El 26 de Abril de 1937 aviones fascistas bombardean Gernika

Sugerencias de iniciación a la música clásica

El bombardeo de Gernika, ciudad símbolo de los fueros vascos, fue un ataque aéreo realizado sobre la población civil de esta población vasca indefensa y sin ningún tipo de defensa antiaérea. La matanza se realizó el 26 de abril de 1937, en el transcurso de la guerra civil española, por parte de la Legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana, que combatían en favor del bando sublevado contra el gobierno de la Segunda República Española. Las estimaciones actuales de víctimas cifran los fallecidos en un rango que abarca de los ciento veinte a los trescientos muertos en una población de unos 5.000 habitantes.

Pablo Sorozábal, (1897-1988) nacido en Donostia/San Sebastián, según sus propias memorias, en el seno de una familia proletaria y euskaldun; su padre, José María, cantero de profesión, fue bertsolari conocido con los sobrenombres de "Asteasu" y "Portzale". Pablo comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián. A los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y con 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. En 1931 estrena Katiuska, a la que seguirían otras zarzuelas que le darían gran fama como La del manojo de rosas, y La Tabernera del Puerto, entre otras; escribió, además, distintas obras de música vasca, obras para txistu, obras corales y música sinfónica. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich, hecho que provocó su dimisión. En 1976 termina de reescribir la cantata Gernika, que hoy presentamos,  para coro y orquesta con letra de Nemesio Etxaniz; cantata que es una reelaboración de la marcha fúnebre Gernika escrita en su momento para un conjunto de txistus y trompas. La versión que hoy ofrecemos está conducida por el maestro argentino de ascendencia vasca, Xabier Iñaki de Arza Blanco.


Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … 

La Sonata Nº 14 op 27 nº 2 de Beethoven popularmente conocida como “Claro de luna” es una de sus obras más famosas junto con “Para Elisa”  y las sinfonías quinta y novena. Fue compuesta en 1801 y publicada al año siguiente en Viena; consta de tres movimientos que rompen el modelo tradicional rápido-lento-rápido para presentarlos del modo siguiente: I Adagio sostenuto (lento), II Allegretto (bastante rápido) III Presto agitato (muy rápido). Hoy presentamos el primer movimiento con una melodía que Hector Berlioz llamó "lamento" y que se reproduce casi enteramente en la mano derecha; el alumno de Beethoven, Carl Czerny lo llamó «una escena nocturna, en la que una lastimera voz fantasmal suena en la distancia». La interpretación de hoy corre a cargo de Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … 

La Sonata Nº 14 op 27 nº 2 de Beethoven popularmente conocida como “Claro de luna” es una de sus obras más famosas junto con “Para Elisa”  y las sinfonías quinta y novena. Fue compuesta en 1801 y publicada al año siguiente en Viena; consta de tres movimientos que rompen el modelo tradicional rápido-lento-rápido para presentarlos del modo siguiente: I Adagio sostenuto (lento), II Allegretto (bastante rápido) III Presto agitato (muy rápido). Hoy presentamos el primer movimiento con una melodía que Hector Berlioz llamó "lamento" y que se reproduce casi enteramente en la mano derecha; el alumno de Beethoven, Carl Czerny lo llamó «una escena nocturna, en la que una lastimera voz fantasmal suena en la distancia». La interpretación de hoy corre a cargo de Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991.


José Serrano (1873-1941) fue un compositor español, nacido en Sueca, Valencia, conocido por sus más de cincuenta zarzuelas y autor, entre otras, de las famosas zarzuelas La canción del olvido, Los claveles, La dolorosa. Se le considera el heredero musical de Federico Chueca. Las obras de Serrano, tienden hacia un teatro popular, simple pero cargado de emoción dramática. La influencia de Giacomo Puccini y el verismo italiano es evidente en muchas de sus obras. Compuso el himno de la Exposición Regional Valenciana de 1909, que ha sido adoptado oficialmente como Himno de la Comunidad Valenciana.

La Dolorosa, obra que hoy sugerimos, es una zarzuela en dos actos con música del compositor valenciano José Serrano y libreto de Juan José Lorente. Esta obra, estrenada en el Teatro Apolo de Valencia el 23 de mayo de 1930, refleja cuadros y costumbres típicamente aragoneses. Antes de componer la partitura, Serrano sufrió la pérdida de un hijo y la obra deja entrever, en algunos momentos, la grandeza que cimenta el dolor. Fue llevada al cine en 1934 por Jean Grémillon. Hoy podemos escuchar la conocida romanza La roca fría del calvario interpretada por el “inmortal” tenor canario Alfredo Kraus (1927-1999).


Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX,  que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. En efecto, a pesar de su vocación innovadora mantuvo una buena  relación con el régimen soviético; y eso que su música fue considerada como reaccionaria en distintas ocasiones puesto que trataba de conjugar las tradiciones musicales rusas con las innovaciones que florecían en Occidente. Influído por Mussorgski, Prokofiev y Stravinski además de Mahler y Hindemith su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco.

El vals que hoy presentamos, se conoce y seguramente se seguirá conociendo por los siglos de los siglos como Vals nº 2 de la Suite de Jazz nº 2, obras ambas falsamente denominadas. En efecto; el vals lo popularizó Stanley Kubrick en su película Eyes wide shut, y pertenece en realidad a una obra muy posterior llamada Suite para orquesta de variedades, que no es sino una colección de piezas procedentes de otras obras, principalmente bandas sonoras, recopiladas por Shostakovich después de 1956. Es en esta suite, y no en la de Jazz nº 2, donde ha de enmarcarse nuestro conocido Vals nº 2. El cual provenía de una película de 1955 dirigida por M.K. Kalatozov titulada El primer escalón. La versión que hoy ofrecemos está conducida por Elim Chan (1983)directora china actualmente titular de la Orquesta Sinfónica de Amberes.

Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX,  que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. En efecto, a pesar de su vocación innovadora mantuvo una buena  relación con el régimen soviético; y eso que su música fue considerada como reaccionaria en distintas ocasiones puesto que trataba de conjugar las tradiciones musicales rusas con las innovaciones que florecían en Occidente. Influído por Mussorgski, Prokofiev y Stravinski además de Mahler y Hindemith su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco.

El vals que hoy presentamos, se conoce y seguramente se seguirá conociendo por los siglos de los siglos como Vals nº 2 de la Suite de Jazz nº 2, obras ambas falsamente denominadas. En efecto; el vals lo popularizó Stanley Kubrick en su película Eyes wide shut, y pertenece en realidad a una obra muy posterior llamada Suite para orquesta de variedades, que no es sino una colección de piezas procedentes de otras obras, principalmente bandas sonoras, recopiladas por Shostakovich después de 1956. Es en esta suite, y no en la de Jazz nº 2, donde ha de enmarcarse nuestro conocido Vals nº 2. El cual provenía de una película de 1955 dirigida por M.K. Kalatozov titulada El primer escalón. La versión que hoy ofrecemos está conducida por Elim Chan (1983)directora china actualmente titular de la Orquesta Sinfónica de Amberes.


Sugerencias de música clásica

Luigi Boccherini (1743-1805), violonchelista y compositor italiano, de padre también violonchelista; de él recibió las primeras clases de instrumento.  Posteriormente, bajo la tutela de Vannuci, perfeccionó su técnica instrumental además de estudiar armonía, contrapunto y composición. Siguió con sus estudios en Roma y tras visitar y residir en distintas ciudades europeas, se instala definitivamente en Madrid donde escribe la mayor parte de su producción musical. Boccherini escribió gran cantidad de Música de cámara (más de cien quintetos y otros tantos cuartetos de cuerda, además de tríos, sonatas y piezas en otros géneros) y su repertorio para orquesta incluye cerca de 30 sinfonías y conciertos. De no haber sido por Yves Gérard, la obra de Boccherini estaría hoy en día prácticamente desaparecida. Gracias a esto, hoy sabemos que Luigi Boccherini dio un impulso importante a la música de cámara. Por otra parte, habiendo sido el máximo virtuoso del violonchelo de su época, las partes que escribió para ese instrumento presentan un desarrollo y una dificultad sin precedentes en la historia de la música. Al mantenerse apartado de los más importantes centros musicales europeos, su obra siguió en parte el estilo marcado por Joseph Haydn, estilo cortesano y galante.

La Sinfonía en Re menor, que hoy presentamos, fue compuesta en 1771 y es una de las composiciones más conocidas de Luigi Boccherini. El autor presenta en esta obra música ya usada en otras de sus propias piezas e incluyó así mismo material del famoso ballet Don Juan de Christoph Willibald Gluck. Este último aparece en el manuscrito de la obra señalando Nella casa del diavolo, como también es conocida esta sinfonía.


