El 4 de Junio se celebra la fiesta católica del Corpus Christi
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida. A pesar del silencio total con el que protegió su intimidad, parece clara su homosexualidad. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia. Fallece a los 74 años en su casa.
La Sarabanda es un género musical y danza histórica muy importante en la música barroca, que surgió en América Latina (probablemente en México o Centroamérica) en el siglo XVI. Al principio fue una danza viva, sensual y bastante escandalosa, hasta el punto de ser prohibida en algunos lugares. En España se difundió rápidamente y mantuvo su carácter festivo. Al llegar a Francia e Italia en el siglo XVII, la sarabanda se volvió lenta, solemne y elegante, convirtiéndose en un movimiento típico de las suites barrocas escrita en compás ternario (3/4 ò 3/2) y tempo lento con acento fuerte en el segundo tiempo, lo que da un carácter grave y majestuoso; formalmente aparece frecuentemente con dos secciones repetidas.
Sarabanda en Re menor. Esta obra de Georg Friedrich Haendel, especialmente célebre por su carácter grave, es un modelo perfecto de la danza barroca lenta: solemne, armónicamente clara, expresivamente contenida y estructuralmente equilibrada; su popularidad se debe a esa mezcla de simplicidad formal y profundidad emocional. La obra sigue la forma binaria típica de la suite barroca, con ambas mitades repetidas, donde la Sección A presenta el material temático principal y establece la tonalidad, mientras la Sección B expande y modula, retornando finalmente a la tonalidad principal. Además, cada sección tiene aproximadamente la misma duración, característica común de las danzas barrocas.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronológico de su creación y que es realmente válido para la mayoría de las obras; sin embargo aparecen, en su primera edición, obras de otros autores atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas.
Ave verum corpus es un pequeño motete musical compuesto por Wolfgang Amadeus Mozart sobre el breve himno eucarístico homónimo que data del siglo XIV y se atribuye al Papa Inocencio VI. Tiene el número KV618 según la numeración del Catálogo Köchel de la obra de Mozart. El motete, escrito para coro, cuerdas y órgano, fue compuesto para la festividad del Corpus Cristi y terminó su composición en Salzburgo el 18 de junio de 1791 (el año de su muerte).
Hoy nos lo ofrecen el Coro y Orquesta de la Radio de Baviera conducid@s por el maestro de maestr@s estadounidense Leonard Bernstein.
Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor y pianista noruego, considerado como uno de los principales representantes del romanticismo musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano; más tarde, conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de su madre. Grieg adaptó muchos temas y canciones del folclore de su país, contribuyendo así a crear una identidad nacional noruega, al igual que hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Antonín Dvořák en Bohemia. Sus obras más importantes son: el Concierto para piano en La menor, las intimistas Piezas líricas (para piano), la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas) y, especialmente, Peer Gynt, música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama homónimo.
Peer Gynt, op 23, es una composición musical para escenografía, o música incidental, para recitadores, solistas vocales, coro y orquesta de Grieg; aunque entre el gran público se han hecho más famosas las dos suites que el propio autor escribió, la Suite n.º 1 op. 46 y n.º 2 op. 55, para la obra de teatro Peer Gynt del dramaturgo noruego Henrik Ibsen.
De esta obra incidental, hoy asistimos a la famosa Canción de Solveig en interpretación de la soprano noruega Marita Solberg (1976), cantante que ha trabajado con Marc Minkowski, Zubin Mehta, Michel Plasson y otros grandes directores de orquesta. Del 2006 al 2008 fue la cantante principal de la Staatsoper, Stuttgart. También actuó en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Teatro Real de Madrid, Komische Oper de Berlín y en la Norwegian National Opera.
Maria Ágata Szymanowska, nombre real de soltera: Marianna Ágata Wołowska (1789-1831) fue una compositora y pianista polaca. Idolatrada en vida e injustamente olvidada tras su muerte, fue una de las primeras mujeres profesionales virtuosas del siglo XIX. Durante la época de 1820 viajó extensivamente por toda Europa, antes de establecerse permanentemente en San Petersburgo. En la capital imperial rusa, compuso para la corte, dio conciertos, enseñó música y dirigió un influyente salón. Sus composiciones –particularmente piezas para piano, canciones y otras pequeñas obras de cámara, así como estudios para piano y nocturnos– representan el estilo brillante de la época anterior a Chopin.
