El 27 de Enero de 1756 nace Wolfgang Amadeus Mozart
El 27 de Enero de 1806 nace Juan Crisóstomo de Arriaga
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nació en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.
El catálogo de las obras de Bach o Bach-Werke-Verzeichnis, más conocido por sus siglas BWV, consta de un índice numerado de todos los trabajos del compositor ordenado temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental y utilizado por los académicos y músicos de todo el mundo. Dicho catálogo fue creado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder.
El Oratorio es un género musical dramático, a diferencia de la ópera, sin puesta en escena, ni vestuario, ni decorados. Compuesto generalmente para voces solistas, coro y orquesta sinfónica, a veces con un narrador, su tema es frecuentemente religioso (historias de la Biblia o del Evangelio, de la vida de Jesús o de las vidas de santos, etc.), pero también puede ser profano (héroes mitológicos, temas históricos, himno a la naturaleza, etc.). Sus principales características son generalmente A) Una estructura general en varias partes, frecuentemente tres, (eventualmente precedida de un preludio instrumental). B) La presencia de un narrador (exterior a la acción o identificado con un personaje). C) La alternancia entre las partes cantadas de arias y recitativos.
Jauchzet, Frohlocket es el primer número del Oratorio de Navidad: es el coral con el que empieza el oratorio. A partir del siglo XV se empezó a usar el término coral para referirse al himno eclesiástico de la Iglesia Luterana, sobre todo a su cantus firmus o a su melodía. Más adelante, en el siglo XVIII, se llamó corales a los cantos de la Iglesia Protestante en general. Igualmente se comenzó a llamar también corales a las piezas de órgano que utilizan como base un coral o un tema con características similares a las de un coral.
Hoy presentamos el coral Jauchzet, Frohlocket del Oratorio de Navidad de Bach conducido por Laurence Equilbey (1962), maestra francesa especialista en repertorio coral.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles.
En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».
Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.
La Serenata es una forma musical concebida para orquesta de cuerda, de viento, mixta, conjunto de cámara o percusión. Fue un divertimento que alcanzó enorme popularidad durante el siglo XVIII. La serenata se tocaba, al anochecer, muchas veces al aire libre, y hacía las delicias de las veladas en los jardines de los palacios de los aristócratas. El término serenata procede de los italianos sera (velada) o al sereno (al aire libre, a cielo descubierto), es decir, se trata de una música para ser interpretada al aire libre y al atardecer. El origen de la serenata está en las baladas que los enamorados cantaban frente a las ventanas de la amada al atardecer cuando algo no había salido bien en la relación. Es un género musical para un conjunto instrumental reducido y consta, como el género de la sinfonía, de varios movimientos.
En el siglo XVIII, constaba de hasta diez movimientos. Mozart compuso trece serenatas, normalmente para celebrar un acto social: bodas, fiestas cortesanas, etc. Las serenatas de Mozart comienzan con un movimiento de marcha escrito en forma sonata; dos movimientos lentos alternan con dos minuetos; siguen un rondó y un final muy brillante, que a veces también es una marcha. Beethoven compuso serenatas con trío de cuerdas (Op.8) y para flauta, violín y viola (Op.25). En el siglo XIX se compusieron serenatas para orquestas (Brahms, Dvorak, entre otros). También se concibe la serenatas como canción o lied (Schubert, Richard Strauss, Wolf, Massenet...) o para ser tocadas por un instrumento, como el piano (Albéniz, Debussy y Ravel). En varios países de Latinooamérica, como Colombia, Venezuela, Cuba, El Salvador, Guatemala, México, Paraguay, Perú, Brasil, Chile, Argentina y otros, el término "serenata" se refiere al hecho de llevar, generalmente por las noches, un conjunto de cuerdas típico y tradicional, por ejemplo un mariachi (en el caso de México), la tuna (de origen español pero que se extendió por la América hispana) o una serenata criolla andina (en el caso de Perú) serenata guayanesa (en el caso de Venezuela) son un dúo o un trío con intérpretes de los instrumentos típicos del país, al exterior de la casa de una dama, y hacer que el conjunto interprete y cante canciones para que el hombre exprese sentimientos variados, por lo común de amor, agradecimiento o deseos de reconciliación.