Piotr Chaikovsky (1840-1893), compositor ruso se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

 

El Concierto para piano y orquesta n.º 1 en si bemol menor, opus 23, fue escrito por Chaikovski entre noviembre de 1874 y febrero de 1875, siendo revisado por primera vez en 1879 y una segunda vez en diciembre de 1888. El concierto consta de tres movimientos: I Allegro non troppo e molto Maestoso - Allegro con Spirito. II Andantino semplice – Prestissimo. III Allegro con fuoco. Hoy lo ofrecemos en versión de la afamada pianista argentina Martha Argerich (1941) con el director suizo Charles Dutoit (1936).

Piotr Chaikovsky (1840-1893), compositor ruso se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

 

El Concierto para piano y orquesta n.º 1 en si bemol menor, opus 23, fue escrito por Chaikovski entre noviembre de 1874 y febrero de 1875, siendo revisado por primera vez en 1879 y una segunda vez en diciembre de 1888. El concierto consta de tres movimientos: I Allegro non troppo e molto Maestoso - Allegro con Spirito. II Andantino semplice – Prestissimo. III Allegro con fuoco. Hoy lo ofrecemos en versión de la afamada pianista argentina Martha Argerich (1941) con el director suizo Charles Dutoit (1936).


Jean Sibelius (1865-1957) fue un violinista y compositor finlandés, considerado como el referente musical de su país y como uno de los padres de la identidad nacional finlandesa contra la pertenencia a Rusia. Comenzó sus estudios de piano con una tía suya hasta que ingresó en el Conservatorio de Helsinki donde se formó en violín y composición. Sufrió una gran frustración al constatar que había llegado demasiado tarde a los estudios de violín y tener que dedicarse forzosamente sólo a la composición. Tras conseguir una beca, se trasladó a Berlín y más tarde a Viena para perfeccionar sus estudios de composición. Interesado en las voluntades independentistas de su país (entonces pertenecía a Rusia) escribe numerosas obras, en muchas de las cuales prevalece el carácter nacionalista: música de piano, música de cámara, más de 100 canciones para voz y piano, música masónica, trece poemas sinfónicos, siete sinfonías, un concierto de violín, música incidental para teatro, una ópera y otras obras de menor envergadura.

 

La Segunda Sinfonía la escribe en 1901 durante su estancia temporal en una casa de campo de Italia estrenándola en Helsinki al año siguiente bajo la batuta del mismo Sibelius; a pesar del exitoso estreno, ya que su grandioso final fue conectado por algunos con la lucha por la independencia de Finlandia, provocando que incluso fuera popularmente bautizada como la Sinfonía de la Independencia, hizo una serie de correcciones en algunos pasajes que no le satisfacían. Consta de cuatro movimientos con múltiples cambios de velocidad y carácter dentro de cada uno de ellos. Susanna Mälkki (1969) es una violonchelista y directora de orquesta finlandesa. Empezó sus estudios musicales con el violín, piano y violonchelo para entregarse definitivamente a este último; más tarde estudiaría dirección de orquesta como alumna de Esa-Pekka Salonen. Como violonchelista ha obtenido importantes premios y durante tres años ha ejercido de primera violonchelista en la Sinfónica de Gotemburgo. Como directora, ha dirigido importantes agrupaciones europeas y americanas y se ha especializado en música contemporánea. En la actualidad es la directora principal invitada de la Filarmónica de Los Ángeles.


Karl Jenkins (1944) es un compositor y músico británico nacido en Gower, Gales. Su padre, profesor de la escuela local, organista y director de coro, le dio su primera instrucción musical. Karl comenzó su variada carrera musical como intérprete de oboe en la Orquesta Infantil Nacional del Reino Unido. Continuó sus estudios musicales en el University College de Cardiff y en la Academia Real de Música. Fue conocido por el conjunto de su carrera como músico de jazz y rock, uniéndose primero a la banda Nucleus, de Jazz Rock, pasando después a la banda de rock progresivo de Canterbury Soft Machine y posteriormente liderándolos durante varios años, ganando el primer premio en el Festival de Jazz de Montreaux, en Suiza. El grupo tocó en sitios tan diversos como el Proms, el Carnegie Hall, y el Festival de Jazz de Newport. Ha creado un buen número de canciones para anuncios, ganando por dos veces el premio de la industria en ese campo; quizás su más famosa pieza sea el tema clásico usado por la empresa de diamantes De Beers para su campaña de publicidad en televisión. Posteriormente la incluyó como pieza principal en una compilación de trabajos variados que llamó Diamond Music , editado en 1996, y finalmente creó Palladio, usándolo como tema del primer movimiento. También es muy conocido el tema Adiemus, utilizado en un anuncio de la aerolínea Delta Airlines, incluido después en una recopilación de música chill out  (género musical contemporáneo de composición armoniosa, relajada y muy tranquila) y cuyo éxito llevó a Jenkins a decidirse a crear el proyecto Adiemus.

