Sugerencias de iniciación a la música clásica

Georg Friedrich Händel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Cantatas, oratorios y óperas fueron la base principal de su producción musical, entre los que hemos de destacar por encima de todos el Oratorio de El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Italia; primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica a la composición de oratorios, entre los que destaca El Mesías. Fallece en 1759 en su casa.

Giulio Cesare in Egitto es una ópera en tres actos compuesta para la Royal Academy of Music de la que Haendel, una vez instalado en Londres, era director y para la que compuso otras trece óperas. El argumento trata del amor entre Julio César y Cleopatra; hoy asistiremos al aria plena de emotividad y dramatismo de CleopatraSe pietà di me non senti”. La interpreta Natalie Dessay (1965) soprano francesa de gran agilidad en los agudos y facilidad expresiva en los papeles dramáticos; una de las más eminentes sopranos de Francia bajo la batuta de Emmanuelle Haïm (1962), clavecinista y directora, también francesa, especializada en música barroca.


Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir, para entenderla mejor, en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: a esta época pertenecen las cinco últimas sonatas para piano y los cinco últimos cuartetos de cuerda, la Sinfonía nº 9 con la introducción de solistas y coro, la Misa Solemnis …

La Quinta Sinfonía es una de las obras de la Historia de la Música más conocidas y populares; de los cuatro movimientos de los que consta,  hoy visionaremos el primero. Este movimiento, tal como era habitual en esa época desde principios del Clasicismo, está escrito en modo rápido y en forma sonata: 1.-exposición de dos temas contrapuestos por su carácter y tonalidad; 2.- desarrollo de ambos temas contrastantes; 3.-reexposición en la misma tonalidad de los dos temas principales. A veces puede haber una pequeña Introducción en modo lento y una Coda Final con carácter brillante. Hoy nos visita  Libi Lebel pianista y directora rusa, que como pianista ha sido premiada en importantes certámenes y concursos y como directora de orquesta ha dirigido distintas orquestas americanas, rusas y rumanas. Se caracteriza por su transparente técnica y su carácter dinámico y apasionado; actualmente es la titular de la Texas Medical Center Orchestra.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir, para entenderla mejor, en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: a esta época pertenecen las cinco últimas sonatas para piano y los cinco últimos cuartetos de cuerda, la Sinfonía nº 9 con la introducción de solistas y coro, la Misa Solemnis …

La Quinta Sinfonía es una de las obras de la Historia de la Música más conocidas y populares; de los cuatro movimientos de los que consta,  hoy visionaremos el primero. Este movimiento, tal como era habitual en esa época desde principios del Clasicismo, está escrito en modo rápido y en forma sonata: 1.-exposición de dos temas contrapuestos por su carácter y tonalidad; 2.- desarrollo de ambos temas contrastantes; 3.-reexposición en la misma tonalidad de los dos temas principales. A veces puede haber una pequeña Introducción en modo lento y una Coda Final con carácter brillante. Hoy nos visita  Libi Lebel pianista y directora rusa, que como pianista ha sido premiada en importantes certámenes y concursos y como directora de orquesta ha dirigido distintas orquestas americanas, rusas y rumanas. Se caracteriza por su transparente técnica y su carácter dinámico y apasionado; actualmente es la titular de la Texas Medical Center Orchestra.


Ruperto Chapí (1851-1909) fue un compositor español de zarzuelas nacido en Vilena (Alicante). Comenzó desde niño a estudiar solfeo, al igual que sus herman@s, con su padre ingresando en la Banda de Música de Vilena a los nueve años. Conscientes de las capacidades de su hijo, los padres le envían a Madrid a los 16 años a estudiar música en su Conservatorio con el maestro Emilio Arrieta, quien le imparte clases de armonía y composición. En 1872 logra el Primer Premio de fin de carrera, junto con su condiscípulo Tomás Bretón; al año siguiente gana una beca de la Academia de Bellas Artes para estudiar en Roma. Actualmente está considerado como uno de los principales autores de zarzuela; aunque también compuso óperas, música de cámara y música sinfónica. Fue el fundador de la Sociedad General de Autores y Escritores (S.G.A.E.).

