Del 22 al 24 de Mayo se celebra la fiesta de la Virgen del Rocío

El 25 de Mayo se celebra el Día de África

Sugerencias de iniciación a la música clásica

Manuel Pareja-Obregón (1933- 1995) fue un músico y compositor sevillano. Entre sus composiciones destacan las sevillanas y los fandangos de Huelva, habiendo participado en la introducción de la música popular andaluza en la cultura de masas, siendo introductor de arreglos orquestales donde antes sólo sonaban la guitarra y los palillos. Fue autor de unas 3000 obras. Compuso canciones para un numeroso grupo de famosos artistas de los escenarios españoles, entre los cuales cabe citar a Enrique Montoya, Sergio y Estíbaliz, Paloma San Basilio, Lolita Flores, Rocío Jurado, Marisol, los Amigos de Gines, Cantores de Híspalis o Chiquetete. En 1987 fundó la escuela de tamborileros en la aldea de El Rocío cuyo grupo final, los tamborileros de la Virgen del Rocío, han sido conocidos después como los Tamborileros de la Pontificia, Real e Ilustre Hermandad Matriz de Nuestra Señora del Rocío de Almonte. Murió en Sevilla a los 62 años a causa de una leucemia que le había tenido los dos últimos meses de su vida ingresado en el Hospital . Fue incinerado y sus cenizas esparcidas en la aldea de El Rocío.

La Salve Rociera es la salve que se le canta a La Virgen del Rocío, también conocida como Blanca Paloma o La Reina de las Marismas, advocación mariana que se venera en el Santuario de El Rocío en Almonte (Huelva). El Rocío, como tradicionalmente se llama al conjunto de la romería, se ha convertido en nuestros días en un fenómeno entre religioso y folclórico, pero en cualquier caso socialmente importante, que mueve a más de un millón de personas en los días de celebración en el mes de mayo o junio (según la fiesta variable de Pentecostés) y a otros cientos de miles de personas que durante todo el año acuden a la ermita a venerar a la Virgen. Fue precisamente para la Romería de El Rocío, la Salve Rociera que Manuel Pareja-Obregón compuso, también conocida como Salve a la Virgen del Rocío o Salve del olé, con letra de Rafael de León; salve que ha alcanzado mayor popularidad que la música original de gaita y tamboril en la que se basa. Hoy la presentamos en versión de Siempre Así, grupo sevillano de música popular, acompañado por Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, tod@s ell@s bajo la dirección del maestro inglés John Richard Durant.


Negro Espiritual es un tipo de canto cristiano, que surgió a finales del siglo XVIII y se desarrolló a comienzos del XIX, en USA. El movimiento del resurgimiento religioso que se extendió por las colonias británicas en USA a comienzos del siglo XVIII, popularizó no solo los salmos y los himnos cristianos, sino también otro tipo de cánticos espirituales menos tradicionales, que eran cantados en las iglesias del Sur, tanto por negros como por blancos y así fueron creando un cancionero propio, en un primer momento muy relacionado con los cantos de trabajo de origen africano, usualmente en forma de llamada y respuesta, con inflexiones, sílabas extendidas y cuartos de tono. Los espirituales son cantos, en cualquier caso, colectivos, con independencia de que existan voces solistas, escritos mayoritariamente en modo mayor con ciertas notas, especialmente la séptima, un semitono más grave que las correspondientes de la escala mayor natural: estas notas rebajadas un semitono se conocen como blue notes, por ser características del Blues.

Jessye Norman (1945- 2019) fue una cantante estadounidense con registro de soprano, poseedora de una potente voz e imponente presencia en el escenario, tanto de ópera como de conciertos y recitales; fue considerada como una de las sopranos dramáticas más populares y respetadas de su generación. Se presentó en los papeles protagónicos de las óperas más importantes del mundo, destacándose particularmente en obras de Berlioz, Wagner  y lieder de Richard Strauss. Además de sus representaciones operísticas, desarrolló una rica carrera recitalista en lieder y espirituales. En 1984, ganó el premio Grammy a la mejor interpretación vocal clásica, el primero de los cinco premios Grammy que obtendría durante su carrera. Además de varios doctorados honorarios y numerosos e importantes reconocimientos, fue miembro de la British Royal Academy of Music.