El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en primera instancia en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado. En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. Los primeros nocturnos escritos con ese nombre fueron compuestos por John Field, visto como el padre del nocturno romántico, que tiene una característica melodía cantábile con un acompañamiento arpegiado. Sin embargo, el más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 obras de ese género.
El Nocturno en Si♭ mayor de Maria Agata Szymanowska es una de las obras más representativas de esta pionera del piano romántico y una de las primeras mujeres pianistas-compositoras con carrera internacional. Aunque Szymanowska es menos conocida hoy que Chopin, su música fue muy influyente en la transición entre el Clasicismo tardío y el primer Romanticismo, debido a que el Nocturno de Szymanowska es una de las primeras obras que consolidan el género del nocturno, antes de la aparición de los célebres nocturnos de Chopin. Compuesto hacia la década de 1820, cuando el “nocturno” como género aún se estaba formando, su estilo combina la elegancia clásica con un lirismo íntimo y ornamentado que anticipa el lenguaje romántico.
Estrutura. La obra sigue esencialmente un plan ternario A–B–A’, típico del nocturno romántico, aunque con un tratamiento todavía cercano al estilo de John Field y del lirismo operístico. La Sección A, (0`15``) - Corresponde al tema principal, que es de carácter cantábile, melódico e íntimo con una melodía amplia, ornada con apoyaturas, mordentes y giros ornamentales y acompañada de arpegios regulares en la mano izquierda, estilo arpa. Sección B (1`15``) – Episodio contrastante, más dramático y modulante, aunque sin abandonar la suavidad del género con una textura menos estable, con tensiones armónicas, cromatismos y un carácter más expresivo, creando un clímax emocional antes del regreso a la calma inicial. Sección A’ (1`57``) – Retorno del tema original, pero con variantes ornamentales: melismas, arabescos, más rubato (estilísticamente previsto aunque no escrito) y ligero aumento de la expresividad y de la decoración melódica. Coda (3`10``). Cadencia en el tono principal, con adornos tranquilos y estabilizantes.
La obra representa un puente entre el Clasicismo tardío y el Romanticismo temprano, siendo un ejemplo claro y elegante del género nocturno. Hoy nos la presenta la pianista italiana, de amplísimo repertorio (desde el Renacimiento hasta la música contemporánea) y amplia carrera en distintos tipos de formaciones, Rina Cellini
Sugerencias de música clásica
Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.
El Ryom Verzeichnis o Catálogo Ryom es un repertorio de las obras de Antonio Vivaldi (abreviado como RV), elaborado por el musicólogo danés Peter Ryom, quien lo publicó en 1973. La clasificación la realizó Ryom basándose no en la cronología de las obras, sino en otros tres criterios: el género, los instrumentos para los que se compuso la obra y la tonalidad.
El flautín (o pícolo, del italiano flauto piccolo: ‘flauta pequeña’) es un instrumento de viento-madera en la tonalidad de Re bemol y posteriormente a finales del siglo XX, fabricado casi exclusivamente en tonalidad de Do; instrumento, que es en realidad una flauta pequeña. Físicamente, el piccolo es como la flauta travesera pero con un menor tamaño. El timbre es parecido, pero en una octava más alta. Por ello, se dice que el piccolo es un instrumento transpositor; es decir, su sonido real es diferente al escrito: las notas a interpretar en el piccolo se escriben una octava más baja que su sonido real, para evitar demasiadas líneas adicionales en el pentagrama.
Desde la Edad Media, las pruebas indican el uso de flautas traverseras de octava como instrumentos militares, ya que su sonido penetrante era audible por encima de las batallas. En la música culta, sin embargo, los primeros flautines se utilizaron en algunas obras de Jean Philippe Rameau en la primera mitad del siglo XVIII. Aun así, el instrumento no empezó a extenderse, y por tanto a tener un lugar estable en la orquesta, hasta principios de 1800 d. C. Durante el Barroco, la indicación "flautino" o también "flauto piccolo" solía denotar una flauta dulce de pequeño tamaño (soprano o sopranino). En particular, éste es el caso de los conciertos que Antonio Vivaldi escribió para flautino.
El Piccolo Concerto en Do mayor, RV 443, atribuido a Antonio Vivaldi, es uno de los tres conciertos que escribió para flautino (a veces interpretado con piccolo moderno). Es una de las obras más populares del repertorio para este instrumento por su brillantez, virtuosismo y energía típicamente vivaldianas.
