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El 12 de Octubre  conmemoramos el encuentro de Occidente con el Continente americano.

Ese mismo día se celebran las Fiestas patronales de Zaragoza.

Sugerencias de iniciación a la música clásica

Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue un director de orquesta y compositor brasileño, cuya música estuvo influida tanto por la música folclórica brasileña como por la música clásica europea. Recibió cierta instrucción musical de su padre y antes de 1899, año de la muerte de su padre, ya había empezado a dedicarse a la música como profesional. Actuó como músico de café tocando el violonchelo, si bien fue también intérprete ocasional de guitarra, clarinete y piano. Como compositor, fue notoriamente prolífico con un legado de obras para guitarra, obras para piano,17 cuartetos de cuerda, 9 Bachianas brasileiras, 15 Choros para distintas formaciones musicales, 12 sinfonías, 18 obras concertantes, 4 óperas, 2 bandas sonoras de películas y numerosos trabajos de distinta índole que incluyen varias partituras de ballet.

Las Bachianas Brasileiras son un conjunto de nueve obras escritas para distintas formaciones con recuerdo formal a Bach. La nº 5 que hoy presentamos, escrita para voz y ocho violonchelos, es la más conocida y hoy está interpretada por Amel Brahim, soprano argelina de origen bereber. 


Ástor Piazzolla (1921–1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York donde a los trece años conoce a Carlos Gardel, quien le muestra los secretos del tango. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones, donde los puristas consideraron sus innovaciones como el “asesinato del tango”. En París contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en la posible conjunción del tango con la música clásica. Volvió a Buenos Aires con tal actividad que en 1973 sufre un infarto, a pesar de lo que  sigue con su actividad hasta que en 1990 sufre en París una trombosis que no lograría superar.

El Bandoneón es un instrumento musical de viento mediante fuelle, muy utilizado en Argentina y Uruguay, por la vinculación de este instrumento con el tango, aunque también con otros géneros como el chamamé, la chacarera, la zamba, la chimarrita, o chamarrita e incluso con valses criollos y, por supuesto, con las milongas. Fue diseñado inicialmente en Alemania como evolución de instrumentos de lengüetas sueltas (free-reed) anteriores. Se dice que su uso fue inicialmente como órgano portátil para ejecutar música religiosa; al llegar a Río de la Plata de la mano de marineros e inmigrantes, fue adoptado por músicos de la época y fue así como colaboró en la formación del sonido particular del tango rioplatense, constituyéndose en un verdadero símbolo de éste.

Adiós Nonino es una pieza musical de tango, compuesta en el año 1959, en homenaje a su padre, Vicente Piazzolla, basándose en otro de sus tangos titulado «Nonino»,​ escrito cinco años antes en París, también en homenaje a su padre. Se trata de un tango estrictamente instrumental, del que José Luis Person Properzi sugirió que «Adiós Nonino» tiene reminiscencias de George Gershwin (el propio Piazzolla llegó a reconocerlo, dada la preferencia que su padre tenía por este compositor) y de Brian Wilson, este último sobre todo en los acordes y en los timbres que usa. En el vídeo de hoy es el mismo maestro Piazzola quien está al bandoneón.

Ástor Piazzolla (1921–1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York donde a los trece años conoce a Carlos Gardel, quien le muestra los secretos del tango. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones, donde los puristas consideraron sus innovaciones como el “asesinato del tango”. En París contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en la posible conjunción del tango con la música clásica. Volvió a Buenos Aires con tal actividad que en 1973 sufre un infarto, a pesar de lo que  sigue con su actividad hasta que en 1990 sufre en París una trombosis que no lograría superar.

El Bandoneón es un instrumento musical de viento mediante fuelle, muy utilizado en Argentina y Uruguay, por la vinculación de este instrumento con el tango, aunque también con otros géneros como el chamamé, la chacarera, la zamba, la chimarrita, o chamarrita e incluso con valses criollos y, por supuesto, con las milongas. Fue diseñado inicialmente en Alemania como evolución de instrumentos de lengüetas sueltas (free-reed) anteriores. Se dice que su uso fue inicialmente como órgano portátil para ejecutar música religiosa; al llegar a Río de la Plata de la mano de marineros e inmigrantes, fue adoptado por músicos de la época y fue así como colaboró en la formación del sonido particular del tango rioplatense, constituyéndose en un verdadero símbolo de éste.

