El 27 de Enero de 1756 nace Mozart

Recommended music videos for initiation to classical music

Mozart y la masonería. La masonería apareció en Europa a finales del siglo XVII como una agrupación selectiva de carácter filantrópico, discreto y jerárquico; de estructura federal, sus objetivos son humanistas: la búsqueda de la verdad, el estudio de la conducta humana, de las ciencias y de las artes y el desarrollo social y moral de las personas y de la sociedad; todo ello fundamentado en un sentimiento de fraternidad; sus enseñanzas son simbolizadas con elementos de la albañilería. Teniendo estos objetivos en cuenta, con 28 años Mozart ingresó como aprendiz en la Logia Masónica de Viena; al mes siguiente ascendió al grado de compañero y a los cuatro meses es nombrado Maestro masón. Influenciado por la Ilustración y por las ideas de Rousseau, Mozart anhelaba el racionalismo sin sumarse al carácter ocultista de muchos de sus compañeros. En la misma dirección, según Thomson, “la música debía inocular sentimientos de humanidad, sabiduría y paciencia, virtud y honestidad, lealtad a los amigos y finalmente un entendimiento de la libertad”. Mozart transmite muchas de estas ideas en algunas de sus óperas directamente, a la vez que en otros momentos lo hace mediante símbolos masones; de todos modos, empieza a componer cantatas expresamente para la masonería incluso antes de pertenecer a la misma, ya que muchas de sus amistades eran masones. Como obras muy influenciadas por las ideas o símbolos masónicos citaremos el Requiem, La clemenza di Tito y La flauta mágica que hoy ofrecemos en la sección de Música clásica. Otros famosos compositores también fueron masones como su padre  Leopold Mozart, Haydn, Schubert, Liszt, Wagner, Puccini, Sibelius, Satie,... incluso hay indicios que señalan a Bach como un ferviente masón.


Leopold Mozart  (1714-1719) fue un compositor austríaco, además de violinista, profesor y director. Padre de Wolfang Amadeus Mozart, de niño fue tiple de Iglesia y estudió, además de piano y violín, filosofía y derecho, licenciándose en Salzburgo donde residiría toda su vida, dedicándose profesionalmente a la música. A los 28 años se casó con Anna María Pertl con quien tuvo siete hij@s, de l@s que cinco murieron en la infancia. L@s dos que sobrevivieron fueron dos niñ@s prodigio, Maria Anna Ignatia y Wolfgang Amadeus. Al año siguiente de casarse, fue nombrado compositor de la corte del Arzobispo de Salzburgo. Escribió música de cámara, sinfonías, conciertos, canciones, cantatas y misas. La famosa Sinfonía de los juguetes atribuída antiguamente a Haydn y posteriormente a  Leopold Mozart, parece que en realidad fue compuesta por Edmund Angerer (1740-1794). Hoy sugerimos el visionado de un trío de violín, viola de gamba y contrabajo titulado Parthia di rane interpretado por el Trío Sperger y  estructurado en cuatro movimientos: I Moderato. II Pastorella, Larghetto à mezza voce. III Vivace y IV Polonaise.

Leopold Mozart  (1714-1719) fue un compositor austríaco, además de violinista, profesor y director. Padre de Wolfang Amadeus Mozart, de niño fue tiple de Iglesia y estudió, además de piano y violín, filosofía y derecho, licenciándose en Salzburgo donde residiría toda su vida, dedicándose profesionalmente a la música. A los 28 años se casó con Anna María Pertl con quien tuvo siete hij@s, de l@s que cinco murieron en la infancia. L@s dos que sobrevivieron fueron dos niñ@s prodigio, Maria Anna Ignatia y Wolfgang Amadeus. Al año siguiente de casarse, fue nombrado compositor de la corte del Arzobispo de Salzburgo. Escribió música de cámara, sinfonías, conciertos, canciones, cantatas y misas. La famosa Sinfonía de los juguetes atribuída antiguamente a Haydn y posteriormente a  Leopold Mozart, parece que en realidad fue compuesta por Edmund Angerer (1740-1794). Hoy sugerimos el visionado de un trío de violín, viola de gamba y contrabajo titulado Parthia di rane interpretado por el Trío Sperger y  estructurado en cuatro movimientos: I Moderato. II Pastorella, Larghetto à mezza voce. III Vivace y IV Polonaise.


Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … La obra que hoy ofrecemos, Para Elisa, es una bagatela escrita para piano solo y una de las obras más populares de Beethoven. La partitura se dio a conocer 40 años después de su muerte tras encontrarse su manuscrito entre los papeles de una ex alumna. Parece  ser que hubo una confusión debido a las dificultades de lectura que tenía el título y que en lugar de “Fur Elise”, lo que estaba escrito era “Fur Therese”; por lo que la obra debería titularse Para Teresa. Hoy la interpreta Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991. Comenzó a estudiar piano a los tres años matriculándose posteriormente en el Conservatorio de Kiev donde conoció a su marido Alexei Kuznetsoff, también pianista. Lisitsa ha buscado a su audiencia a través de su propio canal en YouTube para el que ha grabado multitud de interpretaciones, siendo en la actualidad la concertista clásica más vista en internet.


Pablo Sorozábal (1897-1988), fue un director de orquesta y compositor nacido en Donostia (San Sebastián); comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián; a los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y a los 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. En 1931 estrena Katiuska, a la que seguirían otras zarzuelas que le darían gran fama como La del manojo de rosas, y La Tabernera del Puerto, entre otras; escribió, además, distintas obras de música vasca, obras para txistu, obras corales y música sinfónica. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich. El Orfeón de Sestao se funda en 1906 como Coro Parroquial de la Iglesia de Sta María con Vitorio Epalza como director obteniendo en 1944 el primer premio de orfeones en Bilbao. En 1973 graban en Madrid dos álbums con la casa Columbia;  uno, con canciones sacras y otro, de música coral vasca. En 1975, al no ser necesaria su presencia en las funciones litúrgicas, se independiza de la Parroquia; desde entonces sus actuaciones se han multiplicado actuando en solitario o con distint@s artistas y formaciones profesionales de gran nivel. Hoy junto con la Banda Municipal de Música de Bilbao nos ofrecen la canción Ay Tierra vasca de Sorozábal.

Pablo Sorozábal (1897-1988), fue un director de orquesta y compositor nacido en Donostia (San Sebastián); comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián; a los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y a los 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. En 1931 estrena Katiuska, a la que seguirían otras zarzuelas que le darían gran fama como La del manojo de rosas, y La Tabernera del Puerto, entre otras; escribió, además, distintas obras de música vasca, obras para txistu, obras corales y música sinfónica. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich. El Orfeón de Sestao se funda en 1906 como Coro Parroquial de la Iglesia de Sta María con Vitorio Epalza como director obteniendo en 1944 el primer premio de orfeones en Bilbao. En 1973 graban en Madrid dos álbums con la casa Columbia;  uno, con canciones sacras y otro, de música coral vasca. En 1975, al no ser necesaria su presencia en las funciones litúrgicas, se independiza de la Parroquia; desde entonces sus actuaciones se han multiplicado actuando en solitario o con distint@s artistas y formaciones profesionales de gran nivel. Hoy junto con la Banda Municipal de Música de Bilbao nos ofrecen la canción Ay Tierra vasca de Sorozábal.


Recommended classical music videos

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Aprovechando estas facultades, su padre, Leopold Mozart, también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales;. Sus óperas La Flauta Mágica que hoy presentamos en esta misma sección, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años. La Sinfonía nº 41, Júpiter, que hoy ofrecemos, es la última sinfonía que compuso Mozart. Parece que fue el empresario musical Johann Peter Salomon quien añadió el epíteto de “Júpiter” a la sinfonía, dando a entender que ésta tenía idénticas características a la del dios supremo y triunfal. Consta de los cuatro movimientos habituales en aquellos tiempos: I Allegro vivace. II Andante cantabile. III Minuetto: Allegretto. IV Molto allegro.  La dirección de la sinfonía  corre a cargo de Simone Young, directora de orquesta australiana, que ha sido directora general de la Ópera de Australia en Sídney, directora ejecutiva de la Ópera Estatal de Hamburgo y directora principal de la Philharmoniker Hamburg; ha sido, además, la primera mujer en dirigir la Filarmónica de Viena y recientemente ha sido nombrada directora musical de la Orquesta Sinfónica de Sydney; cargo que asumirá en 2022.