Estructura. Como casi todos los conciertos de Vivaldi, sigue el esquema tripartito (rápido-lento-rápido): I (0`31``) ALLEGRO NON MOLTO. Movimiento brillante y enérgico, donde el/la solista se mueve en pasajes rápidos con escalas y arpegios muy ágiles; ejemplo típico del estilo ritornello de Vivaldi con temas orquestales que alternan con episodios del solista .-. II (4`15``) LARGO. Movimiento expresivo y cantábile. Contrasta fuertemente con los movimientos externos por su carácter lírico a veces descrito como “etéreo” debido a sus largas líneas del solista sobre un acompañamiento delicado .-. III (8`25``) ALLEGRO MOLTO. Movimiento vivo, juguetón y de gran virtuosismo, que requiere precisión y ligereza del intérprete. De este modo cierra el concierto con carácter festivo.
Hoy tenemos como solista a Sara Urena-Cabrera, acompañada por la Orquesta de Cámara Nacional de Armenia, conducida por el maestro Harutyun Arzumanyan.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así, tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo. su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El legado musical de Beethoven comprende 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música. Este legado, para entenderlo mejor, lo podemos dividir en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septeto, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”, la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis …
El catálogo de la obras de Beethoven. Existen 138 obras musicales compuestas por Beethoven, ordenadas por números conocidos como opus (“obra” en latín) o su abreviatura op., asignados por los editores del compositor mientras él vivía. Al margen, existen otras 205 obras que no tienen número de opus y que se publicaron después de la muerte del compositor. A estas obras se les asignaron números WoO (Werke ohne Opuszahl, "obras sin número de opus"). Este catálogo fue realizado por primera vez por Georg Kinsky y Hans Halm (Das Werk Beethovens) en 1955.
El Septeto en Mi bemol mayor para clarinete , trompa , fagot , violín , viola , violonchelo y contrabajo , Op. 20, de Ludwig van Beethoven , fue esbozado en 1799, completado y estrenado en Viena en 1800, publicándose en 1802. La partitura contiene la anotación: «Der Kaiserin Maria Theresia gewidmet» (Dedicado a la emperatriz María Teresa ). Fue una de las obras más populares de Beethoven durante su vida, para gran consternación del compositor. Varios años después, Beethoven incluso deseó que la partitura fuera destruida, diciendo: «¡Maldita obra! ¡Ojalá la quemaran!». El Septeto fue extremadamente popular especialmente en París, donde se interpretó durante décadas, a menudo más de una vez al año por miembros de la Orquesta de la Société des Concerts du Conservatoire .
Su estructura general se asemeja a una serenata y, de hecho, es prácticamente idéntica a la del Trío de cuerdas de Mozart , K. 563 , en la misma tonalidad; pero Beethoven amplía la forma añadiendo importantes introducciones al primer y al último movimiento y transformando el segundo minueto en un scherzo . Beethoven ya había utilizado el tema del tercer movimiento en su Sonata para piano Op. 49 n.º 2 , una obra anterior a pesar de su número de opus más alto. El final incluye una cadencia de violín . La orquestación del Septeto para un solo clarinete, trompa y fagot (en lugar de para parejas de estos instrumentos de viento) fue innovadora; también lo fue el papel excepcionalmente destacado del clarinete, tan importante como el violín. La composición consta de seis movimientos: I (0´03´´) ADAGIO – (1´23´´) ALLEGRO CON BRIO (en Mib mayor ) .-. II (10´57´´) ADAGIO CANTABILE (en Lab mayor ) .-. III (20´47´´) TEMPO DI MENUETTO (en Mib mayor) .-. IV (24´02´´) TEMA CON VARIAZIONI : ANDANTE (en Sib mayor ) .-. V (31´35´´) SCHERZO: ALLEGRO MOLTO E VIVACE (en Mib mayor) .-. VI (34´42´´) ANDANTE CON MOTO ALLA MARCIA (en Mib menor) – (35´43´´) PRESTO (en Mib mayor).
Hoy nos lo ofrece el septeto conformado por Janine Jansen (violín), Dana Zemtsov (viola), Jens Peter Maintz (chelo). Stacey Watton (contrabajo), Martin Fröst (clarinete), Jasper de Waal (trompa), Fredrik Ekdahl (fagot).
