El 28 de Febrero se celebra el día de Andalucía
El 29 de Febrero de 1792 nació Gioachino Rossini
El día 1 de Marzo se celebra el Sábado de Carnaval
El 1 de Marzo de 1810 nació Frédérik Chopin
Sugerencias de iniciación a la música clásica
El Día de Andalucía se celebra el 28 de febrero y conmemora el día de la celebración del referéndum sobre la iniciativa del proceso autonómico de Andalucía del año 1980 que dio autonomía plena a la comunidad andaluza, tras las grandes manifestaciones autonomistas del 4 de diciembre de 1977. El 4 de diciembre de 2022 se celebró por primera vez el día de la Bandera Andaluza, como homenaje a aquella manifestación del 4 de diciembre. Hoy en día el 28 de Febrero es fiesta en todas las localidades andaluzas; se come pan con aceite de oliva y azúcar en los pueblos y ciudades y sobre todo en los colegios. Los centros educativos conmemoran esta festividad algunos días anteriores para que el alumnado conozca las tradiciones de su tierra. Además de comer mollete antequerano con aceite y azúcar o sal, algunos colegios organizan una fiesta para mostrar algunos elementos de Andalucía, como el Himno de Andalucía y la vestimenta característica de la cultura andaluza, incitando al alumnado a que asista al colegio vestidos con dicha ropa si lo desea. En el caso de las chicas, se visten con el traje de flamenca, y los alumnos con el traje de corto andaluz, puesto que es un icono de la cultura andaluza.
El Kanka (Juan Gómez Canca, Málaga 9 de octubre de 1982) es un cantautor, compositor y músico español. Desde que empezó su carrera en solitario en 2007 ha conseguido consagrarse como uno de los mejores figurantes de la nueva generación de cantautores de España. Completó el primer curso en los estudios superiores de Económicas, donde ya empieza a despuntar con la guitarra. Frustrado por no sentirse realizado interiormente, empieza a estudiar Filosofía, al mismo tiempo que lo compagina con el estudio de guitarra en el Conservatorio. Más tarde se traslada a Madrid, donde empieza a impartir clases de guitarra; es entonces cuando empieza a participar en diferentes certámenes, convirtiéndose en unos de los artistas más laureados del territorio español. Al estar incluido en la nueva generación de cantautores españoles, destaca su presencia en las redes sociales, sobre todo en YouTube, donde cuenta con más de 245 000 suscriptores y 50 000 000 visualizaciones y en Spotify, con alrededor de un millón de oyentes mensuales y con más de 20 temas que superan el millón de escuchas.
Frédéric Chopin (1810-1849) fue un virtuoso pianista y compositor polaco; como pianista, está considerado uno de los más importantes de la historia y como compositor, uno de los referentes del Romanticismo. Nació en una familia vocacionalmente musical; su madre tocaba el piano y el padre, el violín y la flauta; su primera profesora fue una hermana suya con la que le gustaba tocar piezas a cuatro manos. A los ocho años dio su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia. La obra de Chopin se centra exclusivamente en el piano, solo o concertante, con el que emprendió una carrera en solitario de perfeccionamiento técnico, esplendor expresivo y profundización en el rubato hasta llegar a ser el referente musical de dicho instrumento.
Catálogo de las obras de Chopin. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
El Grande Valse Brillante en mi bemol mayor, op. 18, fue compuesto por Frédéric Chopin en 1833 y publicado el 1834. Este fue el primer vals para piano solo que compuso, aunque antes de 1834 había escrito al menos dieciséis valses que fueron destruidos o, algunos, publicados póstumamente. En 1909 Ígor Stravinski, hizo un arreglo orquestal de este vals para el ballet “Las sílfides”, encargo de Serguéi Diáguilev.
Hoy nos lo ofrece Valentina Lisitsa (1973) pianista ucraniana residente en USA desde 1991. Comenzó a estudiar piano a los tres años matriculándose posteriormente en el Conservatorio de Kiev donde conoció a su marido Alexei Kuznetsoff, también pianista. Lisitsa ha buscado a su audiencia a través de su propio canal en You Tube para el que ha grabado multitud de interpretaciones, siendo en la actualidad la concertista clásica más vista en internet.
Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática y del romanticismo en general. Estudió en París y en Roma, donde estuvo becado, fijándose en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitando mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax al saxofón. Escribió además, varias sinfonías (entre las que destaca su obra más conocida, la Sinfonía fantástica), oberturas, óperas, cantatas, música sacra, obras dramáticas no teatrales, obras corales y numerosas canciones.
Obertura es la introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática, musical o no; aunque algunas composiciones instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores. Las primeras óperas que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas pero sí una introducción que hacían los vocalistas en la que realizaban un resumen de la acción que se iba a desarrollar acto seguido. Las introducciones instrumentales se comenzaron a utilizar habitualmente a mediados del siglo XVII; fue el compositor alemán Christoph Willibald Gluck uno de los primeros que usó material de sus óperas para las oberturas. De esta manera, éstas establecían el perfil emocional de la ópera que seguía.
La obertura El Carnaval romano, que hoy sugerimos, es en realidad el preludio al acto II de la ópera Benvenuto Cellini; ópera que tuvo una aceptación lamentable tanto en su debut como en las dos posteriores representaciones que se hicieron en vida del compositor; así que decidió presentarla como una obra independiente en 1844 obteniendo un rotundo éxito.
Hoy la ofrecemos bajo la batuta de Michael Tilson Thomas (1944) pianista, compositor e importante director de orquesta estadounidense.
Gioachino Rossini (1792-1868) fue un compositor italiano de 39 óperas, distintas canciones, algunas obras de piano y algo de música sacra. Empezó a componer a los 12 años. En 1812 fue contratado por la Scala de Milán donde obtuvo un memorable éxito con “La piedra de toque”; al año siguiente estrena en Venecia su primera ópera seria, Tancredi y al poco estrena otro gran éxito, La italiana en Argel. En 1815 se establece en Nápoles donde escribe con regularidad y sin agobios con ensayos y fechas regulados. En 1822 se traslada a Viena donde llega a conocer al admirado Beethoven. De Viena a Londres, vuelta a París y tras el estreno de su última ópera, Guillermo Tell, abandona la ópera en pleno auge económico y de popularidad a los 37 años de edad. Falleció a los 77 años.
Il barbiere di Siviglia (El barbero de Sevilla) es una ópera bufa en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Cesare Sterbini, basado en la comedia del mismo nombre (1775) de Pierre-Augustin de Beaumarchais. El estreno, bajo el título Almaviva, o la precaución inútil, tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina de Roma. La trama relata las peripecias de una pareja de enamorados integrada por el conde de Almaviva y la joven huérfana Rosina. Bartolo, preceptor de la muchacha, también la pretende pese a la diferencia de edad. Para evitarlo, la pareja se vale de la ayuda del barbero Fígaro, quien mediante enredos engaña a Bartolo y consigue unir en matrimonio a los enamorados.
Hoy ofrecemos el aria de Rosina Una voce poco fa perteneciente al Acto I en interpretación de la contralto de coloratura polaca Ewa Podles.
Sugerencias de música clásica
Marc-Antoine Charpentier (1643 – 1704) fue un compositor francés del período Barroco. Autor prolífico (551 obras) y versátil, es conocido principalmente por su "Te Deum" H.146 (en tonalidad de Re Mayor), cuyo preludio, en forma de rondó, ha servido de cabecera o sintonía para los programas televisivos distribuidos a través de la red de Eurovisión y especialmente conocido por ser precisamente la apertura y cierre del Festival de Eurovisión y del Concierto de Año Nuevo de Viena.
Fue el conocimiento de la música de Giacomo Carissimi en Roma, donde se encontraba estudiando pintura, lo que inclinó la vocación de Charpentier hacia el arte de los sonidos. Discípulo de este maestro italiano, a su vuelta a París en 1672 Molière lo tomó como compositor de su compañía de teatro, lo que le granjeó la enemistad del influyente Jean-Baptiste Lully, que hasta entonces había sido el más directo colaborador del dramaturgo. En 1679 fue nombrado maestro de capilla del delfín, puesto que perdió a consecuencia de la oposición de Lully. En su obra Charpentier realizó la síntesis de las tradiciones italiana y francesa, sobre todo en el ámbito de la música vocal sacra, a la que pertenece su célebre Te Deum. Sobresalió también en la ópera, faceta en la dejó títulos como Les arts florissants (1673), Actéon (1690) y Medée (1693).
