrumento solista acompañado de una orquesta, como formando una pequeña Banda de txistus, en cuyo caso las obras están escritas habitualmente para tres voces (txistu 1º, txistu 2º y silbote) con acompañamiento del tamboril y de la caja clara, atabal o redoblante. Hoy la Banda de Txistularis Alaitz nos ofrece esta pequeña polka del maestro Sorózabal.


Yann Tiersen (1970), es un multifacético compositor francés, que, entre otras músicas, ha compuesto la banda sonora de las películas Amélie, Good Bye, Lenin! y Tabarly. Se caracteriza por su faceta multinstrumentista, tocando principalmente violín, piano y acordeón, entre otros. Durante su infancia estudió en diversos conservatorios de Rennes, Nantes y Boulogne entre otros. Estudió violín, piano y más tarde composición, aunque no se limitó solamente a estos instrumentos ya que también posee gran técnica en el acordeón y el piano de juguete. Otro instrumento que se debe destacar es la guitarra eléctrica, que ha convertido en el instrumento principal de sus conciertos. Desarrolló su juventud influenciado por el rock (llegando a tener un grupo de rock en su adolescencia), la chanson y la música clásica influido por sus estudios de conservatorio. Esta mezcla fue base esencial para una comprensión adecuada de su música, llegando a compaginar e incluso unir el rock instrumental con partituras más clásicas durante toda su carrera.

Lola Astanova (1982) es una pianista nacida en Uzbekistán (antes perteneciente a Rusia). A la edad de los ocho años realizaba ya giras como concertista asombrando al público de media Europa por su técnica e imaginación infantil. Ha actuado en las mejores salas del mundo tanto sola como bajo la batuta de los principales directores de orquesta. Hoy nos ofrece esta delicada pieza de Tiersen.

 


Ennio Morricone (1928-2020) director de orquesta y compositor de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión y otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, de niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia. A los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco,  para películas de cine. El director de cine Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spagetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.

Hoy asistiremos a la ejecución del tema principal de la banda sonora de  The Untouchables de la mano de Sarah Hicks directora nacida en Tokio, criada en Honolulu y nacionalizada en USA y actualmente titular de la Orquesta de Minnesota; hoy la visionaremos al frente de la Nacional de Dinamarca.

Ennio Morricone (1928-2020) director de orquesta y compositor de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión y otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, de niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia. A los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco,  para películas de cine. El director de cine Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spagetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.

Hoy asistiremos a la ejecución del tema principal de la banda sonora de  The Untouchables de la mano de Sarah Hicks directora nacida en Tokio, criada en Honolulu y nacionalizada en USA y actualmente titular de la Orquesta de Minnesota; hoy la visionaremos al frente de la Nacional de Dinamarca.


Sugerencias de música clásica

Giovanni Battista Pergolesi (1710 -1736), fue un compositor, violinista y organista italiano del período Barroco. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La Serva Padrona (1733). Sin embargo, el reestreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada «Querella de los bufones», que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante unos años. También compuso muchas obras de música profana y música sacra en la que su obra más conocida es, sin duda, el Stabat Mater que hoy presentamos. Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.

Stabat Mater es una composición musical para la secuencia Stabat Mater, compuesta en 1736. Fue creada en las últimas semanas de vida de Pergolesi, cuando estaba enfermo de tuberculosis y sabía que podría morir. La obra se caracteriza por el uso magistral de las disonancias, que expresan un emotivo patetismo. La versión que hoy sugerimos está protagonizada por la soprano Emöke Barath, el contratenor Philippe Jaroussky y la directora Nathalie Stutzmann.


Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … 

El Concierto para piano y orquesta n.º 4 en Sol mayor, Opus 58 de Ludwig van Beethoven fue compuesto entre 1805 y 1806 y estrenado en marzo de 1807 en un concierto privado que tuvo lugar en la casa del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz, junto con la Obertura Coriolano y la Sinfonía n.º 4. Sin embargo, el estreno público no fue hasta el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien de Viena de nuevo con Beethoven al piano. Un comentario en el Allgemeine Musikalische Zeitung de mayo de 1809 dice que «este concierto es el más admirable, singular, artístico y complejo concierto que Beethoven haya escrito». Empero, después de su estreno la obra fue olvidada hasta 1836, cuando fue reflotada por Félix Mendelssohn. Como es usual en el concierto clásico, tiene tres movimientos: I Allegro moderato. II Andante con moto. III Rondó (Vivace), que hoy será interpretado por la pianista japonesa Mitsuko Uchida (1948) que ha grabado un amplio repertorio con varios sellos discográficos, ha ganado numerosos premios y honores (incluyendo Dama Comendadora de la Orden del Imperio Británico), y desde 2013 ha sido Directora Artística del Festival y escuela de música de Marlboro; además, también ha dirigido varias importantes orquestas.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … 

El Concierto para piano y orquesta n.º 4 en Sol mayor, Opus 58 de Ludwig van Beethoven fue compuesto entre 1805 y 1806 y estrenado en marzo de 1807 en un concierto privado que tuvo lugar en la casa del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz, junto con la Obertura Coriolano y la Sinfonía n.º 4. Sin embargo, el estreno público no fue hasta el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien de Viena de nuevo con Beethoven al piano. Un comentario en el Allgemeine Musikalische Zeitung de mayo de 1809 dice que «este concierto es el más admirable, singular, artístico y complejo concierto que Beethoven haya escrito». Empero, después de su estreno la obra fue olvidada hasta 1836, cuando fue reflotada por Félix Mendelssohn. Como es usual en el concierto clásico, tiene tres movimientos: I Allegro moderato. II Andante con moto. III Rondó (Vivace), que hoy será interpretado por la pianista japonesa Mitsuko Uchida (1948) que ha grabado un amplio repertorio con varios sellos discográficos, ha ganado numerosos premios y honores (incluyendo Dama Comendadora de la Orden del Imperio Británico), y desde 2013 ha sido Directora Artística del Festival y escuela de música de Marlboro; además, también ha dirigido varias importantes orquestas.


Bedrich Smetana (1824-1884) fue un compositor nacido en Bohemia, región que en vida del autor formó parte del Imperio austrohúngaro y hoy día es una de las tres regiones de Chequia, donde se le reconoce como el padre de la música checa.

Má Vlast (Mi patria) es un conjunto de seis poemas sinfónicos compuestos por Smetana entre 1874 y 1879. Aunque se suele presentar como una obra completa en seis movimientos, las partes que lo componen fueron concebidas como obras individuales. Smetana usa en estas obras el estilo de poema sinfónico iniciado por Franz Liszt, que incluye una orientación nacionalista de la música que fue habitual a finales del siglo XIX. Cada poema representa un aspecto del paisaje rural, la historia o las leyendas de Bohemia: I Vyšehrad (El Alto Castillo). II Vltava (el nombre checo del río Moldava). III Šárka (Guerrera amazona de la antigua leyenda checa de la Guerra de las Doncellas). IV Z českých luhů a hájů (De los bosques y prados de Bohemia). V Tabor (ciudad en el sur de Bohemia). VI Blaník (recibe su nombre de la montaña Blaník, en cuyo interior, según la leyenda, duerme un impresionante ejército de caballeros guiado por San Venceslao, patrón de la República checa). Hoy sugerimos el visionado del segundo poema, El Moldava, el más conocido de los seis poemas, del que dice Smetana: “La composición describe el curso del Moldava: el nacimiento en dos pequeños manantiales, el Moldava Frío y el Moldava Caliente, su unión, el discurrir a través de bosques y pastizales, a través de paisajes donde se celebra una boda campesina, la danza de las náyades a la luz de la luna; en las cercanías del río se alzan castillos orgullosos, palacios y ruinas. El Moldava se precipita en los Rápidos de San Juan, y después se ensancha de nuevo y fluye apacible hacia Praga, pasa ante el castillo Vyšehrad, y se desvanece majestuosamente en la distancia, desembocando en el Elba”. El tema inicial, que representa los dos manantiales que conforman el Moldava, es interpretado con flauta. Más adelante se puede oír la sección de metales expresando los sonidos de los cuernos de caza en un bosque, una polka que simboliza la danza de una boda campesina y las cuerdas representando la danza de las ninfas acuáticas; los címbalos y timbales simbolizan los rápidos de San Juan. La conducción corre a cargo del director esloveno Nejc Bečan.


 Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX,  que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. Su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Sóviet Supremo de la Unión Soviética. Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS. En efecto, a pesar de su vocación innovadora mantuvo una buena  relación con el régimen soviético; y eso que su música fue considerada como reaccionaria en distintas ocasiones puesto que trataba de conjugar las tradiciones musicales rusas con las innovaciones que florecían en Occidente. Influído por Mussorgski, Prokofiev y Stravinski además de Mahler y Hindemith su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos de cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cámara, de cine y ballet.  

Cuarteto nº3. De los quince cuartetos que compuso Shostakovich, consideraba al nº 3, con sus cinco movimientos, como una de sus obras mejor elaboradas. Hoy lo ejecuta el grupo ruso de cuerda Cuarteto Borodin, que es uno de los cuartetos más longevos del mundo ya que funcionó desde 1945 hasta 2015; su colaboración con Shostakovich fue constante desde 1946. 

 Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX,  que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. Su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Sóviet Supremo de la Unión Soviética. Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS. En efecto, a pesar de su vocación innovadora mantuvo una buena  relación con el régimen soviético; y eso que su música fue considerada como reaccionaria en distintas ocasiones puesto que trataba de conjugar las tradiciones musicales rusas con las innovaciones que florecían en Occidente. Influído por Mussorgski, Prokofiev y Stravinski además de Mahler y Hindemith su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos de cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cámara, de cine y ballet.  

Cuarteto nº3. De los quince cuartetos que compuso Shostakovich, consideraba al nº 3, con sus cinco movimientos, como una de sus obras mejor elaboradas. Hoy lo ejecuta el grupo ruso de cuerda Cuarteto Borodin, que es uno de los cuartetos más longevos del mundo ya que funcionó desde 1945 hasta 2015; su colaboración con Shostakovich fue constante desde 1946. 


Sugerencias de música para todos los gustos

Alfred McCoy Tyner (1938–2020) fue un pianista estadounidense de jazz. Conocido especialmente por sus trabajos con el John Coltrane Quartet, a lo largo de su carrera se aproximó a una amplia variedad de estilos, aunque siempre dentro de la vanguardia jazzística: jazz progresivo, jazz modal, hard bop, etc.; también dedicó algunos discos a la música afrocubana. Tyner nació en Filadelfia, siendo el mayor de tres hermanos. Su madre lo animó a estudiar piano. Finalmente, comenzó a estudiar piano a la edad de 13 años y, dos años más tarde, la música se había convertido en el centro de su vida. Sus primeras influencias incluyen a Bud Powell, uno de los principales pianistas del bebop y vecino de McCoy en Filadelfia. La forma de tocar de Tyner se puede distinguir, entre otras cosas, por el uso del bajo con la mano izquierda, ya que tiende a levantar el brazo relativamente alto por encima del teclado para un ataque enfático. La forma de interpretar solos con la mano derecha de Tyner es reconocida por una cualidad de staccato y arpeggios descendentes, tanto de una forma triádica como en otros patrones. Su enfoque de la forma de tocar los acordes (característicamente en cuartas), ha ejercido influencia en una enorme cantidad de pianistas de jazz