Felix Mendelssohn (1809-1847) fue un pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Fue un niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades y hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn, también niña prodigio. Comenzó recibiendo clases de piano de su madre; a los dieciocho años se adentró en las clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y un dominio profundo del contrapunto. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.
Lauda Sion es uno de los grandes motetes/séquences litúrgicas puestos en música por Felix Mendelssohn; es, de hecho, una secuencia litúrgica para la fiesta del Corpus Christi; compuesta, en este caso, por Mendelssohn en 1846 por encargo del capítulo de la Catedral de Lieja, con motivo del 600º aniversario de la composición original del texto medieval Lauda Sion Salvatorem. El texto literario fue divulgado por Santo Tomás de Aquino en 1264, cuando el Papa Urbano IV instituyó la fiesta de Corpus Christi. Este texto lo musicalizó íntegramente Mendelssohn como obra para solistas vocales, coro mixto y orquesta y fue estrenada en Lieja, el 11 de junio de 1846, puesto que la ciudad reclamaba ser el lugar donde se originó la fiesta de Corpus Christi. Lauda Sion es una de las obras litúrgicas más importantes del Mendelssohn tardío, cercana estéticamente a su Elías.
Estructura. I (0`00``) CORO, ANDANTE MAESTOSO. Lauda Sion Salvatorem .-. II (6` 32`) CORO, ANDANTE CON MOTO Laudis thema specialis .-. III (9`22`) SOPRANO SOLO E CORO, SOSTENUTO. Sit laus plena, sit sonora .-. IV (12`01``) QUARTETTO, ANDANTE. In hac mensa novi Regis .-. V (16`07``) CORO, GRAVE. Docti sacris institutis Panem .-. VI (18`56``) CORO, ALLEGRO MAESTOSO. Sub diversis speciebus .-. VII (21`40``) SOPRANO SOLO, ANDANTE Caro cibus .-. VIII (24`45``) CORO, GRAVE Sumit unus .-. IX (27`50`) QUARTETTO E CORO, ANDANTE MAESTOSO Ecce panis Angelorum .-. X (31`38``) QUARTETTO E CORO, ALLA BREVE NON TROPPO ALLEGRO Bone pastor... Amen.
Hoy nos lo ofrece el Coro Madrigal de Würzburg con la Orquesta de Cámara de Bad Kissingen conducid@s por el maestro alemàn Jörg Wöltche.
George Enescu (1881-1955) fue un compositor, violinista, pedagogo, pianista y director de orquesta rumano, considerado uno de los más importantes músicos de su país y con una carrera profundamente vinculada a Francia. Entre los años 1888-1894 estudió en el Conservatorio de Viena, acomodándose muy rápido a la vida musical de la ciudad donde sus conciertos, en los que interpretaba obras de Brahms, Sarasate, Vieuxtemps y Mendelssohn, entusiasmaron a la prensa y al público. Tenía entonces sólo 12 años. Después de la graduación en el Conservatorio de Viena, prosiguió sus estudios en el Conservatorio de París. En 1898 hizo su debut como compositor en París. El mismo año empezó a dirigir conciertos en Bucarest y a dar conciertos de violín.
Las dos Rapsodias rumanas , op . 11 para orquesta de George Enescu se escribieron en 1901 y se interpretaron juntas por primera vez en 1903; ambas emplean elementos de la música lăutărească (gitana rumana), vívidos ritmos rumanos, colores modales exóticos, con algunas escalas que tienen terceras, sextas o séptimas 'móviles', creando una atmósfera cambiante mayor/menor, una de las características de la música rumana.
La Rapsodia rumana nº 1 en La mayor de George Enescu es una de sus obras más célebres y un ejemplo brillante de cómo transforma el folclore rumano en una pieza sinfónica, en la que su esencia es la danza. Enescu afirmó que fueron "sólo unas pocas melodías juntas sin pensar en ello"; pero sus bocetos muestran que elaboró cuidadosamente el orden en que deberían aparecer las melodías y su configuración instrumental. La completó el 14 de agosto de 1901, cuando Enescu sólo tenía 19 años.
