El 4 de Agosto comenzaban las Fiestas de la Virgen Blanca de Vitoria-Gasteiz

Sugerencias de iniciación a la música clásica

Jesus Guridi (1886-1961), compositor nacido en Vitoria-Gazteiz en una familia eminentemente musical, de modo que fueron sus padres quienes le iniciaron en dicha senda. Tras trasladarse la familia a Madrid, Guridi ingresó en el Conservatorio; sin embargo, no les fue bien la economía a l@s progenitores, por lo que se movieron a Bilbao donde se asentaron gracias a la ayuda de l@s parientes; en Bilbao, aún se acordaban del organista Ledesma, bisabuelo de Guridi. Con sólo quince años ofreció su primer concierto público con obras suyas; con “Txalupan” para voz y piano se hizo merecedor del premio del concurso Plácido Allende. Gracias al mecenas, el Conde de Zubiría, pudo trasladarse a París e ingresar en la Schola Cantorum donde estudió piano, órgano, contrapunto y composición, a la vez que seguía elaborando sus trabajos de composición. Fue en París precisamente donde inició su amistad con el sacerdote y musicólogo Resurrección María de Azkue, amistad que duraría toda la vida. En 1906, tras terminar sus estudios en la Schola Cantorum,  se trasladan ambos a Bélgica para profundizar en los estudios de  órgano y de composición. Poco después coronaría sus estudios en Colonia y Munich. De vuelta a Bilbao, ya con 21 años, da a conocer sus nuevas obras gracias a la Sociedad Filarmónica, que suponen un éxito que le anima a seguir componiendo; se hace cargo, como director, de la Sociedad Coral de Bilbao, trabajo que compagina con el de organista en la Basílica (ahora, Catedral) de Santiago. En 1939 se traslada con su familia a Madrid como profesor de armonía y director del Conservatorio y donde escribe algunas de sus obras más relevantes. Toda su música está impregnada de la esencia de la música vasca y abarca todo tipo de géneros instrumentales y vocales: obras para piano y órgano, obras corales a capella y acompañadas, música de cámara y sinfónica, zarzuelas y óperas. De todas ellas, las más relevantes son las Diez Melodías Vascas, la zarzuela que hoy ofrecemos El  Caserío y la ópera Amaya. Murió en Madrid el 7 de Abril de 1961.

El caserío es una zarzuela de principios del siglo XX escrita por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, con música de Jesús Guridi. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 11 de noviembre de 1926. El caserío es una comedia lírica en tres actos de carácter costumbrista, donde se expone la vida en una aldea campesina vasca contemporánea. Buena parte de la música está inspirada en el folclore vasco. Es una de las composiciones más importantes de Guridi. Se localiza en la aldea imaginaria de Arrigorri, en Vizcaya. Se presentan de una forma estereotipada personajes típicos: el cura, el alcalde, el secretario, el indiano rico, la tabernera... Usan un habla característica, con acentos y giros propios del país. La versión que hoy presentamos está conducida por el maestro  José A. Irastorza (1961)


Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold Mozart,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivando todo tipo de géneros musicales. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años. 

La Misa de Coronación para órgano, coro, solistas y orquesta en do mayor (KV 317) es una obra de arte sacro del repertorio clasicista, compuesta por  Mozart. Parece ser que el sobrenombre de esta misa se debe a que se interpretó en Viena durante las celebraciones de la coronación del emperador Leopoldo II, en 1791, o la del emperador Francisco II, en 1792. Hoy ofrecemos su Agnus Dei que reaparecería años más tarde en el aria Dove sono de Las bodas de Fígaro.  El deseo de unidad y cohesión interna aparece explícito en el hecho de que Mozart haya empleado el mismo tema del Kyrie inicial para las palabras finales del texto litúrgico "Dona nobis pacem". La Misa está escrita para cuarteto vocal solista, coro, órgano y orquesta, dirigid@s tod@s ell@s por la eminente maestra francesa Laurence Equilbey (1962).

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold Mozart,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivando todo tipo de géneros musicales. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años. 

