El 17 de Junio de 1882 nace Igor Stravinski
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida se adentró en distintos estilos y géneros musicales desde el posromanticismo al serialismo o el jazz . Estudió, entre otros, con Rimski Korsakov y trabajó para distintos géneros y formaciones musicales; pero tras conocer a Serguei Diaghilev, fundador de los Ballets Rusos, colaboró estrechamente con él y así fue que fueron sus ballets con los que alcanzó mayor fama e influencia; entre los que habremos de destacar “La Consagración de la Primavera”, para muchos, obra cumbre del siglo XX; a pesar de que su estreno fue un absoluto escándalo lleno de protestas e incluso, puñetazos entre el público. La revista Time le consideró como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.
Circus Polka (For a Young Elephant) es una obra breve y muy singular de Igor Stravinsky compuesta en 1942; obra que destaca tanto por su música como por el contexto poco habitual para el que fue creada. En efecto, la obra fue un encargo del circo Ringling Bros and Barnum & Bailey pensada para un “ballet” interpretado por elefantes jóvenes, de ahí su subtítulo irónico: For a Young Elephant. Escrita originalmente para piano, Stravinsky la orquestó poco después; tiene forma de polka deformada, con un carácter grotesco, irónico y marcadamente rítmico, que sugiere deliberadamente una pesadez torpe, que funciona como comentario humorístico sobre el movimiento de los elefantes; pero sin caer en lo meramente infantil. La coreografía estuvo a cargo de George Balanchine, colaborador habitual de Stravinsky, y se estrenó en el Madison Square Garden de Nueva York en 1942, con elefantes auténticos actuando en el circo.
Hoy nos la presenta en versión concierto la Norwegian Radio Orchestra conducida por el maestro Avi Ostrowsky.
Domenico Scarlatti (1685-1757) - compositor italiano que se estableció en España, donde residió casi toda su vida - es conocido, sobre todo, por sus sonatas para clave. Nació en Nápoles, en aquel entonces perteneciente a la Corona española, y comenzó sus estudios con su padre, Alessandro Scarlatti. A los 16 años fue nombrado compositor y organista de la Capilla Real de Nápoles. A los 24, se puso al servicio de la reina polaca María Casimira que estaba exiliada en Roma, donde fue maestro de capilla de la Basílica de San Pedro. En 1729 se trasladó a Sevilla donde residió hasta 1733, año en el que fijaría su residencia definitiva en Madrid donde compuso alrededor de 500 sonatas, por las que ha pasado a la historia. Falleció en Madrid a los 71 años.
Las sonatas de D. Scarlatti tienen una estructura binaria compuesta por una primera parte a modo de exposición y una segunda parte que repite, con algunas variaciones, los elementos melódicos y rítmicos que habían aparecido ya en la primera. Cada parte se repite y acaba con cadencias similares, la primera a menudo en la dominante y la segunda en la tónica. Se trata de una estructura típica de las sonatas de la época, que encontramos en otras sonatas para tecla de compositores contemporáneos de Scarlatti, como Antonio Soler.
Los motivos musicales son muy ricos y variados en cada sonata, por lo que se ha dicho que el compositor explora todas las capacidades del teclado del instrumento, exploración que en algunas sonatas conduce a dificultades de ejecución para el intérprete, con saltos de octava o mayores, arpegios complicados, escalas rapidísimas o cruzamientos de manos.
Hoy ofrecemos la Sonata K 119, en arreglo para acordeón, cuya interpretación corre a cargo de la acordeonista eslovena Neža Torkar (1990),quien realizó sus estudios de música y acordeón en Eslovenia y Alemania, habiendo ofrecido numerosos conciertos por media Europa como solista y como integrante de grupos de cámara. Ha obtenido importantes premios europeos como solista de acordeón.
