El 16 de Noviembre 2010 el Flamenco fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco. Desde entonces anualmente se celebra el día 16 de Noviembre, Día Internacional del Flamenco.
Sugerencias de iniciación a la música clásica
El Flamenco es una expresión musical propia de Andalucía y algo de las regiones limítrofes como son Extremadura y Murcia. Su origen parece que se debe a una mezcla de la cultura popular andaluza con las expresiones del pueblo gitano, además de detalles de los romances castellanos, de la música morisca y de los cantos sefardíes; podemos decir que en el siglo XVIII ya se ejecutaba el flamenco que, sin embargo, ha ido evolucionando hasta nuestros días y que lo sigue haciendo como cualquier ser vivo. Sus tres facetas principales son el cante (la acción de cantar que desarrolla el cantaor o cantaora), el toque (propio de l@s tocaor@s de guitarra) y el baile (característico de l@s bailaor@s).
El cante del flamenco tiene distintas variedades (más de 50), que se llaman palos, con estructuras armónicas y rítmicas propias y diferenciadas. De ellos, quizá el más antiguo sea el fandango y, dentro de ellos, los más conocidos sean los fandangos de Huelva y los fandangos de Málaga; están además, la soleá o soleares (quizá el más purista), las bulerías (palo juerguista por antonomasia), alegrías (haciendo honor a su nombre), los tangos (propio de alegres celebraciones), las seguiriyas (tristes y profundos), sevillanas (las más conocidos y populares), peteneras, granaínas, saetas, martinetes, tientos, rumbas, cantiñas, etc, etc , etc. Las palmas se utilizan como acompañamiento rítmico del cante y baile del flamenco acentuando el comienzo o final de la frase musical.
Hoy presentamos un álbum con “50 grandes cantes de los mejores cantaores flamencos. Toda una joya del arte flamenco” como dice el comentario el pie del vídeo.
François Devienne (1759-1803) fue un flautista, fagotista, compositor y maestro francés. La primera aparición conocida en solitario de Devienne fue con la Orquesta del Concert Spirituel el 7 de abril de 1789. Al año siguiente se unió a la banda militar de la Guardia Nacional de París. En 1792 esta organización se convirtió oficialmente en la Escuela Libre de Música de la Guardia Nacional, en el Instituto Nacional de Música en 1793 y en el Conservatorio de París en 1795. Fue un compositor prolífico con más de 500 obras entre, sinfonías concertantes, canciones y once óperas, además de una gran variedad de combinaciones instrumentales: sonatas para flauta y bajo, dúos para flauta (con acompañamiento de teclado o no), tríos, cuartetos...
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura en tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo, sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales.
Hoy ofrecemos el III Movimiento de su Concierto para flauta nº 7 con Philippe Bernold como solista y conductor de la Joven Orquesta Simón Bolívar.
Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor y pianista noruego, considerado como uno de los principales representantes del romanticismo musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano; más tarde, conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de su madre. Grieg adaptó muchos temas y canciones del folclore de su país, contribuyendo así a crear una identidad nacional noruega, al igual que hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Antonín Dvořák en Bohemia. Sus obras más importantes son: el Concierto para piano en la menor, las intimistas Piezas líricas (para piano), la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas) y, especialmente, Peer Gynt, música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama homónimo.
Catálogo de las obras de Grieg. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
Peer Gynt Opus 23 es un ballet en dos actos de Edvard Grieg para la obra Peer Gynt del dramaturgo noruego Henrik Ibsen. Aunque entre el gran público se han hecho más famosas las dos suites que el propio autor escribió.
Hoy, en versión concierto y bajo la batuta de la maestra rusa Maria Eklund, ofrecemos dos números de dicha obra: La Mañana y la Danza de Anitra. En el primer número de éstos Grieg nos retrata la salida del sol durante el Acto IV, Escena 4, en la cual el héroe epónimo se encuentra extraviado en el desierto marroquí después de que sus compañeros se llevaron su yate y lo abandonaran mientras dormía. Mientras en el segundo número que hoy presentamos, la Danza de Anitra, Peer Gynt es seducido por la bella bailarina Anitra.