 

 

The Armed Man: A Mass for Peace («El hombre armado: Una misa para la paz») es una obra de Karl Jenkins encargada para las celebraciones del milenio en el año 2000, y fue dedicada a las víctimas de la crisis de Kosovo. Es esencialmente una obra antibelicista que está basada principalmente en la misa católica y escrita para coro SATB con solistas (soprano y narrador) y una orquesta sinfónica; además de extractos ordinarios de la misa, el texto incorpora palabras de otras fuentes religiosas e históricas, incluyendo la llamada a la Oración Islámica, la Biblia y el Mahabharata. Entre los escritores cuyas palabras aparecen en la composición se incluyen Rudyard Kipling, Alfred Tennyson y Sankichi Toge, que sobrevivió al bombardeo de Hiroshima pero murió algunos años más tarde de leucemia.

Karl Jenkins (1944) es un compositor y músico británico nacido en Gower, Gales. Su padre, profesor de la escuela local, organista y director de coro, le dio su primera instrucción musical. Karl comenzó su variada carrera musical como intérprete de oboe en la Orquesta Infantil Nacional del Reino Unido. Continuó sus estudios musicales en el University College de Cardiff y en la Academia Real de Música. Fue conocido por el conjunto de su carrera como músico de jazz y rock, uniéndose primero a la banda Nucleus, de Jazz Rock, pasando después a la banda de rock progresivo de Canterbury Soft Machine y posteriormente liderándolos durante varios años, ganando el primer premio en el Festival de Jazz de Montreaux, en Suiza. El grupo tocó en sitios tan diversos como el Proms, el Carnegie Hall, y el Festival de Jazz de Newport. Ha creado un buen número de canciones para anuncios, ganando por dos veces el premio de la industria en ese campo; quizás su más famosa pieza sea el tema clásico usado por la empresa de diamantes De Beers para su campaña de publicidad en televisión. Posteriormente la incluyó como pieza principal en una compilación de trabajos variados que llamó Diamond Music , editado en 1996, y finalmente creó Palladio, usándolo como tema del primer movimiento. También es muy conocido el tema Adiemus, utilizado en un anuncio de la aerolínea Delta Airlines, incluido después en una recopilación de música chill out  (género musical contemporáneo de composición armoniosa, relajada y muy tranquila) y cuyo éxito llevó a Jenkins a decidirse a crear el proyecto Adiemus.

 

 

The Armed Man: A Mass for Peace («El hombre armado: Una misa para la paz») es una obra de Karl Jenkins encargada para las celebraciones del milenio en el año 2000, y fue dedicada a las víctimas de la crisis de Kosovo. Es esencialmente una obra antibelicista que está basada principalmente en la misa católica y escrita para coro SATB con solistas (soprano y narrador) y una orquesta sinfónica; además de extractos ordinarios de la misa, el texto incorpora palabras de otras fuentes religiosas e históricas, incluyendo la llamada a la Oración Islámica, la Biblia y el Mahabharata. Entre los escritores cuyas palabras aparecen en la composición se incluyen Rudyard Kipling, Alfred Tennyson y Sankichi Toge, que sobrevivió al bombardeo de Hiroshima pero murió algunos años más tarde de leucemia.


Sugerencias de música para todos los gustos

El Jacques Loussier Trio fue un trío de jazz francés especializado en  hacer jazz con música del barroco: Bach y Vivaldi, especialmente. Conformado en 1959 por piano, contrabajo y percusión llegó a vender más de seis millones de álbumes en todo el mundo.


Céline Dion (1968), es una cantante canadiense nacida en Charlemagne, Quebec. Antes de alcanzar el éxito en todo el mundo, primero emergió como estrella adolescente en su país natal, lanzando una serie de álbumes en francés que le otorgaron popularidad. En 1990 lanzó Unison, su primera producción en inglés que marcó el inicio de su destacada y exitosa carrera en el mercado anglosajón. Dion es la canadiense con más discos vendidos en el mundo. Su música ha sido influenciada por géneros tan variados como el rock, R&B, góspel y el clasicismo, entre otros. Ha ganado cinco premios Grammy y es la única artista en tener dos álbumes consecutivos con ventas superiores a 30 millones de copias. Según Sony Music Entertainment, la cantante ha vendido más de 200 millones de producciones musicales en el mundo.