Hugh Wiley Hitchcock ha realizado un catálogo temático de la obra de Marc-Antoine Charpentier (H. Wiley Hitchcock, Les œuvres de Marc-Antoine Charpentier, París, Picard, 1982). Las referencias en este catálogo están precedidas por la letra H.
Concert pour 4 parties de violes, H. 545 Está estructurado en seis movimientos: I (0´00´´) PRELUDE 1 .-. II (1´30´´) PRELUDE 2 .-. III (3´07´´) SARABANDE .-. IV (5´43´´) GIGUE ANGLOISE .-. V (7´07´´) GIGUE FRANÇOISE .-. VI (8´31´´) PASSECAILLE. Hoy nos lo ofrece la Fingernoise Chamber Orchestra.
El compositor austríaco Franz Joseph Haydn (1732-1809), cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1820). A los seis años de edad comenzó sus estudios musicales de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.
El catálogo de las obras de Haydn. Las obras de Joseph Haydn están clasificadas hoy día según el sistema creado por Anthony van Hoboken. Cada obra se identifica con una cifra romana que corresponde a la categoría, que en la mayoría de los casos se identifica con un género. Algunas categorías tienen subdivisiones, cosa que se indica con una letra minúscula y a continuación aparece un número arábigo que se corresponde con el orden de la obra concreta dentro de la categoría. Estas cifras van precedidas de la palabra Hoboken (en memoria del autor del catálogo) y a veces de Hob (su abreviatura).
Sturm und Drang (tormenta y asalto) es un término que no procede de la música sino de la literatura; entendido este término como una reacción en contra del Barroco. En música, se critica la estructura polifónica y la especulación o el simbolismo matemático, las fórmulas que no permiten una expresión adecuada y sencilla, el método objetivo, racional y comprensible. Se cambia de la concepción del término afecto (en el sentido objetivo del Barroco) al término sentimiento (en el sentido subjetivo del StudD). En el Sturm und Drang el origen de la música se busca en la naturaleza interior del hombre; ahora ya no es sólo la música vocal capaz de expresar algo a través de las palabras, ahora también la música instrumental en sí misma es capaz de expresarse.
La Sinfonía n.º 49 fue escrita en 1768 por Joseph Haydn. Se cree que su sobrenombre de "La Pasión" proviene directamente de las características musicales de la composición: estructura de la arcaica Sinfonia da Chiesa (lento, rápido, lento, rápido), en modo menor y la asociación con el período Sturm und Drang del autor. Según H. C. Robbins Landon es una obra de «colores oscuros, sombría, e incluso trágica». La sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I (0´00´´) ADAGIO .-. II (11´39´´) ALLEGRO DI MOLTO .-. III (18´47´´) MENUET E TRIO .-. IV (24´02´´) FINALE. PRESTO. Hoy nos la ofrece, la Orchestre philharmonique de Radio France conducida por la maestra canadiense Barbara Hannigan.
La Ópera (del latín opera, plural de opus, «obras») es un género musical que combina música sinfónica, interpretada generalmente por una orquesta, y un texto escrito de corte dramático —expresado en forma de libreto— interpretado vocalmente por cantantes de diversa tesitura: principalmente, soprano, mezzosoprano y contralto para el registro femenino y tenor, barítono y bajo para el masculino, además de las llamadas voces blancas (las de niños) o de falsete (castrato, contratenor). Por lo general, la parte instrumental contiene oberturas, interludios y acompañamientos musicales; mientras que la parte cantada puede ser un coro, un solo, dúo, trío o diversas combinaciones y con diversas estructuras como el recitativo o el aria.