Richard Galliano (Cannes 1950) es un compositor musical y acordeonista franco-italiano de jazz. Comenzó tocando el piano y el acordeón con su padre, Lucien Galliano, un italiano asentado en Niza. Después amplió sus estudios con el profesor Claude Noël, que le introdujo en el mundo del jazz. Siguió sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, dirigido entonces por el organista Pedro Cochereau. Allí tomó clases de contrapunto, armonía y trombón. En 1983, Astor Piazzolla invita a Richard Galliano como primer solista de bandoneón en una comedia francesa con música del mismo Piazzolla. Este fue el principio de una gran amistad entre los dos músicos, que duró hasta la muerte de Piazzolla en 1992.
El acordeón es un instrumento musical armónico de viento, constituido por un fuelle, un diapasón y dos cajas armónicas de madera. En sus dos extremos el fuelle está cerrado por las cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene además un diapasón con una disposición de teclas que pueden ser como el de un piano (acordeón a piano) o teclas redondas (también llamadas botones); la parte de la mano izquierda tiene botones en ambos tipos de acordeón para tocar los bajos y los acordes de acompañamiento.
Hoy la acordeonista gipuzkoana Idoia Laburu nos ofrece la pequeña composición de Galiano, Fou rire.
Sugerencias de música clásica
Christoph Graupner (1683 - 1760) fue un prolífico compositor alemán, célebre por la excelente caligrafía de sus autógrafos y copias. Graupner concluye sus estudios en Leipzig con Johann Kuhnau (1660-1722), predecesor de Bach en la iglesia de Santo Tomás. En 1705 ocupó el puesto de clavecinista en la orquesta de la Ópera de Hamburgo, en la que Händel era violinista. En 1709 aceptó un puesto en la corte de Hesse-Darmstadt, llegando a ser en 1711 director de orquesta y compositor de la misma. Graupner fue uno de los más estimados compositores de su tiempo, al igual que sus contemporáneos Händel, Telemann y Bach. Era un hombre vivaz, apasionado, culto y de gran experiencia profesional, lo que dotaba a sus composiciones de un nivel destacado de invención y originalidad.
Sus obras vienen catalogadas con las iniciales GWV (Graupner Werke-Verzeichnis); Werke en alemán significa "obra" y Verzeichnis, "catálogo".
El fagot es un instrumento de viento madera provisto de lengüeta doble. Está formado por un tubo ligeramente cónico doblado sobre sí mismo, con una longitud de 155 cm aproximadamente, y distancia total del taladro de 250 cm. Fue desarrollado a principios del siglo XVIII y alcanzó su forma actual en el XIX. El fagot debe su existencia a la necesidad musical de ampliar la región grave del sonido del viento madera. Los instrumentos de su familia son el fagotino y el contrafagot, además de los instrumentos de la familia del oboe y del heckelfón, por ser éstos también instrumentos de tubo cónico en los que el sonido se produce mediante una lengüeta doble. En las orquestas modernas se suele disponer de dos a cuatro fagotes para que haya un contrafagot cuando sea necesario.
Hoy ofrecemos el Concierto para fagot en Sol mayor, GWV 328 de Christoph Graupner en interpretación del fagotista Everardo Gastélum acompañado por la Orquesta de Cámara de la Universidad Michoacana conducida por el maestro Ludwig Carrasco; concierto articulado en tres movimientos: I (0´24´´) ALLEGRO.-. II (4´43´´) LARGO .-. III (6´53´´) ALLEGRO.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronológico de su creación y que es realmente válido atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas. para la mayoría de las obras aunque aparecen algunas obras de otros autores.
El Concierto para piano n.º 21 en do mayor, K. 467, de Wolfgang Amadeus Mozart fue completado el 9 de marzo de 1785 y estrenado un día después en el Teatro de la Corte Imperial y Real de Viena, en un concierto promocionado por el mismo Mozart. Es éste es uno de los conciertos para piano más populares del compositor; concierto estructurado en tres movimientos: PRIMER MOVIMIENTO (0´42´´) ALLEGRO MAESTOSO con una cadenza (12´37´´) al final del mismo. SEGUNDO MOVIMIENTO (15´08´´) ANDANTE .-. TERCER MOVIMIENTO (22´05´´) ALLEGRO VIVACE ASSAI también con su propia cadenza (27´41´´).
La versión de hoy nos la ofrece la pianista coreana Yeol Eum Son.