Negro Espiritual es un tipo de canto cristiano, que surgió a finales del siglo XVIII y se desarrolló a comienzos del XIX, en USA. El movimiento del resurgimiento religioso que se extendió por las colonias británicas en USA a comienzos del siglo XVIII, popularizó no solo los salmos y los himnos cristianos, sino también otro tipo de cánticos espirituales menos tradicionales, que eran cantados en las iglesias del Sur, tanto por negros como por blancos y así fueron creando un cancionero propio, en un primer momento muy relacionado con los cantos de trabajo de origen africano, usualmente en forma de llamada y respuesta, con inflexiones, sílabas extendidas y cuartos de tono. Los espirituales son cantos, en cualquier caso, colectivos, con independencia de que existan voces solistas, escritos mayoritariamente en modo mayor con ciertas notas, especialmente la séptima, un semitono más grave que las correspondientes de la escala mayor natural: estas notas rebajadas un semitono se conocen como blue notes, por ser características del Blues.

Jessye Norman (1945- 2019) fue una cantante estadounidense con registro de soprano, poseedora de una potente voz e imponente presencia en el escenario, tanto de ópera como de conciertos y recitales; fue considerada como una de las sopranos dramáticas más populares y respetadas de su generación. Se presentó en los papeles protagónicos de las óperas más importantes del mundo, destacándose particularmente en obras de Berlioz, Wagner  y lieder de Richard Strauss. Además de sus representaciones operísticas, desarrolló una rica carrera recitalista en lieder y espirituales. En 1984, ganó el premio Grammy a la mejor interpretación vocal clásica, el primero de los cinco premios Grammy que obtendría durante su carrera. Además de varios doctorados honorarios y numerosos e importantes reconocimientos, fue miembro de la British Royal Academy of Music.


Jean-Philippe Rameau (1683-1764) fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés, muy influyente en la época barroca. Reemplazó a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa y fue duramente atacado por aquellos que preferían el estilo de su predecesor. Falleció en 1764, apenas un mes antes de que otro gran músico francés, Jean-Marie Leclair, muriera asesinado. La obra lírica de Rameau, a la que comenzó a dedicarse casi a los 50 años y que consta de 31 obras, constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del Barroco francés. Su obra más conocida es la ópera-ballet Les Indes galantes; aunque suyas son algunas de las obras maestras del teatro lírico francés, permanecieron olvidadas durante casi dos siglos; pero desde mediados del siglo XX se benefician del movimiento general de redescubrimiento de la música antigua. Sus obras para clavecín, sin embargo, han estado siempre presentes en el repertorio y fueron interpretadas (al piano) en el siglo XIX, de igual modo que las obras de los grandes maestros de la época. Rameau es generalmente considerado como el músico francés más importante anterior al siglo XIX y como el primer teórico de armonía clásica: sus tratados fueron hasta principios del siglo XX obras de referencia.

La obra que hoy sugerimos, L'Egyptienne, es una obra de Rameau originariamente escrita para clavecín y que hoy la podemos visualizar en versión de arpa ejecutada por la joven polaca Klary Wośkowiak


John Williams (1932) es un compositor, director de orquesta, pianista y trombonista estadounidense, considerado como uno de los compositores más prolíficos de bandas sonoras de la historia del cine; ha compuesto algunas de las más famosas y reconocibles de todos los tiempos como: Star Wars, Harry Potter, Tiburón, ‘’Atrápame si puedes’’. E.T., Superman, Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Home Alone y otras.

Dry Your Tears, Áfrika (Seca tus lágrimas, África) es la canción perteneciente a la banda sonora de la película Amistad, cinta dirigida por Steven Spielberg y estrenada en 1997, cuyo argumento se basa en la historia real de un grupo de esclavos africanos amotinados en su viaje desde Sierra Leona a Cuba, a bordo de la embarcación La Amistad cerca de Puerto Rico en julio de 1839. La película se extiende desde esa fecha hasta el año de 1841 en que son declarados libres y se les da la opción de quedarse en USA como ciudadanos libres o volver a su país.

