Sugerencias de iniciación a la música clásica

Hans Leo Hassler (1564-1612) Nacido en Nuremberg, fue un organista y compositor  que realizó sus estudios con su padre, que también era organista, completándolos en Venecia con Andrea Gabrielli. En 1585 se instala en Ausburgo como organista para regresar a los seis años a su Nuremberg natal como Kappellmeister y en 1806 se traslada a Dresde como organista y Kappelmeister. Escribió numerosas canciones, madrigales, obras de carácter religioso y piezas para órgano. Cantate Domino, el salmo que hoy presentamos, está escrito para cuatro voces iguales e interpretado por el cuarteto femenino UCLA Early Music Ensemble


Pablo Sarasate (1844-1908) fue un compositor y virtuoso del violín navarro nacido en Iruña/Pamplona. Niño precoz al que sus padres, conscientes de las aptitudes musicales de su hijo, le formaron en el aprendizaje del violín; debido a los traslados del padre, músico militar, estudió en A Coruña, en Santiago de Compostela y en Pontevedra donde era asiduo de los ensayos de la Banda del Regimiento Aragón, que dirigía su padre. La condesa de Espoz y Mina le concedió una beca para estudiar en Madrid y, una vez en la capital de España, la reina Isabel II le concedió otra beca para ampliar sus estudios en París. A los trece años obtuvo el Premio de Violín del Conservatorio de París, y dos años después (1859) comenzó su carrera dando conciertos por toda Europa y América manteniéndose activo hasta su muerte. Su prestigio universal quedó patente con la dedicatoria con la que encabezaron algunas de sus partituras eminentes compositores como Max Bruch con su Concierto núm. 2 y su Fantasía escocesa, Camille Saint-Saëns con su Concierto nº 1, su Concierto nº 3 y su Introducción y rondó caprichoso, Édouard Lalo con su Concierto en fa menor y su Sinfonía española, Henryk Wieniawski con su Concierto núm. 2, Antonín Dvořák con su Mazurka para violín y orquesta… y algunos otros. Falleció en su casa de «Villa Navarra» en Biarriz en 1908, a los 64 años de edad. El Capricho euskaldun (o capricho vasco), que hoy presentamos,  es una obra escrita por Sarasate en dos partes: la primera, es un zortziko (escrito en 5/8) en tiempo de Moderato; mientras que la segunda parte, escrita en 6/8 en tiempo de Allegro, es un conjunto de variaciones sobre la popular canción vasca “Donostiako Hiru Damatxo”. La interpretación corre a cargo del violinista libanés de ascendencia armenia Ara Malikian (1968). 

Pablo Sarasate (1844-1908) fue un compositor y virtuoso del violín navarro nacido en Iruña/Pamplona. Niño precoz al que sus padres, conscientes de las aptitudes musicales de su hijo, le formaron en el aprendizaje del violín; debido a los traslados del padre, músico militar, estudió en A Coruña, en Santiago de Compostela y en Pontevedra donde era asiduo de los ensayos de la Banda del Regimiento Aragón, que dirigía su padre. La condesa de Espoz y Mina le concedió una beca para estudiar en Madrid y, una vez en la capital de España, la reina Isabel II le concedió otra beca para ampliar sus estudios en París. A los trece años obtuvo el Premio de Violín del Conservatorio de París, y dos años después (1859) comenzó su carrera dando conciertos por toda Europa y América manteniéndose activo hasta su muerte. Su prestigio universal quedó patente con la dedicatoria con la que encabezaron algunas de sus partituras eminentes compositores como Max Bruch con su Concierto núm. 2 y su Fantasía escocesa, Camille Saint-Saëns con su Concierto nº 1, su Concierto nº 3 y su Introducción y rondó caprichoso, Édouard Lalo con su Concierto en fa menor y su Sinfonía española, Henryk Wieniawski con su Concierto núm. 2, Antonín Dvořák con su Mazurka para violín y orquesta… y algunos otros. Falleció en su casa de «Villa Navarra» en Biarriz en 1908, a los 64 años de edad. El Capricho euskaldun (o capricho vasco), que hoy presentamos,  es una obra escrita por Sarasate en dos partes: la primera, es un zortziko (escrito en 5/8) en tiempo de Moderato; mientras que la segunda parte, escrita en 6/8 en tiempo de Allegro, es un conjunto de variaciones sobre la popular canción vasca “Donostiako Hiru Damatxo”. La interpretación corre a cargo del violinista libanés de ascendencia armenia Ara Malikian (1968). 


Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold Mozart,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivando todo tipo de géneros musicales. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años. La Sonata en un principio era una composición escrita para ser “sonada” por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser cantada por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) se concreta más su definición que se aplica a una composición para uno o dos instrumentos y que consta generalmente de tres movimientos (rápido-lento-rápido) a veces con una pequeña introducción. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) una exposición de los dos temas principales (normalmente dos temas contrastantes entre sí) b) desarrollo de los temas presentados y c) reexposición de los temas principales. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de las sonatas, cuartetos, sinfonías y conciertos. Hoy podemos asistir a la escucha de la totalidad de sonatas para piano escritas por Mozart en interpretación de la pianista húngara Klára Würtz (1965).


Bedrich Smetana (1824-1884) fue un compositor nacido en Bohemia, región que en vida del autor formó parte del Imperio austrohúngaro y hoy día es una de las tres regiones de Chequia, donde se le reconoce como el padre de la música checa. Internacionalmente es conocido por su ópera La novia vendida y por el ciclo de poemas sinfónicos Má vlast (Mi patria) que representan la historia, leyendas y paisajes de la patria natal del compositor. En 1856, ante la imposibilidad de iniciar su carrera en Praga por el desdeño que sentía de sus compatriotas, se dirigió a Suecia, donde se estableció como profesor y director de coro en Gotemburgo. A principios de la década de 1860 el clima más ilustrado y liberal en Bohemia le alentó a regresar definitivamente a Praga, donde se entrega a la composición. De 1866 a 1874 estuvo al frente del nuevo Teatro Provisional de Praga con una oposición encarada debido a la alineación de Smetana con las ideas progresistas de Franz Liszt y Richard Wagner. A finales de 1874, a los 50 años de edad, Smetana se volvió completamente sordo; pero, liberado de sus funciones de teatro y la polémica que causaba, comenzó un período de composición constante que se prolongó durante casi todo el resto de su vida. Sus contribuciones a la música checa iban siendo cada vez más reconocidas y respetadas; pero un colapso mental a principios de 1884 condujo a su internamiento en un asilo y a su posterior fallecimiento. La novia vendida es una ópera cómica en tres actos con música de Smetana y libreto en checo de Karel Sabina. La ópera narra la historia de cómo el verdadero amor prevalece sobre los esfuerzos combinados de unos ambiciosos padres y un casamentero intrigante. La ópera no tuvo un éxito inmediato, y fue revisada y ampliada en los siguientes cuatro años. En su versión final, estrenada en 1870, ganó rápida popularidad y con el tiempo se convirtió en éxito mundial. Hoy podemos visionar su Obertura dirigida por Mariss Jansons (1943- 2019) director de orquesta letón. En 1946 su padre ganó el segundo premio de dirección de orquesta en una competición nacional y fue escogido por Yevgueni Mravinski para ser su asistente en la Orquesta Filarmónica de Leningrado, actual Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Cuando su familia se mudó con su padre en 1956, el joven Jansons ingresó al Conservatorio de Leningrado, donde estudió piano y dirección coral. En 1969 continuó su preparación en Viena con Hans Swarowski y en Salzburgo con Herbert von Karajan, quien le había invitado para ser su asistente en la Orquesta Filarmónica de Berlín, pero las autoridades soviéticas impidieron que Jansons pudiera aceptar. En 1973, Jansons fue nombrado director asociado de la Orquesta Filarmónica de Leningrado y en 1979, director musical de la Orquesta Filarmónica de Oslo, con la que dirigió, grabó y viajó extensivamente;  en el 2000 Jansons renunció a la Filarmónica debido a la mala acústica de la sala de conciertos de Oslo. En 1992, Jansons fue nombrado director invitado principal de la Orquesta Filarmónica de Londres y de la Orquesta Sinfónica de Londres; en 1997, director musical de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh; en 2003, director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. En 2006, 2012 y 2016 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena. Falleció el 30 de noviembre de 2019 en su residencia de San Petersburgo, Rusia.