Su estructura es relativamente simple, pero muy efectiva: funciona como una gran forma rondó libre o fantasía orquestal basada en una sucesión de danzas y melodías populares, desarrolladas con creciente energía y ordenadas en tres grandes bloques reconocibles: I (0`07``) INTRODUCCIÓN. Exposición del tema principal (lenta y melódica), que comienza de forma lírica y suave, presentada por el clarinete. Este tema deriva de la canción popular “Am un leu şi vreau să-l beau” embellecido con un carácter improvisatorio, casi como un lăutar (músico folclórico) tocando, como tema base sobre el que irá construyendo variaciones y episodios. II (2`10``) SECCIÓN CENTRAL. Es la zona más extensa. Enescu introduce y encadena una serie de temas folclóricos, cada uno con un ritmo y color característicos; melodías nuevas surgen una tras otra, como si se tratara de un medley. Los ritmos recuerdan a danzas rumanas tradicionales: Sârba (viva, en compás rápido), Hora (danza circular), Călușarii, etc. La orquesta se va animando progresivamente, con cambios de orquestación, modos y aceleraciones, con un carácter cada vez más vivo y un atmósfera de fiesta campesina. III (9`06``) CODA. La obra entra en una aceleración continua (stringendo), propia de la música de fiddlers rumanos (conjuntos típicos de violines), en la que reaparecen motivos anteriores, ahora de forma brillante e intensa y culminando en un final vertiginoso, casi pirotécnico desde el punto de vista orquestal.
Hoy nos la ofrece la Filarmónica Nacional de Moldavia bajo la batuta de la maestra canadiense Silvia Tabor
Sugerencias de música para todos los gustos
Lisa Ekdahl (Estocolmo, 1971) es una cantante sueca, que utiliza preferentemente el inglés en sus trabajos jazzísticos y el sueco en los demás. Se caracteriza por un voz aguda y muy suave. En los años noventa se convirtió en una de las principales figuras del pop sueco. En 1994, su álbum de debut homónimo salió en Suecia y su sencillo "Vem Vet" la convirtió en una superestrella en Escandinavia a la edad de 23 años. El primer esfuerzo en inglés de la cantante fue When Did You Leave Heaven de 1998, que era también su primer disco de jazz y el primer álbum en salir en USA, llegando a ser un éxito crítico y de ventas en Suecia y en toda Europa. El año siguiente publica su segundo álbum en inglés, Back on Earth, que desde entonces la sitúa como una de las grandes cantantes de jazz contemporáneas.
Itoiz fue un grupo de rock vasco que se formó en los alrededores de Mutriku (Gipuzkoa) y Ondarroa (Bizkaia) en 1978, aunque en realidad la cosa venia de más atrás; ya que nació de un grupo de verbena llamado Indar Trabes, en el que estaban todos los futuros miembros de Itoiz. Como Indar Trabes eran bastante conocidos por el País Vasco; pero eso mismo les movió a no usar ese nombre para su disco, pues el público podría pensar que su música era la misma que tocaban en los bailes de los pueblos.
El primer disco, 'Itoiz' (Xoxoa, 1978), es una absoluta maravilla. El hecho de que cantasen en euskera hizo difícil que el gran público les aceptara en otros lugares. La formación era: Juan Carlos Pérez (voz y guitarra), José Garate "Foisis" (bajo y voz), Antton Fernández (teclados), Joseba Erkiaga (flauta) y Estanis Osinalde (batería), además de su manager Angel Azkarraga que también figuraba en este primer disco como un miembro más. Toda la música es de Pérez, mientras que las letras son del mismo Pérez, de Azkarraga y de dos poetas amigos del grupo: Joseba Alkalde y Joseba García.
