Herriaren aurka Israelgo Estatua egiten ari den
genozidio terrorista salatu nahi dugu.
Musika klasikoan hasiberrientzako iradokizunak
Jose Antonio Donostia edo Aita Donostia, gaztelaniaz Padre Donostia (1886-1956), idazle, musikagile, musikologo eta organista donostiarra izan zen, eta 1896an hasi zituen musika ikasketak Lekarozen (Nafarroa). Hamar urterekin Lekarozko Seminarioan sartu zen ikasle gisa. 1908an, apaiz egin ondoren, Bartzelonan zabaldu zuen musika heziketa eta 1920 eta 21eko hamarkadetan Parisen hobetu zituen Eugenio Coolsekin. 1932an euskaltzain izatera iritsi zen, hau da, Euskaltzaindiko kide izatera. Konpositore gisa, ganbera-musika ugari, organo-piezak, koru-obra ugari, melodiak eta pianodun abestiak sortu zituen, eta ospe handia eman zioten. Folklorista gisa mila euskal kanta herrikoi baino gehiago bildu zituen.
Oñazez, pianorako 6. preludioak, “edertasun eta soiltasun xarmangarria duen kanta herrikoi tradizional baten doinua erreproduzitzen du bere melodian. Harmonizazioa berria da, baina lerroari egokitua. Birtuosismo tradizionalarekin zerikusirik ez duten zailtasun pianistikoak ditu eta nahiz eta bertan eragin estilistiko ezberdinak aurkitu, konpositorearen zigilu pertsonala eta euskal folklorearen profila mantentzen ditu” (Taringa).
Gaur, Argentinako San Juan Unibertsitateko piano-katedradun Ana Inés Aguirrek emango digu.
Phoon Yew Tien Singapurreko musika garaikidean eragin handienetakoa duen figura da. Hasieran piano-jotzaile gisa trebatua, gero konpositore eta irakasle gisa ibilbide nabarmena garatu zuen, bereziki Asiako tradizioko elementuak Mendebaldeko musika-hizkuntzan integratzeko interesarekin. Nazioartean ospea duten erakundeetan ikasi zuen eta orkestra, abesbatza eta ganbera lanengatik errekonozimendua jaso zuen. Bere ibilbidean zehar, musika sorkuntza sustatu zuen modu aktiboan Asiako hego-ekialdean, eta berezko identitate kulturala defendatu zuen musika akademiko garaikidearen barruan. Bere estiloak sentsibilitate lirikoa, esplorazio tinbrikoa eta eskualdeko ondare kulturalari arreta sakona uztartzen ditu.
Phoon Yew Tien konpositorearen The Forge Ahead Obertura Singapurreko hazkunde kultural eta artistikoaren testuinguruan sortu zen, konpositoreak Txinako tradizioa eta Mendebaldeko lengoaia sinfonikoa bilduko zituen identitate musikal propioa sendotu nahi zuenean, lana dinamismo kolektiboaren, aurrerapenaren eta etorkizunerako konfiantzaren adierazpentzat hartuz. Piezak, gainera, Singapurreko orkestra-taldeen eragina islatzen du, zeinekin lankidetzan aritu baitzen hainbat hamarkadatan, eta egitura progresiboa du, argi eta garbi, gaikako kontrasteen eta pilaketa dinamikoen bidez antolatua, zeremoniazko izaera sendotzen diotenak. Ikuspegi formaletik, oberturak hiruko egitura du, argi eta garbi kontrastatua: Sarrera indartsu eta erritmikoa, Garapen zentral liriko eta hedakorragoa, eta hasierako arrazoiak berreskuratzen dituen azken Laburbilketa bikaina. Instrumentazioak metalak eta perkusioa nabarmentzen ditu, eta hariek eta zurek kontraste melodikoa eta oreka tinbrikoa ematen dute.
Gaur, Victoria Chinese Orchestrak eskainiko digu, Ng Rui Jun maisuak gidatuta.
