El Domingo de Pascua se celebra en el País vasco el Aberri eguna (día de la nación vasca)

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Juan Crisóstomo de Arriaga (1806 - 1826) , conocido por muchos como el Mozart vasco, nació en Bilbao. Su padre, Juan Simón, procedía de Errigoiti, villa cercana a Gernika de donde procedía la madre, Maria Rosa. El padre, organista de Berriatua (pueblecito de Bizkaia), se trasladó a Bilbao para, como buen errigoitiarra, dedicarse a los negocios con los que prosperó y así pudo favorecer el desarrollo educativo de Juan Crisóstomo enviándole con tan sólo 15 años a París a proseguir unos estudios musicales que a la edad de 3 años había comenzado con él y proseguido con el violinista Faustino Sanz; en París seguiría con los estudios de violín además de adentrarse en los de armonía, contrapunto y composición. Pronto llamaría la atención de sus profesores por las capacidades que mostraba, razón por la que al año siguiente fue nombrado professeur repetiteur de contrapunto y fuga. Murió en París 10 días antes de cumplir los 20 años; tras el triste suceso, se envió a casa de sus padres un baúl con algunos de sus objetos personales. Su legado musical, teniendo en cuenta que su producción no es muy amplia debido a su corta vida y a que muchas de sus obras se han perdido, lo podemos clasificar en dos grandes apartados: a) música instrumental y b) música vocal. En el primer apartado destacaremos los Tres cuartetos de cuerda (enlace en autores “Arriaga”, categorías “cuarteto”), el octeto Nada y mucho, escrito a los 11 años, la Obertura nº 1 y la Sinfonía en Re, estructurada en cuatro movimientos. En el capítulo de música vocal, escribió varias arias y cantatas además de música religiosa como O Salutaris hostia y Stabat Mater además de una ópera escrita a los trece años de la que únicamente se conserva su obertura.

Nos referimos a Los esclavos felices escrita a los trece años y que hoy nos la presenta la Orquesta Clásica Santa Cecilia conducida desde el atril de concertino por Florian Donderer.


Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, como amante de la música tocaba el piano, el violín, el violonchelo y la guitarra; a la edad de seis años, Franz Liszt comenzó a escuchar con atención a su padre tocar el piano, al tiempo que mostraba interés por la música sacra y la música romaní. Adam, su padre, conocía la capacidad musical de su hijo y a los siete años le impartió su primera clase de piano. Franz comenzó a componer de manera elemental cuando tenía ocho años, en 1819, y a hacer improvisaciones. Ese mismo año realizó su primera actuación como pianista. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Liszt fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes.

Liebesträume (sueño de amor) es un conjunto de tres nocturnos escritos para piano por Franz Liszt (1811-1886), de los que el nº 3, que hoy sugerimos, es el más conocido; su interpretación corre a cargo de la pianista Vanessa Benelli (1987). Natural de Toscana, Benelli comenzó a tocar el piano a la edad de tres años, iniciando sus estudios musicales integrales y dando su primera aparición pública a los cuatro años. A los siete años, fue admitida excepcionalmente en la Academia Internacional de Piano de Imola. Hizo su debut orquestal como solista a la edad de nueve años seguido de su debut en Nueva York a los once con el pianista Pascal Rogé, quien la describió como "el talento musical más natural que he encontrado en toda mi vida".  En 2007 fue invitada al Conservatorio Tchaikovsky de Moscú antes de continuar sus estudios en el Royal College of Music de Londres, donde se graduó en 2012. Además de sus estudios de piano, continuó estudiando violín, canto, lectura de partituras, composición y dirección. Más tarde realiza su debut en La Scala de Milán y a partir de este momento sus actuaciones se han prodigado por las salas de concierto más prestigiosas de Europa y de China.

Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, como amante de la música tocaba el piano, el violín, el violonchelo y la guitarra; a la edad de seis años, Franz Liszt comenzó a escuchar con atención a su padre tocar el piano, al tiempo que mostraba interés por la música sacra y la música romaní. Adam, su padre, conocía la capacidad musical de su hijo y a los siete años le impartió su primera clase de piano. Franz comenzó a componer de manera elemental cuando tenía ocho años, en 1819, y a hacer improvisaciones. Ese mismo año realizó su primera actuación como pianista. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Liszt fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes.