La Serenata para cuerdas n.º 13 en sol mayor K. 525, conocida como Eine kleine Nachtmusik (Pequeña serenata nocturna), es una de las obras más populares de Mozart, por lo que no puede dejar de mencionarse como un claro ejemplo del estilo del Clasicismo y del genio compositivo del músico austriaco. Se trata de una obra de madurez, ya que fue compuesta en el año 1787, fecha que coincide con el estreno de su ópera Don Giovanni. Al contrario que otras de sus últimas obras, esta serenata presenta un carácter ligero, alegre y despreocupado, muy acorde con la función de este género musical. Fue compuesta para cuarteto o quinteto de cuerda: dos violines, viola y violonchelo (y un contrabajo opcional que dobla la voz del violonchelo).
Tenía en origen cinco movimientos, de los que sólo se han conservado cuatro y de los que hoy sólo visionaremos el primero, Allegro: este movimiento ilustra de manera magistral la forma sonata (exposición-desarrollo-reexposición), tan emblemática del periodo clásico. Tal es la claridad de este primer movimiento, tanto en la escritura como en el planteamiento armónico y estructural, que se configura como ejemplo perfecto de las características del estilo musical de finales del siglo XVIII: una música agradable, elegante, refinada, transparente y sencilla.
Les Dissonances (Las disonancias) es una orquesta de música clásica europea creada en 2004 por el violinista David Grimal . La orquesta, que reúne a músicos franceses y europeos, está compuesta por solistas internacionales, músicos de prestigiosas orquestas y jóvenes talentos. Hoy son l@s intérpretes de este movimiento.
Juan Crisóstomo de Arriaga (1806 - 1826), conocido por muchos como el Mozart vasco, nació en Bilbao. Su padre, Juan Simón, procedía de Errigoiti, villa cercana a Gernika de donde procedía la madre, Maria Rosa. El padre, organista de Berriatua, Bizkaia, se trasladó a Bilbao para, como buen errigoitiarra, dedicarse a los negocios con los que prosperó y así pudo favorecer el desarrollo educativo de Juan Crisóstomo en París donde fallecería 10 días antes de cumplir los 20 años. El legado musical, que se ha podido conservar, consta de tres cuartetos de cuerda, el octeto Nada y mucho, escrito a los 11 años, la Obertura nº 1, la Sinfonía en Re, varias arias y cantatas además de algunos motetes y una ópera, Los esclavos felices, escrita a los trece años de la que únicamente se conserva su obertura, que hoy ofrecemos.
Obertura es la introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática, musical o no; aunque algunas composiciones instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores. Las primeras óperas que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas; pero sí una introducción que hacían los vocalistas en la que realizaban un resumen de la acción que se iba a desarrollar acto seguido. Las introducciones instrumentales se comenzaron a utilizar habitualmente a mediados del siglo XVII; fue el compositor alemán Christoph Willibald Gluck uno de los primeros que usó material de sus óperas para las oberturas. De esta manera, éstas establecían el perfil emocional de la ópera que seguía.
La composición de la Obertura de Los Esclavos felices sigue el modelo francés compuesta de dos partes: una breve y lenta en ritmo ternario y a modo introductorio, y una segunda parte, rápida, más desarrollada. La ejecución nos la ofrece la Orquesta Clásica Santa Cecilia conducida desde el atril de su concertino Florian Donderer.
Ástor Piazzolla (1921–1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York y los trece años conoce a Carlos Gardel. En su vuelta a Argentina, recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones, donde los puristas consideraron sus innovaciones como el “asesinato del tango”. Con cierta dosis de pesimismo se trasladó a París, donde contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en sí mismo y en la posible conjunción de tango con música clásica. Volvió a Buenos Aires con tal actividad que en 1973 sufre un infarto, aunque sigue con sus composiciones y grabaciones hasta que en 1990 sufre en París una trombosis que no lograría superar.