La Misa de Coronación para órgano, coro, solistas y orquesta en do mayor (KV 317) es una obra de arte sacro del repertorio clasicista, compuesta por  Mozart. Parece ser que el sobrenombre de esta misa se debe a que se interpretó en Viena durante las celebraciones de la coronación del emperador Leopoldo II, en 1791, o la del emperador Francisco II, en 1792. Hoy ofrecemos su Agnus Dei que reaparecería años más tarde en el aria Dove sono de Las bodas de Fígaro.  El deseo de unidad y cohesión interna aparece explícito en el hecho de que Mozart haya empleado el mismo tema del Kyrie inicial para las palabras finales del texto litúrgico "Dona nobis pacem". La Misa está escrita para cuarteto vocal solista, coro, órgano y orquesta, dirigid@s tod@s ell@s por la eminente maestra francesa Laurence Equilbey (1962).


Franz Schubert (1797-1828) Compositor austríaco que a pesar de morir a los 31 años dejó escritas más de 1.500 composiciones entre numerosas obras de piano y de música de cámara, 8 sinfonías, obras concertantes, música inidental, música sacra (entre otras, 7 Misas, 1 Oratorio y 1 Requiem), varios singspiel (pequeñas operetas), algo de ópera y más de 600 pequeñas obras vocales, fundamentalmente lieder (canciones). A los 11 años fue admitido como miembro del coro de la Capilla Imperial de Viena en la que tuvo como profesor a Salieri. En esa época lo que reportaba dinero era la ópera, género en el que nunca logró sobresalir a pesar de que escribió cuatro óperas en dicha etapa; así que se volcó en el lied componiendo entre 1815 y 1816 más de 150 lieder, entre los que hay que destacar su Ave María y el conjunto de lieder La Bella Molinera. A pesar de que en vida fuera admirado por un grupo cercano a él,  fueron Schumann y Mendelssohn quienes pusieron en el candelero el valor de sus obras.

La Sinfonía nº 3 la compone Schubert con 18 años y consta de cuatro movimientos: I Adagio maestoso-Allegro con brio; II Allegretto, que es el movimiento que hoy proponemos; III Menuetto. Vivace; IV Presto vivace. La ejecución corre a cargo de la Norwegian Chamber Orchestra a las órdenes de su primer violín (“concertino”) Florian Donderer.


Aram Khachaturian (1903-1978) fue un compositor armenio bajo el régimen soviético; a los 16 años se trasladó a Moscú ingresando en su  Conservatorio; estudia, entre otros, con Miaskovski y a los 22 años empieza a escribir sus primeras obras para piano y música de cámara; más tarde se adentrará en la producción de la música orquestal, música de teatro y cine (más de 40 obras entre ambos géneros), además de música de ballet en la que son de destacar el ballet Espartaco y el de Gayaneh, al que pertenece la archiconocida “Danza del sable”. A los 33 años empieza a publicar algunas de sus principales obras, como el Concierto para piano y orquesta, que le dan fama dentro y fuera de Rusia. Al igual que Prokofiev y Shostakovich, tuvo importantes desavenencias con el Partido, aunque tras la muerte de Stalin fue ampliamente reconocido entrando a formar parte del Soviet Supremo. En sus obras se deja sentir la música popular armenia, por la que siempre se sintió atraído. En Armenia es considerado como su principal compositor.

Masquerade, compuesta en 1941, es una suite de música incidental conformada por cinco movimientos, el primero de los cuales es el vals al que hoy podremos asistir bajo la batuta de Małgorzata Sapiecha-Muzioł directora polaca que ha conducido distintas orquestas de su país y obtenido importantes premios.

Aram Khachaturian (1903-1978) fue un compositor armenio bajo el régimen soviético; a los 16 años se trasladó a Moscú ingresando en su  Conservatorio; estudia, entre otros, con Miaskovski y a los 22 años empieza a escribir sus primeras obras para piano y música de cámara; más tarde se adentrará en la producción de la música orquestal, música de teatro y cine (más de 40 obras entre ambos géneros), además de música de ballet en la que son de destacar el ballet Espartaco y el de Gayaneh, al que pertenece la archiconocida “Danza del sable”. A los 33 años empieza a publicar algunas de sus principales obras, como el Concierto para piano y orquesta, que le dan fama dentro y fuera de Rusia. Al igual que Prokofiev y Shostakovich, tuvo importantes desavenencias con el Partido, aunque tras la muerte de Stalin fue ampliamente reconocido entrando a formar parte del Soviet Supremo. En sus obras se deja sentir la música popular armenia, por la que siempre se sintió atraído. En Armenia es considerado como su principal compositor.