Alessia Cara (1996) compositora y cantante canadiense que con 10 años ya componía canciones. Comenzó su carrera grabando en su propio canal de You Tube y cantando en distintas radios. Ha obtenido numerosos premios nacionales e internacionales; en 2015 su sencillo alcanzó el puesto nº 5 en Bilboard Hot 100 y en 2018 consiguió el Premio Grammy de Mejor Artista Nueva. El álbum debut de Cara, Know-It-All (2015), alcanzó el número 8 en el Canadian Albums Chart y el número 9 en el Billboard 200 en USA. El tercer sencillo del álbum, Scars to Your Beautiful, logró el número 8 en la lista Billboard Hot 100 en 2016. Recibió su primer Grammy en 2018, en la categoría de Mejor Artista Nuevo, convirtiéndose en la primera artista canadiense en ganar este premio. Su música está considerada como R&B y alternativa de R&B. También crea pistas con géneros pop, soul e indie pop.

Alessia Cara (1996) compositora y cantante canadiense que con 10 años ya componía canciones. Comenzó su carrera grabando en su propio canal de You Tube y cantando en distintas radios. Ha obtenido numerosos premios nacionales e internacionales; en 2015 su sencillo alcanzó el puesto nº 5 en Bilboard Hot 100 y en 2018 consiguió el Premio Grammy de Mejor Artista Nueva. El álbum debut de Cara, Know-It-All (2015), alcanzó el número 8 en el Canadian Albums Chart y el número 9 en el Billboard 200 en USA. El tercer sencillo del álbum, Scars to Your Beautiful, logró el número 8 en la lista Billboard Hot 100 en 2016. Recibió su primer Grammy en 2018, en la categoría de Mejor Artista Nuevo, convirtiéndose en la primera artista canadiense en ganar este premio. Su música está considerada como R&B y alternativa de R&B. También crea pistas con géneros pop, soul e indie pop.


Jorge Negrete (1911-1953) fue un cantante y uno de los actores más emblemáticos de la época de oro del cine mexicano. Ingresó en el Heróico Colegio Militar, graduándose como teniente de Caballería y Administración (Intendencia) del Ejército Mexicano con altas calificaciones. Allí aprendió a montar a caballo, habilidad de la cual haría gala interpretando al charro mexicano en el cine. Después trabajó en la Fábrica de Armas de la Ciudadela realizando labores administrativas, y estudió parcialmente la carrera de medicina. Estudió canto con José Pierson, director de la Compañía Impulsora de Opera de México, quien fue profesor de cantantes de ópera notables en la época. Tras estudiar canto solicitó licencia del ejército mexicano, del que era capitán segundo, para iniciar su carrera de cantante. Como actor, comienza su trabajo con una intervención en un cortometraje de Warner Bross. Su carrera exitosa, tanto como cantante como actor, le llevó a frecuentes giras por distintos países donde era aclamado con fervor, mientras en su tierra era querido y admirado como un héroe.


Rihanna (1988) es una cantante, empresaria, diseñadora de moda, actriz, diplomática, escritora, bailarina y filántropa nacida en Barbados. Es conocida por fusionar géneros caribeños con la música pop y por reinventar su imagen a través de los años. Su impacto en la cultura popular la ha llevado a convertirse en un icono de la música y de la moda, por lo que se refieren a ella como la Princesa del R&B y Reina de la Moda. Rihanna es considerada una de las artistas musicales más influyentes y exitosas del siglo XXI. Comenzó su carrera en 2003 cuando hizo una audición para el productor musical Evan Rogers. Más tarde firmaría un contrato de seis álbumes con Def Jam. En 2005 lanzó su álbum debut Music of the Sun , seguido por su segundo material discográfico A Girl Like Me. Adquirió fama mundial tras el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, Good Girl Gone Bad (2007). Lo que la estableció como una figura líder en la industria de la música y un símbolo sexual. Con más de 250 millones de producciones musicales distribuidas en todo el mundo, Rihanna es una de las artistas más vendidas de todos los tiempos.