Libertango. Su título es una palabra compuesta por los términos "libertad" y "tango", presumiblemente como bandera de la libertad creativa que buscaba Piazzolla al crear el llamado tango nuevo, a diferencia del tango clásico. Hoy lo ofrecemos en un arreglo para trompeta y orquesta.
Alison Balsom (1978) es una trompetista inglesa que en 2009 actúo como solista en las noches de los Proms de Londres y en 2013 fue nombrada como Artista del año por la Gramophone Awards. Ha sido galardonada con doctorados honorarios de la Universidad de Leicester y de la Universidad Anglia Ruskin; es miembro honorario de la Guildhall School of Music and Drama.
Hoy ejerce el papel de solista en el presente vídeo.
Sugerencias de música clásica
Mozart y la masonería. La masonería apareció en Europa a finales del siglo XVII como una agrupación selectiva de carácter filantrópico, discreto y jerárquico; de estructura federal, sus objetivos son humanistas: la búsqueda de la verdad, el estudio de la conducta humana, de las ciencias y de las artes y el desarrollo social y moral de las personas y de la sociedad; todo ello fundamentado en un sentimiento de fraternidad; sus enseñanzas son simbolizadas con elementos de la albañilería. Teniendo estos objetivos en cuenta, con 28 años Mozart ingresó como aprendiz en la Logia Masónica de Viena; al mes siguiente ascendió al grado de Compañero y a los cuatro meses es nombrado Maestro masón. Influenciado por la Ilustración y por las ideas de Rousseau, Mozart anhelaba el racionalismo sin sumarse al carácter ocultista de muchos de sus compañeros. En la misma dirección, según Thomson, “la música debía inocular sentimientos de humanidad, sabiduría y paciencia, virtud y honestidad, lealtad a los amigos y finalmente un entendimiento de la libertad”. Mozart transmite muchas de estas ideas en algunas de sus óperas directamente, a la vez que en otros momentos lo hace mediante símbolos masones; de todos modos, empieza a componer cantatas expresamente para la masonería incluso antes de pertenecer a la misma, ya que muchas de sus amistades eran masones. Como obras muy influenciadas por las ideas o símbolos masónicos citaremos el Requiem, La Clemenza di Tito y La Flauta mágica que hoy ofrecemos. Otros famosos compositores también fueron masones como su padre Leopold Mozart, Haydn, Schubert, Liszt, Wagner, Puccini, Sibelius, Satie … incluso hay indicios que señalan a Bach como un ferviente masón.
La Flauta mágica, cuyo visionado hoy sugerimos, es una ópera que fue estrenada en Viena dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. La ópera, más bien el singspiel (mezcla el texto cantado con texto hablado), fue un encargo de un compañero de logia, el empresario teatral Emanuel Schikaneder quien le escribió él mismo el libreto; eran días de penuria económica y de encargos para Mozart. La obra narra en dos actos la historia de amor entre el príncipe Tamino y la joven Pamina, hija de la Reina de la Noche. Todo comienza cuando la Reina promete a Tamino cederle la mano de su hija para lo que Tamino deberá superar una serie de pruebas que apuntan a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una especie de cuento de hadas con frecuentes escenas cómicas; pero repleto de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales comenzando con los primeros sonidos de la orquesta: tres toques orquestales que reflejan los tres toques que el candidato masón realiza en la puerta para solicitar su admisión.
La versión que hoy ofrecemos desde el Teatro de la Ópera de Zurich está conducida por el maestro austríaco Franz Welser-Möst.
El Cuarteto de cuerdas es un conjunto musical de cuatro instrumentos de cuerda, usualmente dos violines, una viola y un violonchelo, o una pieza escrita para ser interpretada para dicho grupo. El cuarteto de cuerdas es ampliamente visto como una de las formas más importantes de música de cámara, teniendo en cuenta que muchos de los compositores renombrados a partir del siglo XVIII escribieron obras para cuarteto de cuerdas, composición tradicionalmente estructurada en cuatro movimientos.