Johann Sebastian Bach (1685-1750). Nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven; violinista, organista, director, y compositor alemán, nació en Eisenach y falleció en Leipzig; su fama de organista traspasó las fronteras europeas. Perteneció a la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. Empezó a estudiar con su padre y a la muerte de éste continuó con su hermano mayor, Johann Christoph. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y más tarde, como organista; en 1705 obtiene un permiso para trasladarse unos meses a Lübeck a tomar clases de Buxtehude. En 1707 se traslada a Mülhausen como organista y donde se casa con su prima María Bárbara con la que tiene siete hijos (tres de ellos morirían a muy temprana edad). En 1708 deja Mülhausen para trabajar como concertino y organista de la capilla del duque de Weimar donde compone numerosas obras de teclado y orquestales a la vez que tiene ocasión de transcribir y estudiar diversas obras de Vivaldi. En 1714 es premiado con mejoras económicas a la vez que obligado a nuevos requerimientos como la creación de una cantata mensual. En 1717 se le ofrece el cargo de Maestro de Capilla del Príncipe de Köthen, que era el cargo musical mejor remunerado en aquel entonces; aquí compone los Conciertos de Brandemburgo y numerosas obras profanas. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte. Aquí compuso las más importantes obras de teclado, numerosas cantatas, el Oratorio de Navidad, la Pasión de San Mateo, la Pasión de San Juan y la Misa en Si menor, además del Concierto para dos violines que hoy presentamos. Fallece a los 65 años en Leipzig tras un año de ceguera. Prolífico compositor, escribió sonatas, arias, suites, conciertos, cantatas, oratorios, misas y obras de todo tipo de formas musicales de su época; su legado de refinada técnica, está considerado como la cumbre del contrapunto (distintas líneas melódicas que se mueven independientes, guardando, sin embargo, estudiadas relaciones armónicas entre sí) y su influencia ha sido notable en Haydn , Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin… y otros muchos renombrados compositores. El Concierto para dos violines en re menor BWV 1043, que hoy presentamos, fue escrito por Bach en Leipzig entre 1717 y 1723 para dos violines solistas y orquesta de cuerdas; estructurado en tres movimientos a la usanza de aquellos tiempos (rápido-lento-rápido) y considerado como una de las obras maestras del maestro, hoy lo interpretan Arabella Steinbacher y Akiko Suwanai.

Johann Sebastian Bach (1685-1750). Nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven; violinista, organista, director, y compositor alemán, nació en Eisenach y falleció en Leipzig; su fama de organista traspasó las fronteras europeas. Perteneció a la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. Empezó a estudiar con su padre y a la muerte de éste continuó con su hermano mayor, Johann Christoph. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y más tarde, como organista; en 1705 obtiene un permiso para trasladarse unos meses a Lübeck a tomar clases de Buxtehude. En 1707 se traslada a Mülhausen como organista y donde se casa con su prima María Bárbara con la que tiene siete hijos (tres de ellos morirían a muy temprana edad). En 1708 deja Mülhausen para trabajar como concertino y organista de la capilla del duque de Weimar donde compone numerosas obras de teclado y orquestales a la vez que tiene ocasión de transcribir y estudiar diversas obras de Vivaldi. En 1714 es premiado con mejoras económicas a la vez que obligado a nuevos requerimientos como la creación de una cantata mensual. En 1717 se le ofrece el cargo de Maestro de Capilla del Príncipe de Köthen, que era el cargo musical mejor remunerado en aquel entonces; aquí compone los Conciertos de Brandemburgo y numerosas obras profanas. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte. Aquí compuso las más importantes obras de teclado, numerosas cantatas, el Oratorio de Navidad, la Pasión de San Mateo, la Pasión de San Juan y la Misa en Si menor, además del Concierto para dos violines que hoy presentamos. Fallece a los 65 años en Leipzig tras un año de ceguera. Prolífico compositor, escribió sonatas, arias, suites, conciertos, cantatas, oratorios, misas y obras de todo tipo de formas musicales de su época; su legado de refinada técnica, está considerado como la cumbre del contrapunto (distintas líneas melódicas que se mueven independientes, guardando, sin embargo, estudiadas relaciones armónicas entre sí) y su influencia ha sido notable en Haydn , Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin… y otros muchos renombrados compositores. El Concierto para dos violines en re menor BWV 1043, que hoy presentamos, fue escrito por Bach en Leipzig entre 1717 y 1723 para dos violines solistas y orquesta de cuerdas; estructurado en tres movimientos a la usanza de aquellos tiempos (rápido-lento-rápido) y considerado como una de las obras maestras del maestro, hoy lo interpretan Arabella Steinbacher y Akiko Suwanai.


