Sugerencias de iniciación a la música clásica
Isabella Leonarda (1620-1724). Compositora italiana, considerada como la primera compositora de sonatas para 1, 2, 3 y 4 instrumentos y la primera mujer que tuvo acceso a la publicación de sus obras con cerca de 200 obras escritas que abarcan todos los géneros de música religiosa y música instrumental de la época: sonatas, conciertos, motetes, salterios, responsorios, magníficats, letanías, vísperas y misas. Nacida en el seno de una familia noble, a los 16 años ingresó como novicia en el Colegio de Santa Úrsula de Novara, consagrada monja en 1639, madre superiora en 1686, madre vicaria en 1693, y consejera a partir de 1700. El compositor francés Sébastien de Brossard cuando tuvo acceso a algunas de sus piezas escribió con admiración en su Catalogue des livres de musique theorique et pratique (París, 1724): "Todas las obras de esta ilustre e incomparable Isabella Leonarda son tan bellas, tan graciosas, tan brillantes, y a la vez tan entendidas y tan sabias ... que me duele no tenerlas todas ".
Hoy ofrecemos la Sonata décima en Fa mayor para dos violines, viola de gamba y bajo continuo de Isabella Leonarda en interpretación del conjunto Syrah Ensemble.
Amadeo Vives (1871-1932), compositor nacido en Barcelona es autor de numerosas canciones y de más de un centenar de obras escénicas entre las que se han de destacar Bohemios, Maruxa y, sobre todo, Doña Francisquita consideradas entre las obras cumbre del género. Comenzó a recibir clases de música de su hermano a los cinco años; más tarde con José Ribera estudiaría piano, armonía y composición; colaboró con Lluis Millet en la fundación del Orfeó Catalá que comenzaría su andadura con canciones catalanas armonizadas por Amadeo Vives. A los catorce años había compuesto varias sonatas y a los 24 años estrena en Barcelona su primera ópera. Más tarde se traslada a Madrid donde sus estrenos escénicos recogen exitosas respuestas y reconocido prestigio.
Doña Francisquita es una zarzuela, denominada «comedia lírica», en tres actos con libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, basada en la comedia La discreta enamorada de Félix Lope de Vega, con música del maestro Amadeo Vives; se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 17 de octubre de 1923. Se la considera como una de las más grandes obras de la zarzuela, sentando modelo dentro del género grande. El libreto retrata el Madrid romántico de una manera poética y fiel, creando cuadros de gran colorido y viveza, sin caer en la mera recreación histórica, siendo ésta una obra llena de frescura. Por sus características puede definirse también como una ópera cómica de gran calidad.
María Bayo (1961 Fitero, Navarra/Nafarroa) es una soprano que ha desarrollado una destacada carrera internacional como intérprete de ópera, zarzuela y canción clásica. Aunque nació en un hospital de Tudela, considera a la localidad de Fitero, en la que reside su familia y con la que mantiene una estrecha vinculación, su ciudad natal. Ha sido galardonada con el primer premio en el concurso Belvedere de Viena, el Premio Nacional de la Música, el Premio Príncipe de Viana de la Cultura; ha sido investida como miembro electo en Jakiunde, galardonada con el Premio de Humanidades de Eusko Ikaskuntza-Caja Laboral, con el Premio Traetta de la Traetta Society, con Premio Cadenas de Navarra... En 2020 recibió la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes.
Hoy nos ofrece la romanza de Doña Francisquita, Canción del ruiseñor acompañada al piano por Brian Zeger.
Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. Entre 1892 y 1895, Dvořák fue director del Conservatorio Nacional de Nueva York; mostrando un gran interés por la música nativa americana desde su llegada a USA. En abril de 1895 dejó los Estados Unidos y volvió definitivamente a su patria en la que comenzó su trabajo de profesor en el Conservatorio. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas. Su Sinfonía del Nuevo Mundo es una obra archiconocida y sus temas han sido ampliamente utilizados por la música popular.