Aaron Copland (1900- 1990) errusiar jatorriko musika klasikoko eta zinemako konpositore estatubatuarra izan zen. Bere lanak inpresionismoaren eragina du eta bereziki Igor Stravinskyrena. George Gershwin-ekin batera, XX. mendeko Estatu Batuetako musika-nortasunaren konpositore garrantzitsuenetako bat bezala nabarmendu zen. 1917ko udazkenean harmonia eta kontrapuntu ikasketak hasi zituen Rubin Goldmarkekin; berak hala iradokita, pianoa ikasi zuen lehenik Victor Wittgensteinekin eta 1919tik aurrera Clarence Adler pedagogo ospetsuarekin. 1921eko ekainean Frantziara joan zen Nadia Boulangerrekin ikastera; 1924an AEBra itzuli zen eta hurrengo urtean Guggenheim Beka jaso zuen lehen konpositorea izan zen, 1926an berritu zuena.
Rodeo Amerikako Mendebaldeari buruzko balleta da, Aaron Copland-ek konposatua eta Agnes de Millek koreografiatua. 1942an estreinatu zen eta bost atal ditu. Ballet originala Monte Carloko Ballet Russe-rentzat koreografiatu zen, Bigarren Mundu Gerran AEBra bizitzera joan zen dantza konpainiarentzat. Kritika askoren artean, De Milleren koreografia oso iradokitzailea nabarmendu zen, "sentsibilitate zinematografiko" gisa deskribatua eta bere errealismoagatik aitortua.
Gaur, Hoe-Down baletaren musika-zatia eskainiko dizuegu. Tine Thing Helseth buru duen emakumezko metalezko ensemble batentzat prestatua dago.
Zequinha de Abreu (1880 – 1935), konpositore, instrumentista eta erregente brasildarra, Santa Rita do Passa Quatron jaioa, Tiko-Tiko no Fubá lanaren egilea, atzerrian gehien grabatutako musika brasildarretako bat. Haur prodijioa musikan, lehen ikasturtean bere banda antolatu zuen, eskolan. São Pauloko Seminarioan sartu zen (1894), non harmonia ikasi zuen, baina Santa Rita do Passa Quatrora itzuli zen (1896), aitaren farmazian lan egitera joanez. Garai hartatik aurrera, bere lehen konposizioak egin zituen, Flor de la Autopista eta Bafo de Onza kasu, eta banda berri bat antolatu zuen (1897), pixkanaka barnetik show-ak egitera pasatuz. Hiriko dantza batean oraindik izenik ez zuen txoroa aurkeztu zuenean, dantzarien arteko arrakasta zalapartatsua ikusita, Tiko-Tiko no Fubá (1917) deitzea erabaki zuen, bere konposiziorik famatuena izango zena, 40ko hamarkadan Estatu Batuetan zabaldu zuena Carmen Mirandak. São Paulora itzuliz (1919), partitura eta musika-tresnen salmentan espezializatutako Beethoven Etxeko pianista erakusle gisa lan egin zuen. Han dancingak eta kabareak animatu zituen eta familia aberatsenen etxeetan jo zituen bere konposizioak, non partiturak saltzeko aprobetxatzen zuen. Abreuko Zequinha Banda sortu zuen (1933) eta bi urte geroago hil zen, Sao Paulon.
“Tiko-Tiko no Fubá” abestia Zezinha de Abreu (José Gomes de Abreu zuen benetako izena) konpositore brasildarraren obra ezagunenetako bat da; 1917an konposatu zen eta Brasilgo choro generoaren pieza adierazgarrienetako bat bihurtu zen. Izenburuak hitzez hitz “Tiko-tikoa arto-irinean” esan nahi du. “Tiko-tikoa” txori txiki bat da (Zonotrichia capensis txolarrea), eta irudiak artoan mokoka ari den hegaztia deskribatzen du. Musika instrumentala izan zen jatorriz; letra urte batzuk geroago gehitu zuen, 1931n, Aloysio de Oliveirak. Esan bezala, musika-estiloa choro generokoa da, erritmo azkar eta birtuosoa ezaugarri duen Brasilgo instrumentu-estiloa, eragin europarrekin (polka, balsa) eta erritmo afrobrasiletarrekin konbinatuta. Energia, abiadura eta zailtasun teknikoagatik da ezaguna pieza, batez ere pianista eta gitarristentzat.