Dolly Guleria (nacida en 1949 en Bombay) es una cantante india muy respetada, conocida principalmente por su trabajo en la música folclórica punjabi (Punjab, fértil zona dividida entre la India y Pakistán) así como en himnos y escrituras sagradas, poemas amorosos y playback en cine. Creció en un ambiente musical y comenzó su formación desde niña, aprendiendo música clásica, danza y posteriormente técnica vocal bajo maestros destacados, incluyendo entrenamiento en el estilo Patiala Gharana (escuela tradicional de la música clásica hindustani del norte de la India). Hizo su primera presentación en la radio nacional All India Radio en 1967 y lanzó su primer disco de Gurbani (música sagrada del sijismo) en 1968. Ha recibido distintos premios por su contribución a la música folk, ha mantenido viva la tradición musical y sigue trabajando en la educación musical y actuaciones en vivo que conectan generaciones de amantes de la música punjabi alrededor del mundo.
“Lathe Di Chaadar” es una canción popular del folk punjabi que ha tenido muchas versiones y adaptaciones a lo largo de los años en la música del subcontinente indio. Originalmente es una canción folk tradicional punjabi —un estilo musical popular en bodas, celebraciones y reuniones culturales en Punjab (región que abarca partes de India y Pakistán). El título “Lathe Di Chaadar” se traduce literalmente como “la sábana de palo”(lathe = palo/vara; chaadar = sábana/paño) y en contexto cultural puede tener matices simbólicos relacionados con rituales, colores y la presencia del ser amado. La letra hace referencia al amor y a la invitación a la persona amada a acercarse, con imágenes poéticas como la chaadar (tela grande) con cierto color (“saleti rang”, color grisáceo) y frases que invitan al amante a no permanecer distante o molesto. Es común en celebraciones tradicionales y bodas, especialmente dentro de comunidades punjabi. Su popularidad también ha trascendido fronteras, con versiones en India y Pakistán y reinterpretaciones por artistas nuevos que buscan mantener viva la tradición folk en formatos más contemporáneos.
Federico Chueca (1846-1908) nació en Madrid, en la Plaza de la Villa dentro una familia acomodada; recibió clases de solfeo desde la enseñanza primaria, que cursó en un selecto colegio, pero su familia le obligó a abandonar la música para estudiar medicina. Barbieri le ayudó a orquestar y dirigir las obras y su gran éxito convenció a Chueca a dejar la medicina y dedicarse a la música. Se le considera un músico autodidacta con un talento innato y una gracia con la melodía y el ritmo, que le llevaron a componer extraordinarias piezas musicales. Trabajó con varios colaboradores, pero sobre todo con Joaquín Valverde, en muchas de sus obras. En la actualidad está considerado como uno de los máximos representantes del género chico (zarzuelas en un acto).
Joaquín Valverde Durán (1846- 1910) fue un famoso compositor de zarzuela y género chico español de la segunda mitad del siglo XIX y principios del siglo XX, padre del también compositor Joaquín "Quinito" Valverde. Nació en Badajoz, donde comenzó sus estudios musicales y su carrera como flautista en bandas militares. Tras la muerte de su padre, se mudó a Madrid con su madre, donde contaba con la ayuda de su hermana, Balbina Valverde, una actriz ya consolidada en la capital, que lo colocó en la orquesta del Teatro Español. En 1863 ingresó en el Conservatorio de Música de Madrid, donde completó sus estudios ganando el premio de flauta en 1867, y el de composición 3 años más tarde. Joaquín Valverde se caracteriza por las múltiples colaboraciones tanto con compositores como Manuel Fernández Caballero, Tomás Bretón o Ruperto Chapí. En 1876 inicia su relación con Federico Chueca, que fructificaría en una larga lista de obras conjuntas hasta que dejaron de colaborar en 1889.
La Zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgida en España, que se distingue principalmente por contener partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas, aunque existen excepciones en las que las partes habladas están completamente ausentes. El término «zarzuela», aplicado al género musical y teatral, procede del Palacio de la Zarzuela, palacio real español situado en las proximidades de Madrid y en el que se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género. Debido a sus partes habladas, se ha asimilado erróneamente la zarzuela a la opereta; pero la zarzuela es históricamente muy anterior y sería más bien el equivalente español del opéra-comique francés o del singspiel alemán. La flauta mágica de Mozart, por ejemplo, no es una ópera sino un singspiel. Por lo tanto la zarzuela se definiría de una manera más adecuada, y más simple, como el arte lírico y escénico propiamente hispánico, pues aunque naciera en España, al poco tiempo de su aparición se extendió a la casi totalidad del mundo hispánico.
La Gran Vía es una zarzuela en un acto y cinco cuadros con música de los maestros Federico Chueca y Joaquín Valverde y libreto de Felipe Pérez y González estrenada en el Teatro Felipe de Madrid el 2 de julio de 1886. Alcanzó tanta fama, que tuvieron que cambiarse algunos cuadros, puesto que al ser una revista de actualidades, ésta tenía que ir modernizándose. Así aparecieron nuevos cuadros como En la calle de Alcalá, o El bazar de juguetes. Es un exponente del género chico llevado al campo de la revista de actualidades, en donde se exponían con buen humor y sentido satírico, las preocupaciones sociales y políticas del momento. El libreto retrata con habilidad y sátira, las noticias del momento, mostrando en escena un gran desfile de tipos y situaciones cómicas de gran efecto.
Sugerencias de música clásica
Georg Friedrich Händel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde escribió sus dos primeras óperas; al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma; en 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida. A pesar del silencio total con el que protegió su intimidad, parece clara su homosexualidad. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia.
El catálogo de las obras de Georg Friedrich Händel se conoce con las siglas HWV y significan Handel Werke Verzeichnis (en alemán, Catálogo de obras de Händel) no está ordenado cronológicamente sino temáticamente, por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental. Abarca 612 obras más 25 suplementos y obras dudosas y perdidas, siendo elaborado entre 1978 y 1986 en tres volúmenes. El número exacto de composiciones es por tanto difícil de precisar. Su autor es el musicólogo Bernd Baselt. Sus obras también suelen ser indicadas con el nº de opus, como en el caso presente.
El Utrecht Jubilate (HWV 279) es una de las obras corales más significativas de George Frideric Handel. Fue compuesta para celebrar un momento histórico clave en Europa y marcó el inicio del ascenso de Handel como el compositor "semioficial" de la monarquía británica. Handel escribió esta pieza en 1713 para celebrar el Tratado de Utrecht, el acuerdo que puso fin a la Guerra de Sucesión Española, siendo su primera gran comisión real en Inglaterra. La obra se interpretó por primera vez en la Catedral de San Pablo en Londres el 7 de julio de 1713.
El nombre completo de la obra es Jubilate Deo, y se basa en el Salmo 100. Suele interpretarse junto al Utrecht Te Deum, formando una pareja de composiciones festivas. En el Jubilate se nota una fuerte influencia de Henry Purcell , ya que Handel tomó el estilo ceremonial inglés y lo elevó a un status más alto con su dominio del contrapunto italiano y la grandiosidad operística; de este modo, la obra destaca por su carácter alegre y triunfal, diseñado para resonar en las grandes bóvedas de una catedral. Utrecht Jubilate fue la obra que demostró que un compositor alemán podía capturar perfectamente el espíritu de la liturgia y el ceremonial inglés. Sin el éxito de esta obra, quizá no habríamos tenido obras posteriores como los Anthems de la Coronación o Zadok the Priest.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer, con lo que su padre, Leopold, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronológico de su creación y que es realmente válido para la mayoría de las obras; sin embargo aparecen, en su primera edición, obras de otros autores atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas.