Las Danzas eslavas son un conjunto de 16 danzas escritas para orquesta, aunque originariamente para piano a cuatro manos, y publicadas en dos grupos. Las escribió a petición de su editorial y se inspiró en las Danzas húngaras de Brahms, aunque con notables diferencias; mientras Brahms utiliza melodías populares húngaras, Dvorak sólo se sirve de los ritmos de la música popular eslava.
Hoy podemos visionar la Danza eslava nº 1 bajo la dirección de Kristian Jarvi (1972) director estonio hijo de Neeme Järvi y hermano de Paavo Järvi.
Francis Poulenc (1899 - 1963) fue un compositor francés y miembro del grupo francés Les Six, compuesto por Milhaud, Auric, Durey, Honegger, Tailleferre (la única mujer del grupo) y el mismo Poulenc. Abrazó las técnicas del movimiento dadaísta (movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía). El crítico Claude Rostand describe a Poulenc como «mitad hereje, mitad monje», una etiqueta que se adjunta a su nombre para el resto de su carrera, mientras Poulenc dice: "mi obra es la yuxtaposición de lo profano con lo sagrado". Algunos críticos lo consideran el primer compositor abiertamente homosexual de la historia. Compuso música en todos los grandes géneros, entre ellos la música de cámara, el oratorio, la ópera, la música de ballet y la música orquestal.
El vals francés o valse musette es una pieza danzable pseudopastoril del siglo XVIII. Se refiere a un aire en compás de 2/4, 3/4 o 6/8, con un tempo moderado y con un carácter suave y sencillo, lo cual se corresponde con el instrumento del que toma su nombre: musette o cornamusa. Estas piezas se bailaban en los ballets franceses de comienzos del siglo XVIII; pero también se refiere a un estilo musical predominante en París, donde el acordeón era el instrumento principal. Con el paso del tiempo, el estilo musette se convirtió en una forma de vida y aún en la actualidad es común relacionar este tipo de "música urbana" con el París moderno.
Hoy ofrecemos este vals musette escrito por Poulenc para dos pianos en interpretación de Andrea Štosková y Lada Bubiková.
Sugerencias de música clásica
Christoph Willibald Gluck (1714-1787) fue un compositor alemán considerado como uno de los compositores de ópera más importantes del Clasicismo (1750-1820). Reformó completamente la ópera eliminando las arias da capo, y los extensos recitativos secos con clavecín, reemplazándolos por recitativos acompañados por la orquesta; prescindió de los castrati y del exhibicionismo de los cantantes, otorgando una mayor relevancia a la trama argumental, a la vez que elevó la obertura, el ballet y el coro como partes integrales de sus óperas. Entre sus obras mayor valoradas se encuentran Orfeo ed Euridice (1762) y Alceste (1767) estrenadas en Viena, e Iphigénie en Áulide (1774), Armide (1777) y Iphigénie en Táuride (1779) estrenadas en París.
Orfeo y Eurídice es su primera ópera; escrita en tres actos en ella se reflejan sus inquietudes renovadoras, desechando todo tipo de manifestaciones triviales y resaltando la fuerza argumental; para ello no duda en emplear danzas y coros, además de lo anteriormente expuesto. El argumento se basa en el mito griego de Orfeo que era capaz de amansar a las fieras con su música y que tras la muerte de su amada Eurídice, Cupido le permite bajar a los infiernos a rescatarla con la condición de que en el camino de vuelta no girase la cabeza para mirarla. Ante las insistentes súplicas de Eurídice, Orfeo torna su mirada hacia ella con lo que pierde definitivamente a su amada.
Hoy ofrecemos el preludio al acto segundo, Dance of the Blessed Spirits, con Viviana Guzmán como flauta solista.