“Tico-Tico no Fubá” alcanzó fama mundial en los años 40, cuando fue grabada por artistas como Carmen Miranda, Andrews Sisters o Ethel Smith; también apareció en películas de Hollywood durante la época dorada, lo que ayudó a difundir la música brasileña en Estados Unidos y Europa y ser considerada como una de las canciones brasileñas más grabadas de la historia, convirtiéndose en un símbolo internacional de la música brasileña, junto con otros géneros como la samba y, más tarde, la bossa nova.
“Tiko-Tiko no Fubá”-k mundu mailako ospea lortu zuen 40ko hamarkadan, Carmen Miranda, Andrews Sisters edo Ethel Smith bezalako artistek grabatu zutenean; Hollywoodeko filmetan ere agertu zen urrezko garaian, eta horrek lagundu zuen Brasilgo musika Estatu Batuetan eta Europan hedatzen eta historiako abesti grabatuenetakotzat hartua izan zen, Brasilgo musikaren nazioarteko ikur bihurtuz, beste genero batzuekin batera, hala nola, sanba eta, geroago, bossa nova.
Musika klasikoari buruzko iradokizunak
Francesca Caccini (1587-1641 ondoren) Barrokoaren hasierako (1600-1750) musikagile, kantari, laudiotar, musika irakasle eta poeta italiarra izan zen, Florentzian jaioa. Bere aita, Giulio Caccini, musikagile ospetsu eta herrikoia zen, musika monodikoan aitzindaria; oso gaztetatik musika eta konposizioa irakatsi zizkion. Bere ama, Lucia Gagnolanti, abeslaria zen; bere ahizpa gazteena, Settimia, ere konpositore bihurtu zen eta anaia nagusia zuen, Pompeo Caccini, abeslaria eta margolaria. Heziketa humanistikoa jaso zuen: latina, grekera pixka bat, baita hizkuntza eta literatura modernoak eta matematikak ere. Argitaratu ziren XVII. mendeko konpositore bakanetako bat izan zen.
“O che nuovo stupor”, Francesca Cacciniren aria sakrak, egitura labur eta malgua du, monodia barroko goiztiarrean ohikoa dena. Tentsio eta atseden uneak tartekatzen dituzten esaldi kontrastatzaileen bidez antolatzen da obra, Errenazimentuko simetria zurruna saihestuz. Ahots-lerroak testura menderatzen du argi eta garbi, eta diskurtso adierazkorra garatzen du, baxu jarraitu soil batek sostengatua, zeinaren funtzioa harmonia indartzea eta testuaren izaera afektiboari eustea den. Formalki, konposizioak aurrera egiten du, hitzen zentzu poetikoari jarraiki, eta, beraz, musikak errezitatibo apainduaren antzeko diseinua hartzen du. Erritmoa askea eta aldakorra da, deklamazioa areagotzen duten etenaldiekin. Apaindura melodikoek, bitarte espresiboek eta aldaketa harmonikoek lehen Barrokoko emozioen harridura eta fintasun giroa sortzen laguntzen dute. Gainera, testuaren eta musikaren arteko erlazioak agerian uzten du berehalako pertsuasio afektiboaren bilaketa barrokoa.
Gaur, El Concierto Ylustrado ensemble jereztarrak emango digu.