Liebesträume (sueño de amor) es un conjunto de tres nocturnos escritos para piano por Franz Liszt (1811-1886), de los que el nº 3, que hoy sugerimos, es el más conocido; su interpretación corre a cargo de la pianista Vanessa Benelli (1987). Natural de Toscana, Benelli comenzó a tocar el piano a la edad de tres años, iniciando sus estudios musicales integrales y dando su primera aparición pública a los cuatro años. A los siete años, fue admitida excepcionalmente en la Academia Internacional de Piano de Imola. Hizo su debut orquestal como solista a la edad de nueve años seguido de su debut en Nueva York a los once con el pianista Pascal Rogé, quien la describió como "el talento musical más natural que he encontrado en toda mi vida".  En 2007 fue invitada al Conservatorio Tchaikovsky de Moscú antes de continuar sus estudios en el Royal College of Music de Londres, donde se graduó en 2012. Además de sus estudios de piano, continuó estudiando violín, canto, lectura de partituras, composición y dirección. Más tarde realiza su debut en La Scala de Milán y a partir de este momento sus actuaciones se han prodigado por las salas de concierto más prestigiosas de Europa y de China.


Negro Espiritual es un tipo de canto cristiano, que surgió a finales del siglo XVIII y se desarrolló a comienzos del XIX, en USA. El movimiento del resurgimiento religioso que se extendió por las colonias británicas en USA a comienzos del siglo XVIII, popularizó no sólo los salmos y los himnos cristianos, sino también otro tipo de cánticos espirituales menos tradicionales, que eran cantados en las iglesias del Sur tanto por negros como por blancos y así fueron creando un cancionero propio; en un primer momento, un cancionero muy relacionado con los cantos de trabajo de origen africano, usualmente en forma de llamada y respuesta, con inflexiones, sílabas extendidas y cuartos de tono. Los espirituales son cantos, en cualquier caso, colectivos, con independencia de que existan voces solistas, escritos mayoritariamente en modo mayor con ciertas notas, especialmente la séptima, un semitono más grave que las correspondientes de la escala mayor natural: estas notas rebajadas un semitono se conocen como blue notes, por ser características del Blues.

 

El espiritual  Joshua Fit The Battle Of Jericho  parece que fue una canción de los esclavos estadounidenses de principios del siglo XIX y que ha perdurado con gran popularidad hasta nuestros días. Hoy lo podemos visionar en interpretación de Delta Rhythm Boys que fue un conjunto del siglo pasado formado por un cuarteto vocal y un pianista; sus contundentes éxitos perduraron más de 50 años ininterrumpidos.


Ennio Morricone (1928-2020) director de orquesta y compositor de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión y otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, siendo niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia. A los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco,  para películas de cine. El director de cine Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spaghetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.

La banda sonora de la película La Misión (1986) combina corales litúrgicas, tambores nativos y guitarras españolas en un intento de captar la variedad de culturas que aparecen en la película. La banda sonora fue nominada al Óscar en 1986 y ganó el Globo de Oro a la mejor banda sonora. Nella Fantasia ("En mi fantasía"), que hoy presentamos, es una canción cantada en italiano basada en el tema Gabriel's Oboe de la película La Misión. Con la música de Ennio Morricone y letra de Chiara Ferrau, esta canción es muy popular entre los cantantes clásicos, y fue lanzada originalmente en 1998 por Sarah Brightman. Otros artistas han interpretado la canción también. Hoy la sugerimos con la violinista Mari Samuelsen y la soprano Sylvia Schwartz.

Ennio Morricone (1928-2020) director de orquesta y compositor de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión y otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, siendo niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia. A los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco,  para películas de cine. El director de cine Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spaghetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.