Adiós Nonino es una pieza musical de tango, compuesta en el año 1959, en homenaje a su padre, Vicente Piazzolla, basándose en otro de sus tangos titulado «Nonino»,​ escrito cinco años antes en París, también en homenaje a su padre. Se trata de un tango estrictamente instrumental, del que José Luis Person Properzi sugirió que «Adiós Nonino» tiene reminiscencias de George Gershwin (el propio Piazzolla llegó a reconocerlo, dada la preferencia que su padre tenía por este compositor) y de Brian Wilson, este último sobre todo en los acordes y en los timbres que usa. En el vídeo de hoy es el mismo maestro Piazzola quien está al bandoneón.


José Pablo Moncayo (1912-1958) fue un compositor mexicano, que representa uno de los más importantes legados musicales del nacionalismo mexicano, junto a Silvestre Revueltas, Carlos Chávez y Julián Carrillo. Sus maestros fueron Candelario Huízar y Carlos Chávez, de armonía y composición respectivamente. En su época estudiantil se vio obligado a tocar como pianista en cafés y estaciones de radio para poder pagar sus estudios, hasta que ingresó como percusionista en la Orquesta Sinfónica Nacional. Según Yolanda Moreno Rivas: “La muerte de Moncayo en 1958 terminó con la preponderancia de un estilo de composición, cuya huella marcó la creación musical en México por más de tres décadas”.

Huapango es la obra más conocida de Moncayo, hasta tal punto que en dicho país ha sido llamada el segundo Himno Nacional Mexicano; es una obra inspirada en los sones veracruzanos que estudió durante una visita al puerto de Alvarado, Veracruz, y que incluye motivos melódicos y rítmicos de varios sones entre los que son los más evidentes "El Siquisiri", "El Balajú" y "El Gavilancito".

Hoy lo conduce Alondra de la Parra (1980), directora de orquesta mexicana de fama internacional y que en la actualidad es titular de la Orquesta Sinfónica de Queensland; ha sido la primera mujer en Australia que ejerza un cargo de esta entidad.


Leonard Bernstein (1918 - 1990), fue un compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story  (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que más apasionadamente le interesaba. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.

Mambo es un ritmo musical y danza oriundo de Cuba. La palabra “mambo” es un afronegrismo, de manera similar a otros términos musicales afroamericanos como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bambulá, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, que denotan un origen africano, y particularmente congolés. Las raíces originales del Mambo, que pueden ser encontradas en el “Danzón de Nuevo Ritmo”, fue popularizado por la orquesta Arcaño y sus Maravillas acelerando el danzón e introduciendo una síncopa en la percusión. Fue el chelista de Arcaño, Orestes López, el que creó el primer Danzón llamado Mambo en 1938.

Hoy presentamos el Mambo de Bernstein en versión de Banda de Música ofrecido por la New York Wind Orchestra.

Leonard Bernstein (1918 - 1990), fue un compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story  (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que más apasionadamente le interesaba. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.

Mambo es un ritmo musical y danza oriundo de Cuba. La palabra “mambo” es un afronegrismo, de manera similar a otros términos musicales afroamericanos como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bambulá, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, que denotan un origen africano, y particularmente congolés. Las raíces originales del Mambo, que pueden ser encontradas en el “Danzón de Nuevo Ritmo”, fue popularizado por la orquesta Arcaño y sus Maravillas acelerando el danzón e introduciendo una síncopa en la percusión. Fue el chelista de Arcaño, Orestes López, el que creó el primer Danzón llamado Mambo en 1938.

Hoy presentamos el Mambo de Bernstein en versión de Banda de Música ofrecido por la New York Wind Orchestra.


Sugerencias de música clásica

Manuel Fernández Caballero (Murcia,1835 - Madrid, 1906) fue un compositor español de zarzuelas del siglo XIX, de las que hoy sugerimos su obra más conocida, Gigantes y cabezudos. Se le puede considerar por sus trabajos como uno de los maestros padres del joven género chico. El éxito de Los bandos de Villafrita le consolida en su carrera, siendo la obra más representada en España sin caer de cartel durante todo el siglo. Sus obras en general muestran de manera elocuente un gran dominio de la orquestación y un estilo elegante. Además de zarzuelas, Fernández Caballero compuso música profana y religiosa.