John Williams (1932) es un compositor, director de orquesta, pianista y trombonista estadounidense, considerado como uno de los compositores más prolíficos de bandas sonoras de la historia del cine; ha compuesto algunas de las más famosas y reconocibles de todos los tiempos como: Star Wars, Harry Potter, Tiburón, ‘’Atrápame si puedes’’. E.T., Superman, Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Home Alone y otras.

Dry Your Tears, Áfrika (Seca tus lágrimas, África) es la canción perteneciente a la banda sonora de la película Amistad, cinta dirigida por Steven Spielberg y estrenada en 1997, cuyo argumento se basa en la historia real de un grupo de esclavos africanos amotinados en su viaje desde Sierra Leona a Cuba, a bordo de la embarcación La Amistad cerca de Puerto Rico en julio de 1839. La película se extiende desde esa fecha hasta el año de 1841 en que son declarados libres y se les da la opción de quedarse en USA como ciudadanos libres o volver a su país.


Sugerencias de música clásica

Marshall McDonald es un pianista, arreglista y compositor que ha producido varios álbumes, películas y tiene dos sinfonías en su haber. Ha producido, además, numerosas partituras y libros para piano. Se graduó en la Universidad de Utah en 2003 con una licenciatura en música y comunicaciones y luego obtuvo una maestría en administración pública. Además de su actividad como compositor, también se dedica a la docencia como profesor de música. Steven Sharp Nelson es un compositor y chelista estadounidense que también estudió y se graduó en la Universidad de Utah.

Africa es una obra para Coro y Orquesta Sinfónica con 8 percusionistas compuesta por Marshall McDonald y Steven Sharp Nelson y basada en temas africanos; es un homenaje al continente africano. La dirección corre a cargo del maestro chino Xun Sun.


Antonio Vivaldi(1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

La mandolina es un instrumento de cuatro cuerdas dobles afinadas como el violín (de grave a agudo, sol-re-la-mi)  y pulsadas por una púa; el efecto del trémolo que realiza la púa es utilizado con el objeto de alargar el sonido. Por otro lado, el concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi precisamente quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (rápido-lento-rápido) y presentado como un diálogo entre solista(s) y el conjunto instrumental. Hoy presentamos el Concierto para dos mandolinas con Elena Zabavskaya y Ekaterina Mochalova como solistas.

Antonio Vivaldi(1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

La mandolina es un instrumento de cuatro cuerdas dobles afinadas como el violín (de grave a agudo, sol-re-la-mi)  y pulsadas por una púa; el efecto del trémolo que realiza la púa es utilizado con el objeto de alargar el sonido. Por otro lado, el concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi precisamente quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (rápido-lento-rápido) y presentado como un diálogo entre solista(s) y el conjunto instrumental. Hoy presentamos el Concierto para dos mandolinas con Elena Zabavskaya y Ekaterina Mochalova como solistas.


Benjamin Britten (1913-1976) fue un pianista, director de orquesta y compositor británico que nació un 22 de Noviembre, día de Santa Cecilia, patrona de l@s músic@s. Desde muy joven mostró grandes dotes para la música y a los 14 años comenzó a recibir clases particulares con Frank Bridge y posteriormente con Ralph Vaughan Williams. A comienzos de la segunda guerra mundial se trasladó a USA donde escribió diversas obras orquestales y líricas; al terminar la guerra vuelve a Londres en barco donde escribe varias obras corales. En 1945 estrena su ópera Peter Grimes con un memorable éxito; aunque su mayor éxito le vendrá con su Requiem de Guerra estrenado en 1962, obra que pretendía ser una repulsa a todo tipo de conflictos bélicos. Criticado en sectores de extrema derecha por su pacifismo activo y su homosexualidad, está considerado como uno de los compositores ingleses más emblemáticos del siglo XX.

Four Sea Interludes (Op. 33a) es una suite orquestal de Benjamin Britten escrita en 1944 para orquesta extractada de los interludios de su ópera Peter Grimes. Efectivamente, Britten había decidido extraer los interludios para realizar una suite orquestal antes del estreno de la ópera el 7 de junio de 1945 en el Sadler's Wells Theatre. Por lo tanto, los publicó independientemente bajo un opus número 33a, así como Passacaglia (Op. 33b) estrenándose el 3 de abril de 1946 por la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Hans Kindler.