Rihanna (1988) es una cantante, empresaria, diseñadora de moda, actriz, diplomática, escritora, bailarina y filántropa nacida en Barbados. Es conocida por fusionar géneros caribeños con la música pop y por reinventar su imagen a través de los años. Su impacto en la cultura popular la ha llevado a convertirse en un icono de la música y de la moda, por lo que se refieren a ella como la Princesa del R&B y Reina de la Moda. Rihanna es considerada una de las artistas musicales más influyentes y exitosas del siglo XXI. Comenzó su carrera en 2003 cuando hizo una audición para el productor musical Evan Rogers. Más tarde firmaría un contrato de seis álbumes con Def Jam. En 2005 lanzó su álbum debut Music of the Sun , seguido por su segundo material discográfico A Girl Like Me. Adquirió fama mundial tras el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, Good Girl Gone Bad (2007). Lo que la estableció como una figura líder en la industria de la música y un símbolo sexual. Con más de 250 millones de producciones musicales distribuidas en todo el mundo, Rihanna es una de las artistas más vendidas de todos los tiempos.


Sugerencias de videos peculiares

Riccardo Drigo (1846-1930) fue un director de orquesta y compositor italiano nacido en Padua. Tras conseguir cierta notoriedad tanto como director como compositor, se trasladó a San Petersburgo donde dirigió distintas óperas y ballets. Permaneció en Rusia durante 40 años escribiendo óperas y ballets en colaboración con notables coreógrafos como Marius Petipa, Lev Ivanov y Michel Fokine con los que se relacionaría estrechamente.

El Pas de Deux de Diana y Acteón, que hoy ofrecemos, es uno de los pas-de-deux más representados en los últimos años del siglo veinte, aunque su creación data de muchas décadas atrás. Al estar destinado al virtuosismo técnico de sus dos intérpretes, y ser ello una de las mayores atracciones de nuestra época, gran parte de las estrellas de la actualidad han contribuido a popularizarlo. Anastasia Stashkevich (1984) es una bailarina principal rusa del Bolshoi Ballet. Nació en San Petersburgo, y estudió en la Academia Coreográfica de Moscú con Tatyana Galtseva. Tras su graduación en 2003 se incorporó al Ballet Bolshoi, donde actualmente trabaja bajo la tutela de Svetlana Adyrkhaeva. Fue ascendida al rango de solista en octubre de 2009, a primera solista en septiembre de 2011, a solista principal en mayo de 2012, y fue nombrada bailarina principal en julio de 2015. Vyacheslav Lopatin  (1984) es un bailarín principal ruso del Ballet Bolshoi. Nació en Voronezh, Rusia, y estudió en el Colegio Coreográfico de la localidad, después de lo cual fue aprendiz en la Academia Coreográfica de Moscú. En 2003 se incorporó al Ballet Bolshoi, donde actualmente trabaja bajo la tutela de Boris Akimov. Fue ascendido al rango de primer solista en octubre de 2009, a solista principal en septiembre de 2011 y al rango de bailarín principal en julio de 2017.


Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina y el Triunfo de Afrodita; su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición que en el estudio orientado a la interpretación instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó en 1905 un cuento en una revista para niños y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras, en su tiempo libre, disfrutaba coleccionando insectos. En 1912, a la edad de 16 años, comenzó a publicar parte de su música. Muchos de sus trabajos de juventud están inspirados en la poesía alemana. Por eso, se pueden clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero que ya muestran indicios de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por Igor Stravinsky; pero mientras otros seguían el estilo neoclásico «fresco y balanceado» de algunos trabajos de Stravinsky, a Orff le interesaron más otras obras como Las Bodas, una evocación cuasi-folclórica de los antiguos ritos de boda. Carl Orff murió a la edad de 86 años en Múnich el 29 de marzo de 1982.