Fanny Mendelssohn (Berlín 1805-1847) fue una compositora y pianista del Romanticismo (1810-1910) temprano. Sus composiciones incluyen un trío para piano, un cuarteto para piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125 piezas para piano y más de 250 lieder, la mayoría de las cuales se publicaron de forma póstuma. Aunque fue elogiada por su destreza para tocar el piano, rara vez ofreció conciertos en público. Fanny creció en Berlín donde, junto a su hermano menor, Felix Mendelssohn, recibió una educación musical completa de profesores como Ludwig Berger y Carl Friedrich Zelter. Debido a la condición social de la mujer en su época, varias de sus obras fueron publicadas bajo el nombre de su hermano en sus colecciones opus 8 y 9.
El Trío para piano en re menor , Op. 11, de Fanny Mendelssohn fue concebido entre 1846 y 1847 como regalo de cumpleaños para su hermana, y publicado póstumamente en 1850, tres años después de la muerte de la compositora. El trío consta de cuatro movimientos : I (5´15´´) ALLEGRO MUY VIVACE .-. II (15´36 ´´) ANDANTE EXPRESIVO .-. III (21´17´´) CANCIÓN: ALLEGRETTO .-. IV (23´09´´) ALEGRE MODERADO. En 1847, un crítico anónimo del Neue Berliner Musikzeitung encontró en el trío “... bases amplias que se construyen a través de olas tormentosas hasta formar un edificio maravilloso. En este sentido, el primer movimiento es una obra maestra y el trío es sumamente original”.
Hoy nos lo ofrece el Trío formado por Chloe Jiyeong Mun al piano, DongSuk Kang al violín y SeungMin Kang al chelo.
Carl Maria von Weber (1786-1826) fue un compositor alemán. Desde muy niño aprendió a cantar y a tocar el piano y a los 12 años recibió en Salzburgo clases gratuitas de Michael Haydn, hermano de Joseph Haydn. En 1812 murió su padre y al año siguiente fue nombrado director de la Orquesta de Praga y posteriormente de la de Dresde, mientras trabajaba en su ópera más famosa Der Freischütz (El cazador furtivo); compuso, también, otras dos óperas Euryanthe y Oberon; las tres óperas son consideradas por much@s crític@s como obras maestras del género escénico. Compuso además de otras óperas, numerosas canciones, obras para piano, obras de cámara, dos sinfonías, varias oberturas, conciertos y obras concertantes para distintos instrumentos, tres misas y ocho cantatas.
Oberón o El juramento del rey de los elfos (título original en inglés, Oberon, or the Elf King's Oath) es una ópera romántica en tres actos con música de Carl Maria von Weber y libreto en inglés de James Robinson Planché, inspirado por un poema de Christoph Martin Wieland. Se estrenó en Covent Garden, Londres el 12 de abril de 1826. Encargada por Charles Kemble, Weber se embarcó en este proyecto contra consejo médico por razones financieras. Viajó a Londres para completar la música antes del exitoso estreno de la ópera, pero destruyó su salud en el proceso, y murió en Londres el 5 de junio del mismo año. Por los complicados requerimientos de su libreto y puesta en escena no ha logrado imponerse en el repertorio internacional como la otra ópera del compositor El cazador furtivo; aunque la Obertura sí que forma parte del repertorio de conciertos. El estilo de la obra es romántico y la música recrea un ambiente fantástico de cuento oriental narrando la historia del caballero medieval Huon rescatando a su prometida Rezia secuestrada por el Califa de Bagdad.
Hoy nos lo ofrecen l@s solistas Julian Prégardien (Oberon), Alyona Abramowa (Titania/Puck), Annette Dasch (Rezia) , Brenden Gunnell (Bordeaux Huon) Rachael Wilson(Fatime), Johannes Kammler (Scherasmin), Anna El-Kashem (Nymph), Manuela Linshalm, Daniel Frantisek Kamen, Sebastian Mock, acompañad@s por el Bavarian State Opera Chorus y la Bavarian National Orchestra conducid@s por el maestro inglés Ivor Bolton.
Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta austríaco nacido en Kaliště, actualmente Chequia, considerado como uno de los compositores mas eminentes del posromanticismo. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; a ello hay que añadir la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado y la larga duración de sus sinfonías; si a esto añadimos que tuvo enfrente a determinada prensa antisemita debido a sus orígenes judíos, no es de extrañar que sus composiciones no tuvieran el éxito merecido en vida.