Masquerade, compuesta en 1941, es una suite de música incidental conformada por cinco movimientos, el primero de los cuales es el vals al que hoy podremos asistir bajo la batuta de Małgorzata Sapiecha-Muzioł directora polaca que ha conducido distintas orquestas de su país y obtenido importantes premios.


Sugerencias de música clásica

Bingen Mendizabal (1962) es un músico vasco nacido en Vitoria-Gasteiz , compositor, sobre todo,  de bandas sonoras de películas. En 1969 ingresó en el Conservatorio Jesús Guridi de Vitoria-Gasteiz, donde estudió violín con Albina Madinabeitia y composición con Carmelo Bernaola, y también aprendió con Luis de Pablo y Antón García Abril. Amante de la música tradicional vasca y del folk irlandés, creó su propio grupo, Nahiko, y finalmente recaló unos años en el grupo Hertzainak hasta que éste se disolvió. Después de trabajar para otros músicos como Mikel Urdangarin, La Polla Records, Gorka Knörr, o los grupos de teatro Geroa o Teatro Paraíso, en 1989 compuso la música del cortometraje de Juanma Bajo Ulloa El reino de Víctor. En 1991 compuso la música de su primer largometraje, La madre muerta, con el que ganó un premio. Desde entonces ha trabajado para directores españoles e internacionales como Enrique Urbizu, Montxo Armendáriz, Imanol Uribe, Manuel Gutiérrez Aragón, Mariano Barroso, Manuel Gómez Pereira, Marcelo Piñeyro, Julian Temple, Betty Kaplan o Francisco J. Lombardi. En 2008 fue candidato al Goya a la mejor música original para El juego del ahorcado.

La Sinfonía Vitoria-Gasteiz es una obra encargo de La Fundacion Laboral San Prudencio por su 50 aniversario. La obra está inspirada en la música de la  composición que Beethoven dedicó a la Batalla de Vitoria, su opus 91 también conocida como La Victoria de Wellington en la que éste derrotaba a Napoleón precisamente en Vitoria. La Sinfonía Gasteiz consta de tres movimientos que describen, asimismo, el desarrollo de la ciudad... con el progreso que llega tras la batalla; la esperanza, tras la lucha. El vitoriano Bingen Mendizabal dice que es un regalo para la ciudad y que le gustaría que llegue al mayor número de personas posible y no se quede en un mero acto simbólico. Un regalo que tiene envoltorio alavés, ya que, además del compositor, la orquesta está formada por músicos de Gasteiz bajo la batuta del maestro también vitoriano afamado y apreciado internacionalmente Juanjo Mena. El director de orquesta destaca que son alaveses y vitorianos y que están haciendo lo que hay que hacer: sacar la base, la esencia de la cultura. Mena insiste en que son los que están aquí, los que han salido de esta ciudad y de esta geografía. La sinfonía Vitoria-Gasteiz se estrenó el 4 de abril en el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz.


François Devienne (1759-1803) fue un flautista, fagotista, compositor y maestro francés. Probablemente recibió su primera formación del organista Morizot en Joinville, y continuó su educación con su hermano mayor y padrino, François Memmie, en Deux Ponts (ahora Zweibrücken) desde 1776 hasta 1778. Dejó Deux Ponts el 15 de mayo de 1778 y fue deambulando por distintas orquestas. La primera aparición conocida en solitario de Devienne fue en la Orquesta del Concert Spirituel el 7 de abril de 1789, cuando tocó la parte de flauta en el estreno de su Sinfonía concertante nº 4. En otoño de 1790 se unió a la banda militar de la Guardia Nacional de París. En 1972, esta organización se convirtió oficialmente en la Escuela Libre de Música de la Guardia Nacional, en 1793 en el Instituto Nacional de Música y en 1795 en el Conservatorio de París. El famoso método de Devienne de la flauta con una llave se publicó en 1794; al año siguiente publicó El Nouvelle Méthode théorique et practique pour la flûte que se convirtió en el gran método de flauta de los siguientes años, hasta bien entrado el siglo XIX. Devienne fue un compositor prolífico con  más de 500 obras entre conciertos y sinfonías concertantes para vientos, himnos y canciones patrióticas y once óperas y ópera cómica, además de una gran variedad de combinaciones instrumentales.