El Concierto para piano n.º 22 en mi bemol mayor, K. 482, es una de las obras más ricas y majestuosas de Wolfgang Amadeus Mozart; compuesto en diciembre de 1785, se encuentra en el "corazón" de su etapa dorada en Viena, justo cuando estaba trabajando también en Las bodas de Fígaro. Mozart lo escribió para interpretarlo él mismo en una serie de tres conciertos de suscripción. En esa época, Mozart era el "ídolo" de Viena; su técnica al piano y su capacidad de improvisación estaban en su punto más alto. El concierto K. 482 demuestra su intención de impresionar no sólo con virtuosismo, sino con una sofisticación armónica que iba más allá de lo que sus contemporáneos estaban acostumbrados. Éste fue el primer concierto de Mozart en el que incluyó clarinetes en lugar de los habituales oboes. Este cambio le otorga un sonido mucho más cálido, profundo y "aterciopelado", especialmente en las secciones de viento madera. Mozart utiliza la orquesta de una manera casi sinfónica, dándole un protagonismo que dialoga de tú a tú con el piano.
Estructura. Como era habitual en el clasicismo, el concierto consta de tres movimientos: I (0`04``) ALLEGRO. Movimiento grandioso y brillante, que empieza con una fanfarria militar que establece un tono de nobleza y autoridad .-. II (12`54``) ANDANTE. Escrito en Do menor, es el corazón emocional de la obra. Es un tema con variaciones tan profundamente triste y bello que, según las crónicas de la época, el público del estreno exigió que se repitiera inmediatamente. Es inusual que Mozart use una tonalidad menor para el segundo movimiento en un concierto "feliz" en Mi bemol .-. III (22`44``) ALLEGRO - (26`55``) ANDANTINO CANTABILE: Un rondó lleno de energía y gracia. Sin embargo, Mozart hace algo brillante: en medio del movimiento rápido, inserta un minueto lento y lírico (un Andantino), creando un contraste de serenidad absoluta antes de volver (29`35``) al final festivo.
Hoy nos lo ofrece la pianista japonesa Ayako Uehara acompañada por la Sinfónica de Viena conducida por el maestro italiano Fabio Luisi.
Philip Sparke (1951, Londres) es un compositor, director y músico británico cuya carrera ha definido el estándar moderno de la música para conjuntos de viento. Se formó en el Royal College of Music de Londres, donde estudió trompeta, piano y composición. Durante sus años de estudiante se interesó por las Bandas de Música, al tocar en la Orquesta de Viento del Conservatorio y formar una Brass Band propia con otros estudiantes. Sparke ha admitido influencias que van desde los clásicos como Bach hasta la música pop de The Beatles y el jazz de Leonard Bernstein, a lo que hay que destacar que utiliza la percusión no sólo como acompañamiento, sino como una sección melódica y rítmica fundamental que da color y energía a la banda. Su catálogo es inmenso y abarca desde piezas de concurso extremadamente difíciles hasta obras educativas; todas ellas son muy exigentes con los solistas, especialmente con los metales (bombardinos y cornetas).
Diamond Concerto (“Concierto de diamante”) es el tercer concierto para bombardino que escribe Philip Sparke. Dice el compositor de su obra: Diamond Concerto fue encargado por Musikverein Mörschied de Alemania - Dr. Eric Grandjean, director - para un concierto especial con Steven Mead como solista invitado. Juntos dieron el estreno mundial el 28 de abril de 2012 en el teatro municipal de Idar-Oberstein. El pueblo de Mörschied se encuentra al oeste de Frankfurt am Main, en el área conocida como la Ruta Alemana de las Piedras Preciosas, que es famosa por su floreciente industria de gemas. Debido a esto, se decidió darle a la comisión una conexión local eligiendo el título, Diamond Concerto. Cada uno de los tres movimientos lleva el nombre de un diamante famoso: I (0´20´´) ESTRELLA TIERRA es de un clima bastante severo, que se abre con una fantasía libre para el solista sobre un acorde estático de la banda. Esto conduce a un Allegro Moderato en modo menor donde los pequeños motivos se repiten y desarrollan gradualmente tanto por la banda como por el solista. II (6´35´´) SUEÑO DEL OCÉANO Utiliza una cita variada de Music for Battle Creek del propio autor, incluída una melodía lenta que fue escrita originalmente con Steven Mead en mente .-. III CORAZÓN AZUL (14´52´´) fue escrito, por sugerencia de Steven Mead, en estilo bebop y toma la forma de un vals de jazz. La sección central casi improvisada presenta un pasaje de llamada y respuesta para el solista y los instrumentos agudos de viento madera. (Extractado del artículo de Euphonium Store).