La Sinfonía n.º 1 («Titán») en Re mayor de Gustav Mahler fue terminada en 1888, un año antes de su estreno en Budapest en 1889. En un principio la obra fue concebida como un largo poema sinfónico, en el que Mahler utilizó música procedente de su abandonado proyecto de ópera Rübezahl y de la música incidental compuesta para la obra teatral El trompeta de Säkkingen de Viktor Nessler. En todas las ocasiones en que fue interpretada a partir de su estreno en Budapest, la obra se encontró con un rechazo casi total por parte de crítica y público. Mahler revisó posteriormente esta sinfonía en varias ocasiones y hoy en día, esta sinfonía es una de las más apreciadas de Mahler, debido a su gran riqueza melódica y es interpretada con bastante frecuencia en las salas de concierto. Tras sus múltiples revisiones, la Sinfonía quedó definitivamente estructurada en cuatro movimientos: I (0´49´´) LANGSAM, SCHLEPPEND .-. II (18´27´´) SCHERZO: KRÄFTIG BEWEGT, DOCH NICHT ZU SCHNELL .-. III (27´33´´) TRAUERMARSCH: FEIERLICH UND GEMESSEN, OHNE ZU SCHLEPPEN .-. IV (39´41´´) STÜRMISCH BEWEGT.
Hoy nos la ofrece la KMH Symphony Orchestra conducida por la maestra austríaca Nazanin Aghakhani.
Sugerencias de música para todos los gustos
Big Band. La expresión en inglés Big Band (literalmente, gran banda) hace referencia a un grupo amplio de músicos de jazz que tocan conjuntamente. Como regla general, aunque no exista un único formato de Big Band, habitualmente se compone de tres secciones: maderas (reeds), metales (horn section) y ritmo. La sección de maderas, suele estar formada por cuatro o más saxofones (normalmente un alto, dos tenores y un barítono), que alternan usualmente con otros instrumentos como clarinete y flauta. La de metales incluye, al menos, tres o cuatro trompetas, y dos o más trombones (incluyendo en ocasiones un trombón bajo). Finalmente, la sección rítmica de acompañantes está compuesta por alguna combinación de piano, guitarra, bajo y batería. Por tanto, un total de entre 12 y 17 miembros.
Gerry Mulligan (1927-1996) fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista barítono, arreglista y una de las figuras legendarias del saxo jazzístico, además de uno de los principales representantes del cool. Mulligan comenzó como pianista antes de aprender a tocar el clarinete y los distintos tipos de saxofones. Con todo, su reputación fue inicialmente como arreglista. Su primera interpretación notable como saxo barítono la realizó con el grupo de Miles Davis. En los noventa, estuvo de gira con su propio cuarteto y lideró la "Rebirth of the Cool Band", tocando y grabando varios clásicos del noneto de Miles Davis.
Hoy ofrecemos el concierto ofrecido por Gerry Mulligan con su Big Band en el Festival de Jazz del Mar del Norte de los Países Bajos.
Jane Birkin (Londres 1946) es una actriz y cantante anglo-francesa que reside en Francia desde finales de los sesenta. Después de los inicios cinematográficos en Reino Unido, especialmente en la película Deseo de una mañana de verano, comenzó una carrera en Francia, donde conoció al que después sería su mentor, compositor y socio, Serge Gainsbourg. Su débil voz se convirtió en su marca distintiva y fue utilizada con inteligencia. Una de sus primeras colaboraciones fue la canción Je t'aime... moi non plus, que se convirtió en un éxito a nivel internacional. A finales de la década de 1980 actuó en una serie de conciertos en París interpretando el repertorio que Gainsbourg había escrito para ella. En 2017 publicó su decimotercer álbum de estudio, "Birkin-Gainsbourg le symphonique".