Estructura del cuarteto de cuerdas. Desde Joseph Haydn, Mozart y Boccherini, el cuarteto se convierte en el género más popular del repertorio de música de cámara. La estructura en lo sucesivo se casa con un modelo casi inmutable de cuatro movimientos, que seguirá siendo una referencia, aunque ha sido cuestionado en varias ocasiones. Cada uno de los cuatro movimientos está sujeto a un tempo determinado y a una forma musical particular: PRIMER MOVIMIENTO: Tempo Allegro con forma sonata. SEGUNDO MOVIMIENTO: Tempo Adagio, con forma de canción, de sonata o de tema y variaciones. TERCER MOVIMIENTO: Tempo Allegretto, en compás ternario, con forma de minueto y trío. Aunque luego se usó la forma scherzo de Beethoven. CUARTO MOVIMIENTO: Tempo Presto con rondó, rondo-sonata o una variedad de rondó.
Los Cuartetos de cuerda de Juan Crisóstomo de Arriaga son una colección de tres cuartetos escritos para dos violines, viola y violonchelo compuestos en 1823, cuando el compositor solamente tenía dieciséis años de edad. Los Tres Cuartetos, estructurados en cuatro movimientos, fueron la única obra que el autor vería publicada en vida.
Hoy presentamos el Cuarteto de cuerda núm. 1 en Re menor: I (00:02) ALLEGRO .-. II (07:24) ADAGIO CON ESPRESSIONE .-. III (13:19) MENUETTO - ALLEGRO - TRIO MODERATO .-. IV (16:59) ADAGIO – ALLEGRETTO. La interpretación corresponde al Cuarteto Óscar Esplá de Asisa conformado por Raquel Areal Martínez (violín), Patricia Cordero Beltrán (violín), Raquel De Benito Forriol (viola) y Montserrat Egea (violonchelo).
Ethel Smyth (1858 –1944) fue una compositora inglesa y una de las líderes del movimiento sufragista. Nació en Londres y estudió música en Leipzig con Heinrich von Herzogenberg. Sus trabajos incluían sinfonías, trabajos corales, música de sala y óperas. Cabe destacar sobre todo sus óperas, siendo la más famosa The Wreckers y la más original, Fête Galante. Ambas tuvieron mucho éxito. Sus composiciones fueron reconocidas por autores de la talla de Chaikovski, Brahms o Dvořák. En 1903 llegó a ser la primera mujer en conseguir la representación de una de sus obras en la Metropolitan Opera House de Nueva York.
En 1910, se unió a la Unión Social y Política de las Mujeres (Women's Social and Political Union, WSPU). Su The March of the Women (La marcha de las mujeres, 1911) se convirtió en el himno del movimiento sufragista, con letra de Cicely Hamilton. Smyth tuvo varias relaciones con mujeres. Escribió a Harry Brewster que era "más sencillo para mí amar mi propio sexo apasionadamente, que el tuyo". Muy comprometida con causas sociales, durante la Primera Guerra Mundial ejerció como asistente de radiología en el Hospital de Vichy. En 1922 fue condecorada por la Orden del Imperio Británico. Murió en Woking a los 86 años de edad y sus restos fueron incinerados. En 2020, setenta y seis años después de su fallecimiento, fue nominada a un premio Grammy por la sinfonía The Prison, grabada en 1930.
The Wreckers Les naufrageurs (Los demoledores) es una ópera en francés en tres actos compuesta por Ethel Smyth con libreto de Henry Brewster, que narra el saqueo de barcos por parte de los aldeanos de Cornualles . Terminada de escribir en 1904, se estrenó en 1906 en Leipzig en una traducción al alemán, con cortes, antes de ser defendida por Sir Thomas Beecham y representada en 1909 en Londres, ahora en una traducción al inglés, como The Wreckers, preparada por la propia compositora. Les naufrageurs no se representó en el idioma para el que se compuso su música hasta 2022, en Glyndebourne y en Berlín.
Hoy la Orquesta Sinfónica de Salta conducida por la maestra Yeny Delgado nos ofrece la Obertura de dicha ópera.