El Poema sinfónico es una obra orquestal de forma libre, generalmente basada en un texto literario, cuyo fin es crear sensaciones o sentimientos mediante el guión preestablecido. El padre del poema sinfónico fue Franz Liszt quien compuso hasta 13 obras de este género; género, que rápidamente se generalizaría a partir del romanticismo. Jean Sibelius (1865-1957) fue un violinista y compositor finlandés, considerado como el referente musical de su país y como uno de los padres de la identidad nacional finlandesa contra la pertenencia a Rusia. Comenzó sus estudios de piano con una tía suya hasta que ingresó en el Conservatorio de Helsinki donde se formó en violín y composición. Sufrió una gran frustración al constatar que había llegado demasiado tarde a los estudios de violín y tener que dedicarse forzosamente sólo a la composición. Tras conseguir una beca, se trasladó a Berlín y más tarde a Viena para perfeccionar sus estudios de composición. Interesado en las voluntades independentistas de su país (entonces pertenecía a Rusia) escribe numerosas obras, en muchas de las cuales prevalece el carácter nacionalista: música de piano, música de cámara, más de 100 canciones para voz y piano, música masónica, trece poemas sinfónicos, siete sinfonías, un concierto de violín, música incidental para teatro, una ópera y otras obras de menor envergadura. La obra que hoy presentamos, Finlandia, es un poema sinfónico compuesto con la idea de avivar los sentimientos patrióticos de independencia de la Rusia a la que entonces pertenecía; de ahí su música grandiosa y alborotada en muchos momentos emulando la rebelión popular hasta que en 3´49´´ empieza a florecer el triunfo. Para evitar la censura, la obra adoptó distintos títulos como “El Despertar de la Primavera Finlandesa”, “Sentimientos Heróicos” o “Nocturno”, hasta que tras la proclamación de su independencia pudo tomar el título deseado. La interpretación corre a cargo de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Caracas bajo la dirección de César Iván Lara.


La Flauta mágica, cuyo visionado hoy sugerimos, es una ópera que fue estrenada en Viena y dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. La ópera, más bien el singspiel (mezcla el texto cantado con texto hablado), fue un encargo de un compañero de logia, el empresario teatral Emanuel Schikaneder quien le escribió él mismo el libreto; eran días de penuria económica y de encargos para Mozart. La obra narra en dos actos la historia de amor entre el príncipe Tamino y la joven Pamina, hija de la Reina de la Noche. Todo comienza cuando la Reina promete a Tamino cederle la mano de su hija para lo que Tamino deberá superar una serie de pruebas que apuntan a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una especie de cuento de hadas con frecuentes escenas cómicas; pero repleto de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales comenzando con los primeros sonidos de la orquesta; tres toques orquestales que reflejan los tres toques que el candidato masón realiza en la puerta para solicitar su admisión. La versión de hoy está dirigida por Wolfgang Sawallisch (1923-2013), pianista y director de orquesta alemán. Comenzó su carrera en el Teatro de la Ópera de Augsburgo, a continuación vendrían los teatros de Aquisgrán, Wiesbaden y Colonia. Fue el director más joven en dirigir la Filarmónica de Berlín, a los 30 años, y de dirigir una ópera en el Festival de Bayreuth, Tristán e Isolda a los 34 años. Fue titular de la Sinfónica de Viena, de la Sinfónica de Hamburgo, de la  Orquesta de la Suisse Romande, de la Orquesta de Filadelfia, director general musical de la Ópera Estatal de Baviera y de la Ópera de Munich.

La Flauta mágica, cuyo visionado hoy sugerimos, es una ópera que fue estrenada en Viena y dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. La ópera, más bien el singspiel (mezcla el texto cantado con texto hablado), fue un encargo de un compañero de logia, el empresario teatral Emanuel Schikaneder quien le escribió él mismo el libreto; eran días de penuria económica y de encargos para Mozart. La obra narra en dos actos la historia de amor entre el príncipe Tamino y la joven Pamina, hija de la Reina de la Noche. Todo comienza cuando la Reina promete a Tamino cederle la mano de su hija para lo que Tamino deberá superar una serie de pruebas que apuntan a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una especie de cuento de hadas con frecuentes escenas cómicas; pero repleto de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales comenzando con los primeros sonidos de la orquesta; tres toques orquestales que reflejan los tres toques que el candidato masón realiza en la puerta para solicitar su admisión. La versión de hoy está dirigida por Wolfgang Sawallisch (1923-2013), pianista y director de orquesta alemán. Comenzó su carrera en el Teatro de la Ópera de Augsburgo, a continuación vendrían los teatros de Aquisgrán, Wiesbaden y Colonia. Fue el director más joven en dirigir la Filarmónica de Berlín, a los 30 años, y de dirigir una ópera en el Festival de Bayreuth, Tristán e Isolda a los 34 años. Fue titular de la Sinfónica de Viena, de la Sinfónica de Hamburgo, de la  Orquesta de la Suisse Romande, de la Orquesta de Filadelfia, director general musical de la Ópera Estatal de Baviera y de la Ópera de Munich.