Franz Joseph Haydn (1732-1809), austriar konpositorea, zeinaren anaia Michael Haydn ere konpositore nabarmena izan zen, Klasizismoaren (1750-1810) oinarri nagusietako bat izan zen. Sei urterekin klabezin eta biolin ikasketak hasi zituen, eta zortzi urterekin Vienako San Esteban Katedraleko koralista gisa onartu zuten. Ahotsa aldatu ondoren, lan ugari egin behar izan zituen, Carl Philipp Emanuel Bach-en lanak aztertzen zituen bitartean. Mozartekin adiskidetasun estua izan zuen eta Beethovenen irakaslea. Sonata formaren oinarri nagusiak finkatu zituen eta hari-laukotearen eta sinfoniaren egitura formarena. 77 urterekin hil zen, Vienan.
97. Sinfonia, Do maiorrean, Hoboken I/97, Joseph Haydnek konposatutako Londresko Sinfoniak (93-104 zenbakiak) deituriko hamabi sinfonietatik bosgarrena da. 1792an osatu zen, Londresera egin zuen lehen bidaian konposatutako sinfonien sailean. Bere estreinaldia Londreseko Hanover Square Rooms-etan izan zen 1792ko maiatzaren 3an edo 4an. Ingalaterran argitaratu zen lehen aldiz, eta kontinentean zabaldu zen hurrengo urteetan.
Egitura. Arkitektura klasiko orekatua eta argitasun formal handikoa du. LEHEN MUGIMENDUAK sonata forma hartzen du Sarrera (0´00´´) motel batekin, Allegro (1´04´´) dinamiko baten aurretik ikusmina sortzen duena, kontraste tematikoetan eta modulazio zehatzetan oinarrituta. BIGARREN MUGIMENDUAK, ADAGIO MA NON TROPPO (8´33´´), izaera lirikokoa, gai bare baten inguruko apaindurazko bariazioak garatzen ditu, gardentasun tinbrikoa eta fintasun melodikoa nabarmenduz. HIRUGARREN MUGIMENDUA, MENUETTOA ETA TRIOA. ALLEGRETTOk (17´20´) Haydnen berezko sendotasun erritmikoari eusten dio, baina ustekabeko azentuak eta bizitasuna ematen duten sekzio instrumentalen arteko elkarrizketak gehitzen ditu. ERDIKO HIRUKOTEAK (18´44´´) kontraste arinagoa eta pastorala eskaintzen du. LAUGARREN MUGIMENDUA, FINALE: PRESTO ASSAI (21´32´´), azkarra eta distiratsua, kontrapuntuzko prozedurak eta errepikapen motibikoko baliabideak erabiltzen ditu obraren kohesio globala indartzeko. Orotara, Vienako klasizismoaren ezaugarri diren simetria estrukturala, asmamen tematikoa eta oreka espresiboa uztartzen ditu Sinfoniak.
Gaurko bertsioa Andris Nelsons letoniar maisuak zuzendutako Tanglewood Music Center Orchestrak eskainiko digu.
Johannes Brahms (1833-1897) Vienan jaio zen eta bertan eman zuen bere bizitzaren zatirik handiena. Erromantizismoko konpositore kontserbadoreena izan zen, Liszt eta Wagner buru zituen korronte progresistaren aurrean. Bere musika maisu klasikoen egituretan eta konposizio tekniketan oso errotuta dago eta bere egitura formalek Klasizismoaren patroiei jarraitzen diete, nahiz eta Erromantizismoaren eta herri musikaren kolorearen zati bat erabili. Bere lanen izaera arduratsu eta oso eraikia abiapuntu eta inspirazio iturri izan zen ondorengo konpositore-belaunaldi batentzat, zeren eta, beren egitura zorrotzetan txertatuta, arrazoi guztiz erromantikoak baitaude. Izaera perfekzionista du batez ere, eta pianorako, ganbera taldeetarako, orkestra sinfonikorako, ahots bakarlarientzako eta korurako idatzi zuen. Hans von Bulow izan zen “Hiru B Horiena” proposatu zuena, Bach, Beethoven eta Brahms Musikaren Historiaren hiru zutabe nagusi bezala aipatuz.