Hoy ofrecemos un florilegio de canciones populares acompañada por la Orchestre Lamoureux conducida por el maestro Didier Benetti.
Eñaut Elorrieta (Gernika, 1975) es fundador y cantante del consolidado grupo euskaldun Ken Zazpi. Trabajos como Atzo da bihar (2001), Argiak (2007) o Phoenicoperus (2015) firman parte de la biografía de esta formación. Pero a partir de 2013, en la carrera artística de Eñaut Elorrieta se abre un nuevo camino al publicar su primer disco en solitario Deserriko kantak bajo el sello discográfico Elkar. Desde entonces ha compaginado las dos facetas, como artista en solitario y como miembro de Ken Zazpi, realizando una importante gira de conciertos por diferentes salas y teatros.
Harian zuzenean. Con el presente vídeo presentamos una colección de 8 temas grabados en diferentes escenarios a lo largo de la gira realizada por Eñaut Elorrieta acompañado por Kaabestri String Ensemble
Mercedes Sosa (1935- 2009) fue una cantante de música folclórica argentina, considerada la mayor exponente del folklore argentino. Se la conoció como La Voz de América Latina. Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva Canción Latinoamericana, incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop. Se definía a sí misma como «cantora» antes que «cantante», distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: «Cantante es el que puede y cantor el que debe» (Facundo Cabral). Fue condecorada con honores en el año 2005 por el Senado argentino con el Premio Sarmiento en reconocimiento a su trayectoria artística, su compromiso social y su constante lucha en materia de derechos humanos.
Sugerencias de videos peculiares
Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida se adentró en distintos estilos y géneros musicales desde el posromanticismo al serialismo o el jazz . Estudió, entre otros, con Rimski Korsakov y trabajó para distintos géneros y formaciones musicales; pero tras conocer a Serguei Diaghilev, fundador de los Ballets Rusos, colaboró estrechamente con él y así fue que fueron sus ballets con los que alcanzó mayor fama e influencia; entre todos sus ballets habremos de destacar “La Consagración de la Primavera”, para muchos, obra cumbre del siglo XX; a pesar de que su estreno fue un absoluto escándalo lleno de protestas e incluso, puñetazos entre el público. La revista Time le consideró como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.
Apollo (originalmente Apollon musagète y conocido como Apollo musagetes, Apolo Musageta y Apollo, líder de las musas) es un ballet neoclásico en dos cuadros compuesto entre 1927 y 1928 por Ígor Stravinski. Fue coreografiado en 1928 por George Balanchine, en ese entonces de veinticuatro años, y el compositor contribuyó con el libreto. La escenografía y el vestuario fueron diseñados por André Bauchant, aunque en 1929 se realizó un nuevo vestuario de Coco Chanel. La escenografía fue ejecutada por Alexander Shervashidze, y el vestuario del estreno fue realizado bajo la dirección de Mme. A. Youkine. La mecenas estadounidense de las artes Elizabeth Sprague Coolidge había encargado el ballet en 1927 para un festival de música contemporánea que se celebraría el año siguiente en la Biblioteca del Congreso en Washington D. C.
Stravinsky había estado pensando en escribir un ballet sobre un episodio de la mitología griega durante algún tiempo y decidió hacer de Apolo, líder de las musas, su figura central, reduciendo el número de musas de nueve a tres. Eran Terpsícore, personificando la danza, Calliope, combinando poesía y ritmo y Polyhymnia, que representa el teatro. El tema: Apolo musageta (‘maestro de las musas’) instruye a las musas en sus artes llevándolas al Parnaso. Stravinsky explicó el título original Apollon Musagète significa "Apolo, líder de las musas". El ballet se inspira en la gran tradición de la música francesa de los siglos XVII y XVIII, en particular la de Jean-Baptiste Lully, una fuente a la que Stravinsky volvió al componer Agon en 1957.