La Revoltosa es un sainete lírico de un acto, con libreto de José López Silva y Carlos Fernández Shaw, y música compuesta por el maestro Ruperto Chapí. Fue representada por primera vez el 25 de noviembre de 1897 en el teatro Apolo de Madrid y dirigida por el compositor. Considerada junto con La verbena de la Paloma como una de las obras cumbre del género chico, es una de las piezas fundamentales en donde se aprecia la maestría del libreto y de la música. El libreto es un fiel reflejo de los ambientes vecinales de finales del siglo XIX, haciendo un fiel retrato de tipos y situaciones, debido a dos grandes expertos libretistas, que trasladan a la escena todo el sentir y la realidad del Madrid de esos años. La música es uno de los elementos más valorados de este sainete. Ruperto Chapí crea una verdadera obra sinfónica y popular que cautiva desde las primeras notas de su preludio, creando una partitura en la que lo culto y lo popular se dan la mano como nunca.


Leroy Anderson (1908-1975) fue un compositor estadounidense de breves piezas orquestales de música ligera, muchas de las cuales fueron estrenadas por la Orquesta Boston Pops bajo la dirección de Arthur Fiedler. John Williams le ha descrito como «uno de los más grandes maestros americanos de la música orquestal ligera». Fue también un dibujante de cómics de Ank Cómics. Nacido en Cambridge, Massachusetts de padres suecos, Anderson recibió sus primeras lecciones de piano de su madre, que era organista de iglesia. Continuó estudiando piano en el New England Conservatory of Music. En 1925 ingresó en la Universidad de Harvard, donde estudió armonía, contrapunto, fuga, orquestación, composición y contrabajo. Asimismo estudió órgano con Henry Gideon. Se licenció en Bellas Artes, cum laude en 1929. Trabajó como organista y director de coro en la Iglesia Congregacional de East Milton, dirigiendo la Banda de la Universidad de Harvard, y dirigiendo y haciendo arreglos para bandas de baile en Boston. En 1936 sus arreglos llamaron la atención de Arthur Fiedler, que le pidió ver algunas composiciones originales que pudiera usar en los conciertos que daba como director de la Orquesta Boston Pops. En 1942 Leroy Anderson se alistó en el Ejército de los Estados Unidos y fue destinado al Cuerpo de Contraespionaje; no obstante, sus obligaciones no le impidieron seguir componiendo, y en 1945 escribió The Syncopated Clock y Promenade. En 1951 Anderson escribió su primer gran éxito, Blue Tango, ganando un disco de oro y el puesto No. 1 en la lista Billboard.

El estilo musical de Anderson emplea efectos instrumentales creativos y en ocasiones hace uso de elementos que producen sonidos como La máquina de escribir que hoy presentamos con su pizca de humor (Erik Satie usó una máquina de escribir en su ballet "Parade" antes que él). La máquina de escribir es una novedosa pieza instrumental compuesta por Leroy Anderson en 1950, y estrenada por los Boston Pops. Su nombre se refiere al hecho de que para su interpretación se requiere una máquina de escribir, que se utiliza en el escenario: las pulsaciones de las teclas, su campana, y el mecanismo de retorno de carro son un componente importante de la pieza. Hoy lo podemos visionar con la orquesta Músicos solidarios, el percusionista Alfredo Anaya como solista y el maestro Miguel Roa como director.