Gigantes y cabezudos es una zarzuela en un acto y tres cuadros, con libreto de Miguel Echegaray y Eizaguirre y música del maestro Manuel Fernández Caballero. Se estrenó en el Teatro Principal de Zaragoza , con gran éxito, el martes 29 de noviembre de 1898. Los gigantes y cabezudos, a los que hace referencia el título de la obra, son las figuras de cartón piedra que desfilan, a modo de caricatura, en pasacalles, verbenas y fiestas, costumbre de origen medieval muy popular todavía en pueblos y ciudades de Aragón, Cataluña, Comunidad Valenciana y norte del Estado. La acción se desarrolla en Zaragoza en plenas fiestas del Pilar.


Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. Entre 1892 y 1895, Dvořák fue director del Conservatorio Nacional de Nueva York; desde su llegada a USA mostró un gran interés por la música nativa americana. En abril de 1895 dejó los Estados Unidos y volvió definitivamente a su patria en la que recomenzó su trabajo de profesor en el Conservatorio. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas.  Su Sinfonía del Nuevo Mundo es una obra archiconocida y sus temas han sido ampliamente utilizados por la música popular.

La Sinfonía n.º 9 en mi menor Op. 95, Sinfonía del Nuevo Mundo, es la obra más conocida de Antonín Dvořák y tiene una gran relación con su subtítulo, aunque éste no suele traducirse correctamente, ya que en realidad es «Sinfonía desde el Nuevo Mundo». Se trata de una referencia que hace Dvořák hacia la antigua Europa demostrando una evolución y reflejada en el último acorde de la Sinfonía que termina decreciendo hasta piano haciendo así referencia al título, alejándose de la vieja Europa.

Compuesta en 1893 al poco de la llegada del compositor a USA está articulada en cuatro movimientos: I (0´4´´) ADAGIO - ALLEGRO MOLTO. El primer movimiento está escrito en la tonalidad de Mi menor, en compás de 4/8 que luego pasa a 2/4 y sigue la forma sonata (exposición-desarrollo-reexposición o recapitulación).. Se abre con una introducción lenta, marcada Adagio, en compás de 4/8 que pasa al movimiento propiamente dicho, marcado como Allegro molto, en 2/4. La introducción anticipa el tema principal del movimiento y establece una idea que podría describirse como una especie de leitmotiv del período americano de Dvořák .-. II (9´00´´) LARGO. El tema principal es una melodía amplia y sencilla interpretada por el corno inglés, enmarcada por cuerdas con sordina. La sección central presenta un pasaje en Do sostenido menor cuyo tono melancólico podría sugerir una imagen de las vastas y desoladas praderas americanas, la estilización de un lamento indio y una reflexión sobre la nostalgia .-. III (20´02´´) SCHERZO: MOLTO VIVACE-POCO SOSTENUTO. El tercer movimiento está en Mi menor, en compás de 3/4 y sigue una forma ternaria A-B-A. En palabras de Dvořák, esta parte de la sinfonía se asocia con la festividad donde los indios bailan. Los ritmos estimulantes en la sección A solo se interrumpen en su parte central, que, en su atmósfera idílica, contrasta tanto que podría considerarse una especie de trío. La sección B, que es el verdadero trío, también está muy alejado de los ritmos salvajes de la parte A. Tras la repetición de la sección A, llega la Coda que con su expresión solemne desafía el tono general de la pieza y representa así una cierta transición conceptual hacia el Finale .-. IV (26´50´´) ALLEGRO CON FUOCO. El cuarto y último movimiento retoma la tonalidad inicial que luego pasa a Mi mayor y el compás es 4/4. Es una forma sonata pero el principio de reminiscencia introduce elementos innovadores en su estructura, especialmente en el uso explícito de temas de los movimientos anteriores. Dvořák expone la sustancia temática de los movimientos anteriores, pero a partir de la sección de desarrollo. El segundo tema contrastante gradualmente encuentra su voz en una amplia y lírica cantilena. El tema final y enérgico refuerza nuevamente la impresión inicial del tono de toda la pieza. La recapitulación es abreviada en comparación con la exposición, de modo que la majestuosa Coda destaca aún más al incorporar todas las ideas clave de la Sinfonía, incluidos los acordes iniciales del Largo de manera monumental.

Hoy nos la ofrece la Peabody Symphony Orchestra dirigida por la maestra Marin Alsop (1956), violinista y directora de orquesta estadounidense actualmente titular de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, lo que le ha convertido en ser la primera mujer que ocupa un puesto de este nivel en USA; es además, directora principal invitada de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo.

Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. Entre 1892 y 1895, Dvořák fue director del Conservatorio Nacional de Nueva York; desde su llegada a USA mostró un gran interés por la música nativa americana. En abril de 1895 dejó los Estados Unidos y volvió definitivamente a su patria en la que recomenzó su trabajo de profesor en el Conservatorio. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas.  Su Sinfonía del Nuevo Mundo es una obra archiconocida y sus temas han sido ampliamente utilizados por la música popular.

La Sinfonía n.º 9 en mi menor Op. 95, Sinfonía del Nuevo Mundo, es la obra más conocida de Antonín Dvořák y tiene una gran relación con su subtítulo, aunque éste no suele traducirse correctamente, ya que en realidad es «Sinfonía desde el Nuevo Mundo». Se trata de una referencia que hace Dvořák hacia la antigua Europa demostrando una evolución y reflejada en el último acorde de la Sinfonía que termina decreciendo hasta piano haciendo así referencia al título, alejándose de la vieja Europa.

Compuesta en 1893 al poco de la llegada del compositor a USA está articulada en cuatro movimientos: I (0´4´´) ADAGIO - ALLEGRO MOLTO. El primer movimiento está escrito en la tonalidad de Mi menor, en compás de 4/8 que luego pasa a 2/4 y sigue la forma sonata (exposición-desarrollo-reexposición o recapitulación).. Se abre con una introducción lenta, marcada Adagio, en compás de 4/8 que pasa al movimiento propiamente dicho, marcado como Allegro molto, en 2/4. La introducción anticipa el tema principal del movimiento y establece una idea que podría describirse como una especie de leitmotiv del período americano de Dvořák .-. II (9´00´´) LARGO. El tema principal es una melodía amplia y sencilla interpretada por el corno inglés, enmarcada por cuerdas con sordina. La sección central presenta un pasaje en Do sostenido menor cuyo tono melancólico podría sugerir una imagen de las vastas y desoladas praderas americanas, la estilización de un lamento indio y una reflexión sobre la nostalgia .-. III (20´02´´) SCHERZO: MOLTO VIVACE-POCO SOSTENUTO. El tercer movimiento está en Mi menor, en compás de 3/4 y sigue una forma ternaria A-B-A. En palabras de Dvořák, esta parte de la sinfonía se asocia con la festividad donde los indios bailan. Los ritmos estimulantes en la sección A solo se interrumpen en su parte central, que, en su atmósfera idílica, contrasta tanto que podría considerarse una especie de trío. La sección B, que es el verdadero trío, también está muy alejado de los ritmos salvajes de la parte A. Tras la repetición de la sección A, llega la Coda que con su expresión solemne desafía el tono general de la pieza y representa así una cierta transición conceptual hacia el Finale .-. IV (26´50´´) ALLEGRO CON FUOCO. El cuarto y último movimiento retoma la tonalidad inicial que luego pasa a Mi mayor y el compás es 4/4. Es una forma sonata pero el principio de reminiscencia introduce elementos innovadores en su estructura, especialmente en el uso explícito de temas de los movimientos anteriores. Dvořák expone la sustancia temática de los movimientos anteriores, pero a partir de la sección de desarrollo. El segundo tema contrastante gradualmente encuentra su voz en una amplia y lírica cantilena. El tema final y enérgico refuerza nuevamente la impresión inicial del tono de toda la pieza. La recapitulación es abreviada en comparación con la exposición, de modo que la majestuosa Coda destaca aún más al incorporar todas las ideas clave de la Sinfonía, incluidos los acordes iniciales del Largo de manera monumental.

Hoy nos la ofrece la Peabody Symphony Orchestra dirigida por la maestra Marin Alsop (1956), violinista y directora de orquesta estadounidense actualmente titular de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, lo que le ha convertido en ser la primera mujer que ocupa un puesto de este nivel en USA; es además, directora principal invitada de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo.