Joaquín Turina (1882-1949) fue un pianista, compositor y director de orquesta nacido en Sevilla y autor de las obras más relevantes del impresionismo español junto a Falla y Albéniz; sus obras más conocidas son las Danzas fantásticas y la Sinfonía sevillana. Desde niño, considerado “prodigio”, improvisaba virtuosamente al acordeón; aunque comenzó sus estudios de piano a la par que el bachillerato, con Enrique Rodríguez, mientras armonía y contrapunto lo hacía con Evaristo García Torres, maestro de capilla de la Catedral de Sevilla. Tras el bachillerato, comenzó sus estudios de medicina, que los dejaría al poco para dedicarse exclusivamente a la música y así, se traslada a Madrid en 1902. Al año siguiente mueren sus padres y se traslada a París donde estudia composición con Vincent D’Indy ganándose el sustento con sus actuaciones pianísticas. En 1913 al estallar la Primera Guerra Mundial vuelve a Madrid donde fija definitivamente su residencia. Su música refleja la influencia andaluza y gitana tanto en la melodía como en el ritmo de sus obras, aunque también hay referencias a otras músicas del estado como el pasodoble, la jota o el zortziko. Fue nombrado académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Hijo predilecto de Sevilla además de recibir otros importantes galardones como la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio.

La procesión del Rocío, que hoy presentamos, es un poema sinfónico compuesto por Joaquín Turina en 1912 en París. La pieza fue estrenada el 30 de marzo de 1913 en el Teatro Real de Madrid por Enrique Fernández Arbós, dedicatario de la obra, dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Madrid. Existe una versión para piano realizada por el compositor entre el 6 y el 10 de junio de 1913. El estreno de la versión para banda, de Ricardo Villa, a cargo de la Banda Municipal de Madrid, tuvo lugar el 6 de marzo de 1914. Este poema sinfónico se inspira en la tradición religiosa que tiene lugar cada año en la Aldea del Rocío (Almonte, Huelva), en la que la imagen de la Virgen es procesionada por la aldea enmarcada en la Romería del Rocío. El autor consigue transmitirnos el ambiente festivo y devocional de la procesión, desde la alegría de sus danzas espontáneas al fervor religioso, utilizando una gran paleta orquestal de colores brillantes y fastuosos.

Joaquín Turina (1882-1949) fue un pianista, compositor y director de orquesta nacido en Sevilla y autor de las obras más relevantes del impresionismo español junto a Falla y Albéniz; sus obras más conocidas son las Danzas fantásticas y la Sinfonía sevillana. Desde niño, considerado “prodigio”, improvisaba virtuosamente al acordeón; aunque comenzó sus estudios de piano a la par que el bachillerato, con Enrique Rodríguez, mientras armonía y contrapunto lo hacía con Evaristo García Torres, maestro de capilla de la Catedral de Sevilla. Tras el bachillerato, comenzó sus estudios de medicina, que los dejaría al poco para dedicarse exclusivamente a la música y así, se traslada a Madrid en 1902. Al año siguiente mueren sus padres y se traslada a París donde estudia composición con Vincent D’Indy ganándose el sustento con sus actuaciones pianísticas. En 1913 al estallar la Primera Guerra Mundial vuelve a Madrid donde fija definitivamente su residencia. Su música refleja la influencia andaluza y gitana tanto en la melodía como en el ritmo de sus obras, aunque también hay referencias a otras músicas del estado como el pasodoble, la jota o el zortziko. Fue nombrado académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Hijo predilecto de Sevilla además de recibir otros importantes galardones como la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio.