Biolinerako kontzertua Re maiorrean, op. 77. Johannes Brahms-ek idatzi zuen 1878ko udan, Austriako Pörtschach-en atseden hartzen zuen bitartean. Joseph Joachim biolin-jotzailearekin zuen adiskidetasun estutik jaio zen obra, eta hark lagundu zuen pasarte teknikoak berrikusten eta partitura Leipzigen estreinatu zuen 1879an. Zenbait kritikarik kontzertu bakarlari baterako sinfonikoegitzat jo bazuten ere, Brahmsek biolinaren birtuosismoa eta bere hizkuntza erromantikoaren berezko orkestra-dentsitatea orekatzea bilatzen zuen.
Konposizioa ondo egiaztatutako hiru mugimendutan egituratzen da: LEHEN MUGIMENDUAK (0´39´´), ALLEGRO NON TROPPOk, sonata egitura handia du. Orkestrak biolina sartu aurretik sartzen ditu gai nagusiak, Klasizismotik jasotako baliabidea da biolina, baina Brahms-ek zabaldua tratamendu sinfoniko oso trinkoarekin. Lehen gaiak izaera noblea eta hedakorra du; bigarrenak, berriz, lirismo handiagoa. Garapenak modulazio konplexuak eta bakarlariaren eta orkestraren arteko elkarrizketa bizia esploratzen ditu, biolinak instrumentu bertutetsu gisa bakarrik joka dezan saihestuz. Cadenza Joseph Joachim-en bertsioan interpretatu izan da tradizioz, eta gailur adierazkor eta tekniko gisa funtzionatzen du.-. BIGARREN MUGIMENDUAK (24´09´´), ADAGIOk, forma hirutarra hartzen du eta kontenplaziozko atmosferagatik nabarmentzen da. Oboeak sinpletasun melodiko handiz azaltzen du gai nagusia, biolinak apaindura delikatuen eta esaldi kantauriar zabalen bidez eraldatu baino lehen. Birtuosismoa baino gehiago oreka tinbrikoa eta sakontasun emozionala bultzatzen duen orkestazio gardena erabiltzen du Brahmsek.-. HIRUGARREN MUGIMENDUA (32´15´´), ALLEGRO GIOCOSO, MA NON TROPPO VIVACE, rondoa eta sonata konbinatzen ditu. Hungariako dantza-erritmoetan oinarrituta dago, eta jai-girokoa eta dinamikoa da. Gai nagusia kementsua eta erritmikoa da; tarteko gertaeretan, berriz, kontraste lirikoak eta bariazio tematikoak sartzen dira. Biolinak distira tekniko handia . hedatzen du hari bikoitzen, pasarte azkarren eta azentu indartsuen bidez, amaiera oparo eta garaile batean amaituz.
Gaur, Hilary Hahn biolinista estatubatuar bikainaren bertsiora joko dugu, Frankfurt Radio Symphony Orchestrak lagunduta, Paavo Järvi maisu estoniarrak gidatuta.
Alban Berg Vienan jaio zen 1885ean eta Vienako Bigarren Eskolako musikagile garrantzitsuenetakoa izan zen, Arnold Schoenberg eta Anton Webernekin batera. Gaztetatik literaturarekiko eta musikarekiko interesa erakutsi zuen, nahiz eta musika ikasketak berandu samar hasi zituen. Schoenbergekin izan zuen prestakuntza erabakigarria izan zen, teknika berritzaileak hartu baitzituen, hala nola atonalitatea eta dodekafonismoa, nahiz eta beti izan zuen adierazkortasun eta lirika handia. Bergek modernitate musikala eta karga emozional handia uztartzea lortu zuen, batez ere Wozzeck eta Lulu operetan, XX. mendeko funtsezko obratzat hartzen direnak. Bere musikak askotan islatzen ditu sufrimendua, maitasuna eta giza larritasuna bezalako gaiak, gerra arteko Europako giro kultural eta politikoak ere eragina izan duena. Ospe artistikoa izan arren, bizitza laburra izan zuen: Vienan hil zen 1935ean, intsektu baten ziztadak eragindako infekzio baten ondorioz.