 

Catulli Carmina (Ludi Scaenic) (Canciones -o Palabras- de Catulo), de la que hoy ofrecemos una selección, es una cantata escénica compuesta por Carl Orff, estrenada en 1943 en Múnich y basada en los textos del poeta latino Cayo Valerio Catulo (84-54 A.C.). Está escrita para dos solistas, coro mixto, un amplio grupo de percusión y cuatro pianos. La obra experimenta con la repetición de frases y ritmos sincopados, en la línea ya utilizada en Carmina Burana, llevando ese juego aún más lejos. Esta composición es otro ejemplo del brillante uso de la orquesta, la percusión y la acción escénica por parte de Carl Orff. Muestra un interesante juego escénico cantado. La historia cuenta cómo Catulo, un joven enamorado, bebe los vientos por Lesbia (trasunto de Clodia, esposa de un cónsul romano, de la que Catulo estaba enamorado en realidad). En tres actos, la cantata es esencialmente un ejemplo de "teatro dentro del teatro", con una audiencia en el escenario disfrutando del espectáculo, aplausos y saludos incluidos. Hoy presentamos una selección de la obra cuya dirección musical corre a cargo de Roman Válek, mientras la coreografía la realiza Ladislava Košíková.

Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina y el Triunfo de Afrodita; su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición que en el estudio orientado a la interpretación instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó en 1905 un cuento en una revista para niños y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras, en su tiempo libre, disfrutaba coleccionando insectos. En 1912, a la edad de 16 años, comenzó a publicar parte de su música. Muchos de sus trabajos de juventud están inspirados en la poesía alemana. Por eso, se pueden clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero que ya muestran indicios de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por Igor Stravinsky; pero mientras otros seguían el estilo neoclásico «fresco y balanceado» de algunos trabajos de Stravinsky, a Orff le interesaron más otras obras como Las Bodas, una evocación cuasi-folclórica de los antiguos ritos de boda. Carl Orff murió a la edad de 86 años en Múnich el 29 de marzo de 1982.

 

Catulli Carmina (Ludi Scaenic) (Canciones -o Palabras- de Catulo), de la que hoy ofrecemos una selección, es una cantata escénica compuesta por Carl Orff, estrenada en 1943 en Múnich y basada en los textos del poeta latino Cayo Valerio Catulo (84-54 A.C.). Está escrita para dos solistas, coro mixto, un amplio grupo de percusión y cuatro pianos. La obra experimenta con la repetición de frases y ritmos sincopados, en la línea ya utilizada en Carmina Burana, llevando ese juego aún más lejos. Esta composición es otro ejemplo del brillante uso de la orquesta, la percusión y la acción escénica por parte de Carl Orff. Muestra un interesante juego escénico cantado. La historia cuenta cómo Catulo, un joven enamorado, bebe los vientos por Lesbia (trasunto de Clodia, esposa de un cónsul romano, de la que Catulo estaba enamorado en realidad). En tres actos, la cantata es esencialmente un ejemplo de "teatro dentro del teatro", con una audiencia en el escenario disfrutando del espectáculo, aplausos y saludos incluidos. Hoy presentamos una selección de la obra cuya dirección musical corre a cargo de Roman Válek, mientras la coreografía la realiza Ladislava Košíková.


Tomás Bretón (1850-1923) fue un compositor y violinista español nacido en Salamanca.  Realizó sus primeros estudios musicales en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy en su ciudad natal, donde se ganó la vida tocando en pequeñas orquestas provinciales, teatros e iglesias. A los 16 años, animado por el director Luis Rodríguez de Cepeda, quien le prometió un puesto en su orquesta, se trasladó a Madrid, donde tocó en orquestas de teatros de zarzuela y continuó su aprendizaje en el Real Conservatorio bajo las enseñanzas del maestro Emilio Arrieta. En 1872 recibió, junto con Ruperto Chapí, el primer premio de composición del Conservatorio. Tras varios años trabajando en pequeños teatros en 1880 fue becado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando para estudiar en el extranjero, residiendo en Roma, Milán, Viena y París entre 1881 y 1884. Debe destacarse además, su intensa labor como director de orquesta, primero en la Unión Artístico Musical que él mismo fundó, como en la Sociedad de Conciertos de Madrid, principal orquesta madrileña. Logró consolidar los ciclos de conciertos en Madrid con programaciones abiertas a la música española y a las novedades internacionales. En 1901 asumió la dirección del Conservatorio de Madrid, puesto que mantuvo hasta su jubilación en 1921, luchando por modernizar las enseñanzas del centro y buscando relaciones internacionales. A pesar de su intensa actividad, la ópera constituye el hilo conductor de la carrera de Tomás Bretón, como director de orquesta, director del Conservatorio de Madrid y prolífico compositor en campos poco desarrollados en España como la música sinfónica y de cámara, además de realizar numerosas zarzuelas en muy diferentes géneros y estilos. No obstante, la ópera fue su verdadera obsesión y siempre tuvo sobre su mesa un libreto sobre el que trabajaba.