La procesión del Rocío, que hoy presentamos, es un poema sinfónico compuesto por Joaquín Turina en 1912 en París. La pieza fue estrenada el 30 de marzo de 1913 en el Teatro Real de Madrid por Enrique Fernández Arbós, dedicatario de la obra, dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Madrid. Existe una versión para piano realizada por el compositor entre el 6 y el 10 de junio de 1913. El estreno de la versión para banda, de Ricardo Villa, a cargo de la Banda Municipal de Madrid, tuvo lugar el 6 de marzo de 1914. Este poema sinfónico se inspira en la tradición religiosa que tiene lugar cada año en la Aldea del Rocío (Almonte, Huelva), en la que la imagen de la Virgen es procesionada por la aldea enmarcada en la Romería del Rocío. El autor consigue transmitirnos el ambiente festivo y devocional de la procesión, desde la alegría de sus danzas espontáneas al fervor religioso, utilizando una gran paleta orquestal de colores brillantes y fastuosos.


Sugerencias de música para todos los gustos

Sona Jobarteh (Londres, Reino Unido, 17 de octubre de 1983) es una compositora, cantante e instrumentista de origen gambiano e inglés. Es la primera instrumentista profesional de la kora. Nacida en 1983 en Londres, de madre inglesa y padre gambiano, proviene de una de las principales líneas de griots en África Occidental (Un griot o jeli es un narrador de historias de África Occidental); también es hermana de un instrumentista de kora, Tunde Jegede. La Kora es un elemento importante de la cultura de los pueblos mandingo en África occidental, y tocarla está reservado sólo para griots. Ella es la nieta del griot de su linaje, Amadu Bansang Jobarteh, que emigró de Mali a Gambia y ha estado estudiando Kora desde los tres años, con su hermano Tunde Jegede y con su padre Sanjally Jobarteh. Es la primera mujer miembro de esta familia en tocar este instrumento en público. Estudió en el Royal College of Music, donde tocaba el violonchelo, el piano y el clavicémbalo, y poco después se trasladó a la Purcell School of Music para estudiar composición. En el mismo período, participó en varios grupos orquestales, como la Irish Chamber Orchestra, la Royal Philharmonic Orchestra o la BBC Symphony Orchestra

La Kora es un instrumento africano, mezcla de arpa y laúd, que se construye a partir de la transformación del sonido provocada por una cubierta de cuero para lograr la caja de resonancia a lo que se le agrega un puente con muescas para transmitir la vibración de las cuerdas sujetas al mástil. El sonido de la Kora recuerda al del arpa, aunque cuando se toca de forma tradicional, se asemeja más al estilo de las guitarras flamencas. El músico utiliza solo el dedo pulgar y el índice de ambas manos para pulsar las cuerdas de forma rítmica, mientras que los restantes dedos se sujetan a los palos por ambos lados de las cuerdas para mantenerlo fijo. Los músicos de Kora, han provenido históricamente de familias de griots que pasan su arte a sus descendientes y también de las tribus mandinga. Este instrumento se toca en Malí, Guinea, Senegal y en Gambia. Al intérprete de Kora tradicional se lo llama "Jali", lo que equivale a bardo o historiador oral. Las koras tradicionales tienen 21 cuerdas, de las cuales 11 se tocan con la mano izquierda y 10 con la derecha. Por otra parte se pueden encontrar koras modernas, hechas en la región de Casamance al sur de Senegal, a las que se les agrega hasta cuatro cuerdas de bajo.


Anna Maria Jopek (1970) es una cantautora y pianista polaca, licenciada en Filosofía por la Universidad de Varsovia. Jopek es considerada como la mejor cantante de Jazz polaco del momento y una de las voces europeas más influyentes en este género. Educada en la Academia Chopin de Música de Varsovia y luego en el Departamento de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan, llega a la fama gracias a su participación en el Festival de la Canción de Eurovisión 1997 con el tema Ale Jestem.

Anna Maria Jopek (1970) es una cantautora y pianista polaca, licenciada en Filosofía por la Universidad de Varsovia. Jopek es considerada como la mejor cantante de Jazz polaco del momento y una de las voces europeas más influyentes en este género. Educada en la Academia Chopin de Música de Varsovia y luego en el Departamento de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan, llega a la fama gracias a su participación en el Festival de la Canción de Eurovisión 1997 con el tema Ale Jestem.


Leonard Cohen (1934-2016) fue un cantante canadiense que en sus canciones tocó temas muy diversos, pero centrados una y otra vez en el amor y en la religión. A los 33 años se desplazó a USA donde comenzó su carrera de cantautor, tras lo que realizó innumerables grabaciones y giras por todo el mundo donde su popularidad era notable. Su voz profunda y grave se ajusta perfectamente a su pesimismo existencial.