Tan Dun (1957) es un compositor chino de música clásica contemporánea, residente en Nueva York y conocido por las bandas sonoras de las películas Wò hǔ cáng lóng, por la que ganó el premio Óscar, el premio Grammy y el premio Bafta, y por Hero, así como por la música utilizada para la transmisión de El Día del Milenio (2000 Today) y la música para la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. En 2013, fue nombrado embajador de UNESCO. Su salida de la comuna vino en la forma de una compañía itinerante patrocinada por el gobierno de la Ópera de Pekín. Desde allí se dirigió al Conservatorio Central de Música en Pekín y estudió con músicos como Tōru Takemitsu. Ha escrito sinfonías, conciertos, óperas y música para bandas sonoras.
Concierto para orquesta. Aunque un concierto suele ser una pieza musical para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta completa , varios compositores han escrito obras con el título aparentemente contradictorio de Concierto para orquesta . Este título generalmente se elige para enfatizar el tratamiento solista y virtuoso de varios instrumentos o secciones individuales en la orquesta, con énfasis en el cambio de instrumentos durante la pieza. Se diferencia de la sinfonía concertante en que no tiene solista o grupo de solistas que permanezca igual a lo largo de la composición.
Hoy ofrecemos el Concierto para Orquesta de Tan Dun en versión de la NEC Philharmonia bajo la batuta del maestro estadounidense Hugh Wolff.
Sugerencias de música para todos los gustos
Beyoncé (1981) Es una actriz, compositora y cantante estadounidense que se hizo famosa como cantante del grupo femenino Destiny's Child, uno de los grupos femeninos de la historia que más discos ha vendido. Tras separase del grupo, comienza una nueva etapa en la que se autodenomina feminista contemporánea y en sus canciones nos habla de amor, de sexualidad y del empoderamiento de la mujer. Como cantante solista hizo su debut con el álbum titulado Dangerously in Love por su canción homónima con el que ganó cinco premios Grammy. En 2010 su tercer álbum I Am...Sasha Fierce recibe seis premios Grammy. En 2016 su álbum Lemonade es el más vendido en todo el mundo. A lo largo de su carrera de 20 años ha conseguido 24 premios Grammy y actualmente está considerada como una de las mejores cantantes de la música popular.
Luis Miguel Gallego Basteri (San Juan, Puerto Rico, 19 de abril de 1970) es un cantante y productor mexicano. Reconocido por su poderosa voz y su presencia escénica, es uno de los cantantes más exitosos de la música en español. Ha vendido alrededor de 100 millones de discos en todo el mundo, ha cantado en múltiples géneros y estilos, incluyendo canciones pop, baladas, boleros, tangos, jazz, big band y mariachi. También es reconocido como el único cantante latino de su generación que no cruzó al mercado anglosajón durante la «explosión latina» en la década de 1990 y, por el contrario, siguió siendo el artista con mayores ventas en esa década. Comenzó su carrera en 1981, con once años, y a los catorce ganó su primer premio Grammy, convirtiéndose en el artista masculino más joven en la historia de la música en recibir dicho galardón. Desde entonces, ha ganado seis premios Grammy y otros seis premios Grammy Latinos. Además, ha obtenido catorce premios Billboard de la Música Latina, tres World Music Awards, doce premios Lo Nuestro, cinco premios Spotify, entre muchos otros. En 1991, su álbum Romance se convirtió en uno de los álbumes en español más vendidos de todos los tiempos, con 14 millones de copias.
Khaled (Orán, Argelia,1960), antes Cheb Khaled (Cheb significa joven en árabe) es un cantante argelino de raï (género musical argelino). Desde pequeño expresaba su admiración por la música egipcia de Ulm Kalthum o el reggae de Bob Marley. Aprende canto, acordeón y a tocar una guitarra de fabricación casera (que en aquella época los niños fabricaban con una lata de aceite para coches y cables de frenos de bicicleta) y debuta conforme a la tradición tocando en fiestas de circuncisión y bodas. Con catorce años, aprendió por su cuenta a tocar la verdadera guitarra, el bajo, el acordeón y la armónica. Con 16 años (1976) deja el colegio y graba su primer álbum: Trigue Lissi (El camino al instituto), donde hace apología de hacer novillos.