Bedrich Smetana (1824-1884) fue un compositor nacido en Bohemia, región que en vida del autor formó parte del Imperio austrohúngaro y hoy día es una de las tres regiones de Chequia, donde se le reconoce como el padre de la música checa. Internacionalmente es conocido por su ópera La novia vendida y por el ciclo de poemas sinfónicos Má vlast (Mi patria) que representan la historia, leyendas y paisajes de la patria natal del compositor. En 1856, ante la imposibilidad de iniciar su carrera en Praga por el desdeño que sentía de sus compatriotas, se dirigió a Suecia, donde se estableció como profesor y director de coro en Gotemburgo. A principios de la década de 1860 el clima más ilustrado y liberal en Bohemia le alentó a regresar definitivamente a Praga, donde se entrega a la composición. De 1866 a 1874 estuvo al frente del nuevo Teatro Provisional de Praga con una oposición encarada debido a la alineación de Smetana con las ideas progresistas de Franz Liszt y Richard Wagner. A finales de 1874, a los 50 años de edad, Smetana se volvió completamente sordo; pero, liberado de sus funciones de teatro y la polémica que causaba, comenzó un período de composición constante que se prolongó durante casi todo el resto de su vida. Sus contribuciones a la música checa iban siendo cada vez más reconocidas y respetadas; pero un colapso mental a principios de 1884 condujo a su internamiento en un asilo y a su posterior fallecimiento. La novia vendida es una ópera cómica en tres actos con música de Smetana y libreto en checo de Karel Sabina. La ópera narra la historia de cómo el verdadero amor prevalece sobre los esfuerzos combinados de unos ambiciosos padres y un casamentero intrigante. La ópera no tuvo un éxito inmediato, y fue revisada y ampliada en los siguientes cuatro años. En su versión final, estrenada en 1870, ganó rápida popularidad y con el tiempo se convirtió en éxito mundial. Hoy podemos visionar su Obertura dirigida por Mariss Jansons (1943- 2019) director de orquesta letón. En 1946 su padre ganó el segundo premio de dirección de orquesta en una competición nacional y fue escogido por Yevgueni Mravinski para ser su asistente en la Orquesta Filarmónica de Leningrado, actual Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Cuando su familia se mudó con su padre en 1956, el joven Jansons ingresó al Conservatorio de Leningrado, donde estudió piano y dirección coral. En 1969 continuó su preparación en Viena con Hans Swarowski y en Salzburgo con Herbert von Karajan, quien le había invitado para ser su asistente en la Orquesta Filarmónica de Berlín, pero las autoridades soviéticas impidieron que Jansons pudiera aceptar. En 1973, Jansons fue nombrado director asociado de la Orquesta Filarmónica de Leningrado y en 1979, director musical de la Orquesta Filarmónica de Oslo, con la que dirigió, grabó y viajó extensivamente;  en el 2000 Jansons renunció a la Filarmónica debido a la mala acústica de la sala de conciertos de Oslo. En 1992, Jansons fue nombrado director invitado principal de la Orquesta Filarmónica de Londres y de la Orquesta Sinfónica de Londres; en 1997, director musical de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh; en 2003, director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. En 2006, 2012 y 2016 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena. Falleció el 30 de noviembre de 2019 en su residencia de San Petersburgo, Rusia.