Hoy nos lo ofrece la prestigiosa Banda Municipal de Alicante con el virtuoso bombardino Miguel Victorio Molina como solista; todos ellos bajo la dirección del maestro José Vicente Díaz Alcaina, titular de la Banda desde 2008.
Los ballets revelan el desarrollo estilístico de Stravinsky: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov, de quien fue alumno, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró: el estreno de La Consagración de la Primavera en 1913 fue probablemente el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto). Para muchos, estos ballets atrevidos e innovadores prácticamente reinventaron el género. Posteriormente viaja a USA en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en 1945 y donde continuó viviendo hasta su muerte en 1971.
La consagración de la primavera (Le Sacre du printemps) es un ballet de Ígor Stravinski, escrito para la compañía Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev; la coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Cuando fue estrenado, en el Teatro de los Campos Elíseos de Parìs el 29 de mayo de 1913, el carácter vanguardista de la música y la coreografía causó sensación y un casi disturbio en la audiencia. Posteriormente, su música alcanzó igual o incluso mayor reconocimiento como pieza de concierto, y es ampliamente considerada como una de las obras musicales más influyentes del siglo XX. La obra, subtitulada «Imágenes de la Rusia pagana en dos partes», describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, la cual debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación.
Estructura. La composición está estructurada en dos partes: Primera parte, Adoración de la tierra: I (0´00´´) INTRODUCCIÓN (Lento. Più Mosso. Tempo I) .-. II (2´57´´) AUGURIOS PRIMAVERALES. DANZA DE LAS ADOLESCENTES (Tempo giusto) .-. III (6´44``) JUEGO DEL RAPTO (Presto) .-. IV (8´07´´) RONDAS PRIMAVERALES (Tranquillo. Sostenuto e pesante. Vivo. Tranquillo) .-. V (11´44´´) JUEGO DE LAS TRIBUS RIVALES (Molto allegro) .-. VI (13´38´´) CORTEJO DEL SABIO .-. VII (14´25´´) ADORACIÓN DE LA TIERRA (El Sabio) .-. VIII (14´47´´) DANZA DE LA TIERRA (Prestissimo) .-. Segunda parte, El sacrificio: I (16´03´´) INTRODUCCIÓN (Lento) .-. II (20´34´´) CÍRCULOS MISTERIOSOS DE LAS ADOLESCENTES (Andante con moto - Più Mosso - Tempo I) .-. III (23´36´´) GLORIFICACIÓN DE LA ELEGIDA (Vivo) .-. IV (25´17´´) EVOCACIÓN DE LOS ANTEPASADOS .-. V (25´58´´) ACCIÓN RITUAL DE LOS ANTEPASADOS (Lento); VI (29´15´´) DANZA SAGRADA (La Elegida) (Allegro).
Hoy nos lo ofrece la Dallas Symphony Orchestra conducida por la maestra neozelandesa Gemma New.
Sugerencias de música para todos los gustos
Duke Ellington (1899-1947) fue un eminente pianista, compositor y líder de una banda de jazz que empieza a ser conocido y apreciado a partir de sus actuaciones en el Cotton Club de Harlem con su orquesta integrada por los mejores músicos de jazz de la época, para la que escribió más de mil composiciones. En la actualidad es una de las principales referencias de todas las épocas entre l@s músic@s de jazz. Entre los innumerables reconocimientos que tuvo, destacaremos los nombramientos de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard y Yale, la Medalla Presidencial del Honor, el nombramiento de miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos y de la Real Academia de la Música de Estocolmo.