La Sonata en un principio era una composición escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser cantada por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) se estabiliza su definición que se aplica a una composición para uno o dos instrumentos y que consta generalmente de tres movimientos (rápido-lento-rápido) a veces con una pequeña introducción. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) una exposición de los dos temas principales (normalmente dos temas contrastantes entre sí) b) desarrollo de los temas presentados y c) reexposición de los temas principales. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de la sonatas, tríos, cuartetos, sinfonías y conciertos. Hoy presentamos la Sonata nº 2 para clarinete y piano de Devienne con Lee Jina como solista.

François Devienne (1759-1803) fue un flautista, fagotista, compositor y maestro francés. Probablemente recibió su primera formación del organista Morizot en Joinville, y continuó su educación con su hermano mayor y padrino, François Memmie, en Deux Ponts (ahora Zweibrücken) desde 1776 hasta 1778. Dejó Deux Ponts el 15 de mayo de 1778 y fue deambulando por distintas orquestas. La primera aparición conocida en solitario de Devienne fue en la Orquesta del Concert Spirituel el 7 de abril de 1789, cuando tocó la parte de flauta en el estreno de su Sinfonía concertante nº 4. En otoño de 1790 se unió a la banda militar de la Guardia Nacional de París. En 1972, esta organización se convirtió oficialmente en la Escuela Libre de Música de la Guardia Nacional, en 1793 en el Instituto Nacional de Música y en 1795 en el Conservatorio de París. El famoso método de Devienne de la flauta con una llave se publicó en 1794; al año siguiente publicó El Nouvelle Méthode théorique et practique pour la flûte que se convirtió en el gran método de flauta de los siguientes años, hasta bien entrado el siglo XIX. Devienne fue un compositor prolífico con  más de 500 obras entre conciertos y sinfonías concertantes para vientos, himnos y canciones patrióticas y once óperas y ópera cómica, además de una gran variedad de combinaciones instrumentales.

La Sonata en un principio era una composición escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser cantada por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) se estabiliza su definición que se aplica a una composición para uno o dos instrumentos y que consta generalmente de tres movimientos (rápido-lento-rápido) a veces con una pequeña introducción. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) una exposición de los dos temas principales (normalmente dos temas contrastantes entre sí) b) desarrollo de los temas presentados y c) reexposición de los temas principales. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de la sonatas, tríos, cuartetos, sinfonías y conciertos. Hoy presentamos la Sonata nº 2 para clarinete y piano de Devienne con Lee Jina como solista.


El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue en sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir de los 14 años en que murió su madre; a consecuencia de ello y, también, de una homosexualidad reprimida, contrajo forzosamente un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; y así, a los tres años abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores.

La Marcha eslava es una composición orquestal escrita en honor de los soldados serbios (considerados por el pueblo ruso como hermanos) muertos por los invasores del ejército turco. Comienza, a modo de marcha fúnebre, describiendo la opresión sufrida, para lo cual utiliza distintos temas de canciones serbias; la segunda sección que comienza con una melodía de carácter campestre y sigue con el himno nacional ruso nos  describe la ayuda rusa a su pueblo hermano. La tercera sección hace mención al envío de soldados voluntarios rusos que combatirán para derrotar al tirano. César Iván Lara es una de las personalidades más relevantes surgidas del Sistema Venezolano de Orquestas Juveniles y actualmente, director titular de la Sinfónica Argentina de Mendoza y director asociado de la Sinfónica Simón Bolívar.


Silvestre Revueltas Sánchez (18991-1940) fue un compositor mexicano modernista de música sinfónica de la primera mitad del siglo XX, violinista y director de orquesta. Nombrado por  Carlos Chávez director asistente de la Orquesta Sinfónica de México, le costó dedicarse a la composición debido a su falta de autoestima y a que debido a sus ideas izquierdistas fue largamente arrinconado por la sociedad mexicana. Viajó a España en plena Guerra civil como apoyo personal al republicanismo y a su regreso escribe Sensemayá, obra que hoy presentamos. En la actualidad está considerado como uno de los compositores más influyentes de México, por el alcance y originalidad de su música de cámara y de ciertas obras que se han vuelto una parte muy importante del repertorio orquestal.