El Flamenco es una expresión musical propia de Andalucía y algo de las regiones limítrofes como son Extremadura y Murcia.  Su origen parece que se debe a una mezcla de la cultura popular andaluza con las expresiones del pueblo gitano, además de detalles de los romances castellanos, de la música morisca y de los cantos sefardíes; podemos decir  que en el siglo XVIII ya se ejecutaba el flamenco que, sin embargo, ha ido evolucionando hasta nuestros días y que lo sigue haciendo como cualquier ser vivo. Sus tres facetas principales son el cante (la acción de cantar que desarrolla el cantaor o cantaora), el toque (propio de l@s tocaor@s de guitarra con su especial técnica) y el baile (característico de l@s bailaor@s), todas ellas con sus propias tradiciones y normas. El cante del flamenco tiene distintas variedades (más de 50), que se llaman palos, con estructuras armónicas y rítmicas propias y diferenciadas. De ellos, quizá el más antiguo sea el fandango y, dentro de ellos, los más conocidos sean los fandangos de Huelva y los fandangos de Málaga; están además, la soleá o soleares (quizá el más purista), las bulerías (palo juerguista por antonomasia), alegrías (haciendo honor a su nombre), los tangos (propio de alegres celebraciones), las seguiriyas (tristes y profundos), las sevillanas (los más conocidos y populares), peteneras, granaínas, saetas, martinetes, tientos, rumbas, cantiñas, etc, etc , etc. Las palmas se utilizan como acompañamiento rítmico del cante y baile del flamenco acentuando el comienzo o final de la frase musical.

Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras con quienes grabaría sus primeros discos; posteriormente colaboró con Fosforito, y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Para entonces ya era también conocido y admirado por el gran público ajeno al tradicional flamenco, lo que le permitió realizar exitosas giras por Europa, América y Japón. Grabó 38 discos y recibió, entre otros galardones,  dos Premios Grammy, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Príncipe de Asturias. Fue, así mismo, nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music.

El Flamenco es una expresión musical propia de Andalucía y algo de las regiones limítrofes como son Extremadura y Murcia.  Su origen parece que se debe a una mezcla de la cultura popular andaluza con las expresiones del pueblo gitano, además de detalles de los romances castellanos, de la música morisca y de los cantos sefardíes; podemos decir  que en el siglo XVIII ya se ejecutaba el flamenco que, sin embargo, ha ido evolucionando hasta nuestros días y que lo sigue haciendo como cualquier ser vivo. Sus tres facetas principales son el cante (la acción de cantar que desarrolla el cantaor o cantaora), el toque (propio de l@s tocaor@s de guitarra con su especial técnica) y el baile (característico de l@s bailaor@s), todas ellas con sus propias tradiciones y normas. El cante del flamenco tiene distintas variedades (más de 50), que se llaman palos, con estructuras armónicas y rítmicas propias y diferenciadas. De ellos, quizá el más antiguo sea el fandango y, dentro de ellos, los más conocidos sean los fandangos de Huelva y los fandangos de Málaga; están además, la soleá o soleares (quizá el más purista), las bulerías (palo juerguista por antonomasia), alegrías (haciendo honor a su nombre), los tangos (propio de alegres celebraciones), las seguiriyas (tristes y profundos), las sevillanas (los más conocidos y populares), peteneras, granaínas, saetas, martinetes, tientos, rumbas, cantiñas, etc, etc , etc. Las palmas se utilizan como acompañamiento rítmico del cante y baile del flamenco acentuando el comienzo o final de la frase musical.

Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras con quienes grabaría sus primeros discos; posteriormente colaboró con Fosforito, y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Para entonces ya era también conocido y admirado por el gran público ajeno al tradicional flamenco, lo que le permitió realizar exitosas giras por Europa, América y Japón. Grabó 38 discos y recibió, entre otros galardones,  dos Premios Grammy, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Príncipe de Asturias. Fue, así mismo, nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music.