Carminho (Lisboa, 20 de agosto de 1984), considerada como una de las fadistas más talentosas e innovadoras de su generación, es hija de la también cantante de fados Teresa Siqueira. Desde muy pequeña, Carminho solía escuchar los álbumes de su madre, así como otros fados que sus padres escuchaban y cantaban. Además, se introdujo en la música brasileña gracias a las telenovelas brasileñas. Su primer disco, Fado, fue nombrado por la revista Time Out, como el mejor álbum revelación de fado de la década. Además, la revista británica Songlines lo nominó como uno de los diez mejores álbumes de 2011. En 2013 se le concedió el Premio Carlos Paredes por su álbum, Alma. En 2017 obtuvo el Globo de Oro de la Música, a la mejor intérprete, por el disco "Carminho Canta Tom Jobim".
Pie del Vìdeo: Carminho es, sencillamente, la nueva estrella del fado más brillante del mundo. Tras cursar estudios universitarios y viajar por el mundo, la joven de 25 años decidió que cantar el apasionado “blues portugués” era su verdadera vocación. Su impactante álbum debut de 2011, Fado, fue nombrado álbum del año por la revista Songlines y sus interpretaciones son realmente escalofriantes.
Werenoi fue un rapero francés, cuyo nombre real era Jérémy Bana Owona (nacido el 30 de enero de 1994 en Melun, Francia). Debutó en 2021 con el sencillo “Guadalajara”, y rápidamente ganó notoriedad con temas como “La League” y “Scarface”. Evitaba el protagonismo mediático, enfocándose en su música y manteniendo una imagen enigmática. En junio de 2022 lanzó su primer EP, Telegram, con certificación de oro; incluye el tema “Solitaire”, que alcanzó certificación diamante. Su primer álbum de estudio, Carré (marzo de 2023), debutó con éxito y se convirtió en el más vendido en Francia ese año (más de 342 000 copias), superando a artistas como Hamza y Ninho. En 2023 y 2024 fue el artista con más ventas de álbumes en Francia, gracias a Carré (2023) con 342.200 copias y a Pyramide (2024) con 345.000 copias.
Falleció repentinamente a los 31 años, tras ser ingresado en el hospital La Pitié‑Salpêtrière en estado crítico. Se sospecha que sufrió un ataque cardíaco, aunque la causa exacta no ha sido confirmada oficialmente. De ascendencia camerunesa y criado en Montreuil, en la periferia este de París, Werenoi encarnaba un estilo potente y auténtico, con letras que reflejaban realidades urbanas, emociones intensas y melodías cuidadas. Su música conectó especialmente con jóvenes críticos del statu quo, interpretando vivencias cotidianas y sociales desde una voz sincera y emotiva.
Yma Súmac (1922- 2008) («Ima sumaq» significa «La más bella» en quechua), cuyo nombre real era Zoila Augusta Emperatriz Chávarri del Castillo fue una vocalista lírica soprano sfogato, actriz de cine, teatro y televisión, modelo, compositora y productora musical nacida peruana y nacionalizada estadounidense. En 1955 obtuvo el primer Récord Guinness por el rango vocal más extenso de la música. Es la reina del género «Exótica» y pionera de la fusión musical y del World Music. En 1946 fue certificada como descendiente directa del último emperador inca Atahualpa por las embajadas peruanas de Estados Unidos y Canadá. Con más de 40 millones de discos vendidos a nivel mundial, es la artista de origen peruano más sobresaliente y famosa. Fue la primera persona latinoamericana en ganar una Estrella Musical en el Paseo de la Fama de Hollywood. Con la gira en la Unión Soviética (1960-1961) vendió alrededor de 20 millones de boletos tocando en estadios.