La noche de los mayas es una composición musical de Silvestre Revueltas escrita como banda sonora del film homónimo que tuvo dos arreglos posteriores: uno de Paul Hindemith y otro, el que hoy ofrecemos, de José Ives Limantour . El rodaje del filme La noche de los mayas, de Chano Urueta, se inició el 17 de febrero de 19394, con la extraordinaria música de Revueltas, la cual se convirtió en una de las obras orquestales más interpretadas del compositor. La Noche de los Mayas se estrenó el 7 de septiembre de 1939 en el Cine Alameda de la Ciudad de México. Tras la muerte de Revueltas, el compositor y violinista alemán Paul Hindemith, en un viaje a México para dirigir la Orquesta Sinfónica Nacional como director invitado, conoció a Rosaura Revueltas, hermana de Silvestre. Fascinado por la música de La noche de los mayas, hizo el primer arreglo musical, al organizar una selección del material original en una suite en dos movimientos. La versión actual y más conocida de La noche de los mayas es la recopilación realizada por José Ives Limantour, efectuada 20 años después de la muerte del compositor. Limantour la adaptó en forma de sinfonía alemana, enriqueciéndola en gran medida con partes que no están en la partitura de la música para el filme. Esta versión es una de las sinfonías de autor mexicano más interpretada. Las percusiones incluyen instrumentos prehispánicos. La sinfonía arreglada por Limantour consta de los siguientes movimientos: I Noche de los mayas, molto sostenuto. II Noche de jaranas, scherzo. III Noche de Yucatán, andante espressivo. IV Noche de encantamiento, tema y variaciones.

Silvestre Revueltas Sánchez (18991-1940) fue un compositor mexicano modernista de música sinfónica de la primera mitad del siglo XX, violinista y director de orquesta. Nombrado por  Carlos Chávez director asistente de la Orquesta Sinfónica de México, le costó dedicarse a la composición debido a su falta de autoestima y a que debido a sus ideas izquierdistas fue largamente arrinconado por la sociedad mexicana. Viajó a España en plena Guerra civil como apoyo personal al republicanismo y a su regreso escribe Sensemayá, obra que hoy presentamos. En la actualidad está considerado como uno de los compositores más influyentes de México, por el alcance y originalidad de su música de cámara y de ciertas obras que se han vuelto una parte muy importante del repertorio orquestal.

La noche de los mayas es una composición musical de Silvestre Revueltas escrita como banda sonora del film homónimo que tuvo dos arreglos posteriores: uno de Paul Hindemith y otro, el que hoy ofrecemos, de José Ives Limantour . El rodaje del filme La noche de los mayas, de Chano Urueta, se inició el 17 de febrero de 19394, con la extraordinaria música de Revueltas, la cual se convirtió en una de las obras orquestales más interpretadas del compositor. La Noche de los Mayas se estrenó el 7 de septiembre de 1939 en el Cine Alameda de la Ciudad de México. Tras la muerte de Revueltas, el compositor y violinista alemán Paul Hindemith, en un viaje a México para dirigir la Orquesta Sinfónica Nacional como director invitado, conoció a Rosaura Revueltas, hermana de Silvestre. Fascinado por la música de La noche de los mayas, hizo el primer arreglo musical, al organizar una selección del material original en una suite en dos movimientos. La versión actual y más conocida de La noche de los mayas es la recopilación realizada por José Ives Limantour, efectuada 20 años después de la muerte del compositor. Limantour la adaptó en forma de sinfonía alemana, enriqueciéndola en gran medida con partes que no están en la partitura de la música para el filme. Esta versión es una de las sinfonías de autor mexicano más interpretada. Las percusiones incluyen instrumentos prehispánicos. La sinfonía arreglada por Limantour consta de los siguientes movimientos: I Noche de los mayas, molto sostenuto. II Noche de jaranas, scherzo. III Noche de Yucatán, andante espressivo. IV Noche de encantamiento, tema y variaciones. La versión de hoy está conducida por Alondra de la Parra (1980), directora de orquesta mexicana de fama internacional que en la actualidad es titular de la Orquesta Sinfónica de Queensland; ha sido la primera mujer en Australia que ejerza un cargo de esta entidad.