Recommended music videos for all tastes

Sarah Willis (1969) es una trompista estadounidense que creció en Maryland, Tokio, Boston, Moscú y Londres.  Comenzó a tocar la trompa a los 14 años; a los 22, ingresó en la Ópera estatal de Berlín y a los 32, en la Filarmónica de Berlin donde continúa en la actualidad. En 2017 viaja por primera vez a Cuba a impartir una clase magistral de trompa, momento en el que queda prendado de la musicalidad desbordante de sus habitantes y de la alta preparación técnica de sus músicos; vuelve en tres ocasiones más a impartir otras tantas clases magistrales. De esa convivencia con músic@s cuban@s surge Mozart y Mambo que es una selección musical que combina conciertos para trompa de Mozart con música tradicional cubana. El disco se publicó en 2020 y en él aparece también la Pequeña serenata nocturna en versión mambo. Y del disco, a la actuación: Rondó alla Mambo! Inspirado fundamentalmente en el tercer movimiento del tercer concierto de trompa K. 447  es un flashmob (actuación insólita de un grupo de personas que aparecen y desaparecen repentinamente) escrito por Joshua Davis y Yuniet Lombida Prieto que hace su aparición en las calles de La Habana; el flashmob está interpretado por Sarah Willis e integrantes de la Orquesta Lyceum de la Habana como colofón a la experiencia del “Mozart y Mambo”.


The Corrs es una banda irlandesa compuesta por cuatro herman@s que interpretan desde música tradicional irlandesa hasta pop y rock. A lo largo de su andadura han vendido más de 50 millones de discos; entre 1996 y 2001 obtuvieron 60 discos de platino y han realizado numerosas giras por Asia, América y Europa, habiendo sido galardonados como  miembros de la Orden del Imperio Británico y obtenido además, un premio Billboard, un British Award, dos nominaciones a los Premios Grammy y la mención especial del jurado Premio Ondas.

The Corrs es una banda irlandesa compuesta por cuatro herman@s que interpretan desde música tradicional irlandesa hasta pop y rock. A lo largo de su andadura han vendido más de 50 millones de discos; entre 1996 y 2001 obtuvieron 60 discos de platino y han realizado numerosas giras por Asia, América y Europa, habiendo sido galardonados como  miembros de la Orden del Imperio Británico y obtenido además, un premio Billboard, un British Award, dos nominaciones a los Premios Grammy y la mención especial del jurado Premio Ondas.


Mary Lou Williams (1910-1981) fue una compositora y pianista estadounidense de jazz. A los dieciséis años se casa con el saxofonista John Williams, de quien adopta su apellido; ambos entran a formar parte de la Big Band de Andy Kirk; más tarde entrará a formar parte del  grupo Twelve Clouds of Joy, como arreglista y pianista; en 1942 forma su propio grupo con su segundo marido el trompetista Harold Baker. Mientras tanto realiza arreglos para músicos de la categoría de Louis Armstrong, Benny Goodman o Duke Ellington y más tarde trabaja con Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Bud Powell entre otros músicos. Como pianista fue brillante y como arreglista, innovadora.


Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras con quienes grabaría sus primeros discos; posteriormente colaboró con Fosforito, y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Para entonces ya era también conocido y admirado por el gran público ajeno al tradicional flamenco, lo que le permitió realizar exitosas giras por Europa, América y Japón. Grabó 38 discos y recibió, entre otros galardones,  dos Premios Grammy, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Príncipe de Asturias. Fue, así mismo, nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music.

Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras con quienes grabaría sus primeros discos; posteriormente colaboró con Fosforito, y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Para entonces ya era también conocido y admirado por el gran público ajeno al tradicional flamenco, lo que le permitió realizar exitosas giras por Europa, América y Japón. Grabó 38 discos y recibió, entre otros galardones,  dos Premios Grammy, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Príncipe de Asturias. Fue, así mismo, nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music.