Céline Dion (1968), es una cantante canadiense nacida en Charlemagne, Quebec. Antes de alcanzar el éxito en todo el mundo, primero emergió como estrella adolescente en su país natal, lanzando una serie de álbumes en francés que le otorgaron popularidad. En 1990 lanzó Unison, su primera producción en inglés que marcó el inicio de su destacada y exitosa carrera en el mercado anglosajón. Dion es la canadiense con más discos vendidos en el mundo. Su música ha sido influenciada por géneros tan variados como el rock, R&B, góspel y el clasicismo, entre otros. Ha ganado cinco premios Grammy y es la única artista en tener dos álbumes consecutivos con ventas superiores a 30 millones de copias. Según Sony Music Entertainment, la cantante ha vendido más de 200 millones de producciones musicales en el mundo.


Camarón de la Isla (1950-1992) considerado como uno de los mejores cantaores de todos los tiempos, tiene en su acervo personal el haber revolucionado un arte que estaba moribundo, partiendo del carácter más íntimo del flamenco, a pesar de las críticas obtenidas. En sus discos acercó el flamenco a los oídos profanos además de trabajar los mestizajes musicales, mientras en sus recitales más íntimos mostraba un carácter más sobrio y más íntimo.


El fado es la expresión más conocida internacionalmente de la música portuguesa. En el fado se expresan las experiencias de la vida a través del canto. Generalmente lo canta una sola persona, acompañado por la «viola» (guitarra española) y la guitarra portuguesa. Los temas más cantados en el fado son la melancolía, la nostalgia o pequeñas historias del vivir diario de los barrios humildes, pero especialmente el fatalismo y la frustración.

Ana Moura (1979) es una cantante portuguesa de fados reconocida internacionalmente. Ana Moura inició su recorrido discográfico con Guarda-me a Vida na Mão, grabando después Aconteceu; además, canta en varios locales de la noche lisboeta. En la actualidad está considerada como una de las fadistas más exitosas de su generación y es, además, récord de ventas de discos en su país.

El fado es la expresión más conocida internacionalmente de la música portuguesa. En el fado se expresan las experiencias de la vida a través del canto. Generalmente lo canta una sola persona, acompañado por la «viola» (guitarra española) y la guitarra portuguesa. Los temas más cantados en el fado son la melancolía, la nostalgia o pequeñas historias del vivir diario de los barrios humildes, pero especialmente el fatalismo y la frustración.

Ana Moura (1979) es una cantante portuguesa de fados reconocida internacionalmente. Ana Moura inició su recorrido discográfico con Guarda-me a Vida na Mão, grabando después Aconteceu; además, canta en varios locales de la noche lisboeta. En la actualidad está considerada como una de las fadistas más exitosas de su generación y es, además, récord de ventas de discos en su país.


Sugerencias de videos peculiares

Giacomo Meyerbeer (1791-1864) fue un compositor alemán favorito del público parisino por la composición de óperas en el estilo Grand Opéra. Fue niño prodigio y a los 9 años era ya pianista; discípulo de Muzio Clementi , desde muy pronto manifestó su atracción hacia el teatro; sin embargo, halló su propio estilo gradualmente, tras unos inicios convencionales bajo la influencia de su amigo Carl Maria von Weber. Se le considera el creador del melodrama musical romántico, por lo general basado en un tema histórico y montado de forma grandilocuente, con efectismos teatrales que deslumbraron a sus contemporáneos, desde inundaciones hasta incendios. Es la última variante de la ópera seria: la ópera histórica de vasto aliento conocida como Grand opera. Combina con gran habilidad los estilos francés e italiano con la meticulosidad alemana. Entre 1836 y el fin de siglo, Meyerbeer fue una potencia mundial en música, estando considerado como el compositor más importante de la vida musical europea, con cifras astronómicas de representaciones. Sus grandes éxitos fueron Robert le diable, Les Huguenots y Le Prophete. Se convirtió en Director General de Música en Berlín en 1842. Meyerbeer murió en París el 2 de mayo de 1864 mientras trabajaba en su última gran ópera, La Africana, que se convertiría en uno de los mayores éxitos de la historia de la ópera.