La primera versión del ballet Apollo, encargada especialmente para el festival de Washington, se estrenó el 27 de abril de 1928 con coreografía de Adolph Bolm, quien también bailó el papel de Apolo, coreografía que en la actualidad está prácticamente olvidada. Stravinsky había reservado los derechos europeos de la partitura para Sergei Diaghilev productor de la compañía de Ballets Russes. Coreografiada por Balanchine, de 24 años, la renovada obra se inauguró en el Théâtre Sarah Bernhardt de París el 12 de junio de 1928; Stravinsky dirigió la representación. Balanchine dijo más tarde que cuando escuchó la música de Stravinsky todo lo que pudo ver fue un blanco inmaculado. La claridad, calma e incluso serenidad de la música la hace parecer infinitamente remota la colorida emoción de los ballets anteriores de Stravinsky. La carencia de cualquier conflicto en el escenario, de cualquier intención narrativa, psicológica o expresiva, se combinó aún más con el vestuario monocromático para los bailarines y la ausencia de un decorado elaborado en el escenario.
Hoy nos lo ofrece el Royal Ballet con Matthew Ball, Fumi Kaneko, Melissa Hamilton y Claire Calvert como protagonistas.
Maurice Ravel (1875-1937) nacido en Ziburu/Ciboure (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy y viceversa. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión cerca de París, donde se daban cita, eminentes músicos e intelectuales.
La Valse es un poema coreográfico para orquesta de Maurice Ravel, dedicado a su amiga Misia Sert y compuesto entre 1919 y 1920. Ravel intentaba desde 1906 componer para ballet una apoteosis del vals en homenaje a Johann Strauss, cosa que la Primera Guerra Mundial le impidió realizar. La experiencia de la guerra vivida cambió su perspectiva de la obra que tenía en mente. A la imagen romántica y fastuosa de la corte vienesa del siglo XIX, la sucedió la imagen de un mundo decadente amenazado por la barbarie. Por este motivo, Ravel compuso, según su propia definición, «un torbellino fantástico y fatal», evocación de la decadencia y de la destrucción de la civilización occidental.
Hoy nos la pone en escena el cuerpo de baile de la compañía venezolana Ballet Teresa Carreño.
El Bambuco es un género musical tradicional de Colombia, específicamente de la región andina. Es considerado uno de los géneros más representativos de la música colombiana y forma parte del folclor del país. Se caracteriza por su ritmo binario y su melodía suave y sentimental. Tradicionalmente, se interpreta con instrumentos como la guitarra, el tiple (un instrumento de cuerda similar a la guitarra) y el requinto (una variante del tiple), aunque también puede incluir otros instrumentos de cuerdas y percusión.
Tanto la música como la danza del bambuco están estrechamente relacionadas. La danza del bambuco es una expresión coreográfica que acompaña la música y se caracteriza por movimientos suaves y elegantes. En ocasiones, se utiliza un raboegallo "pañuelo" que es manipulado por los bailarines para agregar gracia y belleza a la danza. En Colombia, fue considerado «El aire nacional» desde el siglo XIX, pero la cumbia a mediados del siglo XX y el vallenato desde fines del siglo XX lo desplazaron en esa valoración. El bambuco ha evolucionado a lo largo del tiempo, adaptándose a diferentes regiones y estilos musicales. Ha sido reconocido como símbolo de la identidad cultural colombiana y es considerado un elemento importante en festivales y eventos folclóricos del país.
Sattriya o Sattriya Nritya, es una de las principales danzas clásicas de la India. Es una representación de danza-drama con orígenes en los monasterios del vaishnavismo (la sección más numerosa del hinduismo) de Assam que narra temas relacionados con el Señor Krishna, mezclados con historias de epopeyas. Reconocida en 2000 como danza clásica por la Academia Sangeet Natak de la India, la Sattriya moderna explora muchos otros temas y representaciones que se materializan en todo el mundo. Los gestos con las manos (mudras), el juego de pies (padas), las posturas, los ritmos, el entrenamiento de los artistas y otros aspectos del drama-danza Sattriya siguen de cerca los descritos en los textos de danza clásica hindú, y son bastante similares a otras danzas clásicas importantes.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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