Según Variety, Sùmac realizó más de tres mil conciertos en los 5 continentes, rompiendo el récord de cualquier artista de la época. Destacó durante la década de 1950, bajo el sello de Capitol Records, utilizando la leyenda de su linaje inca, sumado a su notable registro de voz, junto a la forma de cantar inspirada en la naturaleza y la fusión de géneros musicales hecha por Les Baxter y con el soporte de Moisés Vivanco, quienes crearon su álbum debut Voice of the Xtabay (1950), llegando a ser número 1 en Estados Unidos, así como también con el sencillo «Virgin of the Sun God (Taita Inty)» (1950), alcanzando el primer lugar en Reino Unido, logrando éxito comercial internacional, siendo un «fenómeno peculiar». En 1951 se convirtió en la primera cantante latinoamericana en actuar en Broadway. En 1953 desarrolló su propia técnica de canto única en el mundo denominada «triple coloratura», el cual se asemejó al trinar de las aves, siendo considerada como «la vocalista con el registro de voz más grande que cualquier cantante con vida».
Sugerencias de videos peculiares
Peter Ludwig Hertel (1817 - 1899) fue un compositor alemán de música de danza y ballet, conocido sobre todo por su ballet La fille mal gardée. También compuso la música para el ballet de Fausto Satanella oder Metamorphosen y "Die Abenteuer von Flick und Flock" (La aventura de Flick y Flock), ambos coreografiados por Paul Taglioni. Hertel nació en Berlín, estudió violín y composición con los renombrados músicos de su época, Eduard Rietz, Friedrich Schneider y Adolf Marx. Desde 1858 hasta su muerte trabajó como maestro de capilla y compositor en la Royal Opera House . En 1860 trabajó como director invitado en el Covent Garden de Londres.
La fille mal gardée (en español: La muchacha mal custodiada) es un ballet cómico presentado en dos actos, inspirado en la pintura de 1765 de Pierre Antoine Baudouin, La réprimande/Une jeune fille querellée par sa mère. El ballet fue coreografiado originalmente por el maestro de ballet Jean Dauberval con una mezcla de músicas, basado en cincuenta y cinco aires franceses populares. La fille mal gardée es una de las obras más antiguas e importantes del repertorio de ballet, y se ha mantenido viva a lo largo de los años desde su creación a través de muchos cambios de título, e incluso, de partituras. Desde el siglo XX se presenta habitualmente en la versión de Alexander Gorsky con la música de Peter Ludwig Hertel.
La pintura de Pierre Antoine Baudouin mostraba a una niña llorando con la ropa desordenada siendo reprendida por una anciana (presumiblemente su madre) en un granero de heno, mientras que su amante se puede ver en el fondo corriendo escaleras arriba hacia la seguridad del desván. Esta pintoresca obra de arte divirtió tanto a Dauberval que inmediatamente se dispuso a crear un escenario adecuado para un ballet, que se presentó por primera vez en el Gran Teatro de Burdeos, el 1 de julio de 1789.
Argumento. Lise y Colas están enamorados y quieren casarse. Sin embargo, la viuda Simone quiere que Lise se case con Alain, tonto pero extremadamente rico, y ha arreglado (con el padre de Alain, Thomas) un contrato de matrimonio entre Lise y Alain. La viuda Simone hace todo lo posible para mantener separados a Lise y Colas, pero no tiene éxito en sus intentos.
AUTORES: Alexander Gorsky con la música de Peter Ludwig Hertel. INTÉRPRETES: Valentina Kozlova y el Basler Ballett con la coreografía de Heinz Spoerli, Sinfónica de Viena conducida por John Lanchbery. DIRECCIÓN DEL VÍDEO: José Montes-Baquer,
Camille Saint–Saëns (1835-1921) fue un pianista, organista, compositor y militar francés, comprometido con la renovación musical francesa, así como con la enseñanza; por sus aulas pasaron alumnos tales como Fauré y Messager. Fue un niño precoz que a los 11 años hizo su primera aparición pública con obras de Haendel, Mozart y Beethoven. A los trece años se matriculó en órgano y composición en el Conservatorio de París y a los dieciocho, compuso su primera sinfonía. Fue un intelectual multifacético: músico, escritor, matemático, filósofo, arqueólogo, geólogo, botánico … Igual de multifacético que sus numerosas obras musicales (más de 400) en las que abordó todo tipo de géneros entre los que hay que resaltar la novedad que en aquel momento supuso la música de cine.