Sugerencias de música para todos los gustos

Mariano San Miguel Urcelay (1879–1935) fue un compositor, clarinetista y director de Banda de Música nacido en Oñati, Gipuzkoa. Su primer profesor de solfeo, y luego de clarinete, fue su padre músico; formó parte en distintas bandas de música castrenses; de niño ya formaba en las agrupaciones de música del profesor Piedrahita y del Batallón de las Navas en Vitoria-Gasteiz. En 1900 pasó a formar parte, por oposición, de la Banda del Real Cuerpo de Alabarderos de Madrid, siendo clarinete principal. También en la villa madrileña en un tiempo fue solista en el Teatro Real y segundo solista de la Real Capilla; también fue primer clarinete en la Sociedad de Conciertos de Madrid. Fundador en 1916 de la revista Harmonía, dedicada a la publicación de obras para banda y profesorado, retornó a Vitoria-Gasteiz su patria adoptiva. Profesor de música y de clarinete, armonizó obras especialmente para banda. Escribió el pasacalle dedicado al personaje mitológico Celedón, que hoy podemos visionar, y que fue estrenado en Vitoria-Gasteiz en 1918 por la Banda Municipal de Música de Vitoria dirigida por José Gregorio Escoriaza. Una calle en Vitoria-Gasteiz lleva su nombre desde el 8 de junio de 1960; años más tarde en la calle Olaguibel, donde vivió y falleció, el Ayuntamiento de la ciudad colocó una placa en su recuerdo en la fecha de 1 diciembre de 1968, en el cincuentenario del estreno de su popular pasacalle Celedón.

Celedón es el personaje cuya llegada, bajando del cielo con un paraguas, abre las fiestas patronales de Vitoria-Gasteiz. Sus fiestas se celebran en honor de la Virgen Blanca (Andre Mari Zuria), cuya festividad se conmemora el 5 de agosto. Los festejos comienzan un día antes con la Bajada de Celedón, que se realiza en la Plaza de la Virgen Blanca ante una gran multitud que recibe al personaje encendiendo puros y abriendo botellas de champán. Desde lo alto de la torre de la Iglesia de San Miguel, a las seis de la tarde, después de tirar el chupinazo, baja Celedón y llega a un balcón del que sale, ya convertido en humano, para pasar en esta ocasión caminando entre la multitud. De ahí se dirige hasta la balconada de la Iglesia desde donde da un discurso alentando a todo el mundo a la diversión e inaugurando de esta forma las fiestas de la Virgen Blanca. Posteriormente en la noche del 9 al 10 de agosto abandona la ciudad volando hacia el cielo vitoriano despidiéndose hasta el siguiente año.


Beyoncé (1981) Es una actriz, compositora y cantante estadounidense que se hizo famosa como cantante del grupo femenino Destiny's Child, uno de los grupos femeninos de la historia que más discos ha vendido. Tras separase del grupo, comienza una nueva etapa en la que se autodenomina feminista contemporánea y en sus canciones nos habla de amor, de sexualidad y del empoderamiento de la mujer. Como cantante solista hizo su debut con el álbum titulado  Dangerously in Love  por su canción homónima con el que ganó cinco premios Grammy. En 2010 su tercer álbum I Am...Sasha Fierce recibe seis premios Grammy. En 2016 su álbum Lemonade es el más vendido en todo el mundo. A lo largo de su carrera de 20 años ha conseguido 24 premios Grammy y actualmente está considerada como una de las mejores cantantes de la música popular.

Beyoncé (1981) Es una actriz, compositora y cantante estadounidense que se hizo famosa como cantante del grupo femenino Destiny's Child, uno de los grupos femeninos de la historia que más discos ha vendido. Tras separase del grupo, comienza una nueva etapa en la que se autodenomina feminista contemporánea y en sus canciones nos habla de amor, de sexualidad y del empoderamiento de la mujer. Como cantante solista hizo su debut con el álbum titulado  Dangerously in Love  por su canción homónima con el que ganó cinco premios Grammy. En 2010 su tercer álbum I Am...Sasha Fierce recibe seis premios Grammy. En 2016 su álbum Lemonade es el más vendido en todo el mundo. A lo largo de su carrera de 20 años ha conseguido 24 premios Grammy y actualmente está considerada como una de las mejores cantantes de la música popular.


Oscar Peterson (1925-2007) fue un pianista canadiense de jazz. Su estilo, formado durante los años cuarenta como en el caso de otros pianistas como Erroll Garner y George Shearing, oscila entre el swing y el bop, y se engloba dentro de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Seguidor de Art Tatum, se trata de un pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Son elogiadas tanto sus interpretaciones en grupos pequeños como acompañando a cantantes, aunque sus mejores momentos sean como solista.