Wozzeck operak Wozzeck soldaduaren degradazio psikologikoa kontatzen du, Kapitainak esplotatua eta Marie eta bere semea mantentzen saiatzen den bitartean Doktoreak indietako untxi bezala erabilia. Marie Danbor Nagusiarekin desleial izateak bere haluzinazioak eta umiliazio sentimendua areagotzen ditu. Azkenean, Wozzeckek Marie urmaelaren ondoan hil du eta itota hil da labana ezkutatzen saiatzean, haurra abandonatuta utzita. Alban Bergek Büchnerengan inspiratutako idazkera espresionista eta atonal baten bidez eraikitzen du tragedia hau. Obra bost eszenako hiru ekitalditan antolatzen da, bakoitza berrinterpretatutako forma musikal klasikoetan oinarrituta: suitea, passacaglia, rondoa, asmakizuna eta ihesa. Orkestrak pertsonaien isla psikologiko gisa funtzionatzen du, leitmotiven, kontraste tinbrikoen eta pilaketa harmoniko trinkoen bidez. Pilaketa horiek tentsio dramatikoa eta kritika soziala areagotzen dituzte, eta, gainera, antzezpen osoaren izaera zapaltzailea eta zatikatua indartzen dute.
Gaur, Vienako Filarmonikak eskainiko digu, Estatuko Operako protagonista bakarlari eta koruarekin, Claudio Abbado maisu italiar gogoangarriak gidatuta.
Denontzako musikari buruzko iradokizunak
Count Basie (1904-1984) jazz pianista estatubatuarra eta Big Band taldearen zuzendaria izan zen. Historiako jazz-musikaririk ezagunenetako bat da, ia berrogeita hamar urtez jazzaren erregistro estilistiko jakin batzuetan (swingean eta haren korronte tradizionalean, batez ere) eragin handia izan duen big band baten zuzendaritzarekin lotuta egon dena. 1927tik aurrera hainbat taldetan aritu zen, 1935ean bere orkestra propioa eraiki zuen arte. Bere One O'clock Jump 1937ko zerrenda arrakastatsuen lehen postuetan kokatu zen; ordutik aurrera, Big Band-eko zuzendari eta pianista bezala bere izena historiako ezagunenetako bat da. Pankreako minbiziak jota hil zen 1984an.
Nazia Hassan (1965 - 2000) Pakistango abeslari, konpositore, abokatu, analista politiko eta filantropoa izan zen. «Asia Hegoaldeko Poparen Erregina» bezala ezaguna, Asia Hegoaldeko historian eragin handienetakoa izan duen musika figuratzat eta azpikontinenteko lehen pop izartzat hartzen da. 1980ko hamarkadatik aurrera, Nazia eta Zoheb bikotearen parte gisa, berak eta bere anaia Zoheb Hassanek 65 milioi disko baino gehiago saldu dituzte mundu osoan. Karachin jaio zen, Pakistanen, eta Karachi eta Londresen artean hazi zen ikasketak Ingalaterran egin zituenean, Zohaib Hassan anaiaren ondoan, eta han Suhail Sana maisuaren eragin zuzena jasoko zuten, Saray Dost Hamaray (‘guztiak dira gure lagunak’) musika-ikuskizuna eman baitzien. Urte batzuk geroago, 2002ko martxoaren 22an, aitorpen hil bat jaso zuen Pakistango Gobernuaren aldetik, bere ekarpen eta lorpenengatik, kultura, arte eta musika arloan egindako lanaren eta harrotasun zibilaren saririk handiena eman baitzion.