La banda sonora de la película La Misión (1986) combina corales litúrgicas, tambores nativos y guitarras españolas en un intento de captar la variedad de culturas que aparecen en la película. La banda sonora fue nominada al Óscar en 1986 y ganó el Globo de Oro a la mejor banda sonora. Nella Fantasia ("En mi fantasía"), que hoy presentamos, es una canción cantada en italiano basada en el tema Gabriel's Oboe de la película La Misión. Con la música de Ennio Morricone y letra de Chiara Ferrau, esta canción es muy popular entre los cantantes clásicos, y fue lanzada originalmente en 1998 por Sarah Brightman. Otros artistas han interpretado la canción también. Hoy la sugerimos con la violinista Mari Samuelsen y la soprano Sylvia Schwartz.


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Jesus Guridi (1886-1961) fue compositor nacido en Vitoria-Gazteiz en una familia eminentemente musical, de modo que fueron sus padres quienes le iniciaron en dicha senda. Tras trasladarse la familia a Madrid, Guridi ingresó en el Conservatorio; sin embargo, no les fue bien la economía a l@s progenitores, por lo que se movieron a Bilbao donde se asentaron gracias a la ayuda de l@s parientes; en Bilbao, aún se acordaban del organista Ledesma, bisabuelo de Guridi. Con sólo quince años ofreció su primer concierto público con obras suyas; con Txalupan para voz y piano se hizo merecedor del premio del concurso Plácido Allende. Gracias al mecenas, el Conde de Zubiría, pudo trasladarse a París e ingresar en la Schola Cantorum donde estudió piano, órgano, contrapunto y composición, a la vez que seguía elaborando sus trabajos de composición. Fue en París precisamente donde inició su amistad con el sacerdote y musicólogo Resurrección María de Azkue, amistad que duraría toda la vida. En 1906, tras terminar sus estudios en la Schola Cantorum,  se trasladan ambos a Bélgica para profundizar en los estudios de  órgano y de composición. Poco después coronaría sus estudios en Colonia y Munich. De vuelta a Bilbao, ya con 21 años, da a conocer sus nuevas obras gracias a la Sociedad Filarmónica, que suponen un éxito que le anima a seguir componiendo; se hace cargo, como director, de la Sociedad Coral de Bilbao, trabajo que compagina con el de organista en la Basílica (ahora, Catedral) de Santiago. En 1939 se traslada con su familia a Madrid como profesor de armonía y director del Conservatorio y donde escribe algunas de sus obras más relevantes. Toda su música está impregnada de la esencia de la música vasca y abarca todo tipo de géneros instrumentales y vocales: obras para piano y órgano, obras corales a capella y acompañadas, música de cámara y sinfónica, zarzuelas y óperas. De todas ellas, las más relevantes son la zarzuela El Caserío, la ópera Amaya xy las Diez Melodías Vascas, que hoy sugerimos. Murió en Madrid el 7 de Abril de 1961.

La obra las Diez melodías vascas fue estrenada el 12 de diciembre de 1941, en el Cine Monumental de Madrid, por la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Jordá; sus diez melodías son: I Narrativa (0´33´´). II Amorosa (1´55´´). III Religiosa (4´30´´). IV Epitalámica (7´05´´). V De Ronda (8´20´´). VI Amorosa (9´20´´). VII De Ronda (13´15´´). VIII Danza (14´40´´). IX Elegíaca (16´55´´). X Festiva (19´45´´). Hoy podemos escucharla en versión de la Orquesta Sinfónica de Euskadi bajo la conducción del maestro Miguel Ángel Gómez Martínez.


Sergey Taneyev (1856-1915) pianista y compositor. A los 10 años ingresó en el Conservatorio de Moscú, donde fue alumno de Chaikovsky. A los 19 años comenzó su carrera como concertista de piano; estrenó los dos primeros conciertos para piano de Chaikovsky; fue profesor en el Conservatorio de Moscú donde tuvo como alumnos a Scriabin, Rajmáninov, y Glière entre otros; compuso distintas obras de cámara, cuatro sinfonías, una suite concertante para violín y orquesta (que hoy ofrecemos), un concierto para piano y orquesta y otras obras orquestales, además de dos cantatas y una ópera, Oresteia, a la que Taneyev consideraba como su mejor composición.