La Danza macabra (Danse macabre), opus 40, es un poema sinfónico compuesto en 1874 por Camille Saint-Saëns, inspirándose en un poema de Henri Cazalis recreando la antigua superstición de la Danza de la Muerte. Es la pieza más popular del compositor. La obra, estrenada en París el 24 de enero de 1875, describe a la Muerte tocando el violín a medianoche. A su ritmo, los esqueletos bailan alrededor de una tumba. Al amanecer, con el canto del gallo, los muertos vuelven a sus tumbas.
Hoy nos lo ofrece el Ballet Academy East
Las danzas vascas, en euskera Euskal Dantzak, son una parte muy importante de la cultura vasca y la fundamental de su folclore. Cada territorio histórico, o provincia, tiene las suyas propias y cada pueblo, también, tiene su danza propia que se acostumbra a bailar en sus fiestas mayores. Algunas de ellas son muy antiguas perdiéndose su origen en los tiempos; otras, son recreaciones más o menos modernas de viejas danzas y algunas son nuevas coreografías con base popular.
Bateleren zortzikoa (Zortziko de traineras) es un baile festivo escrito en 5/8 y que hace referencia y honor a l@s remer@s que participan en las regatas de traineras. Hoy nos lo ofrece un grupo seleccionado para esta ocasión por Euskal Dantzarien Biltzarra, asociación aglutinadora de los grupos de danza o folklore que desarrollan su actividad en el marco cultural de Euskal Herria (Enciclopedia Auñamendi)
Shaan Punjab Dee (a menudo abreviado como SPD) es una organización dedicada a promover la cultura del Punjab (región histórica y cultural, ubicada principalmente en el noroeste de la India y el este de Pakistán) a través del baile tradicional, especialmente bhangra y gidha, entre otras artes folclóricas. Se trata de una academia de danza sin ánimo de lucro con base en el área metropolitana de Toronto, Canadá, donde ofrece clases de baile, performances en eventos y actividades relacionadas con la cultura Punjabi como ejercicio, ocio y educación cultural para personas de todas las edades y géneros. El equipo ha competido y ganado en múltiples competiciones norteamericanas de bhangra, donde han conseguido numerosos primeros puestos, manteniéndose invicto en muchas categorías y siendo reconocido dentro del circuito competitivo.
Bhangra Arena 2019 fue un evento/competición de danza Bhangra celebrado en la India, concretamente en Nueva Delhi, dedicado a esta vibrante forma de música y baile tradicional punjabi que se ha globalizado como espectáculo y deporte cultural. El evento tuvo lugar el sábado 19 de enero de 2019 en Nueva Delhi, India, como parte de una serie de competencias y espectáculos de danza Bhangra reconocidos dentro de la comunidad. Fue un evento donde equipos y grupos de Bhangra compitieron o actuaron, mostrando coreografías, música, y energía inspiradas por la tradicional danza folk del Punjab.
La Bhangra es una danza tradicional originaria de la región del Punjab (India y Pakistán), cuyas características principales son: Energía y vitalidad con movimientos muy dinámicos, saltos y giros que transmiten alegría y celebración; Ritmo marcado: se baila al ritmo del dhol, un tambor tradicional que marca pulsos fuertes y constantes. Movimientos del cuerpo: énfasis en brazos elevados, hombros, pecho y piernas; posturas abiertas y expresivas. Expresión festiva: representa celebración, especialmente relacionada con la cosecha y festividades. Vestimenta colorida: trajes brillantes; los hombres suelen usar turbantes y chalecos, y las mujeres trajes tradicionales con bordados. Origen comunitario: se baila en grupo y fomenta la participación colectiva.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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