Sugerencias de música clásica

Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas Cuatro estaciones que son cuatro conciertos para violín.  De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas. L’estro armonico op. 3 es una colección de doce conciertos escritos por Antonio Vivaldi en 1711, de la que el Concerto for 4 violins in B minor, RV 580 es el concierto nº 10; sus movimientos son: I Allegro, II Largo e spiccato, III Allegro. La interpretación de hoy corre a cargo de la orquesta Ospedale della Pietà


Umberto Giordano (1867 - 1948) fue un compositor italiano dedicado principalmente a la creación de óperas, de las que la más conocida es la que hoy presentamos, Andrea Chénier. En 1882 se matriculó en el Conservatorio de Nápoles, a pesar de la oposición de su padre;  fue alumno de Paolo Serrao y allí escribió su primera ópera, Marina, para un concurso académico. Posteriormente escribió Mala Vita, una valiente obra verista acerca de un hombre que promete reformar a una prostituta si él se cura de una tuberculosis. Esta obra causó cierto escándalo durante su representación en Roma en 1892, alcanzando más popularidad en Austria y Alemania. Giordano intentó un acercamiento más romántico con su siguiente ópera Regina Diaz (1894), pero ésta fue un fracaso, retirándose después de dos representaciones. Giordano entonces probó suerte en Milán, de nuevo con un tema verista, su trabajo más conocido Andrea Chénier (1896), ópera que hoy ofrecemos. Fedora (1898) fue también un éxito, y también es representada en la actualidad. Su trabajo posterior es menos conocido, aunque ocasionalmente representado. El verismo aparece como una tendencia literaria surgida entre 1875 y 1896 en Italia para referirse a un tipo de personajes, situaciones y emociones reales (incluso de la vida de las clases sociales bajas), caracterizándose por sus tramas sórdidas. En el mundo de la ópera el verismo está asociado a compositores tales como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano y Giacomo Puccini, quienes defendían traer el naturalismo a la ópera. Andrea Chénier es una de estas óperas veristas de ambiente histórico con música de Umberto Giordano y libreto en italiano de Luigi Illica, basada libremente en la vida del poeta francés André Chénier (1762-1794), quien fue ejecutado durante la Revolución Francesa. Estrenada en La Scala de Milán el 28 de marzo de 1896, en la actualidad es la ópera más famosa de su compositor. Durante la primera mitad del siglo XX fue producida con frecuencia y entró en el repertorio operístico estándar.

Umberto Giordano (1867 - 1948) fue un compositor italiano dedicado principalmente a la creación de óperas, de las que la más conocida es la que hoy presentamos, Andrea Chénier. En 1882 se matriculó en el Conservatorio de Nápoles, a pesar de la oposición de su padre;  fue alumno de Paolo Serrao y allí escribió su primera ópera, Marina, para un concurso académico. Posteriormente escribió Mala Vita, una valiente obra verista acerca de un hombre que promete reformar a una prostituta si él se cura de una tuberculosis. Esta obra causó cierto escándalo durante su representación en Roma en 1892, alcanzando más popularidad en Austria y Alemania. Giordano intentó un acercamiento más romántico con su siguiente ópera Regina Diaz (1894), pero ésta fue un fracaso, retirándose después de dos representaciones. Giordano entonces probó suerte en Milán, de nuevo con un tema verista, su trabajo más conocido Andrea Chénier (1896), ópera que hoy ofrecemos. Fedora (1898) fue también un éxito, y también es representada en la actualidad. Su trabajo posterior es menos conocido, aunque ocasionalmente representado. El verismo aparece como una tendencia literaria surgida entre 1875 y 1896 en Italia para referirse a un tipo de personajes, situaciones y emociones reales (incluso de la vida de las clases sociales bajas), caracterizándose por sus tramas sórdidas. En el mundo de la ópera el verismo está asociado a compositores tales como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano y Giacomo Puccini, quienes defendían traer el naturalismo a la ópera. Andrea Chénier es una de estas óperas veristas de ambiente histórico con música de Umberto Giordano y libreto en italiano de Luigi Illica, basada libremente en la vida del poeta francés André Chénier (1762-1794), quien fue ejecutado durante la Revolución Francesa. Estrenada en La Scala de Milán el 28 de marzo de 1896, en la actualidad es la ópera más famosa de su compositor. Durante la primera mitad del siglo XX fue producida con frecuencia y entró en el repertorio operístico estándar.


Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida compuso una gran cantidad de obras abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo. Eventualmente, el futuro musical de Stravinski fue encaminado por Serguéi Diáguilev, director de los Ballets Rusos en París, quien contrató a Stravinski para escribir un ballet para su compañía, que sería El pájaro de fuego; Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París a su estreno por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov de quien fue alumno, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró: el estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto). Para muchos, estos ballets atrevidos e innovadores prácticamente reinventaron el género. Posteriormente viaja a USA en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en 1945 y donde continuó viviendo hasta su muerte en 1971. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz; pero no sólo alcanzó fama como compositor, sino que ésta le siguió además como pianista y director, frecuentemente, de sus propias composiciones. Fue esencialmente un ruso cosmopolita, uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal; así mismo fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX. Pulcinella, la obra que hoy presentamos en forma de suite, fue un ballet encargado por Diaghilev que quería un libreto y música basados en un personaje de La comedia dell´arte del siglo XVIII; de modo que Stravinsky se basó en la música (tríos, óperas y otros materiales) de Pergolesi para reescribir esta música adaptándola a formas más modernas; y así, mientras rescataba algunos temas, añadía otros con ritmos y armonías actualizadas. El ballet que fue estrenado el 15 de mayo de 1920 con trajes y decorados diseñados por Picasso, fue un gran éxito; en 1922 Stravinsky decidió extraer una Suite de Concierto, a la que en 1949 hizo unas pequeñas revisiones cuya versión hoy nos la ofrece Alondra de la Parra (1980) directora de orquesta mexicana de fama internacional; en la actualidad, titular de la Orquesta Sinfónica de Queensland, Australia. 


György Ligeti (1923-2006) fue uno de los compositores más influyentes del siglo XX, popularizado sobre todo por el director de cine Stanley Kubrick que contó con él para la banda sonora de las películas 2001 Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut. Rumano, de padres judíos, creció en Hungría donde fue reclutado por el ejército húngaro en 1944, lo que le libró de la “limpieza” nazi. Estudió en Budapest con Zoltan Kodaly y Sándor Veress. Trabajó con StockhausenKoenig el serialismo y la música electrónica; no obstante, su espíritu innovador le llevó a buscar y experimentar nuevas sensaciones. El gran macabro (título original, Le Grand Macabre) es una ópera en dos actos con música de György Ligeti y libreto en alemán del propio compositor y Michael Meschke; es la única ópera que escribió Ligeti. El tema principal es la mortalidad y su personaje principal es la muerte, representada (supuestamente) en Nekrotzar, una especie de ángel quijotesco (papel para un bajo-barítono), quien llega a una ciudad llena de rascacielos enviado para destruir a la humanidad. Las calles están pobladas de vagabundos, dando la impresión de ser una tierra al borde del apocalipsis. Junto con el ebrio catador de vinos Piet vom Fass y el astrólogo Astradamors, Nekrotzar se dirige a la corte del Príncipe Go-Go, y una serie de escenas desordenadas nos plantea la cuestión de si estamos al borde de la condenación inminente o si todo es tan sólo una farsa. Entre 1988 y 1991, Ligeti escribió Mysteries of the Macabre, especie de reducción de la ópera para ejecutar en concierto, para soprano y grupo de cámara. Hoy la ofrecemos con la soprano canadiense Barbara Hannigan (1971) conocida por sus interpretaciones de música contemporánea y el prestigioso director Simon Rattle.