La Suite de Concierto o suite concertante para violín y orquesta de Taneyev, que hoy presentamos, está escrita en cinco movimientos llenos de interés y de contrastes estructurales y melódicos en los que la orquesta arropa el protagonismo del violín obteniendo como resultado  una música relajada y placentera. Sus movimientos son: I Preludio (0´4´´). II Gavota (7´ 30´´). III Cuento de Hadas (13´27´´). IV Tema y variaciones (21´49´´). V Tarantela (36´42´´). Annelle Kazumi Gregory es una violinista estadounidense laureada con importantes premios internacionales y especializada en música de autores rusos. Ha actuado como solista con las principales orquestas americanas y europeas  y hoy la tenemos como solista de la suite.

Sergey Taneyev (1856-1915) pianista y compositor. A los 10 años ingresó en el Conservatorio de Moscú, donde fue alumno de Chaikovsky. A los 19 años comenzó su carrera como concertista de piano; estrenó los dos primeros conciertos para piano de Chaikovsky; fue profesor en el Conservatorio de Moscú donde tuvo como alumnos a Scriabin, Rajmáninov, y Glière entre otros; compuso distintas obras de cámara, cuatro sinfonías, una suite concertante para violín y orquesta (que hoy ofrecemos), un concierto para piano y orquesta y otras obras orquestales, además de dos cantatas y una ópera, Oresteia, a la que Taneyev consideraba como su mejor composición.

La Suite de Concierto o suite concertante para violín y orquesta de Taneyev, que hoy presentamos, está escrita en cinco movimientos llenos de interés y de contrastes estructurales y melódicos en los que la orquesta arropa el protagonismo del violín obteniendo como resultado  una música relajada y placentera. Sus movimientos son: I Preludio (0´4´´). II Gavota (7´ 30´´). III Cuento de Hadas (13´27´´). IV Tema y variaciones (21´49´´). V Tarantela (36´42´´). Annelle Kazumi Gregory es una violinista estadounidense laureada con importantes premios internacionales y especializada en música de autores rusos. Ha actuado como solista con las principales orquestas americanas y europeas  y hoy la tenemos como solista de la suite.


George Gershwin (1898 –1937), compositor estadounidense hijo de emigrantes rusos de origen judío, es conocido y apreciado por haber sabido conjugar el jazz con la música clásica. Desde niño se esforzó en el estudio del piano y ya desde joven empezó a escribir sus primeras canciones llegando a estrenar en Broadway su primer musical con su hermano Ira como letrista, compañía que nunca abandonaría. A partir de los veinte años empezó a componer, además, obras pensadas para salas de conciertos con las que obtenía renombrados éxitos. A pesar de ello y consciente de sus déficits formales viajó a París a completar su formación con Stravinski quien tras preguntarle por el dinero ganado en un año le contestó que era él quien debiera tomar clases con Gerswhin. Con Ravel le sucedió algo parecido, pues le espetó aquello de “¿Para qué quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?” Así que al poco volvió a USA para trabajar y estrenar la ópera Porgy and Bess perfecta fusión del jazz y góspel americanos con el sinfonismo europeo. Al poco tiempo un tumor cerebral acabó con su vida.  

Rhapsody in Blue. La obra que hoy presentamos, fue escrita en principio para piano solista y banda de jazz y arreglada para piano y orquesta en 1946 por Ferde Grofé (1892-1972), que es la versión que habitualmente, y hoy, se ofrece. La obra despertó cierta polémica en su estreno; pero en poco tiempo se impuso su frescura e imaginación llegando a ocupar uno de los primeros puestos de preferencia de l@s mejores pianistas y orquestas. La solista de hoy, Lola Astanova, (1982) es una pianista nacida en Uzbekistán (antes perteneciente a Rusia). A la edad de los ocho años realizaba ya giras como concertista asombrando al público de media Europa por su técnica e imaginación infantil. Ha actuado en las mejores salas del mundo tanto sola como bajo la batuta de los principales directores de orquesta.


Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica también a la composición de oratorios y cantatas que junto con las óperas fueron la base principal de su producción musical, entre las que hemos de destacar su obra cumbre el Oratorio El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la Orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. A los tres años viajó a Italia; primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera, cargo que ocuparía hasta su muerte en 1759. 

La Resurrección, que hoy sugerimos, es un oratorio de  Haendel escrito en dos partes sobre un libreto de Carlo Sigismondo Capece, poeta en la corte de la reina María Casimira de Polonia que entonces estaba exiliada en Roma. La primera interpretación tuvo lugar en el palacio Bonelli de Roma, el domingo de Pascua el 8 de abril de 1708, gracias al apoyo del fastuoso marqués Francesco Maria Marescotti Ruspoli que daba alojamiento al músico. La obra narra los acontecimientos que suceden del Viernes Santo al Domingo de Pascua, al modo de una ópera; pero sin representación escénica. Comprende recitativos que hacen progresar la acción y arias da capo que permiten la expresión de los sentimientos y de las reflexiones suscitadas por los misterios de la Pasión y de la Resurrección de Cristo. Los personajes son Lucifer (bajo), María Magdalena (soprano), un ángel (soprano), el apóstol San Juan (tenor) y María, mujer de Cleofás (contralto). Hoy está conducido por el maestro checo Václav Luks (1970).

Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica también a la composición de oratorios y cantatas que junto con las óperas fueron la base principal de su producción musical, entre las que hemos de destacar su obra cumbre el Oratorio El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la Orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. A los tres años viajó a Italia; primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera, cargo que ocuparía hasta su muerte en 1759. 

La Resurrección, que hoy sugerimos, es un oratorio de  Haendel escrito en dos partes sobre un libreto de Carlo Sigismondo Capece, poeta en la corte de la reina María Casimira de Polonia que entonces estaba exiliada en Roma. La primera interpretación tuvo lugar en el palacio Bonelli de Roma, el domingo de Pascua el 8 de abril de 1708, gracias al apoyo del fastuoso marqués Francesco Maria Marescotti Ruspoli que daba alojamiento al músico. La obra narra los acontecimientos que suceden del Viernes Santo al Domingo de Pascua, al modo de una ópera; pero sin representación escénica. Comprende recitativos que hacen progresar la acción y arias da capo que permiten la expresión de los sentimientos y de las reflexiones suscitadas por los misterios de la Pasión y de la Resurrección de Cristo. Los personajes son Lucifer (bajo), María Magdalena (soprano), un ángel (soprano), el apóstol San Juan (tenor) y María, mujer de Cleofás (contralto). Hoy está conducido por el maestro checo Václav Luks (1970).


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Ez dok amairu (“no hay trece”: no hay maleficios) fue un grupo de intelectuales, artistas y cantautores vasc@s, mayoritariamente guipuzcoan@s, surgido en 1966 y que perduró hasta 1972; grupo que buscaba revitalizar desde diversos ámbitos la cultura vasca, muy reprimida durante la dictadura franquista, haciendo especial hincapié en la recuperación y dignificación de la lengua vasca y difundiendo mensajes de justicia y libertad sociales y políticas para el Pueblo Vasco. Mikel Laboa (1934-2008) fue uno de los más importantes cantautores en euskera del final del siglo XX. Considerado como el patriarca de la música vasca, su música ha influido en las generaciones más jóvenes. Su álbum Bat-Hiru fue elegido en el Diario Vasco por votación popular como el mejor álbum vasco de la historia. Nacido en Donostia/San Sebastián, pasó dos años de su niñez en la localidad vizcaína de Lekeitio. Estudió Medicina y Psiquiatría en Iruña/Pamplona y combinó siempre su carrera artística con la de médico. Su música puede ser definida como una combinación de tradición, poesía y experimentalismo, al estilo de los cantautores de las décadas de los 60 y 70, pero dotado de un fuerte toque personal y una voz muy particular. El 11 de julio de 2006 ofreció su última actuación, teloneando a Bob Dylan en un Concierto por la Paz que se celebró en la ciudad de Donostia.