El disco Itoiz, que hoy ofrecemos, tiene mucho de folk, un tanto de jazz y bastante de progresivo. Canciones acústicas como 'Zati txiki bat la m'en' o 'Lau teilatu', jazzeras como 'Astelehen urdin batean', rockeras como 'Foisis jauna' (Foisis era el apodo de Gárate) o claramente progresivas como 'Hilzori' o 'Goizeko deihadar'. De todas ellas, 'Lau teilatu' se convertiría en el himno de la banda, una canción que en el País Vasco se hizo muy conocida y los catapultó al éxito. Curiosamente, la letra habla de dos amigos que se encuentran por las fiestas de los pueblos, en clara referencia al pasado del grupo por las verbenas. Èstas son las canciones del disco que hoy presentamos: I (0`00``) Phuntzionariat .-. II (3`44``) Goizeko deiadar .-. III (13`48``) Zati txiki bat .-. IV (15`46``) Lau teilatu .-. V (19`53``) Hilzori .-. VI (31`47``) Foisis jauna .-. VII (35`05``) Astelehen urdin batean
El grupo se deshizo como consecuencia de los compromisos militares de sus miembros y su líder, Juan Carlos Pérez, decidió seguir sacando distintos discos de gran calidad musical tanto en solitario como acompañado de algunos de sus excompañeros e incluso de músicos de estudio contratados para la ocasión hasta el año 2000 en el que Juan Carlos se retira definitivamente de la escena popular con lo que Itoiz pasa a ser historia. (Extractado del artículo de Nueva Ola)
Lana Del Rey (1985) es una cantante, compositora, modelo y productora estadounidense. Su música destaca por su estilizada calidad, su estilo retro, sus temas de romance trágico, glamur y melancolía y sus referencias a la cultura pop de USA de los años 1950 y 1960. Su carrera comenzó actuando en clubs de Nueva York con 18 años, aunque el éxito se haría esperar seis años más; le sucedió cuando tenía 26 años y le llegó con Video Games. A partir de entonces comenzó a ser apreciada y así su Summertime Sadness quedó entre los diez primeros en el Billboard Hot 100. Del Rey ha recibido muchos premios, incluídos 2 Premios Brit, 2 MTV Europe Music Awards, un Premio Satellite y 9 GAFFA Awards. También ha sido nominada a 5 premios Grammy y 1 Globo de Oro.
Juan Gabriel (1950- 2016), de nombre real Alberto Aguilera Valadez, fue un cantautor y actor mexicano, considerado como uno de los artistas con mayor éxito en América Latina, así como también uno de los compositores y cantantes más influyentes en la industria musical de Hispanoamérica. Sus ventas totales se estiman en más de 150 millones de álbumes y sencillos en todo el mundo, lo que le convierte en uno de los artistas latinos con mayores ventas discográficas de la historia. Su obra abarca más de 1800 composiciones que han sido traducidas a idiomas tan diversos como turco, alemán, francés, italiano, tagalo, japonés, griego, papiamento, portugués e inglés e interpretadas por más de 1500 artistas y grupos de todo el mundo, por lo que es el compositor hispano más cantado y versionado a nivel mundial. Fue incluido en el año 2016 de manera póstuma en El Pabellón de la Fama de los Compositores Latinos. En 1999 la revista Billboard lo reconoció como «The Latin Legend» (La leyenda latina) y lanzó una publicación especial donde reconoció el aporte musical y el impacto de sus canciones en la cultura latina en Estados Unidos y a nivel mundial. Su discografía ha sido premiada con más de 1500 discos de oro, platino, multiplatino y diamante. En 2016 consiguió otro récord, colocó Los Dúo 2 en el puesto #1, Los Dúo en el puesto #2 y Mis 40 en Bellas Artes en el puesto #3, colocando tres álbumes en los primeros puestos de álbumes más vendidos en Estados Unidos, lo que le llevó a ser el único artista vivo en lograr dicho récord.
Era conocido también por realizar obras destinadas a ofrecer las oportunidades de desarrollo a la niñez desafortunada, no solamente en México, también en Venezuela y otros países. Fue benefactor directo de más de un centenar de menores albergados en una escuela llamada «Semjase», en Ciudad Juárez, Chihuahua. Falleció a los 66 años a causa de un infarto agudo de miocardio mientras desarrollaba su gira «MeXXico es Todo». Sus restos fueron llevados al Palacio de Bellas Artes, donde fue homenajeado por más de 700 mil personas y una audiencia televisada de 11,8 millones, siendo uno de los acontecimientos y funerales con mayor asistencia en la historia del país.
Sugerencias de videos peculiares
Alexander Borodin (1833-1887) fue un doctor, químico y compositor ruso perteneciente al grupo de Los Cinco y defensor acérrimo de los derechos de la mujer, impulsor de la educación en Rusia y fundador de una escuela de Medicina para mujeres. Hijo ilegítimo del príncipe ruso Luká Stepánovitch Gedevanishvili tuvo una juventud cómoda y con buena educación; estudió por cuenta propia piano, chelo y flauta y a los 15 años se inscribe en la Facultad de Medicina especializándose en Química, profesión que ejercería de por vida. A los 30 años empieza a estudiar composición con Balakirev y como amateur escribe música de cámara y alguna obra religiosa, tres sinfonías, el poema En las Estepas del Asia Central y la ópera El príncipe Ígor.