Leroy Anderson (1908-1975) fue un compositor estadounidense de breves piezas orquestales de música ligera, muchas de las cuales fueron estrenadas por la Orquesta Boston Pops bajo la dirección de Arthur Fiedler. John Williams le ha descrito como «uno de los más grandes maestros americanos de la música orquestal ligera». Fue también un dibujante de cómics de Ank Cómics. Nacido en Cambridge, Massachusetts de padres suecos, Anderson recibió sus primeras lecciones de piano de su madre, que era organista de iglesia. Continuó estudiando piano en el New England Conservatory of Music. En 1925 ingresó en la Universidad de Harvard, donde estudió armonía, contrapunto, fuga, orquestación, composición y contrabajo. Asimismo estudió órgano con Henry Gideon. Se licenció en Bellas Artes, cum laude en 1929. Trabajó como organista y director de coro en la Iglesia Congregacional de East Milton, dirigiendo la Banda de la Universidad de Harvard, y dirigiendo y haciendo arreglos para bandas de baile en Boston. En 1936 sus arreglos llamaron la atención de Arthur Fiedler, que le pidió ver algunas composiciones originales que pudiera usar en los conciertos que daba como director de la Orquesta Boston Pops. En 1942 Leroy Anderson se alistó en el Ejército de los Estados Unidos y fue destinado al Cuerpo de Contraespionaje; no obstante, sus obligaciones no le impidieron seguir componiendo, y en 1945 escribió The Syncopated Clock y Promenade. En 1951 Anderson escribió su primer gran éxito, Blue Tango, ganando un disco de oro y el puesto No. 1 en la lista Billboard.

El estilo musical de Anderson emplea efectos instrumentales creativos y en ocasiones hace uso de elementos que producen sonidos como La máquina de escribir que hoy presentamos con su pizca de humor (Erik Satie usó una máquina de escribir en su ballet "Parade" antes que él). La máquina de escribir es una novedosa pieza instrumental compuesta por Leroy Anderson en 1950, y estrenada por los Boston Pops. Su nombre se refiere al hecho de que para su interpretación se requiere una máquina de escribir, que se utiliza en el escenario: las pulsaciones de las teclas, su campana, y el mecanismo de retorno de carro son un componente importante de la pieza. Hoy lo podemos visionar con la orquesta Músicos solidarios, el percusionista Alfredo Anaya como solista y el maestro Miguel Roa como director.


Sugerencias de música clásica

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold Mozart,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivando todo tipo de géneros musicales;. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem  que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años. (18-7-21)

La Sonata para piano n.º 11 en la mayor, K. 331 es la más célebre de las sonatas para piano de Mozart, particularmente por su final que ha tenido innumerables transcripciones y versiones y que constituye desde hace muchos años, uno de los "caballos de batalla" de los pianistas. Muchos musicólogos (entre ellos Saint Fiux) sostienen que esta sonata sería en realidad la décima de la colección mientras que la precedente en do mayor tomaría el puesto de undécima. Pero, sin embargo Alfred Einstein recuerda una carta datada el 9-12 de junio de 1784 dirigida por Mozart a su padre, en la que éste indica claramente las tres sonatas en do mayor, la mayor y la próxima en fa mayor. La sonata consta de tres movimientos: I Andante con variaciones; II Minueto; III Rondó alla turca (que es popularmente conocido como la “Marcha turca” de Mozart). Hoy la podemos visionar en interpretación de la pianista letona Olga Jegunova (1984).


Camille Saint–Saëns  (1835-1921) fue un pianista, organista, compositor y militar francés, comprometido con la renovación musical francesa, así como con la enseñanza; por sus aulas pasaron alumnos tales como Fauré y Messager. Fue un niño precoz que  a los dos años comenzó a balbucear con el piano y a los siete, hizo sus primeros pinitos en la composición. A los 11 años hizo su primera aparición pública con obras de Haendel, Mozart y Beethoven; la impresión causada se vio reflejada en los periódicos de toda Europa. Su madre se opuso a la carrera concertista de niño prodigio debido a su delicada salud enfrascándole en los estudios correspondientes a su edad que los realizó con gran notoriedad. A los trece años se matriculó en órgano y composición en el Conservatorio de París y a los dieciocho, compuso su primera sinfonía. Trabajó como organista remunerado, del que Liszt comentó que era el mejor organista del mundo. Fue, además,  un intelectual multifacético: músico, escritor, matemático, filósofo, arqueólogo, geólogo, botánico … Igualmente de multifacético fue con sus numerosas obras musicales (más de 400) con las que abordó todo tipo de géneros entre los que hay que resaltar la novedad que en aquel momento supuso la música de cine.