Recommended peculiar videos

Maurice Ravel(1875-1937) nacido en Ziburu, Ciboure, (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. Sus primeras obras nos muestran ya una recia personalidad y un espíritu independiente. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy o viceversa; debate, por cierto, que disgustaba a ambos compositores y que se vería reforzado con la publicación de sus siguientes obras. Sin embargo, su fama estaba ya instalada, hasta el punto de que Serguéi Diágilev, creador de los Ballets Rusos que en esos años estaban en plena efervescencia, le encargó el ballet Daphnis et Chloé, la obra más larga de Ravel, cuyo estreno fue desigualmente recibido, lo que ocasionó una caída de moral en el compositor. Estando en plena segunda guerra mundial se enteró de la muerte de su madre, hecho que le impactó profundamente; tras estos luctuosos sucesos, Ravel siguió trabajando y estrenando distintas obras entre las que se encontraba otra obra maestra, el poema sinfónico La Valse. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión a 30 kilómetros de París, donde se daban cita, a pesar del carácter reservado del compositor, eminentes músicos e intelectuales. En 1928 realizó una gira por Canadá y USA donde convivió con el jazz que tanto le gustaba y contactó con Gershwin. A su vuelta a París compuso la obra que más fama le daría, el Bolero, obra que él no tenía en gran aprecio. En 1932 escribe sus dos conciertos para piano: Concierto para la mano izquierda y Concierto en sol. A partir de 1933 comenzó a tener dificultades con la escritura, el lenguaje y la psicomotricidad; dificultades que iban aumentando a medida que avanzaba el tiempo hasta que fallece a los 62 años. Su legado consta de obras para piano a 2 y a 4 manos, obras de música de cámara, obras orquestales, obras concertantes para piano y violín, canciones para voz y piano, voz y trío o voz y orquesta, una ópera y una fantasía lírica para solistas, coro y orquesta; redujo a piano obras orquestales propias, así como orquestó obras escritas para piano propias y ajenas, entre las que cabe destacar los Cuadros de una exposición de Musorgski. Hoy podemos visionar el famoso Bolero coreografiado por Maurice Bejart e interpretado por Maya Plisetskaya (1925-2015), “prima ballerina assoluta” del Teatro Bolshoi, y Le Ballet du XX e siècle


Instrumentos de terror. Es éste un tipo de vídeo inusual en nuestra página, pero que ilumina nuestra curiosidad por todos aquellos objetos e instrumentos con los que se pueden crear composiciones musicales; vienen a formar parte de ese capítulo especial al que denominamos como peculiar. En el caso presente se nos muestran algunos de los distintos instrumentos utilizados en músicas para películas de terror. Curiosidades que nos llaman la atención y que Mike nos las describe en todas sus facetas

Instrumentos de terror. Es éste un tipo de vídeo inusual en nuestra página, pero que ilumina nuestra curiosidad por todos aquellos objetos e instrumentos con los que se pueden crear composiciones musicales; vienen a formar parte de ese capítulo especial al que denominamos como peculiar. En el caso presente se nos muestran algunos de los distintos instrumentos utilizados en músicas para películas de terror. Curiosidades que nos llaman la atención y que Mike nos las describe en todas sus facetas


Best African Traditional. Son numerosos los pueblos que pululan por el África subsahariano y consecuentemente, son numerosas sus raíces y sus modos de expresión artística; algunas de sus características comunes son el polirritmo  y la articulación total del cuerpo en el baile. Hoy nos acercamos a la tribu Baganda en su aldea de Katooke en el distrito de Mubende - Uganda.


Il Giardino degli Amanti se trata de una suite creada por Massimiliano Volpini con fracciones de composiciones de Mozart en la que van apareciendo distintos personajes de sus obras que bailan las misteriosas e íntimas músicas a las que son invitados. Roberto Bolle (1975) es un bailarín italiano de ballet clásico que ha actuado con las compañías de ballet más renombradas del mundo.  En 2003 recibió el título de étoile del Teatro de La Scala y en 2009 principal dancer del American Ballet Theatre; mientras Nicoletta Manni (1991) es la primera bailarina del Ballet del Teatro La Scala.

Il Giardino degli Amanti se trata de una suite creada por Massimiliano Volpini con fracciones de composiciones de Mozart en la que van apareciendo distintos personajes de sus obras que bailan las misteriosas e íntimas músicas a las que son invitados. Roberto Bolle (1975) es un bailarín italiano de ballet clásico que ha actuado con las compañías de ballet más renombradas del mundo.  En 2003 recibió el título de étoile del Teatro de La Scala y en 2009 principal dancer del American Ballet Theatre; mientras Nicoletta Manni (1991) es la primera bailarina del Ballet del Teatro La Scala.


Recommended music videos for children