Aunque subestimado, Peterson es también compositor. Por ejemplo, escribió y grabó la afamada Canadiana Suite en 1964. Varias de sus propias obras las ha grabado con piano eléctrico. Excepcionalmente vocalista, su voz recuerda mucho a la de Nat King Cole.


Helene Fischer (1984), cuyo nombre al nacer era Елена Петровна Фишер (Jelena Petrovna Fischer), es una cantante alemana nacida en la Unión Soviética. Desde su debut en 2005, ha ganado numerosos premios, entre ellos ocho premios Echo, cuatro premios Die Krone der Volksmusik y el premio Bambi. Según su registro de certificaciones ha vendido al menos 9.115.000 de discos. En junio de 2014, Farbenspiel, su álbum multiplatino de 2013, se convirtió en el álbum más descargado de un artista alemán de todos los tiempos.

Helene Fischer (1984), cuyo nombre al nacer era Елена Петровна Фишер (Jelena Petrovna Fischer), es una cantante alemana nacida en la Unión Soviética. Desde su debut en 2005, ha ganado numerosos premios, entre ellos ocho premios Echo, cuatro premios Die Krone der Volksmusik y el premio Bambi. Según su registro de certificaciones ha vendido al menos 9.115.000 de discos. En junio de 2014, Farbenspiel, su álbum multiplatino de 2013, se convirtió en el álbum más descargado de un artista alemán de todos los tiempos.


Sugerencias de videos peculiares

Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia, considerado como uno de los compositores mas eminentes del posromanticismo. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el  lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; a ello hay que añadir la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado y la larga duración de sus sinfonías; si a esto añadimos que tuvo enfrente a determinada prensa antisemita debido a sus orígenes judíos, no es de extrañar que sus composiciones no tuvieran el éxito merecido en vida.

Death of the Rose. Por primera vez, después de décadas de prohibición, la compañía de ballet líder de la Unión Soviética invitó a un coreógrafo extranjero: Roland Petit (1924-2011) de Francia. Admirador de nuestra protagonista de hoy, Maya Plisetskaya (nacida en 1925), primera bailarina del Teatro Bolshoi, Petit llevó al escenario de Moscú para ella un fragmento de su ballet La Rose Malade con música de Mahler. Petit convirtió el dúo de los dos héroes, Rose y Youth, en una obra independiente, Death of the Rose. El papel de la juventud fue interpretado por el solista del Bolshoi Alexander Godunov (1949-1995)., quien en 1971 se convirtió en solista del Teatro Bolshoi.


Las danzas en Bulgaria. Las danzas búlgaras se distinguen por sus ritmos sutiles y su intrincado juego de pies. En algunos bailes, los bailarines repiten el mismo patrón de pasos a lo largo del baile, mientras que en otros bailes con varios pasos diferentes, el líder anuncia los cambios de los pasos a su discreción. Aún así, otros tienen un paso básico que los bailarines individuales pueden embellecer en puntos específicos con variaciones como estampas y palmadas. En los bailes en los que la fila se mueve hacia la derecha o hacia la izquierda, el bailarín que encabeza la fila es el "líder". Es su responsabilidad liderar la línea para que no choque con otras líneas. Los nuevos bailarines que se unen a una línea de baile se unen al final; es de mala educación unirse a la cabeza de la fila, delante del líder.

Ensemble Bulgare Es el conjunto folklórico profesional privado más grande de Bulgaria. Desde su creación en 2002 ha realizado giras por 24 países con cerca de 2500 actuaciones. Hoy nos ofrecen una selección del espectáculo Esto es Bulgaria.

 

Las danzas en Bulgaria. Las danzas búlgaras se distinguen por sus ritmos sutiles y su intrincado juego de pies. En algunos bailes, los bailarines repiten el mismo patrón de pasos a lo largo del baile, mientras que en otros bailes con varios pasos diferentes, el líder anuncia los cambios de los pasos a su discreción. Aún así, otros tienen un paso básico que los bailarines individuales pueden embellecer en puntos específicos con variaciones como estampas y palmadas. En los bailes en los que la fila se mueve hacia la derecha o hacia la izquierda, el bailarín que encabeza la fila es el "líder". Es su responsabilidad liderar la línea para que no choque con otras líneas. Los nuevos bailarines que se unen a una línea de baile se unen al final; es de mala educación unirse a la cabeza de la fila, delante del líder.

