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Mozart y la masonería. La masonería apareció en Europa a finales del siglo XVII como una agrupación selectiva de carácter filantrópico, discreto y jerárquico; de estructura federal, sus objetivos son humanistas: la búsqueda de la verdad, el estudio de la conducta humana, de las ciencias y de las artes y el desarrollo social y moral de las personas y de la sociedad; todo ello fundamentado en un sentimiento de fraternidad; sus enseñanzas son simbolizadas con elementos de la albañilería. Teniendo estos objetivos en cuenta, con 28 años Mozart ingresó como aprendiz en la Logia Masónica de Viena; al mes siguiente ascendió al grado de compañero y a los cuatro meses es nombrado Maestro masón. Influenciado por la Ilustración y por las ideas de Rousseau, Mozart anhelaba el racionalismo sin sumarse al carácter ocultista de muchos de sus compañeros. En la misma dirección, según Thomson, “la música debía inocular sentimientos de humanidad, sabiduría y paciencia, virtud y honestidad, lealtad a los amigos y finalmente un entendimiento de la libertad”. Mozart transmite muchas de estas ideas en algunas de sus óperas directamente, a la vez que en otros momentos lo hace mediante símbolos masones; de todos modos, empieza a componer cantatas expresamente para la masonería incluso antes de pertenecer a la misma, ya que muchas de sus amistades eran masones. Como obras muy influenciadas por las ideas o símbolos masónicos citaremos el Requiem, La clemenza di Tito y La flauta mágica que hoy ofrecemos en la sección de Música clásica. Otros famosos compositores también fueron masones como su padre  Leopold Mozart, Haydn, Schubert, Liszt, Wagner, Puccini, Sibelius, Satie,... incluso hay indicios que señalan a Bach como un ferviente masón.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … La obra que hoy ofrecemos, Para Elisa, es una bagatela escrita para piano solo y una de las obras más populares de Beethoven. La partitura se dio a conocer 40 años después de su muerte tras encontrarse su manuscrito entre los papeles de una ex alumna. Parece  ser que hubo una confusión debido a las dificultades de lectura que tenía el título y que en lugar de “Fur Elise”, lo que estaba escrito era “Fur Therese”; por lo que la obra debería titularse Para Teresa. Hoy la interpreta Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991. Comenzó a estudiar piano a los tres años matriculándose posteriormente en el Conservatorio de Kiev donde conoció a su marido Alexei Kuznetsoff, también pianista. Lisitsa ha buscado a su audiencia a través de su propio canal en YouTube para el que ha grabado multitud de interpretaciones, siendo en la actualidad la concertista clásica más vista en internet.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Aprovechando estas facultades, su padre, Leopold Mozart, también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales;. Sus óperas La Flauta Mágica que hoy presentamos en esta misma sección, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años. La Sinfonía nº 41, Júpiter, que hoy ofrecemos, es la última sinfonía que compuso Mozart. Parece que fue el empresario musical Johann Peter Salomon quien añadió el epíteto de “Júpiter” a la sinfonía, dando a entender que ésta tenía idénticas características a la del dios supremo y triunfal. Consta de los cuatro movimientos habituales en aquellos tiempos: I Allegro vivace. II Andante cantabile. III Minuetto: Allegretto. IV Molto allegro.  La dirección de la sinfonía  corre a cargo de Simone Young, directora de orquesta australiana, que ha sido directora general de la Ópera de Australia en Sídney, directora ejecutiva de la Ópera Estatal de Hamburgo y directora principal de la Philharmoniker Hamburg; ha sido, además, la primera mujer en dirigir la Filarmónica de Viena y recientemente ha sido nombrada directora musical de la Orquesta Sinfónica de Sydney; cargo que asumirá en 2022.

El Poema sinfónico es una obra orquestal de forma libre, generalmente basada en un texto literario, cuyo fin es crear sensaciones o sentimientos mediante el guión preestablecido. El padre del poema sinfónico fue Franz Liszt quien compuso hasta 13 obras de este género; género, que rápidamente se generalizaría a partir del romanticismo. Jean Sibelius (1865-1957) fue un violinista y compositor finlandés, considerado como el referente musical de su país y como uno de los padres de la identidad nacional finlandesa contra la pertenencia a Rusia. Comenzó sus estudios de piano con una tía suya hasta que ingresó en el Conservatorio de Helsinki donde se formó en violín y composición. Sufrió una gran frustración al constatar que había llegado demasiado tarde a los estudios de violín y tener que dedicarse forzosamente sólo a la composición. Tras conseguir una beca, se trasladó a Berlín y más tarde a Viena para perfeccionar sus estudios de composición. Interesado en las voluntades independentistas de su país (entonces pertenecía a Rusia) escribe numerosas obras, en muchas de las cuales prevalece el carácter nacionalista: música de piano, música de cámara, más de 100 canciones para voz y piano, música masónica, trece poemas sinfónicos, siete sinfonías, un concierto de violín, música incidental para teatro, una ópera y otras obras de menor envergadura. La obra que hoy presentamos, Finlandia, es un poema sinfónico compuesto con la idea de avivar los sentimientos patrióticos de independencia de la Rusia a la que entonces pertenecía; de ahí su música grandiosa y alborotada en muchos momentos emulando la rebelión popular hasta que en 3´49´´ empieza a florecer el triunfo. Para evitar la censura, la obra adoptó distintos títulos como “El Despertar de la Primavera Finlandesa”, “Sentimientos Heróicos” o “Nocturno”, hasta que tras la proclamación de su independencia pudo tomar el título deseado. La interpretación corre a cargo de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Caracas bajo la dirección de César Iván Lara.