Cheb Khaled se convierte en una estrella en Argelia sin haber pasado nunca por la radio, ni por los programas de televisión, ni por ningún conservatorio de música. Sus temas raï trataban sobre las mujeres y el alcohol, debido a lo cual se prohibió su radiodifusión. En los años siguientes, Cheb Khaled se ganaba la vida actuando en bodas y cabarets. A comienzos de los ochenta conoció al productor Rachid Baba Ahmed que le introdujo en los sonidos electrónicos de la música occidental y en 1989 se instala en Francia desde donde sacaría al mercado distintas grabaciones con las que se acerca al jazz y al pop y en ocasiones, al rock, al funk y a la música egipcia
Yvonne Catterfeld (1979) es una cantante y actriz alemana. A la edad de 15 años comienza a estudiar simultáneamente piano, flauta, canto y danza; tras la educación secundaria, ingresa en la Academia de Música de Leipzig para estudiar jazz y música pop durante dos años. Tras varios intentos fallidos, su cuarto sencillo Für Dich llegó a ser hit nº 1 en Alemania, Austria y Suiza, mientras con su primer álbum obtiene un disco platino. En la actualidad alterna su profesión de cantante con la de actriz.
Sugerencias de videos peculiares
Josef Lanner (1801-1843) fue un compositor de música de baile de salón, considerado como uno de los compositores más comprometidos en renovar el vals sacándolo de los ambientes populares para llevarlo a contextos más sofisticados. Rivalizaba con su amigo Johan Strauss I presentando sus polkas y valses en la alta sociedad vienesa.
El Vals (del germanismo Walzer, término proveniente del verbo alemán walzen, 'girar, rodar') es un elegante baile de salón, documentado en su forma definitiva desde finales del siglo XVIII. Es la evolución de una danza antigua del siglo XII, originaria del Tirol (Austria) y del sur de Alemania. El vals conquistó su rango de nobleza en Viena durante los años 1760, expandiéndose rápidamente a otros países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte o volta, danza de baile en 3 tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo VIII, cuando este baile se introdujo en la ópera y en el ballet. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4.
Hoy el Ballet Estatal de Viena nos ofrece Die Romantiker Walzer de Josef Lanner.
Kuchipudi es un estilo de danza clásica de la India originaria del estado Andhra Pradesh. Se caracteriza por ser un baile-teatro dramático que fusiona elementos de danza pura (nritta), danza expresiva (nritya) y narración a través de la danza (natya). Las actuaciones a menudo representan temas mitológicos y sociales, con personajes que se presentan y desarrollan a través de canciones y movimientos.
Tarangam en el contexto del arte, especialmente en la danza Kuchipudi, se refiere a una pieza tradicional que involucra a la bailarina danzando ( 1´34´´)sobre el borde de un plato de latón. Esta práctica simboliza la conexión de la bailarina con lo divino y la superación de las limitaciones terrenales.
Camotes National High School (CNHS) es una escuela pública secundaria creada alrededor de 1946 y situada en el barangay (barrio) Southern Poblacion, en el municipio de San Francisco, en la isla de Pacijan, que es parte del archipiélago de Islas Camotes, provincia de Cebú, Filipinas. Trabaja con un fuerte compromiso en educación de calidad y promoción de la seguridad y el medio ambiente; CNHS lidera varias iniciativas de desarrollo local y preparación ante desastres, sirviendo no sólo a sus estudiantes, sino también a la comunidad de San Francisco y las islas circundantes. En la actualidad cuenta con casi mil estudiantes y tiene alrededor de 22 docentes que consiguen destacar por ser una "escuela amigable para los niños" y un centro de Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) en la isla.
Hoy presentamos una de sus intervenciones en un Festival de 2023.
ShakeUp Music recompuso el dúo de la Flauta mágica "Papageno/Papagena" en un colorido aria de aves de Mozart. Escuche una tormenta de Twitter audiovisual realizada por nuestros compañeros emplumados. (Extractado del comentario a pie del presente vídeo)
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