Sugerencias de videos peculiares

Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor nacido en París y autor de abundante música escénica. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas; en total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night y el ballet Le Corsaire, del que hoy ofrecemos una pequeña selección. 

Le Corsaire (El Corsario) es un ballet en tres actos, cinco cuadros y un epílogo con libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges, inspirado en el poema The Corsair de Lord Byron y en la ópera derivada del mismo El corsario de Verdi, con música de Adolphe Adam. La coreografía original es de Joseph Mazilier y se estrenó por primera vez en el año 1856 en la Ópera de París. En el año 1868, Marius Petipa y Jules Perrot realizaron una renovación del ballet para el Teatro Bolshói de Moscú. Esta versión es de la que derivan la mayoría de las adaptaciones y producciones posteriores.


Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida se adentró en distintos estilos y géneros musicales desde el posromanticismo al serialismo o el jazz . Estudió, entre otros, con Rimski Korsakov y trabajó para distintos géneros y formaciones musicales; pero tras conocer a Serguei Diaghilev, empresario fundador de los Ballets Rusos, colaboró estrechamente con él siendo sus ballets con los que alcanzó mayor fama e influencia.

Pulcinella, la obra que hoy presentamos, fue un ballet encargado por Diaghilev que quería un libreto y música basados en un personaje de La comedia dell´arte del siglo XVIII; de modo que Stravinsky se basó en la música (tríos, óperas y otros materiales) de Pergolesi para reescribir esta música adaptándola a formas más modernas; y así, mientras rescataba algunos temas, añadía otros con ritmos y armonías actualizadas. El estreno se realizó en 1920 con trajes y decorados diseñados por Picasso. El Ballet Basler Ballett (Ballet Theater Basel) es el Ballet del Teatro de Basilea está formado por 30 bailarines/as de distintos países, tod@s ell@s de primer nivel; cumple además, con un importante papel educativo en su Escuela de ballet en la que se forman más de 200 niñ@s.

Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida se adentró en distintos estilos y géneros musicales desde el posromanticismo al serialismo o el jazz . Estudió, entre otros, con Rimski Korsakov y trabajó para distintos géneros y formaciones musicales; pero tras conocer a Serguei Diaghilev, empresario fundador de los Ballets Rusos, colaboró estrechamente con él siendo sus ballets con los que alcanzó mayor fama e influencia.

Pulcinella, la obra que hoy presentamos, fue un ballet encargado por Diaghilev que quería un libreto y música basados en un personaje de La comedia dell´arte del siglo XVIII; de modo que Stravinsky se basó en la música (tríos, óperas y otros materiales) de Pergolesi para reescribir esta música adaptándola a formas más modernas; y así, mientras rescataba algunos temas, añadía otros con ritmos y armonías actualizadas. El estreno se realizó en 1920 con trajes y decorados diseñados por Picasso. El Ballet Basler Ballett (Ballet Theater Basel) es el Ballet del Teatro de Basilea está formado por 30 bailarines/as de distintos países, tod@s ell@s de primer nivel; cumple además, con un importante papel educativo en su Escuela de ballet en la que se forman más de 200 niñ@s.


Dentro de lo que es la Danza Vasca, el Fandango de ritmo ternario y el Arin-Arin de ritmo binario forman el conjunto de danzas más habituales en las fiestas del País Vasco. Ambas danzas bailadas por parejas mixtas tienen cierta semejanza con otras danzas similares del estado y con la pavana binaria y la gallarda ternaria que ya se bailaban en el Renacimiento. Aunque se tiende a confundir el fandango vasco con la jota vasca, diremos que son muy similares pero con pequeñas diferencias estructurales. Hoy día, el fandango vasco tiene ritmo ternario, escrito en compás de 3/8, y presenta frases cuadradas, organizadas en módulos de ocho compases. Cada paso se extiende por dieciséis compases, y las frases musicales se organizan conforme a ellos, siendo a veces de dieciséis compases, muchas de ocho compases repetidos, y casi siempre organizadas en antecedente y consecuente. Normalmente se bailan tres pasos diferentes, pero en Navarra es muy corriente realizar también un cuarto. El Arin arin, también escrito y denominado ariñ-ariñ, porrusalda, purrusalda, porrue, bizkai dantza, bizkai soinua o bizkaikoa, es la otra danza del par de danzas al que nos hemos referido; danza de ritmo binario, estructuralmente similar al fandango: frases cuadradas compuestas por módulos de ocho compases. Cada paso se organiza en dieciséis compases, y de esta manera se acomodan las frases musicales, a veces de dieciséis compases, muchas veces con ocho compases repetidos y casi siempre organizadas en antecedente y consecuente.  (Textos extractados de Auñamendi Eusko Entziklopedia)