Sarah Willis (1969) es una trompista estadounidense que creció en Maryland, Tokio, Boston, Moscú y Londres.  Comenzó a tocar la trompa a los 14 años; a los 22, ingresó en la Ópera estatal de Berlín y a los 32, en la Filarmónica de Berlin donde continúa en la actualidad. En 2017 viaja por primera vez a Cuba a impartir una clase magistral de trompa, momento en el que queda prendado de la musicalidad desbordante de sus habitantes y de la alta preparación técnica de sus músicos; vuelve en tres ocasiones más a impartir otras tantas clases magistrales. De esa convivencia con músic@s cuban@s surge Mozart y Mambo que es una selección musical que combina conciertos para trompa de Mozart con música tradicional cubana. El disco se publicó en 2020 y en él aparece también la Pequeña serenata nocturna en versión mambo. Y del disco, a la actuación: Rondó alla Mambo! Inspirado fundamentalmente en el tercer movimiento del tercer concierto de trompa K. 447  es un flashmob (actuación insólita de un grupo de personas que aparecen y desaparecen repentinamente) escrito por Joshua Davis y Yuniet Lombida Prieto que hace su aparición en las calles de La Habana; el flashmob está interpretado por Sarah Willis e integrantes de la Orquesta Lyceum de la Habana como colofón a la experiencia del “Mozart y Mambo”.

Mary Lou Williams (1910-1981) fue una compositora y pianista estadounidense de jazz. A los dieciséis años se casa con el saxofonista John Williams, de quien adopta su apellido; ambos entran a formar parte de la Big Band de Andy Kirk; más tarde entrará a formar parte del  grupo Twelve Clouds of Joy, como arreglista y pianista; en 1942 forma su propio grupo con su segundo marido el trompetista Harold Baker. Mientras tanto realiza arreglos para músicos de la categoría de Louis Armstrong, Benny Goodman o Duke Ellington y más tarde trabaja con Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Bud Powell entre otros músicos. Como pianista fue brillante y como arreglista, innovadora.

Maurice Ravel(1875-1937) nacido en Ziburu, Ciboure, (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. Sus primeras obras nos muestran ya una recia personalidad y un espíritu independiente. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy o viceversa; debate, por cierto, que disgustaba a ambos compositores y que se vería reforzado con la publicación de sus siguientes obras. Sin embargo, su fama estaba ya instalada, hasta el punto de que Serguéi Diágilev, creador de los Ballets Rusos que en esos años estaban en plena efervescencia, le encargó el ballet Daphnis et Chloé, la obra más larga de Ravel, cuyo estreno fue desigualmente recibido, lo que ocasionó una caída de moral en el compositor. Estando en plena segunda guerra mundial se enteró de la muerte de su madre, hecho que le impactó profundamente; tras estos luctuosos sucesos, Ravel siguió trabajando y estrenando distintas obras entre las que se encontraba otra obra maestra, el poema sinfónico La Valse. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión a 30 kilómetros de París, donde se daban cita, a pesar del carácter reservado del compositor, eminentes músicos e intelectuales. En 1928 realizó una gira por Canadá y USA donde convivió con el jazz que tanto le gustaba y contactó con Gershwin. A su vuelta a París compuso la obra que más fama le daría, el Bolero, obra que él no tenía en gran aprecio. En 1932 escribe sus dos conciertos para piano: Concierto para la mano izquierda y Concierto en sol. A partir de 1933 comenzó a tener dificultades con la escritura, el lenguaje y la psicomotricidad; dificultades que iban aumentando a medida que avanzaba el tiempo hasta que fallece a los 62 años. Su legado consta de obras para piano a 2 y a 4 manos, obras de música de cámara, obras orquestales, obras concertantes para piano y violín, canciones para voz y piano, voz y trío o voz y orquesta, una ópera y una fantasía lírica para solistas, coro y orquesta; redujo a piano obras orquestales propias, así como orquestó obras escritas para piano propias y ajenas, entre las que cabe destacar los Cuadros de una exposición de Musorgski. Hoy podemos visionar el famoso Bolero coreografiado por Maurice Bejart e interpretado por Maya Plisetskaya (1925-2015), “prima ballerina assoluta” del Teatro Bolshoi, y Le Ballet du XX ^e siècle

Best African Traditional. Son numerosos los pueblos que pululan por el África subsahariano y consecuentemente, son numerosas sus raíces y sus modos de expresión artística; algunas de sus características comunes son el polirritmo  y la articulación total del cuerpo en el baile. Hoy nos acercamos a la tribu Baganda en su aldea de Katooke en el distrito de Mubende - Uganda.