Es de constatar, además, que dentro del género musical dramático existen diversos géneros, como la ópera clásica, la ópera de cámara, la opereta, el musical, el singspiel y la zarzuela. Por otro lado, al igual que en teatro, existe una ópera dramática (ópera seria) y otra cómica (ópera bufa), así como un híbrido entre ambas: el dramma giocoso. Como género multidisciplinar, la ópera aglutina música, canto, danza, teatro, escenografía, interpretación, vestuario, maquillaje, peluquería y otras disciplinas artísticas. Es por tanto una obra de creación colectiva, que parte esencialmente de un libretista y un compositor, y donde tienen un papel primordial los intérpretes vocales, pero donde son igualmente imprescindibles los músicos y el director de orquesta, los bailarines, los creadores de los decorados y el vestuario, y muchas otras figuras. Por otro lado, es un evento social, por lo que no tiene razón de ser sin un público que presencie el espectáculo. Por ello mismo, ha sido a lo largo del tiempo reflejo de las diversas corrientes de pensamiento, políticas y filosóficas, religiosas y morales, estéticas y culturales, propias de la sociedad donde se produjeron las obras.
Il barbiere di Siviglia (El barbero de Sevilla) es una ópera bufa en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Cesare Sterbini, basado en la comedia del mismo nombre (1775) de Pierre-Augustin de Beaumarchais. El estreno, bajo el título Almaviva, o la precaución inútil, tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina de Roma. La trama relata las peripecias de una pareja de enamorados integrada por el Conde de Almaviva y la joven Rosina con Bartolo, preceptor de la muchacha, quien también la pretende pese a la diferencia de edad. Para evitarlo, la pareja se vale de la ayuda del barbero Fígaro, quien mediante enredos engaña a Bartolo y consigue unir en matrimonio a los enamorados. El Barbero de Rossini ha demostrado ser una de las grandes obras maestras de la comedia dentro de la música, y ha sido descrita como “la ópera bufa de todas las óperas bufas”.
Hoy nos la ofrecen Luigi Alva (tenor), Enzo Dara (bajo), Teresa Berganza (mezzo), Hermann Prey (ténor), Paolo Montarsolo (bajo) Stefania Malagu (mezzo), Renato Cesari (bajo), Hans Kraemmer (papel silencioso), Luigi Roni (basse), Karl Schaidler (bajo), Coros y Orquesta del Teatro de la Scala conducid@s tod@s por el añorado maestro italiano Claudio Abbado (1933-2014).
Ángel Illarramendi Larrañaga (1958) es un músico y compositor vasco, nacido en Zarautz, Gipuzkoa; realizó sus estudios de armonía, contrapunto, fuga y composición con Francisco Escudero. Su obra principal se ha centrado en el campo de la cinematografía y el teatro con bandas sonoras destacadas de películas como Tasio (1984) de Montxo Armendáriz, El hijo de la novia, de Juan José Campanella; Teresa, el Cuerpo de Cristo de Ray Loriga, Arlecchino, il servitore di due Padroni, de Goldoni, o Las Troyanas de Eurípides. Ha colaborado también con un amplio elenco de directores de cine como Gracia Querejeta, Pedro Olea, Helena Taberna, Anjel Lertxundi, Albert Boadella, Héctor Olivera, Antonio Hernández o Manuel Gutiérrez Aragón, destacando su intensa colaboración con el productor Elías Querejeta. Es autor también de varias obras de cámara, siete Sinfonías, un Concierto para clarinete, piano, viola y orquesta, dos poemas sinfónicos, una ópera de cámara, una suite para orquesta ...
Hoy ofrecemos la suite de la banda sonora de la película 'El hijo de la novia' de Juan José Campanella compuesta por Ángel Illarramendi en interpretación de la Orquesta de RTVE dirigida por el maestro Juan José García Caffi
Sugerencias de música para todos los gustos
María Eva Avilés es una cantante y compositora mexicana de la Ciudad de México. Ha sido artista docente del programa "Learning Through Art" del Guggenheim Museum de New York en México y colaboradora en varias ocasiones de la Radio Svizzera Italiana. (Suiza). En el 2001 resultó ganadora del Concurso Nacional de Espectáculos dirigidos a niños Hospitalizados, del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, con su espectáculo ganador “A viajar con los quitapesares” y realiza giras por hospitales atendiendo a niños de tercer nivel, dentro del programa HospitalArte. Su repertorio incluye –además de sus composiciones propias- , variados géneros musicales, desde la canción sefardita hasta la contemporánea pasando por el blues, el bossa-nova, la canción tradicional mexicana, hasta la francesa o la italiana interpretadas en sus idiomas originales.