Ensemble Bulgare Es el conjunto folklórico profesional privado más grande de Bulgaria. Desde su creación en 2002 ha realizado giras por 24 países con cerca de 2500 actuaciones. Hoy nos ofrecen una selección del espectáculo Esto es Bulgaria.

 


La Danza persa o danza iraní se refiere a los estilos de danza autóctona de Irán. Los géneros de danza en Irán varían según el área, la cultura y el idioma de la población local, que incluye muchas etnias, como kurdos, azeríes, turcomanos, judíos, armenios, georgianos, además de numerosos grupos tribales iraníes que se pueden encontrar dentro de las fronteras del Irán actual. La antigua Persia fue ocupada por potencias extranjeras: primero los griegos, luego árabes y luego mongoles y, a su vez, se produjeron inestabilidades políticas y guerras civiles. A lo largo de estos cambios, hubo una lenta desaparición de las tradiciones de danza patrimonial. Después de la caída del Imperio Persa, cuando el país fue destruido, las mujeres y jovencitas iraníes fueron esclavizadas por los nuevos conquistadores, a menudo obligadas a la esclavitud sexual y obligadas a bailar eróticamente para los nuevos gobernantes. La prohibición religiosa del baile en Irán se produjo con la expansión del Islam, pero fue estimulada por los acontecimientos históricos. Como resultado, muchos de los talentosos bailarines persas se mudaron a Occidente y se extendieron principalmente por Europa y USA, y la nueva generación de bailarines y artistas de ballet iraníes creció en la diáspora. Irán posee cuatro categorías de baile y estos géneros son; danzas de cadena o de línea, danza de improvisación individual, bailes de guerra o de combate y bailes rituales o espirituales. Los bailes en línea o de cadena a menudo se nombran por la región o los grupos étnicos con los que están asociados. Las danzas de improvisación utilizan movimientos delicados y elegantes de las manos y los brazos, como los círculos de la muñeca. Las danzas de guerra o combate imitan el combate o ayudan a entrenar al guerrero. Los bailes rituales o espirituales, a menudo consisten en un ritual de curación que involucra trance, música y movimiento que se realiza para librar a una persona poseída por un espíritu y parece ser un estado similar al de un exorcismo.

Ghajar es un homenaje a la historia de la danza persa (hoy Irán) y a las danzas folklóricas que formaban parte de la vida nómada de los persas.


Eusko irudiak (Cuadros vascos) es un conjunto de tres estampas del gasteiztarra Guridi cuya acción se desarrolla en el puerto pesquero de Ondarroa, Bizkaia. El primer cuadro nos describe la vida en el puerto: mientras las mujeres están cosiendo las redes, los hombres embarcan en sus barcos mientras se oye el Boga boga. En el segundo cuadro aparece la tormenta  con la inquietud que ella produce. En el tercer cuadro, que es el que hoy podemos visionar, los marineros van llegando sanos y salvos, mientras agradecen al Altísimo el evento y celebran efusivamente la fiesta, terminando la obra con la canción con la que comenzó, el Boga boga que nos recuerda de nuevo la ubicación de Ondarroa.

El vídeo se complementa con el pasacalles Celedón de Mariano San Miguel, definitorio de las fiestas de Vitoria-Gasteiz. Los protagonistas del vídeo han sido la Coral Manuel Iradier, la Municipal de Gasteiz y la Academia Municipal de Folklore.

Eusko irudiak (Cuadros vascos) es un conjunto de tres estampas del gasteiztarra Guridi cuya acción se desarrolla en el puerto pesquero de Ondarroa, Bizkaia. El primer cuadro nos describe la vida en el puerto: mientras las mujeres están cosiendo las redes, los hombres embarcan en sus barcos mientras se oye el Boga boga. En el segundo cuadro aparece la tormenta  con la inquietud que ella produce. En el tercer cuadro, que es el que hoy podemos visionar, los marineros van llegando sanos y salvos, mientras agradecen al Altísimo el evento y celebran efusivamente la fiesta, terminando la obra con la canción con la que comenzó, el Boga boga que nos recuerda de nuevo la ubicación de Ondarroa.

El vídeo se complementa con el pasacalles Celedón de Mariano San Miguel, definitorio de las fiestas de Vitoria-Gasteiz. Los protagonistas del vídeo han sido la Coral Manuel Iradier, la Municipal de Gasteiz y la Academia Municipal de Folklore.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.