Les Patineurs (Los patinadores) es un ballet coreografiado por Frederick Ashton con música compuesta por Giacomo Meyerbeer. El ballet, en un acto, representa una fiesta de patinaje victoriana que tiene lugar en un estanque helado en una noche de invierno donde un feliz grupo de parejas de jóvenes bailan juntos con un solitario joven hasta que la nieve comienza a caer y el joven solitario finalmente se queda solo, girando como un trompo en medio del estanque.


Zoltán Kodály (1882-1967) fue un compositor húngaro comprometido con el folklore de su país (coleccionó más de 100.000 canciones populares) y con la pedagogía musical. Comenzó sus estudios en Galánta y más tarde en Budapest. En 1907 conoce a Debussy cuya música le impacta hondamente. Trabajó conjunta y profundamente con Béla Bártok, quienes pusieron los fundamentos de lo que hoy conocemos como Etnomusicología Musical. Como compositor, utiliza con asiduidad tanto las melodías como las escalas populares, dando relevancia a sus obras corales. Como pedagogo, marca un hito en la historia y su Método Kodaly, en el que la voz es el instrumento principal, aún tiene vigencia.

Háry János es una ópera en cuatro actos escrita con canciones populares de la que hoy presentamos su Intermedio

Zoltán Kodály (1882-1967) fue un compositor húngaro comprometido con el folklore de su país (coleccionó más de 100.000 canciones populares) y con la pedagogía musical. Comenzó sus estudios en Galánta y más tarde en Budapest. En 1907 conoce a Debussy cuya música le impacta hondamente. Trabajó conjunta y profundamente con Béla Bártok, quienes pusieron los fundamentos de lo que hoy conocemos como Etnomusicología Musical. Como compositor, utiliza con asiduidad tanto las melodías como las escalas populares, dando relevancia a sus obras corales. Como pedagogo, marca un hito en la historia y su Método Kodaly, en el que la voz es el instrumento principal, aún tiene vigencia.

Háry János es una ópera en cuatro actos escrita con canciones populares de la que hoy presentamos su Intermedio


Kukai Dantza Taldea es una compañía de Danza Vasca creada por Jon Maia Sein en Errenteria (Gipuzkoa) con el objetivo de ofrecer espectáculos de corte contemporáneo basados en la danza tradicional vasca. Ha trabajado con destacados músic@s y agrupaciones vascas así como con importantes coreógrafos internacionales y sus espectáculos han merecido destacados reconocimientos.


Danza haitiana. En 2020, la maestra bailarina tradicional Portsha Jefferson se une a la aprendiz Halima Marshall en el estudio de la danza folclórica haitiana arraigada en las prácticas espirituales africanas del vudú. Debido a que la danza está profundamente entrelazada con la espiritualidad y la cultura folclóricas haitianas, el aprendizaje incluirá el estudio histórico de las formas y estilos de la danza folclórica haitiana, así como el significado, la energía y el espíritu que se les atribuye. La danza es nuestra ruta para encontrar nuestra verdad personal. Nuestra ruta hacia el autodescubrimiento. El poder espiritual de la danza ha transformado, sanado y dado forma a cada una de nuestras vidas. Somos vasijas artísticas, médiums y servidores de la comunidad, que encarnamos al Espíritu, nuestra fuerza vital, la persona dentro de nosotros, la parte de nosotros que nunca muere, que es eterna, infinita e ilimitada. (extractado de la página Web de Rara Tou Limen)

Danza haitiana. En 2020, la maestra bailarina tradicional Portsha Jefferson se une a la aprendiz Halima Marshall en el estudio de la danza folclórica haitiana arraigada en las prácticas espirituales africanas del vudú. Debido a que la danza está profundamente entrelazada con la espiritualidad y la cultura folclóricas haitianas, el aprendizaje incluirá el estudio histórico de las formas y estilos de la danza folclórica haitiana, así como el significado, la energía y el espíritu que se les atribuye. La danza es nuestra ruta para encontrar nuestra verdad personal. Nuestra ruta hacia el autodescubrimiento. El poder espiritual de la danza ha transformado, sanado y dado forma a cada una de nuestras vidas. Somos vasijas artísticas, médiums y servidores de la comunidad, que encarnamos al Espíritu, nuestra fuerza vital, la persona dentro de nosotros, la parte de nosotros que nunca muere, que es eterna, infinita e ilimitada. (extractado de la página Web de Rara Tou Limen)


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.