Aldemaro Romero (1928 - 2007) fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta venezolano. Comenzó sus estudios musicales con su padre. En 1942, la familia se trasladó a Caracas y comenzó a tocar en clubes nocturnos, mientras paralelamente tomaba clases de música con el compositor venezolano Moisés Moleiro y más tarde con Luis Alfonzo Larrain, quien le introduce en su orquesta. En 1948, crea su propia orquesta de baile realizando distintos contratos y grabaciones de distinto cariz en  Nueva York, Venezuela, Inglaterra hasta que en 1979 funda la Orquesta Filarmónica de Caracas. En su vasta producción musical destacan un gran número de conciertos para instrumentos de cuerda, viento, teclado y percusión y agrupaciones corales.

La Fuga con Pajarillo de Aldemaro Romero es un arreglo del autor del primer movimiento de la Suite No. 1 para Cuerdas; en ella mezcla canciones populares y elementos folclóricos con formas y técnicas clásicas. Dice el maestro Dudamel "Un pajarillo es un baile típico venezolano, quizás el más famoso, junto con el joropo; es como un vals, pero con el acento en el ritmo débil. La presente pieza es un pajarillo, pero en combinación con una compleja fuga [forma musical de imitación]. El pajarillo que impregna la melodía y el ritmo da un sentido de improvisación y contrasta con la forma fugaz predeterminada. Esto es lo que hace que esta pieza sea tan fascinante". (Extractado del artículo publicado en La Phil).

La interpretación de hoy corre a cargo del violinista Alexis Cárdenas y su Ensamble acompañados por la Sinfónica de la Juventud Simón Bolívar conducid@s tod@s ell@s por el maestro  Gustavo Dudamel (1981), director de orquesta venezolano, que se formó en el seno del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela donde comenzó a los cuatro años y donde realizó sus estudios de violín, composición y dirección de orquesta. Dudamel ha dirigido las principales orquestas del mundo y está considerado como uno de los más importantes directores del momento, En la actualidad es el titular de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles​ y de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar.


Mozart Camargo Guarnieri (Tietê, 1 de febrero de 1907 - São Paulo, 13 de enero de 1993) fue un compositor brasileño de música clásica. Recibió clases de piano a partir de los diez años de edad con Virgínio Dias. En 1923 se trasladó a São Paulo, comenzando a tocar en orquestas y cines de esta ciudad a fin de ayudar en la economía doméstica. En 1928 conoció a Mário de Andrade, el cual se convirtió en su maestro intelectual. Muchas de las canciones escritas por Camargo Guarnieri lo fueron sobre textos de Mário de Andrade, incluyendo la ópera Pedro Malazarte. En 1938 recibió una beca de estudios concedida por el gobierno del Estado de São Paulo para estudiar en París con Charles Koechlin, Franz Rühlmann y Nadia Boulanger. En 1944 recibió varios premios en Estados Unidos que le confirieron una cierta notoriedad. Entre ellos, se clasificó en segundo lugar en un concurso llevado a cabo en Detroit para elegir la "Sinfonía de las Américas".

El legado musical de Camargo Guarnieri se encuentra formado por más de setecientas obras, siendo probablemente el segundo compositor brasileño más interpretado en el mundo, superado solamente por Heitor Villa-Lobos. Poco antes de su muerte recibió el premio "Gabriela Mistral" en su calidad de "mayor compositor de las Américas".

Três danças brasileiras. Compuestas en tres momentos distintos de la carrera de Camargo Guarnieri, las danzas Brasileña (1928), Salvaje (1931) y Negra (1946) fueron consideradas un tríptico por el propio autor. Se puede observar, como elemento común en las tres danzas, el compromiso del compositor paulista con los ideales nacionalistas, traducidos en inspiración en las raíces negras e indígenas. Fueron compuestas originalmente para piano y, posteriormente, transcritas para orquesta, ganando mayor brillantez y diversificación a través de la instrumentación de sus temas.