Zoltán Kodály (1882-1967) fue un compositor húngaro comprometido con el folklore de su país (coleccionó más de 100.000 canciones populares) y con la pedagogía musical. Comenzó sus estudios en Galánta y más tarde en Budapest. En 1907 conoce a Debussy cuya música le impacta hondamente. Trabajó conjunta y profundamente con Béla Bártok, quienes pusieron los fundamentos de lo que hoy conocemos como Etnomusicología Musical. Como compositor, utiliza con asiduidad tanto las melodías como las escalas populares, dando relevancia a sus obras corales. Como pedagogo, marca un hito en la historia y su Método Kodaly, en el que la voz es el instrumento principal, aún tiene vigencia.
Psalmus Hungaricus , op. 13, es una obra coral para tenor, coro y orquesta, compuesta por Zoltán Kodály en 1923. Fue encargada para el concierto conmemorativo que se celebró con ocasión del quincuagésimo aniversario de la unificación de Buda, Pest y Óbuda el 19 de noviembre de 1923, donde fue interpretada en compañía de la Suite de danzas de Béla Bartók y una Apertura solemne de Erno Dohnányi , quien dirigió el concierto. La primera ejecución de la obra fuera de Hungría tuvo lugar en Zúrich , bajo la dirección de Marc Andreae, el 18 de junio de 1926. Este hecho marcó un punto de inflexión en el reconocimiento internacional de Kodály como compositor, aparte de su fama como etnomusicólogo y pedagogo musical.
El texto se basa en la glosa del Salmo 55, "Escucha, oh Dios, mi oración", escrita por Mihály Vég, poeta, predicador y traductor del siglo XVI. Kodály eligió un texto sacro para una celebración secular; los pasajes de desesperación y llamada a Dios contenidos en el libreto le proporcionaron el medio para referirse al trágico pasado inmediato y al desastroso presente de Hungría. La música refleja la crisis nacional durante y después de la primera Guerra Mundial (la disolución de la Gran Hungría) y propone un paralelismo entre las penas del Rey David y los sufrimientos de los magiares en la Hungría otomana.
La versión de hoy nos la ofrecen el tenor István Kovácsházi con la Internationale Chorakademie Lübeck y la Frankfurt Radio Symphony dirigid@s tod@s ell@s por el maestro húgaro Peter Eötvös.
Manuel de Falla (1876-1946), nacido en Cádiz, fue un compositor del nacionalismo español y uno de los compositores españoles más célebres del siglo pasado. Desde niño estudió piano con su madre, mientras su nodriza le cantaba canciones que recordaría toda su vida. En su juventud barajaba entre dedicarse al periodismo y literatura o a la música, por la que se decidió tras asistir a un concierto de obras de Grieg. Hacia finales de 1896, se estableció en Madrid en cuyo Conservatorio se matriculó en calidad de alumno libre. Al año siguiente superó, con altas calificaciones, el equivalente a tres años de solfeo y cinco de piano. En 1899 terminó los estudios oficiales en el Conservatorio y obtuvo, por unanimidad, el primer premio de piano de dicho centro. En 1901 conoció a Felipe Pedrell, quien fue una notable influencia en su posterior carrera ya que despertó en él el interés por el flamenco y, en especial, por el cante jondo. Los años de estudio en la capital española culminaron con la composición, en 1904, de la ópera La vida breve, en colaboración con Carlos Fernández Shaw, que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando al año siguiente. A los pocos años se trasladó a París donde empezó ganándose la vida como pianista y director de una pequeña compañía de pantomima y donde entabló amistad con las primeras figuras musicales del momento. Sin embargo, tras el inicio de la Primera Guerra Mundial, Falla tuvo que regresar a España y fijó su residencia de nuevo en Madrid, aunque tras la muerte de sus padres, decidió viajar en septiembre de 1919 a Granada con su hermana María del Carmen; allí conoció al poeta Federico García Lorca y allí fijó su residencia. El 28 de septiembre de 1939, un poco después de la Guerra Civil Española, se exilió en Argentina, a pesar de los intentos del gobierno del dictador Franco, que le ofrecía una pensión si regresaba a España. Falleció el 14 de noviembre de 1946 tras sufrir un paro cardiorrespiratorio.