El vídeo que hoy ofrecemos consta de dos canciones. Txoria txori es un poema vasco escrito por Joxean Artze en 1957 y musicalizado por Mikel Laboa en 1968.  “Si le hubiera cortado las alas habría sido mío, no se me habría escapado. Pero así, habría dejado de ser pájaro”. Artze tenía 25 años cuando escribió este poema que trata sobre la libertad y sobre la posesión, el dominio y el respeto entre las personas y animales. Laboa creó la canción dedicada a la libertad negada, canción que se podía interpretar como «un acto de resistencia contra las leyes del régimen de Franco». Baga, biga, higa es una canción compuesta por Mikel Laboa en 1969. La letra procede de dos poemas onomatopéyicos procedentes del folklore tradicional vasco publicados por Manuel Lekuona en su libro Literatura oral vasca. La letra de la canción es una suerte de trabalenguas en euskera y no tiene una traducción lógica; sin embargo se pueden encontrar los siguientes elementos: las dos primeras letras de las diez primeras palabras (baga, biga, higa, laga, boga, sega, zai, zoi, bele, harma) coinciden con las dos primeras letras de cada uno de los diez primeros números en euskera (bat, bi, hiru, lau, bost, sei, zazpi, zortzi, bederatzi, hamar); además la palabra correspondiente a bederatzi (nueve) es bele (cuervo) y la correspondiente a hamar (diez) es harma, cuyo significado en euskera y castellano coinciden: arma, tiro, ¡pum!. En la ejecución de ambas canciones están presentes Mikel Laboa como solista, el Orfeón Donostiarra y la Sinfónica de Euskadi; todos ell@s dirigidos por Víctor Pablo Pérez.


Toni Braxton (1967) es una cantante, escritora, pianista, actriz y filántropa estadounidense. Braxton ha sido galardonada con siete American Music Awards, cinco Billboard Music Awards y siete premios Grammy a lo largo de toda su carrera. En 2017 recibió el premio leyenda en los Soul Train Music Awards, además de ser la primera mujer en recibir dicho premio. Braxton comenzó su carrera como solista en 1993, publicando su homónimo álbum debut que alcanzó el número uno en la lista Billboard 200 de los discos más vendidos en USA. El éxito continuó con su segundo álbum Secrets el cual contiene la canción Un-Break My Heart, balada que se convirtió en todo un éxito mundial y logró posicionar a Toni Braxton como una estrella internacional. Braxton publica un nuevo álbum The Heat, lanzado en el año 2000 el cual logra repetir el éxito de sus antecesores. En la actualidad es  una de las mayores exponentes del género R&B con una demoledora fuerza rítmica y añoranzas del jazz.

Toni Braxton (1967) es una cantante, escritora, pianista, actriz y filántropa estadounidense. Braxton ha sido galardonada con siete American Music Awards, cinco Billboard Music Awards y siete premios Grammy a lo largo de toda su carrera. En 2017 recibió el premio leyenda en los Soul Train Music Awards, además de ser la primera mujer en recibir dicho premio. Braxton comenzó su carrera como solista en 1993, publicando su homónimo álbum debut que alcanzó el número uno en la lista Billboard 200 de los discos más vendidos en USA. El éxito continuó con su segundo álbum Secrets el cual contiene la canción Un-Break My Heart, balada que se convirtió en todo un éxito mundial y logró posicionar a Toni Braxton como una estrella internacional. Braxton publica un nuevo álbum The Heat, lanzado en el año 2000 el cual logra repetir el éxito de sus antecesores. En la actualidad es  una de las mayores exponentes del género R&B con una demoledora fuerza rítmica y añoranzas del jazz.