György Ligeti (1923-2006) fue uno de los compositores más influyentes del siglo XX, popularizado sobre todo por el director de cine Stanley Kubrick que contó con él para la banda sonora de las películas 2001 Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut. Rumano, de padres judíos, creció en Hungría donde fue reclutado por el ejército húngaro en 1944, lo que le libró de la “limpieza” nazi. Estudió en Budapest con Zoltan Kodaly y Sándor Veress. Trabajó con StockhausenKoenig el serialismo y la música electrónica; no obstante, su espíritu innovador le llevó a buscar y experimentar nuevas sensaciones. El gran macabro (título original, Le Grand Macabre) es una ópera en dos actos con música de György Ligeti y libreto en alemán del propio compositor y Michael Meschke; es la única ópera que escribió Ligeti. El tema principal es la mortalidad y su personaje principal es la muerte, representada (supuestamente) en Nekrotzar, una especie de ángel quijotesco (papel para un bajo-barítono), quien llega a una ciudad llena de rascacielos enviado para destruir a la humanidad. Las calles están pobladas de vagabundos, dando la impresión de ser una tierra al borde del apocalipsis. Junto con el ebrio catador de vinos Piet vom Fass y el astrólogo Astradamors, Nekrotzar se dirige a la corte del Príncipe Go-Go, y una serie de escenas desordenadas nos plantea la cuestión de si estamos al borde de la condenación inminente o si todo es tan sólo una farsa. Entre 1988 y 1991, Ligeti escribió Mysteries of the Macabre, especie de reducción de la ópera para ejecutar en concierto, para soprano y grupo de cámara. Hoy la ofrecemos con la soprano canadiense Barbara Hannigan (1971) conocida por sus interpretaciones de música contemporánea y el prestigioso director Simon Rattle.


Sugerencias de música para todos los gustos

Peggy Lee (1920- 2002) fue una cantante, compositora y actriz estadounidense ampliamente reconocida como una de las personalidades musicales más influyentes en la música comercial anglosajona del siglo XX. Durante su juventud aceptó todo tipo de trabajos, desde camarera hasta cantante en emisoras locales. Cansada de los arrebatos de su madrastra, abandonó su domicilio a los 17 años de edad y viajó primero a Los Ángeles y luego a Chicago donde tras escucharle Benny Goodman, fue invitada a integrarse en su banda. En 1942, Lee consiguió su primer número 1, Somebody Else Is Taking My Place, seguido en 1943 por Why Don't You Do Right, canción que vendió más de un millón de copias y la hizo famosa. Desde 1957 hasta 1972, normalmente producía dos o tres álbumes anuales. En 1969 ganó el Premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina por su Is That All There Is?. En 1995 recibió otro Grammy, en esta ocasión a la totalidad de su carrera. Tras años de mala salud, Lee falleció a causa de las complicaciones de una diabetes y de un infarto agudo de miocardio a los 81 años de edad.


Coldplay es una banda británica de pop rock y rock alternativo fundada en 1996. Desde entonces, ha vendido más de 80 millones de discos en todo el mundo y tres de sus álbumes han sido elegidos entre los 50 mejores álbumes británicos; además de ello, ha recibido distintos galardones y varios premios Grammy . El 10% de sus ingresos lo donan a ayudas sociales.

Coldplay es una banda británica de pop rock y rock alternativo fundada en 1996. Desde entonces, ha vendido más de 80 millones de discos en todo el mundo y tres de sus álbumes han sido elegidos entre los 50 mejores álbumes británicos; además de ello, ha recibido distintos galardones y varios premios Grammy . El 10% de sus ingresos lo donan a ayudas sociales.


Marinella (1938) es una de las más célebres cantantes griegas nacida en Salónica, que comenzó su carrera profesional en 1957. Desde el comienzo de su carrera, ha publicado 66 álbumes personales (con varios discos de platino) y ha participado en álbums de otros cantantes y músicos. Se casó con el cantante Stelios Kazantzidis; juntos lograron convertirse en el mejor dúo de Grecia y cantaron las obras de los mejores compositores de esta época. En 1974 representó a Grecia en el Festival de la Canción de Eurovisión; el 29 de agosto de 2004 encabezó la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.


Los Van Van es una orquesta cubana, fundada en 1969 por su director, el bajista Juan Formell. La orquesta desde el momento de su fundación añadió al son elementos tomados del jazz y del rock formando un diseño rítmico en la percusión y un figurado de piano con el bajo, creando timbres armónicos y melódicos novedosos. En los primeros diez años graban sus primeros cinco discos y debutan en varios escenarios internacionales. Más tarde incorporan los trombones e introducen sintetizadores, teclados con múltiples posibilidades sonoras. El empleo del saxofón sintetizado y de los violines eléctricos llama mucho la atención en ese momento. Su música trasciende las fronteras latinoamericanas, y escenarios de Reino Unido, Austria, Suiza y Alemania son testigos de un ritmo capaz de contagiar al más escéptico de los bailadores. Un sello distintivo del grupo es el uso de la picaresca, la ironía y el costumbrismo en sus canciones, convirtiéndose en una suerte de crónica de la realidad cubana. Sus textos ofrecen temáticas que recrean la circunstancia social y la cotidianidad cubana.