Introducción y rondó caprichoso es una obra para violín solista con acompañamiento orquestal escrito por Camille Saint-Saëns para el violinista navarro Pablo Sarasate quien la estrenó el 4 de abril de 1867. La solista de hoy, Tanja Sonc (1992) comenzó su educación musical a la edad de cinco años en la Academia de Música de Ljubljana, continuó en el Mozarteum de Salzburgo y posteriormente en la Universidad de las Artes de Zúrich. En 2011 ganó el Concurso Brahms en Pörtschach y en 2012, el Concurso Internacional Ferdo Livadić para jóvenes músicos; además, fue la ganadora absoluta del Concurso de estudios y escalas para jóvenes virtuosos celebrado en Zagreb; en 2016 ganó el Concurso de Nuevas Estrellas.

Camille Saint–Saëns  (1835-1921) fue un pianista, organista, compositor y militar francés, comprometido con la renovación musical francesa, así como con la enseñanza; por sus aulas pasaron alumnos tales como Fauré y Messager. Fue un niño precoz que  a los dos años comenzó a balbucear con el piano y a los siete, hizo sus primeros pinitos en la composición. A los 11 años hizo su primera aparición pública con obras de Haendel, Mozart y Beethoven; la impresión causada se vio reflejada en los periódicos de toda Europa. Su madre se opuso a la carrera concertista de niño prodigio debido a su delicada salud enfrascándole en los estudios correspondientes a su edad que los realizó con gran notoriedad. A los trece años se matriculó en órgano y composición en el Conservatorio de París y a los dieciocho, compuso su primera sinfonía. Trabajó como organista remunerado, del que Liszt comentó que era el mejor organista del mundo. Fue, además,  un intelectual multifacético: músico, escritor, matemático, filósofo, arqueólogo, geólogo, botánico … Igualmente de multifacético fue con sus numerosas obras musicales (más de 400) con las que abordó todo tipo de géneros entre los que hay que resaltar la novedad que en aquel momento supuso la música de cine.

Introducción y rondó caprichoso es una obra para violín solista con acompañamiento orquestal escrito por Camille Saint-Saëns para el violinista navarro Pablo Sarasate quien la estrenó el 4 de abril de 1867. La solista de hoy, Tanja Sonc (1992) comenzó su educación musical a la edad de cinco años en la Academia de Música de Ljubljana, continuó en el Mozarteum de Salzburgo y posteriormente en la Universidad de las Artes de Zúrich. En 2011 ganó el Concurso Brahms en Pörtschach y en 2012, el Concurso Internacional Ferdo Livadić para jóvenes músicos; además, fue la ganadora absoluta del Concurso de estudios y escalas para jóvenes virtuosos celebrado en Zagreb; en 2016 ganó el Concurso de Nuevas Estrellas.


Richard Strauss 1864-1949) fue un destacado compositor y director de orquesta alemán que tuvo una relación al menos dudosa, si no de colaboración, con el gobierno nazi; relación que ha sido objeto de innumerables comentarios, discusiones y estudios. Su larga trayectoria musical abarca desde el romanticismo tardío hasta la primera mitad del siglo XX y es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y lieder. Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado. La música de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX. Su padre, Franz Strauss, era intérprete solista de trompa en la Ópera de la Corte de Múnich y parte de su familia eran músic@s profesionales, por lo que recibió una excelente educación musical en su juventud. Empezó a estudiar piano a los cuatro años con su madre, y violín a los siete con su tío. Apenas con seis años de edad realizó su primera composición y desde ese momento no dejó de escribir hasta su muerte. Strauss destaca por su novedosa y sutil forma de orquestar combinada con un estilo armónico avanzado. La principal contribución de Strauss a la música sinfónica es a través de sus poemas sinfónicos, género en el que llegó a ser un maestro indiscutible y entre los que hay que añadir dos obras más, que aunque tienen el título de sinfonía pueden considerarse igualmente poemas sinfónicos por su contenido extramusical: la Sinfonía Doméstica y la Sinfonía alpina. A finales del siglo XIX, Strauss dedicó su atención como compositor a la ópera con una importante aportación de títulos sobresalientes. Además de los poemas sinfónicos y de las óperas, compuso otras obras sinfónicas de menor rango y numerosas canciones o lieder. La música de Strauss tuvo una influencia considerable en los compositores del comienzo del siglo XX y, especialmente sus poemas sinfónicos, en las futuras bandas sonoras cinematográficas.