La Jota Aragonesa es la expresión de canto y baile más identificativa de la región aragonesa; conocida y admirada dentro y fuera de sus fronteras ha atraído a compositores y coreógrafos extranjeros como Glinka, Liszt, Moiseyev… y otros que han producido alguna obra de este género. Hoy podremos disfrutar de la Jota de La Dolores perteneciente a la ópera del mismo nombre, obra del maestro Tomás Bretón.


La expresión Danza Africana hace referencia principalmente a la danza en la porción de África al sur del Sahara, y a numerosos tipos de danzas africanas producto de las numerosas diferencias culturales en los estilos musicales. Estas danzas están muy relacionadas con las tradiciones musicales al sur de Sahara y el sentido del ritmo bantú. La danza africana utiliza el concepto de poliritmo y la articulación total del cuerpo. Las danzas permiten interpretar patrones sociales y valores y ayudan a las personas a trabajar, madurar, rezar y criticar a miembros de la comunidad a la vez que contribuyen en la celebración de festivales y funerales, competencias, recitado de la historia, proverbios y poesía; y a acercarse a los dioses. En general, las danzas africanas promueven la participación, tomando parte los espectadores en la misma expresión artística. Con la excepción de algunas danzas espirituales religiosas o de iniciación, tradicionalmente no existen barreras entre los bailarines y el público. Incluso las danzas rituales a menudo poseen segmentos en los que el público participa. La danza tradicional en África es un elemento colectivo, que expresa la vida de la comunidad más que la de los individuos o parejas. Los primeros cronistas ya hacían notar la ausencia de bailes de parejas en proximidad: dicho tipo de expresiones era considerado inmoral por numerosas sociedades africanas tradicionales. En todas las danzas que se practican al sur del Sahara parece no existir evidencia de patrones de danza de una pareja hombre-mujer previos a la era colonial cuando dicha práctica era considerada como una expresión poco digna.

La expresión Danza Africana hace referencia principalmente a la danza en la porción de África al sur del Sahara, y a numerosos tipos de danzas africanas producto de las numerosas diferencias culturales en los estilos musicales. Estas danzas están muy relacionadas con las tradiciones musicales al sur de Sahara y el sentido del ritmo bantú. La danza africana utiliza el concepto de poliritmo y la articulación total del cuerpo. Las danzas permiten interpretar patrones sociales y valores y ayudan a las personas a trabajar, madurar, rezar y criticar a miembros de la comunidad a la vez que contribuyen en la celebración de festivales y funerales, competencias, recitado de la historia, proverbios y poesía; y a acercarse a los dioses. En general, las danzas africanas promueven la participación, tomando parte los espectadores en la misma expresión artística. Con la excepción de algunas danzas espirituales religiosas o de iniciación, tradicionalmente no existen barreras entre los bailarines y el público. Incluso las danzas rituales a menudo poseen segmentos en los que el público participa. La danza tradicional en África es un elemento colectivo, que expresa la vida de la comunidad más que la de los individuos o parejas. Los primeros cronistas ya hacían notar la ausencia de bailes de parejas en proximidad: dicho tipo de expresiones era considerado inmoral por numerosas sociedades africanas tradicionales. En todas las danzas que se practican al sur del Sahara parece no existir evidencia de patrones de danza de una pareja hombre-mujer previos a la era colonial cuando dicha práctica era considerada como una expresión poco digna.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.