Gozategi es un grupo de música vasca que alcanzó un gran éxito en el País Vasco con melodías de trikitixa (pequeño acordeón del País Vasco) en los años noventa. El grupo está formado por los hermanos Asier Gozategi y Ainhoa Gozategi y otros. El grupo Gozategi trajo un formato poco habitual en la trikitixa: el trío. Agregaron otro miembro al par tradicional de músicos de “acordeón” y pandereta : el bajo y el de metales. Asier Gozategi (trikitixa y voz), Ainhoa Gozategi (pandereta y voz) e Iñigo Goikoetxea (bajo, metales) comenzaron a ofrecer romerías en 1992 con el nombre de Gozategi Anai-arrebak. Posteriormente, se convirtieron en Gozategi. Más tarde Elkar los presentó como representante de la nueva generación de trikitilaris , lanzando su primer disco: Gozategi (1995 ). Destacó la juventud, frescura, vitalidad y color de la música del trío, y agregó que era "para oyentes jóvenes de todas las edades".
Ainhoa ( Elkar 1996), álbum que hoy ofrecemos, fue su segundo disco y su mayor éxito concretamente con la canción Nirekin (6´23´´). Era una canción de verano de 1996 y el eslogan "emoixtaxux muxutxuek ..." se difundió de boca en boca.
Dido (Florian Cloud de Bounevialle Londres, 1971) es una cantautora británica. Saltó a la fama con su álbum debut, No Angel (1999), que vendió 21 millones de copias en todo el mundo y ganó varios premios, convirtiéndose este álbum en el más vendido del 2001. Sus siguientes trabajos continuaron reforzando su éxito convirtiéndose Dido en la cantante británica más vendida en USA. En total, Dido ha vendido 40 millones de discos y sencillos alrededor del mundo y ha sido galardonada con numerosos e importantes premios que incluyen los MTV Europe Music Awards, varios NRJ Awards, varios BRIT Awards, dos nominaciones a los Grammy y una nominación al Óscar.
El origen del Carnaval parece que proviene de las fiestas que se celebraban en el Imperio Romano en honor a Baco, dios del vino y la fiesta, para festejar la llegada de la primavera. En la cultura occidental, el Carnaval está asociado al catolicismo, pues con el Miércoles de Ceniza comienza la Cuaresma, tras la que viene la Semana Santa; días todos ellos de recogimiento y penitencia. De este modo, sabiendo la que se avecina, se celebra el último día de fiesta, el Martes de Carnaval; fiesta que comienza el jueves anterior, denominado Jueves Lardero o Jueves Gordo. Lo característico de estos días consiste básicamente en la celebración en la calle de un desenfreno festivo y colectivo expresado en disfraces, coplas, bailes, desfiles y cualquier ocurrencia surgida
La samba es un género musical de raíces africanas surgido en Brasil, del cual deriva un tipo de danza. Es una de las principales manifestaciones de la cultura popular brasileña y un símbolo de la identidad nacional. (No debe confundirse con la Zamba, género musical completamente distinto, de origen argentino). Si bien en algunos países se utiliza la voz femenina (la samba), en Brasil y en algunos países como Argentina y Uruguay, se utiliza la voz masculina (el samba). Fue en la antigua capital de Brasil donde la danza de los esclavos libertos entró en contacto con otros géneros musicales y los incorporó, adquiriendo un carácter singular. De esta forma, fue el samba carioca el que alcanzó la condición de símbolo de la identidad nacional brasileña difundiéndose en todo Brasil, asociada al Carnaval.
Hoy ofrecemos esta colección de obras musicales carnavalescas de Brasil.
Sugerencias de videos peculiares
Manuel de Falla (1876-1946), nacido en Cádiz, fue uno de los compositores españoles más célebres del siglo pasado. Desde niño estudió piano con su madre, mientras su nodriza le cantaba canciones que recordaría toda su vida. En 1901 conoció a Felipe Pedrell, quien despertó en él el interés por el flamenco. En 1899 terminó los estudios oficiales en el Conservatorio de Madrid obteniendo el primer premio de piano de dicho centro. A los pocos años se trasladó a París; sin embargo, tras el inicio de la Primera Guerra Mundial, tuvo que regresar a Madrid, y tras la muerte de sus padres, decidió trasladarse donde su hermana en Granada; allí conoció a Federico García Lorca. El 28 de septiembre de 1939, un poco después de la Guerra Civil, se exilió en Argentina, donde falleció.