Georges Brassens Sèten (Okzitania, Frantzia) jaio zen 1921ean, eta giro apalean hazi zen, non poesia eta musika herrikoia ezagutu zituen. Bigarren Mundu Gerran, Derrigorrezko Lan Zerbitzuak Alemaniara bidali zuen, eta esperientzia horrek espiritu inkonformista eta libertarioa indartu zuen. Berrogeita hamarreko hamarkadaren hasieran Parisko kabaret txikietan abesten hasi zen eta laster nabarmendu zen bere letra ironiko, sentibera eta moral tradizionalarekiko kritikengatik. Bere abestiek, ia beti gitarrak lagunduta, umorea, samurtasuna eta erreferentzia literarioak nahasten zituzten. “La mauvaise réputation” eta “Les copains d’ugalkortasuna” lanek chanson française-aren funtsezko figura bihurtu zuten. Ospe arranditsua saihestu bazuen ere, ospe handia lortu zuen eta eragin iraunkorra utzi zuen 1981ean hil aurretik.
Nathy Peluso 1995ean jaio zen Lujanen, Buenos Aires probintzian, eta haurtzaroaren zati bat Espainian igaro zuen, bere familiarekin herrialde horretara emigratu baitzuen. Gaztetatik erakutsi zuen musikarekiko, dantzarekiko eta interpretazioarekiko interesa, gerora rapa, soula, jazza, saltsa eta erritmo latinoak nahasten dituen estilo propioan uztartuko zituen eraginak. Interneten argitaratutako abestiei eta agertoki txikietan egindako aurkezpenei esker hasi zen ospea irabazten, eta bere ahots indartsuagatik eta presentzia eszeniko handiagatik nabarmendu zen. Bere karrerak jauzi bat eman zuen nazioartera hainbat albumekin, hala nola Calambrerekin. Lan horrek hainbat aintzatespen jaso zituen eta bere irudi artistikoa sendotu zuen. Musikarako duen talentuaz gain, Nathy Peluso itzal handiko pertsona bihurtu da hiriko musika latinoaren barruan, bere nortasun bizi, sortzaile eta moldakorragatik.
Bideo bereziei buruzko iradokizunak
Piotr Chaikovsky (1840-1893) errusiar konpositorea izan zen, San Petersburgoko Kontserbatorioan graduatu zen eta hainbat generotako lanak idatzi zituen, arrakasta handiena bere baletekin lortu zuen arren. 1859an Justizia Ministerioan funtzionario-lanpostua lortu zuen eta hiru urterekin utzi egin zuen musikan bakarrik aritzeko. Bere bizitza pertsonala krisialdi etengabez josita egon zen ama hil zenetik eta bere homosexualitate erreprimituagatik, honek hilabete gutxi batzuk baino iraun ez zuen ezkontza bat egitera behartu zuelarik. 150 konposizio baino gehiago idatzi zituen, besteak beste, pianorako obrak, kuartetoak, suiteak, sinfoniak, kontzertuak, koralak, kantatak, operak eta baletak. 53 urterekin hil zen eta historiako konpositore handienetakotzat jotzen da.
Intxaur-hauskailua. Gaur ikusiko dugun obra, maitagarrien/baletaren ipuin bat da, Gabonetako jaietan antzeztu ohi dena. Estreinaldia San Petersburgoko Mariinski antzokian egin zen, baina estreinatu aurretik orkestrarako suite bat osatu zuen bere zortzi zenbakirekin. Argudioa E.T.A. Hoffmanneren ipuin batean oinarritzen da, Alejandro Dumasek egokitua; istorioa Gabonetan gertatzen da: mago bat Clararen etxera iristen denean, txotxongilo-kaxa batekin eta Intxaur-hauskailua panpinarekin, berez printzea dena. Gorabehera askoren ondoren, Clararen ametsa izan da guztia.
Gaur, Sergei Radchenkok zuzendutako Errusiako Ballet Nazionalaren 2019ko bertsioa eskainiko dugu.