El amor brujo es una obra de ballet con cante jondo con 13 escenas, considerada como una de las obras más relevantes de la música española. El Amor Brujo (1915-1925) fue concebido en primera instancia como ballet, Gitanería en un acto y dos cuadros, escrita y dedicada a la bailaora y cantaora Pastora Imperio; y es posiblemente la obra más conocida de Manuel de Falla. Empezó a componerse en 1914 y el 15 de abril de 1915 tarde tuvo lugar el estreno absoluto de la obra en el Teatro Lara de Madrid. A partir de este momento, se realizan varias versiones de la obra en los siguientes diez años hasta terminar en 1925 con la versión definitiva para orquesta sinfónica. El libreto fue escrito por María de la O Lejárraga García. La obra presenta una gran carga de carácter popular, en su gran mayoría tomado del repertorio previo de Pastora Imperio. Presentando así, una obra sumergida en elementos musicales y literarios con origen en la música y literatura gitana andaluza. Manuel de Falla remodeló El amor Brujo un total de once veces. La idea original de esta pieza se fue desfigurando, y tanto la música como la plantilla instrumental fueron cambiando durante el proceso de remodelación. La obra pasa de estar compuesta por unas pocas canciones hasta convertirse en una producción similar a una zarzuela en un acto del «género chico». La trama se resume en: una gitana enamorada y no demasiado bien correspondida acude a sus artes de magia, hechicería o brujería, como quiera llamarse, para ablandar el corazón del ingrato, y lo logra, después de una noche de encantamientos, conjuros, recitaciones misteriosas y danzas más o menos rituales, a la hora del amanecer cuando la aurora despierta al amor que, ignorándose a sí mismo, dormitaba; cuando las campanas proclaman su triunfo exaltadamente.
Hoy ofrecemos la obra en versión concierto ejecutada por la cantaora y bailaora Joana Jiménez Jumilla acompañada por la Orquesta Sinfónica de la UCAM bajo la batuta del maestro Alejandro Curzio Candelas.
Sugerencias de música para todos los gustos
Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras; posteriormente colaboró con Fosforito y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Grabó 38 discos, realizó exitosas giras por Europa, América y Japón y recibió numerosos e importantes galardones.
Ella Fitzgerald (1917-1996) considerada como la cantante más importante e influyente de toda la historia del jazz y conocida como la Reina del jazz, fue una cantante estadounidense de jazz, aunque en su repertorio incluía canciones de góspel, blues, swing, bossa nova, pop, canciones navideñas, etc., etc.; era poseedora de una tesitura vocal de tres octavas, una clara y precisa vocalización y una formidable capacidad de improvisación. En los años cincuenta sentó cátedra con su concepción de la canción melódica, en paralelo a la obra de Frank Sinatra, con sus versiones de los temas de los grandes compositores de la canción popular estadounidense. Ganó catorce premios Grammy, incluyendo el Grammy a toda su carrera, y fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes de USA.
Louis Armstrong (1901-1971), también conocido como Satchmo o Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular, transformando el jazz desde su condición inicial de música de baile, en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.
Julieta Venegas Percevault (California, 1970- ) es una cantante, compositora, multinstrumentista y activista mexicana. A lo largo de su carrera ha ganado un Premio Grammy, nueve Grammy Latinos, siete Premios MTV, siete Broadcast Music Inc, ocho VEVO Certified, tres Premios Oye!, y dos Billboard Music Award. También le han sido otorgados los prestigiosos reconocimientos «Master Of Latin Music Award Berklee College» por su trayectoria, y un «Musa Awards Elena Casals» en homenaje a sus contribuciones como compositora. Ejecuta 15 instrumentos, pero toca principalmente el piano, la guitarra y su característico acordeón, habiendo realizado múltiples colaboraciones con artistas latinos, en dúos y composiciones y realizado la banda sonora de decenas de películas.
En 2009, fue nombrada como «Embajadora de la Buena Voluntad» por la UNICEF en México y en 2011, Embajadora Cultural de Buena Voluntad por el Consejo de Ministras de Las Mujeres de Centroamérica (COMMCA).
Mina, Anna Maria Mazzini, más conocida por su nombre artístico Mina, es una cantante, actriz y productora musical italiana nacionalizada suiza. Personalidad preeminente de la música pop italiana, apodada "La Tigresa de Cremona", es considerada una de las más grandes intérpretes musicales del siglo XX. Es conocida por la calidad de su voz y por haber sido protagonista en los años sesenta y setenta en numerosos programas de televisión emitidos por la RAI. Con más de 150 millones de álbumes vendidos, es la artista musical más exitosa de la historia italiana. Durante su carrera, que comenzó a fines de la década de 1950 Mina ha grabado más de 1.500 canciones, recibiendo numerosos premios y reconocimientos e influyendo a multitud de artistas en todo el mundo.