El sombrero de tres picos, titulado popularmente como el Primer Ballet Flamenco, es un ballet de Manuel de Falla y coreografía de Léonide Massine basado en la novela homónima del escritor decimonónico Pedro Antonio de Alarcón. Encargado por Serguei Diaguilev y representado por sus Ballets Rusos, ocupa un lugar preferente en la Historia de la Danza Teatral del siglo XX. Tras su estreno en Londres en 1919, la obra, con decorados y figurines de Pablo Picasso, tuvo un rotundo éxito. El sombrero de tres picos, rompe con las tradiciones que poblaban el género de princesas, apariciones y cisnes.
Hoy lo presentamos con la mezzo-soprano Clara Mouriz, y la Filarmónica de la BBC, conducid@s por Juanjo Mena, director vasco que comienza su carrera como director de orquesta con la Sinfónica de Bilbao de la que tras un excelente trabajo saldría lanzado a las más prestigiosas formaciones europeas y americanas. La coreografía corre a cargo de los Ballets Rusos.
Niccoló Paganini (1782-1840) Compositor italiano referente del virtuosismo violinístico. Niño prodigio, su padre le obligaba desde muy temprana edad a pasar largas horas de estudio con el violín; de modo que para los catorce años sus profesores se declaraban incompetentes para seguir enseñándole. Como solista de violín realizó distintas giras por Italia, Viena, Praga, Varsovia, Berlin, París y Londres; admirado por su asombrosa técnica, obtuvo declarados reconocimientos de Liszt y Berlioz, entre otros; hasta tal punto causaba admiración su técnica que se decía de él que había hecho un pacto con el diablo. Escribió numerosas obras para violín y además, para guitarra, viola y fagot. Murió de tuberculosis a los 58 años.
Satanella (conocida también como Le Diable amoureux) es un ballet en tres actos escrito por el bailarín y coreógrafo francés Joseph Mazilier (1801-1868) con música de Napoléon Henri Reber (1807-1880) y François Benoist (1794-1878), basada musicalmente en el Carnaval de Venecia de Paganini. Hoy ofrecemos varios números de dicho ballet en interpretación de Eugenia Obraztsova, primera bailarina del Ballet Bolshoi de Moscú y del Ballet Mariinski y Alexander Sergeyev primer bailarín, así mismo, del Ballet Mariinski.
El Carnaval de Barranquilla es un evento folclórico y cultural celebrado en Colombia. Se celebra anualmente en febrero o principios de marzo, entre el sábado y el martes de carnaval con 28 mil hacedores de 845 grupos folclóricos que participan en los eventos organizados por Carnaval de Barranquilla S.A.S., que hacen parte de los tres o cuatro millones de espectadores que disfrutan de la gran agenda de la ciudad. Otras actividades directamente relacionadas con el Carnaval suceden durante buena parte del año. Los primeros registros sobre el Carnaval de Barranquilla datan del siglo XIX; en este acontecimiento se expresa la gran variedad cultural y el rico folclor de la Región Caribe de Colombia, así como las más peculiares manifestaciones locales, como la música popular y el baile. Son motivo de risas y sustos los muchos disfraces que invocan todo tipo de especies animales, nativas y extrañas; negros africanos; cabezones; dementes; muñecotas; superhéroes; seres mitológicos, que trascienden los límites de la sexualidad y la muerte, entre un número casi interminable de invenciones y ocurrencias populares.
El Carnaval de Río. Música, baile y desfiles de las escuelas de Samba son manifestaciones que explotan en todo su esplendor. La fiesta tiene una duración de cuatro días en los que involucra a personas de todas las edades y a visitantes que llegan de todo el mundo; cuatro días en los que compiten las numerosas escuelas de samba de la ciudad y que comienza con la coronación del Rey Momo a quien el Prefecto entrega las llaves de la ciudad. El acto principal consiste en el desfile por el Sambódromo de las susodichas escuelas de samba; aunque la fiesta invade los lugares más recónditos de Río. El vídeo que hoy presentamos refleja el desfile realizado en 2022.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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