LA DANÇA BRASILEIRA (0´09´´) escrita en “Tempo di Samba” y de carácter alegre y rítmico, Camargo Guarnieri la relaciona con sus recuerdos de infancia: «Nací en un pequeño pueblo llamado Tietê; mi casa estaba en una de las colinas de la ciudad, construida a orillas del río Tietê. Aquí en Brasil, celebramos la abolición de la esclavitud el 13 de mayo. Recuerdo que, de niño, escuchaba el ritmo de las danzas de los negros durante estas celebraciones; el ritmo era incesante y mi danza brasileña surgió de ese recuerdo» .-.  DANÇA SELVAGEM (2´29´´). Como sugiere el título, trae elementos sugerentes de las florestas brasileñas y la inclusión de ritmos registrados en el interior de Brasil. La pieza está marcada por su carácter agitado, que culmina en la tensión final, con un alto grado de intensidad, en toda la orquesta  .-. DANÇA NEGRA (1946) (4´26´´) Fue concebida tras un viaje con Jorge Amado a Bahía, donde asistía a una ceremonia de Candomblé (religión afrobrasileña). Mientras se dirigía al lugar percibió que a lo lejos se oían tambores y cantos, que se intensificaban muchísimo a medida que se acercaba. Inspirado por esta experiencia, Guarnieri creó la tercera Danza que comienza con una melodía acompañada de un ostinato en pianissimo, alcanza un clímax en fortissimo y vuelve al pianissimo para finalizar. (Extractado del artículo de Cesar Buscacio publicado en la Web de la Orquesta Filarmónica de Minas Gerais)

Mozart Camargo Guarnieri (Tietê, 1 de febrero de 1907 - São Paulo, 13 de enero de 1993) fue un compositor brasileño de música clásica. Recibió clases de piano a partir de los diez años de edad con Virgínio Dias. En 1923 se trasladó a São Paulo, comenzando a tocar en orquestas y cines de esta ciudad a fin de ayudar en la economía doméstica. En 1928 conoció a Mário de Andrade, el cual se convirtió en su maestro intelectual. Muchas de las canciones escritas por Camargo Guarnieri lo fueron sobre textos de Mário de Andrade, incluyendo la ópera Pedro Malazarte. En 1938 recibió una beca de estudios concedida por el gobierno del Estado de São Paulo para estudiar en París con Charles Koechlin, Franz Rühlmann y Nadia Boulanger. En 1944 recibió varios premios en Estados Unidos que le confirieron una cierta notoriedad. Entre ellos, se clasificó en segundo lugar en un concurso llevado a cabo en Detroit para elegir la "Sinfonía de las Américas".

El legado musical de Camargo Guarnieri se encuentra formado por más de setecientas obras, siendo probablemente el segundo compositor brasileño más interpretado en el mundo, superado solamente por Heitor Villa-Lobos. Poco antes de su muerte recibió el premio "Gabriela Mistral" en su calidad de "mayor compositor de las Américas".

Três danças brasileiras. Compuestas en tres momentos distintos de la carrera de Camargo Guarnieri, las danzas Brasileña (1928), Salvaje (1931) y Negra (1946) fueron consideradas un tríptico por el propio autor. Se puede observar, como elemento común en las tres danzas, el compromiso del compositor paulista con los ideales nacionalistas, traducidos en inspiración en las raíces negras e indígenas. Fueron compuestas originalmente para piano y, posteriormente, transcritas para orquesta, ganando mayor brillantez y diversificación a través de la instrumentación de sus temas.

LA DANÇA BRASILEIRA (0´09´´) escrita en “Tempo di Samba” y de carácter alegre y rítmico, Camargo Guarnieri la relaciona con sus recuerdos de infancia: «Nací en un pequeño pueblo llamado Tietê; mi casa estaba en una de las colinas de la ciudad, construida a orillas del río Tietê. Aquí en Brasil, celebramos la abolición de la esclavitud el 13 de mayo. Recuerdo que, de niño, escuchaba el ritmo de las danzas de los negros durante estas celebraciones; el ritmo era incesante y mi danza brasileña surgió de ese recuerdo» .-.  DANÇA SELVAGEM (2´29´´). Como sugiere el título, trae elementos sugerentes de las florestas brasileñas y la inclusión de ritmos registrados en el interior de Brasil. La pieza está marcada por su carácter agitado, que culmina en la tensión final, con un alto grado de intensidad, en toda la orquesta  .-. DANÇA NEGRA (1946) (4´26´´) Fue concebida tras un viaje con Jorge Amado a Bahía, donde asistía a una ceremonia de Candomblé (religión afrobrasileña). Mientras se dirigía al lugar percibió que a lo lejos se oían tambores y cantos, que se intensificaban muchísimo a medida que se acercaba. Inspirado por esta experiencia, Guarnieri creó la tercera Danza que comienza con una melodía acompañada de un ostinato en pianissimo, alcanza un clímax en fortissimo y vuelve al pianissimo para finalizar. (Extractado del artículo de Cesar Buscacio publicado en la Web de la Orquesta Filarmónica de Minas Gerais)


Sugerencias de música para todos los gustos

Leonard Cohen (1934-2016) fue un poeta, novelista y cantautor canadiense que en sus canciones tocó temas muy diversos, pero centrados una y otra vez en el amor y en la religión. En 1967  Cohen se trasladó a USA para comenzar una carrera como cantautor folk. Su canción «Suzanne» fue un notable éxito de la mano de Judy Collins, y durante muchos años fue su canción más versionada; tras lo que realizó innumerables grabaciones y giras exitosas por todo el mundo. Su voz profunda y grave se ajusta perfectamente a su pesimismo existencial. Fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de USA y en el Salón de la Fama Musical de Canadá; y en 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras.