Los Van Van es una orquesta cubana, fundada en 1969 por su director, el bajista Juan Formell. La orquesta desde el momento de su fundación añadió al son elementos tomados del jazz y del rock formando un diseño rítmico en la percusión y un figurado de piano con el bajo, creando timbres armónicos y melódicos novedosos. En los primeros diez años graban sus primeros cinco discos y debutan en varios escenarios internacionales. Más tarde incorporan los trombones e introducen sintetizadores, teclados con múltiples posibilidades sonoras. El empleo del saxofón sintetizado y de los violines eléctricos llama mucho la atención en ese momento. Su música trasciende las fronteras latinoamericanas, y escenarios de Reino Unido, Austria, Suiza y Alemania son testigos de un ritmo capaz de contagiar al más escéptico de los bailadores. Un sello distintivo del grupo es el uso de la picaresca, la ironía y el costumbrismo en sus canciones, convirtiéndose en una suerte de crónica de la realidad cubana. Sus textos ofrecen temáticas que recrean la circunstancia social y la cotidianidad cubana.


Sugerencias de videos peculiares

Piotr Chaikovsky (1840-1893), compositor ruso se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia. El lago de los cisnes, primer ballet de Chaikovsky, es un cuento de hadas-ballet estructurado en cuatro actos; fue un encargo del Teatro Bolshói estrenado en 1877. La obra, en principio coreografiada por Julius Reisinger, no fue bien aceptada ni por el público ni por la crítica; lo que obligó a Chaikovsky a un nuevo planteamiento y a una nueva coreografía, esta vez de Marius Petipa y Lev Ivanov; su reestreno en el Teatro Mariinski de San Petersburgo logró su primer gran éxito, que ha continuado hasta el momento presente en el que se ha convertido en uno de los títulos más reputados del ballet mundial. El argumento trata de una historia de amor entre el Príncipe Sigfrido y la Princesa Odette contra los que el malvado mago Rothbart utilizará sus pérfidas artimañas que habrán de ser salvadas por el Príncipe. El Cisne negro, cuya escena hoy sugerimos, es en realidad Odile, la antagonista secundaria, malvada bruja e hija del mago Rothbart.


Ludwig Minkus (1826-1917) fue un violinista y compositor austriaco de música para ballet. Estudió en el Conservatorio de Viena; en esa época a la vez que compuso música para ballet, actuó como solista de violín y fundó una orquesta que haría la competencia a la del joven Johann Strauss. En 1846, Minkus se muda a París y ese mismo año se estrena el ballet Paquita, con música de Édouard Deldevez ayudado por Minkus. Finalmente, en 1847 el ballet de San Petersburgo pone en escena una versión en donde dan los créditos de la música a Minkus y en 1881 con coreografía de Marius Petipa, crea unas partes nuevas (un pas de trois y el Grand pas de deux) para la nueva versión de Paquita. En 1853, ya instalado en Rusia, trabajó como director de orquesta; en 1861, ingresa en la Orquesta del Teatro Bolshói como violinista; un año más tarde, como director y dos años después es nombrado compositor del Ballet Bolshói. Aunque radicado definitivamente en Rusia, mantiene sus lazos con París y en 1866 viaja a la capital francesa para componer el nuevo ballet La Source. De vuelta a Rusia, compuso su nuevo ballet, Don Quijote , que sería estrenado en 1869 en el Teatro Bolshói, con enorme éxito tanto de la crítica como del público; ballet cuyo argumento se basa en la novela de Miguel de Cervantes. De dicho ballet hoy sugerimos la Variación de Dulcinea en interpretación de la bailarina ucraniana Svetlana Zakhárova (1979) que en la actualidad actúa como primera bailarina en los mejores teatros del mundo como Teatro Bolshói de Moscú, Ópera de París, London Covent Garden, Teatro Colón de Buenos Aires, Teatro di San Carlo en Nápoles, Teatro Nacional en Tokio, New York Metropolitan Opera, Ópera de Viena o Byarische Saatsoper en Múnich. También ha actuado en Australia y en Sudamérica. Además como dato relevante La Scala firmó un contrato con ella por un tiempo prolongado y tuvo el honor de ser premiada con el estado de étoile. Ningún bailarín/a procedente de Rusia había tenido este honor antes.