Así habló Zaratustra, obra que hoy proponemos, es sin duda la obra más conocida de Strauss, al menos por el impactante comienzo que fue utilizado en la película 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick. En este poema sinfónico, Strauss narra musicalmente de forma libre y fantástica algunos de los pasajes de la obra homónima de Friedrich Nietzsche, en una obra de gran impacto directo. Tras haber escuchado esta pieza, Béla Bartók dijo en 1902 que la obra «contenía las semillas para una nueva vida»; obra hoy conducida por Gustavo Dudamel (1981), director de orquesta venezolano, que nació del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela donde comenzó a los cuatro años y donde realizó sus estudios de violín, composición y dirección de orquesta. En la actualidad es el titular de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela; ha dirigido las principales orquestas americanas y europeas y está considerado, a pesar de su juventud, como uno de los más importantes directores de la actualidad.


Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue un compositor alemán pionero en la improvisación electrónica y mayoritariamente reconocido como uno de los creadores musicales más influyentes del siglo XX; sus trabajos innovadores fueron referenciales para las siguientes generaciones y lo siguen siendo aún en nuestros días. Estudió pedagogía musical, piano y composición en Colonia, además de musicología, filosofía y lengua germánica; mientras, se pagaba sus estudios trabajando en una fábrica o de guarda en un aparcamiento. En 1951 acude a los cursos de verano de Darmstadt donde contacta con Webern y con los compositores más vanguardistas de Alemania; se adentró en el dodecafonismo, en el serialismo y en la música aleatoria; al año siguiente se matricula en el Conservatorio de París para estudiar composición con Milhaud y análisis con Messiaen; allí  entabla una gran amistad con Boulez. A partir de 1953 su dedicación se centró en la música electracústica; en 1954 presenta sus primeros trabajos de electroacústica mientras profundiza en fonética y acústica. Su prestigio avanza mientras sus contratos se multiplican y sus estrenos  se multiplican. Fallece en 2007 de un ataque cardíaco.

Gruppen es una obra compuesta para tres orquestas con sus tres directores. Música escrita con las normas del serialismo, es una de sus obras más representativas. El Serialismo es una técnica compositiva derivada del dodecafonismo (los doce sonidos que componen la octava van apareciendo sucesivamente según un orden preestablecido) en el que la serie prefijada se aplica también a otros parámetros musicales (duración de las notas, ritmo, timbre, dinámica …). Los tres directores de hoy son  Matthias Pintscher (1971) desde 2013 es el director del Ensemble Intercontemporain de París. Lucas Vis (1947) ha dirigido importantes orquestas en los Países Bajos, Inglaterra, Francia, Alemania, Italia etc. Paul Fitzsimon es un director emergente australiano con una sólida formación en Melbourne Berlín.

Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue un compositor alemán pionero en la improvisación electrónica y mayoritariamente reconocido como uno de los creadores musicales más influyentes del siglo XX; sus trabajos innovadores fueron referenciales para las siguientes generaciones y lo siguen siendo aún en nuestros días. Estudió pedagogía musical, piano y composición en Colonia, además de musicología, filosofía y lengua germánica; mientras, se pagaba sus estudios trabajando en una fábrica o de guarda en un aparcamiento. En 1951 acude a los cursos de verano de Darmstadt donde contacta con Webern y con los compositores más vanguardistas de Alemania; se adentró en el dodecafonismo, en el serialismo y en la música aleatoria; al año siguiente se matricula en el Conservatorio de París para estudiar composición con Milhaud y análisis con Messiaen; allí  entabla una gran amistad con Boulez. A partir de 1953 su dedicación se centró en la música electracústica; en 1954 presenta sus primeros trabajos de electroacústica mientras profundiza en fonética y acústica. Su prestigio avanza mientras sus contratos se multiplican y sus estrenos  se multiplican. Fallece en 2007 de un ataque cardíaco.

Gruppen es una obra compuesta para tres orquestas con sus tres directores. Música escrita con las normas del serialismo, es una de sus obras más representativas. El Serialismo es una técnica compositiva derivada del dodecafonismo (los doce sonidos que componen la octava van apareciendo sucesivamente según un orden preestablecido) en el que la serie prefijada se aplica también a otros parámetros musicales (duración de las notas, ritmo, timbre, dinámica …). Los tres directores de hoy son  Matthias Pintscher (1971) desde 2013 es el director del Ensemble Intercontemporain de París. Lucas Vis (1947) ha dirigido importantes orquestas en los Países Bajos, Inglaterra, Francia, Alemania, Italia etc. Paul Fitzsimon es un director emergente australiano con una sólida formación en Melbourne Berlín.


Sugerencias de música para todos los gustos

Stan Getz (1927-1991) fue un saxofonista estadounidense de jazz. Su sonido redondo y cautivador llegaba al público que le puso el sobrenombre de “El Sonido”. Con sus discos ganó varios Grammy y está considerado como uno de los saxos tenores más prominentes de la historia del jazz.


Sarah Brightman (1960) es una cantante, actriz, bailarina y directora de orquesta inglesa que interpreta música del género denominado crossover clásico así como Ópera y teatro musical. Se caracteriza por poseer un timbre agudo de soprano ligera. Ha interpretado un gran número de arias de ópera de compositores famosos, las cuales se incluyen en sus álbumes. Ha cantado en inglés, español, francés, catalán, latín, alemán, italiano, japonés, hindi, mandarín, ruso y occitano. Ha recibido 180 discos de Oro y Platino en 38 países y es la única artista en el mundo que ha ocupado el puesto #1 en el Billboard Dance y el Billboard Classical Chart en simultáneo.

Sarah Brightman (1960) es una cantante, actriz, bailarina y directora de orquesta inglesa que interpreta música del género denominado crossover clásico así como Ópera y teatro musical. Se caracteriza por poseer un timbre agudo de soprano ligera. Ha interpretado un gran número de arias de ópera de compositores famosos, las cuales se incluyen en sus álbumes. Ha cantado en inglés, español, francés, catalán, latín, alemán, italiano, japonés, hindi, mandarín, ruso y occitano. Ha recibido 180 discos de Oro y Platino en 38 países y es la única artista en el mundo que ha ocupado el puesto #1 en el Billboard Dance y el Billboard Classical Chart en simultáneo.


La Raíz fue un grupo de música de Gandía (Valencia), que recorría los escenarios mezclando el rock, el ska, el reggae o el rap. Algunas veces se ha catalogado el estilo de esta banda como "rockstizaje". Once músicos de varias procedencias nacionales y musicales, repartidos en el escenario con una presencia fuerte y mucho contenido lírico en sus letras. Alguna gente cataloga su música dentro de los estilos de música de intervención.


Myriam Hernández (1965) es una compositora y cantante chilena conocida como La Baladista de América. Distintas canciones suyas han sido el número uno del Hot Latin Songs del Billboard y ha recibido distintos galardones a lo largo de su carrera.