Totó la Momposina (1940) fue una cantante colombiana nacida en una familia de músic@s; la canción y el baile fueron para ella algo congénito que lo expresaba desde la más tierna edad. Su música combina elementos africanos e indígenas tal como sucedió durante la época de la colonización española en América; de ahí que los ritmos que nacieron de esa fusión fueron múltiples. Después de estudiar en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, se dedicó a recorrer Europa y a estudiar en la Universidad de La Sorbona de París, así como en otras instituciones de Santiago de Cuba y La Habana. Es una de las cantantes colombianas más reconocidas en Latinoamérica y Doctora Honoris Causa en Educación por la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia

Totó la Momposina (1940) fue una cantante colombiana nacida en una familia de músic@s; la canción y el baile fueron para ella algo congénito que lo expresaba desde la más tierna edad. Su música combina elementos africanos e indígenas tal como sucedió durante la época de la colonización española en América; de ahí que los ritmos que nacieron de esa fusión fueron múltiples. Después de estudiar en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, se dedicó a recorrer Europa y a estudiar en la Universidad de La Sorbona de París, así como en otras instituciones de Santiago de Cuba y La Habana. Es una de las cantantes colombianas más reconocidas en Latinoamérica y Doctora Honoris Causa en Educación por la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia


Quilapayún (del mapundungun kila, 'tres', y payún, 'barbas') es una banda chilena de música folclórica formada en Santiago el 26 de julio de 1965, que formó parte de la llamada Nueva Canción Chilena durante la década de 1960 y que sigue vigente a la fecha. Durante el gobierno de Salvador Allende son nombrados embajadores culturales, realizando giras por Europa y obteniendo un gran éxito en Argentina y Uruguay. Quilapayún se encontraba en gira por Europa cuando ocurre el golpe de Estado de Augusto Pinochet; tras el golpe, el grupo permaneció en Francia y comienza su exilio que se prolongaría de manera indefinida. Tras la normalización de la política chilena y el regreso de sus miembros, éstos se dividen en dos grupos por disidencias internas.


Celia Cruz (1925- 2003) cantante cubana apodada «La Reina de la Salsa» y​ «La Guarachera de Cuba»,​ es ampliamente considerada como una de las artistas latinas más populares e importantes del siglo XX y un icono de la música latina; fue una de las máximas exponentes de su género, así como una de las artistas más influyentes de la música de su país. A lo largo de su carrera, Celia Cruz interpretó y popularizó internacionalmente los ritmos tropicales más peculiares; sin embargo, el género que le llevó al estrellato fue la salsa, género musical bailable resultante de la fusión del son cubano con el mambo, la guaracha, el chachachá o el guaguancó; género, la salsa, que se ha extendido no sólo por la cuenca del Caribe, sino por gran parte de la América Latina y hoy día, por todo el mundo.

Celia Cruz (1925- 2003) cantante cubana apodada «La Reina de la Salsa» y​ «La Guarachera de Cuba»,​ es ampliamente considerada como una de las artistas latinas más populares e importantes del siglo XX y un icono de la música latina; fue una de las máximas exponentes de su género, así como una de las artistas más influyentes de la música de su país. A lo largo de su carrera, Celia Cruz interpretó y popularizó internacionalmente los ritmos tropicales más peculiares; sin embargo, el género que le llevó al estrellato fue la salsa, género musical bailable resultante de la fusión del son cubano con el mambo, la guaracha, el chachachá o el guaguancó; género, la salsa, que se ha extendido no sólo por la cuenca del Caribe, sino por gran parte de la América Latina y hoy día, por todo el mundo.