Hoy la interpretación corre a cargo del grupo de danzas de Bermeo (Bizkaia) Alkartasuna Dantza Taldea, en una actuación dentro de las Fiestas de la Semana Grande de Bilbao


Los artistas del Ballet Folklórico Jammu  nos trasladan al corazón de África, a sus sonidos, ritmos y colores. Este Ballet folklórico nace en Dakar en el año 2008, dirigido por As Ndiaye, fruto de un ambicioso proyecto de su creador, en el cual se fusionan dos ideas: la de hacer un grupo de folklore estable y a la vez escuela de música y danza. Su sede está en el Centro Cultural de Yoff, barrio marinero de Dakar, aquí se crean las coreografías y se llevan a cabo los ensayos. En este grupo participan jóvenes músicos y bailarines de todas las etnias de Senegal y en sus espectáculos descubriremos danzas tradicionales de Senegal pero también coreografías con elementos de danza contemporánea. Sus impresionantes danzas combinan movimientos llenos de energía con una espectacular acrobacia, basadas en el ritmo Mbalax. Este ritmo se obtiene con los tambores Sabar, utilizados durante siglos por la etnia Wolof de Senegal. En su corta carrera ya ha cosechado prestigiosos galardones, premios y condecoraciones por el rigor en las investigaciones de sus tradiciones y el trabajo realizado en pro de su cultura y su etnografía. Jammu quiere decir Paz, palabra con la que el Ballet pretende reflejar la unión de todos los pueblos del mundo mediante la danza. Es un espectáculo lleno de emociones y sensaciones únicas con las que llegar hasta el mismo corazón del ser humano, rompiendo fronteras y creando un universo lleno de emociones que no tienen nombre, ni color, ni siquiera nacionalidad. Es ahí donde el ser humano encuentra la grandeza con la que acercarse a sus semejantes a través de la expresión artística. (Extractado de las notas del Festival Folklórico de Jaca de 1919).

Los artistas del Ballet Folklórico Jammu  nos trasladan al corazón de África, a sus sonidos, ritmos y colores. Este Ballet folklórico nace en Dakar en el año 2008, dirigido por As Ndiaye, fruto de un ambicioso proyecto de su creador, en el cual se fusionan dos ideas: la de hacer un grupo de folklore estable y a la vez escuela de música y danza. Su sede está en el Centro Cultural de Yoff, barrio marinero de Dakar, aquí se crean las coreografías y se llevan a cabo los ensayos. En este grupo participan jóvenes músicos y bailarines de todas las etnias de Senegal y en sus espectáculos descubriremos danzas tradicionales de Senegal pero también coreografías con elementos de danza contemporánea. Sus impresionantes danzas combinan movimientos llenos de energía con una espectacular acrobacia, basadas en el ritmo Mbalax. Este ritmo se obtiene con los tambores Sabar, utilizados durante siglos por la etnia Wolof de Senegal. En su corta carrera ya ha cosechado prestigiosos galardones, premios y condecoraciones por el rigor en las investigaciones de sus tradiciones y el trabajo realizado en pro de su cultura y su etnografía. Jammu quiere decir Paz, palabra con la que el Ballet pretende reflejar la unión de todos los pueblos del mundo mediante la danza. Es un espectáculo lleno de emociones y sensaciones únicas con las que llegar hasta el mismo corazón del ser humano, rompiendo fronteras y creando un universo lleno de emociones que no tienen nombre, ni color, ni siquiera nacionalidad. Es ahí donde el ser humano encuentra la grandeza con la que acercarse a sus semejantes a través de la expresión artística. (Extractado de las notas del Festival Folklórico de Jaca de 1919).


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.