Sugerencias de videos peculiares
Charles Gounod (1818-1893) fue un compositor francés conocido por el gran público por su Ave Maria, basada en un preludio de Bach. Nació en París y sus primeras clases las recibió de su madre hasta matricularse en el Conservatorio. Fue un compositor muy prolífico tanto con obras sacras como profanas; entre todas, su ópera Faust merece una consideración especial. Su influencia en otros compositores franceses como Bizet, Saint-Saëns y Jules Massenet es indudable. Hasta el propio Debussy llegó a declararlo «necesario» en cuanto a que su estética representó para aquella generación de franceses un poderoso contrapeso ante el avasallador empuje wagneriano.
Faust es una grand opéra en cinco actos con música de Charles Gounod y libreto en francés de Jules Barbier y Michel Carré, versión de la leyenda de Fausto de Goethe.
Walpurgisnacht Ballet es un ballet realizado por el cofundador y coreógrafo fundador del New York City Ballet, George Balanchine, para una producción del Fausto de Gounod en París. Walpurgisnacht se encuentra al comienzo del último acto de Fausto. Mefistófeles muestra a Fausto la celebración popular antes del Primero de Mayo , cuando las almas de los muertos son liberadas brevemente para vagar como quieran. El ballet no representa directamente la Noche de Walpurgis , sino que se basa en la expresión de una sensación de alegría.
Argia Dantza Taldea es un grupo donostiarra de danzas vascas conformado por unos 45 componentes dirigidos por Juan Antonio Urbeltz (1940); tiene recogidas “in situ” abundantes danzas del País Vasco agrupadas en ciclos en los que ha primado la autenticidad de las versiones tanto coreográficas como musicales e instrumentales, e incluso de vestuario. En el Festival Internacional de Folklore de Middlesbrough (Inglaterra) de 1968 obtuvo el primer premio de danzas entre 28 grupos de 22 naciones. En 1998, la Fundación Alfred Toepfer de Hamburgo le otorga el Premio Europeo para el Arte Popular. En 2003 presenta el espectáculo Pas de Basque anclado en la tradición vasca, pero con una dinámica contemporánea; hoy ofrecemos parte de este espectáculo.
La chacarera es un ritmo y danza tradicional de Argentina, principalmente de la provincia de Santiago del Estero, que también se practica al sur de Bolivia, sobre todo el departamento de Tarija. Se ejecuta tradicionalmente con guitarra, violín y bombo legüero; aunque existen también chacareras cantadas tradicionales como también sólo instrumentales. La chacarera es bailada por parejas que danzan libremente (también en grupo) con rondas y vueltas. Rítmicamente, compás de 6/8, y algunos sostienen que es una danza monorrítmica en 3/4, mientras que otros sostienen que es una danza birrítmica o polirrítmica, con la melodía en 6/8 y la base instrumental en 3/4.
Principales características del baile flamenco. El baile flamenco se caracteriza por ser un baile desenfadado que tiene un carácter muy abstracto y con tres peculiaridades principales: 1.- Intensidad: El baile y cante flamenco están marcados por la pasión y la fuerza de los cantantes, músicos y bailaores. 2.- Improvisación: Es un estilo que requiere que los giros, las palmas y el taconeo sean una alternancia de movimientos fluidos, suaves e inesperados. 3.- Expresividad: Las expresiones faciales, el taconeo y los movimientos de brazos, manos y piernas están llenos de emociones, que ponen los sentimientos a flor de piel tanto los de los artistas como los de los espectadores. (Extractado de Flamenconline...)
La Compañía Andaluza de Danza pasó a denominarse Ballet Flamenco de Andalucía y es el máximo representante institucional del arte jondo, ejerciendo de embajador del flamenco desde su creación en 1994 … , el Ballet se ha convertido en el mejor medio para abrir nuevos mercados para el flamenco, ha pasado por escenarios de todo el mundo y formado parte de las agendas culturales de países como Estados Unidos, Argentina, Cuba, Francia, Italia, Hungría, Suiza, México ... de citas internacionales como la Exposición Aichi en Japón y ha participado en grandes festivales como los de Nueva York o Londres. … La historia del Ballet está jalonada de diferentes reconocimientos, no sólo de público y crítica, sino también de especialistas en artes escénicas. De este modo, ha recibido importantes premios. (Extractado del comentario del presente vídeo de la Junta de Andalucía).
Sugerencias de música para niñ@s
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