Sugerencias de videos peculiares

La Jota Aragonesa es la expresión de canto y baile más identificativa de la región aragonesa; conocida y admirada dentro y fuera de sus fronteras ha atraído a compositores y coreógrafos extranjeros como Glinka, Liszt, Moiseyev… y otros que han producido alguna obra de este género. La Jota que hoy ofrecemos pertenece a la zarzuela La Dolores de Tomás Bretón y su interpretación corre a cargo del Ballet Alhambra.


El Zapateo Potosino es una danza festiva del campo propia de la ciudad de Potosí de Bolivia. Tras la celebración de la cosecha, l@s jóvenes solter@s ataviad@s con sus mejores prendas, buscan pareja en medio del jolgorio en una danza que fusiona elementos prehispánicos con otros europeos. La interpretación de hoy corre a cargo del  Ballet Folklórico Nacional de Bolivia.

El Zapateo Potosino es una danza festiva del campo propia de la ciudad de Potosí de Bolivia. Tras la celebración de la cosecha, l@s jóvenes solter@s ataviad@s con sus mejores prendas, buscan pareja en medio del jolgorio en una danza que fusiona elementos prehispánicos con otros europeos. La interpretación de hoy corre a cargo del  Ballet Folklórico Nacional de Bolivia.


La marinera norteña es una expresión cultural peruana. Esta danza es una variación bailada en el Norte peruano, con diferencias respecto a las otras versiones de marinera como limeña, puneña y arequipeña, consideradas como un solo baile en diversas presentaciones y patrimonio cultural de la humanidad. Es bailada principalmente en Trujillo, ciudad denominada como la Capital Nacional de Marinera y origen de ese estilo en el siglo XIX, ​ pues es la principal sede del Concurso Nacional de Marinera que convoca multitudes entre concursantes, personalidades, turistas y espectadores nacionales.

«La concheperla», también llamada La decana, es una marinera peruana recuperada en 1892 por José Alvarado "Alvaradito" con letra de Abelardo Gamarra "El tunante". Es la primera marinera compuesta para ser cantada y tocada a piano, y una de las más emblemáticas y reconocidas.


El Festival Internacional Cervantino (FIC), popularmente conocido como «El Cervantino», es un festival que se realiza desde 1972 en la ciudad de Guanajuato, en la región del Bajío mexicano. El festival nació a mediados del siglo XX cuando aún se representaban en las plazas de diversas ciudades guanajuatenses los entremeses de Miguel de Cervantes, llevados a escena por el maestro Enrique Ruelas Espinosa. En la década de 1970 se añadieron más actividades artísticas a las representaciones tradicionales para reforzar la dimensión internacional del festival. Desde entonces ha crecido hasta convertirse en uno de los cuatro mayores festivales de su género en el mundo.

El Ballet Amalia Hernández, con sede en el Palacio de las Bellas Artes de la Ciudad de México y también denominado Ballet Folklórico de México, fue fundado en 1952 por la bailarina y coreógrafa Amalia Hernández; cuenta con más de 60 coreografías propias y ha realizado actuaciones por toda la geografía mexicana, además de más  100 giras internacionales visitando un total de 60 países. Durante todos estos últimos años ha sido un referente de la música y danzas tradicionales mexicanas.

Hoy asistimos a su actuación en el Festival citado.

El Festival Internacional Cervantino (FIC), popularmente conocido como «El Cervantino», es un festival que se realiza desde 1972 en la ciudad de Guanajuato, en la región del Bajío mexicano. El festival nació a mediados del siglo XX cuando aún se representaban en las plazas de diversas ciudades guanajuatenses los entremeses de Miguel de Cervantes, llevados a escena por el maestro Enrique Ruelas Espinosa. En la década de 1970 se añadieron más actividades artísticas a las representaciones tradicionales para reforzar la dimensión internacional del festival. Desde entonces ha crecido hasta convertirse en uno de los cuatro mayores festivales de su género en el mundo.

El Ballet Amalia Hernández, con sede en el Palacio de las Bellas Artes de la Ciudad de México y también denominado Ballet Folklórico de México, fue fundado en 1952 por la bailarina y coreógrafa Amalia Hernández; cuenta con más de 60 coreografías propias y ha realizado actuaciones por toda la geografía mexicana, además de más  100 giras internacionales visitando un total de 60 países. Durante todos estos últimos años ha sido un referente de la música y danzas tradicionales mexicanas.

Hoy asistimos a su actuación en el Festival citado.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.

Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.