Myriam Hernández (1965) es una compositora y cantante chilena conocida como La Baladista de América. Distintas canciones suyas han sido el número uno del Hot Latin Songs del Billboard y ha recibido distintos galardones a lo largo de su carrera.


Sugerencias de videos peculiares

Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético. Como creador de obras maestras reconocidas en numerosos géneros musicales, es considerado uno de los principales compositores del siglo XX. Sus obras incluyen piezas tan escuchadas como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, de donde se toma la Danza de los caballeros, Pedro y el lobo... Dentro de las formas y géneros establecidos en los que trabajó, creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo, un concierto sinfónico para violonchelo y orquesta, y nueve sonatas para piano completadas. Graduado en el Conservatorio de San Petersburgo, Prokófiev inicialmente se dio a conocer como compositor-pianista iconoclasta y logró notoriedad con una serie de obras ferozmente disonantes y virtuosas para su instrumento, incluidos sus dos primeros conciertos para piano. Sin embargo, el mayor interés de Prokófiev fue la ópera aunque su único éxito operístico durante su vida fue El amor de las tres naranjas, compuesto para la Ópera de Chicago y posteriormente interpretado durante la siguiente década en Europa y Rusia. Tras su muerte en 1953, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguiría siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea».

Romeo y Julieta es un ballet con tres actos divididos en trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. Es una de las obras más apreciadas del compositor, sobre la base de la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales (el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones que hoy ofrecemos; el delicado y abundante tema de Julieta). La dificultad de la partitura impidió el disfrute del compositor del éxito que años después tendría su pieza. Fue criticado por la falta de lirismo y la naturaleza sinfónica, al igual que le sucedió a Chaikovski.


Kukai Dantza Taldea es una compañía de Danza Vasca  creada por Jon Maia Sein en Errenteria (Gipuzkoa) con el objetivo de ofrecer espectáculos de corte contemporáneo basados en la danza tradicional vasca. Ha trabajado con destacados músic@s y agrupaciones vascas así como con importantes coreógrafos internacionales y sus espectáculos han merecido destacados reconocimientos.

Kukai Dantza Taldea es una compañía de Danza Vasca  creada por Jon Maia Sein en Errenteria (Gipuzkoa) con el objetivo de ofrecer espectáculos de corte contemporáneo basados en la danza tradicional vasca. Ha trabajado con destacados músic@s y agrupaciones vascas así como con importantes coreógrafos internacionales y sus espectáculos han merecido destacados reconocimientos.


El Mariachi Vargas de Tecalitlán es una agrupación de música folklórica mexicana creada en 1897 por el maestro Gaspar Vargas López, (1880-1969), que se encuentra actualmente bajo la producción artística y dirección general del maestro Rubén Fuentes, y cuya dirección musical está a cargo de Carlos Martínez. La agrupación está conformada por un arpa, una vihuela, una guitarra, un guitarrón, tres trompetas y siete violines, y se autodenominan El Mejor Mariachi del Mundo, nombre que el propio Fuentes (cuando era, en 1956, director artístico de la RCA Víctor) sugirió para el grupo.

El jarabe tapatío es un baile regional mexicano muy reconocido del estado de Jalisco; fuera del país, es conocido como el baile del sombrero mexicano. La danza jalisciense representa el cortejo del hombre hacia la mujer.


El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

Hoy asistimos a un ensayo de su Sexta Sinfonía de la mano de Valery Gergiev (1953), director ruso y  uno de los más apreciados de la actualidad; es en la actualidad, el director general del Teatro Mariinski y director asociado de la Ópera del Metropolitan, de la Filarmónica de Munich y de Rotterdam, además de la Sinfónica de Londres.

El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

Hoy asistimos a un ensayo de su Sexta Sinfonía de la mano de Valery Gergiev (1953), director ruso y  uno de los más apreciados de la actualidad; es en la actualidad, el director general del Teatro Mariinski y director asociado de la Ópera del Metropolitan, de la Filarmónica de Munich y de Rotterdam, además de la Sinfónica de Londres.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.