Ludwig Minkus (1826-1917) fue un violinista y compositor austriaco de música para ballet. Estudió en el Conservatorio de Viena; en esa época a la vez que compuso música para ballet, actuó como solista de violín y fundó una orquesta que haría la competencia a la del joven Johann Strauss. En 1846, Minkus se muda a París y ese mismo año se estrena el ballet Paquita, con música de Édouard Deldevez ayudado por Minkus. Finalmente, en 1847 el ballet de San Petersburgo pone en escena una versión en donde dan los créditos de la música a Minkus y en 1881 con coreografía de Marius Petipa, crea unas partes nuevas (un pas de trois y el Grand pas de deux) para la nueva versión de Paquita. En 1853, ya instalado en Rusia, trabajó como director de orquesta; en 1861, ingresa en la Orquesta del Teatro Bolshói como violinista; un año más tarde, como director y dos años después es nombrado compositor del Ballet Bolshói. Aunque radicado definitivamente en Rusia, mantiene sus lazos con París y en 1866 viaja a la capital francesa para componer el nuevo ballet La Source. De vuelta a Rusia, compuso su nuevo ballet, Don Quijote , que sería estrenado en 1869 en el Teatro Bolshói, con enorme éxito tanto de la crítica como del público; ballet cuyo argumento se basa en la novela de Miguel de Cervantes. De dicho ballet hoy sugerimos la Variación de Dulcinea en interpretación de la bailarina ucraniana Svetlana Zakhárova (1979) que en la actualidad actúa como primera bailarina en los mejores teatros del mundo como Teatro Bolshói de Moscú, Ópera de París, London Covent Garden, Teatro Colón de Buenos Aires, Teatro di San Carlo en Nápoles, Teatro Nacional en Tokio, New York Metropolitan Opera, Ópera de Viena o Byarische Saatsoper en Múnich. También ha actuado en Australia y en Sudamérica. Además como dato relevante La Scala firmó un contrato con ella por un tiempo prolongado y tuvo el honor de ser premiada con el estado de étoile. Ningún bailarín/a procedente de Rusia había tenido este honor antes.


El Hang es un instrumento de percusión melódico conformado por una pieza hueca de metal esferoide, con abolladuras en su superficie de diferentes formas y tamaños que al ser percutidas con las manos producen diferentes notas y escalas musicales. La estructura del hang tiene una característica forma de “platillo volante”, resultado de pegar dos “cascos” nitrurados (proceso que modifica la composición del metal añadiendo nitrógeno con lo que se obtiene un incremento de dureza superficial de las piezas) en sus bordes. Dentro del instrumento hay un vacío que hace de caja de resonancia, mientras la cara exterior tiene diversos ornamentos armónicos o membranas esculpidas, producidas a golpe de martillo. Dichas membranas son normalmente excitadas utilizando los dedos, las cuales son dinámicas y ricas en armónicos sin utilizar ninguna fuerza adicional. Fue desarrollado en mayo de 1999 por Felix Rohner y Sabina Schärer en la compañía Panart de Berna, Suiza. Hoy sugerimos la visualización de una pequeña fantasía interpretada por el dúo Hang Massive compuesto por Danny Cudd y Markus Offbeat.


El Club Higa está compuesto por un grupo de miembros activos que bailan todo tipo de bailes tradicionales de Burundi. Hoy nos ofrecen una de esas danzas, Honga ndore.

El Club Higa está compuesto por un grupo de miembros activos que bailan todo tipo de bailes tradicionales de Burundi. Hoy nos ofrecen una de esas danzas, Honga ndore.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.