Príncipe Igor es una ópera de Alexander Borodin, inspirada en la campaña del príncipe Igor de Kyiv contra los polovtsy o cumanos de Khan Kontckak, según un poema épico del siglo XII, "El cuento de la campaña de Igor ". Ópera inconclusa cuando Borodin murió en 1887, fue completada por Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexander Glazunov y estrenada el 4 de noviembre de 1890 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo.
Las Danzas polovtsianas son una suite de danzas orientales incluidas en el Segundo Acto de la ópera. Representan una espectacular escena coreográfica ofrecida por el líder polovtsiano, Khan Konchak, para entretener al príncipe Ígor, quien ha sido capturado. Estas danzas son una de las partes más conocidas de toda la ópera y un brillante ejemplo del exotismo musical que caracteriza a ciertos compositores rusos del siglo XIX. Hoy nos las ofrece el Ballet Imperial Ruso.
Mohiniyattam es una de las danzas clásicas de la India, originaria del estado de Kerala. Su nombre proviene de “Mohini” (la encantadora, una encarnación femenina de Vishnú) y “attam” (danza), por lo que suele describirse como la danza de la encantadora. Su estilo es suave y ondulante con movimientos fluidos que recuerdan el vaivén de las palmeras o las olas del mar. En la danza predomina la elegancia y la expresión facial sutil, además de la narración emocional y expresiva, más que los saltos o movimientos enérgicos, mientras el cuerpo suele mantener una ligera inclinación hacia un lado, generando una silueta curvada típica del estilo. Respecto del vestuario, generalmente se usa un sari blanco o color marfil con bordes dorados, propio de Kerala. El maquillaje es discreto y el peinado se realiza con un moño lateral decorado con flores de jazmín. Los movimientos de manos (mudras) y ojos tienen un rol fundamental en la expresión.
Tradicionalmente, Mohiniyattam representa historias de amor, devoción o episodios de la mitología hindú. La figura femenina es central, y la danza suele transmitir emociones refinadas como el amor, la separación o la devoción espiritual. Se cree que tomó forma entre los siglos XV y XVI, con fuertes influencias del estilo de templo de Kerala. Fue sistematizado y revitalizado en el siglo XX por figuras clave como Kalamandalam Kalyanikutty Amma, considerada la madre del Mohiniyattam moderno.
La Zamba es una danza del norte de Argentina que en sus orígenes procede de Perú. La denominación "zamba" se refiere al término que se aplica a los individuos mestizos descendientes de una persona indígena americana y otra negra. Su coreografía está compuesta por estos tres elementos principales: a) Vuelta entera: los bailarines hacen un recorrido, que inician cada uno en su lugar individual, para pasar por el del compañero; y esto se completa con el retorno al lugar propio del inicio. b) Media vuelta: los bailarines pasan de su sector al otro (cambian de posiciones); y así describen una semicircunferencia en su recorrido. c) Arresto: (o "Festejo") los movimientos de los bailarines se realizan generalmente en el espacio central, con giros en ambos sentidos, donde el hombre en general corona a la mujer con los movimientos del pañuelo. Dichos elementos se conjugan en dos tramos de la partitura, que son indicados líricamente por los intérpretes musicales: "Primera!" y "Segunda!".
De carácter tranquilo y majestuoso, es interpretada por una pareja mixta; en este caso por Georgina Vargas y Oscar Mandagaran.
Las danzas vascas, en euskera Euskal Dantzak, son una parte muy importante de la cultura vasca y la fundamental de su folclore. Cada territorio histórico, o provincia, tiene las suyas propias y cada pueblo, también, tiene su danza propia que se acostumbra a bailar en sus fiestas mayores. Algunas de ellas son muy antiguas perdiéndose su origen en los tiempos; otras, son recreaciones más o menos modernas de viejas danzas y algunas son nuevas coreografías con base popular.
Oñatiko Arku dantza. La fiesta más importante de Oñati, Gipuzkoa, es la del Corpus Christi. Por la mañana, tras la Misa Mayor, se realiza una procesión con los personajes sagrados y los bailarines, que vuelven a bailar de nuevo por la tarde. Una de las danzas es la Arku Dantza (Baile de arcos) muy impresionante por su ritmo y cambios. (Extractado del pie del presente vídeo)
Hoy la ofrecemos de la mano del grupo Itxas Alde Dantza Taldea.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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