Samba jatorri Afrikarreko musika genero bat da, Brasilen sortua, eta dantza mota bat du sorburu. Brasilgo herri kulturaren adierazpen nagusietako bat da, baita nazio identitatearen ikur ere. (Ez da nahastu behar Zambarekin, jatorri argentinarreko genero musikal erabat ezberdina baita). Herrialde batzuetan emakumeen ahotsa (sanba) erabiltzen bada ere, Brasil, Argentina eta Uruguai bezalako herrialde batzuetan, gizonezkoen ahotsa (sanba) erabiltzen da. Brasilgo antzinako hiriburuan, esklabo liberoen dantzak beste musika-genero batzuekin harremanetan jarri eta barneratu egin zituen, izaera berezia hartuz. Horrela, samba kariotarra izan zen Brasilgo nortasun nazionalaren ikur bihurtu zena, Brasil osoan hedatuz, Inauteriei lotuta.
Turkiako dantzek Asia, Europa eta Ekialde Ertainaren arteko kultura nahasketaren mendeak islatzen dituzte. Herrixketan, ospakizun erlijiosoetan eta zeremonia militarretan sortu ziren, eta otomandar eta erregio-eraginekin eboluzionatu zuten. Zonalde bakoitzak estilo propioak garatu zituen: Itsaso Beltzean mugimendu azkar eta kementsuak dira nagusi; Erdialdeko Anatolian, berriz, pauso solemne eta koordinatuagoak nabarmentzen dira. Dantza asko biribilean edo ilaran dantzatzen dira, batasuna eta komunitatea sinbolizatuz. Dantzariek danbor, flauta eta laute tradizionalekin batera joan ohi dira, euren kultur eta jai nortasuna jantzi tradizional koloretsuekin indartuz.
Halay Turkiako dantza kolektibo tradizional bat da, ospakizun eta jai herrikoietan dantzatzen dena. Dantzariek lerro edo zirkulu bat osatzen dute, eskuetatik edo sorbaldetatik hartuta, mugimendu erritmikoak jarraitzen dituzten bitartean, danbor eta flauta tradizionalen konpasean koordinatuak. Energia, erresistentzia eta talde-sinkronizazioa uztartzen dituzte haren urratsek, eta elkartasuna, alaitasuna eta batasuna sinbolizatzen dituzte komunitatearen barruan.
Sambalpur, Orissan, Indian, identitate kultural ezberdina duen eskualdea da. Kantuak, arropa, dantzak, hizkuntza eta Sambalpurren egiten diren jaialdiak paregabeak dira. Nortasun kultural ezberdin hau Sambalpurren mendeetan zehar elkarrekin bizi izan diren komunitate tribal eta folklorikoen elkartze indartsutik sortu zen.
Sambalpuri dantzak Indiako Odisha estatuko Sambalpur eskualdean sortu ziren, landa eta tribu komunitateen jai adierazpen gisa. Mendeetan zehar, nekazaritza ospakizunetan, ezkontzetan eta erritual erlijiosoetan integratu ziren, eta energia eta erritmo nabarmenagatik nabarmendu ziren. Ezagunenen artean Dalkhai nabarmentzen da, urtaroko jaietan emakume gazteek antzezten dutena. Dantza hauek mugimendu arinak, bira koordinatuak eta dhol eta nishan bezalako danbor tradizionalen akonpainamendua dituzte ezaugarri. Dantzariek kolore biziz eta motibo geometrikoz jantzi ohi dituzte Sambalpuri ehunak; abestiek, berriz, maitasun, natura eta debozio istorioak kontatzen dituzte, eta, horrela, eskualdeko kultur nortasuna mantentzen dute.
Umeentzako musikari buruzko iradokizunak
Testu hauek egiteko Wikipediako hainbat artikulu erabili dira.
Videomusicalis-eko testuak, euskaraz, gaztelaniaz eta ingelesez eginda daude.