Pepe Habichuela (1944) es un guitarrista gitano de flamenco nacido en Granada. Pertenece a una dinastía flamenca iniciada por su abuelo, conocido como Habichuela el Viejo (de quien tomó el apodo), y continuada por su padre José Carmona y sus tres hermanos Juan, Carlos y Luis. Es padre de José Miguel Carmona Josemi, quien junto a Juan José Carmona El Camborio y Antonio Carmona (hijos de su hermano Juan Habichuela) integraron el exitoso grupo musical de flamenco-fusión Ketama. Sus inicios artísticos tuvieron lugar en Granada. En 1964 se trasladó a Madrid donde actuó en varios tablaos flamencos y compartió cartel con artistas reconocidos como Juanito Valderrama, Camarón de la Isla y Enrique Morente. Desde 2014 acude anualmente a Pamplona para participar en el festival de Flamenco On Fire. Por otro lado, Dave Holland (1946) es un bajista y compositor vanguardista de jazz. Ha tocado y grabado discos con otros afamados músicos de jazz, como director y como acompañante; ha trabajado junto a Miles Davis, Stan Getz, Chick Corea, Anthony Braxton, Pepe Habichuela y otros notables músicos

Jazz Baltica es un festival de jazz que se inició en 1990 en Schloss Salzau (Palacio de Salzau) cerca de Kiel, Alemania, y la costa del Mar Báltico. En 2012 se trasladó al puerto de Niendorf, un balneario cerca de Lübeck. El festival atrae a músicos de jazz de todo el mundo y es un evento destacado en el calendario anual de jazz.  El festival tiene lugar alrededor del último fin de semana de junio. Lo que hace que este festival sea tan único es su naturaleza íntima debido a las salas de conciertos relativamente pequeñas, lo que limita el número de asistentes a varios miles en un día determinado. Esto les da a los asistentes un acceso inusualmente cercano a artistas de jazz. Se concentra en la música desde el bebop hasta el jazz contemporáneo con un toque de músicas del mundo. En Jazz Baltica 2010 es de destacar el trabajo del guitarrista de flamenco Pepe Habichuela y el bajista de jazz Holland Dave que nos ofrecen estos deliciosos minutos de fusión de flamenco y jazz.


Natti Natasha es una cantante y compositora dominicana de reguetón, pop latino y bachata. La artista, que incurrió en el reguetón y pop latino durante su desarrollo artístico, ha sido premiada en los premios Reggaeton Italia Awards, Billboard y Premios Tu Mundo, entre otras importantes celebraciones que reconoce el talento latino. A los 8 años de edad sus padres deciden inscribirla en la Escuela de Bellas Artes de Santiago para tomar clases de canto, perfeccionando sus dotes vocales. A la edad de 18 años, comienza a escribir y a grabar sus propias canciones en su natal Santiago y formar parte del grupo musical D'Style y posteriormente del grupo Ingco Crew; ambos grupos terminaron disolviéndose. Como resultado, decide poner en una breve pausa su corta trayectoria musical para tiempo después retomar su carrera como solista en el género urbano. Al poco tiempo, uno de sus temas, comenzó a escucharse, hasta llegar a Don Omar, quien quedó impresionado con su talento y decidió firmarla en su sello. En 2011, colaboró con Don Omar en la canción Dutty Love, tema que le hizo ganar tres premios Billboard Latinos y su voz fue incluida en otras canciones y remezclas; en 2014, concluyó su contrato con Don Omar. En 2017, publicó su canción Criminal junto a Ozuna, canción que logró posicionarse en el puesto 5 de la lista de Hot Latin Songs y alcanzar los dos mil millones de visitas en Youtube.  En 2018, se convirtió en la mujer más vista de YouTube.

En 2019 lanzó su primer álbum de estudio titulado Iluminatti, que hoy ofrecemos,  alcanzando el número tres de la lista estadounidense Top Latin Albums de Billboard.

Natti Natasha es una cantante y compositora dominicana de reguetón, pop latino y bachata. La artista, que incurrió en el reguetón y pop latino durante su desarrollo artístico, ha sido premiada en los premios Reggaeton Italia Awards, Billboard y Premios Tu Mundo, entre otras importantes celebraciones que reconoce el talento latino. A los 8 años de edad sus padres deciden inscribirla en la Escuela de Bellas Artes de Santiago para tomar clases de canto, perfeccionando sus dotes vocales. A la edad de 18 años, comienza a escribir y a grabar sus propias canciones en su natal Santiago y formar parte del grupo musical D'Style y posteriormente del grupo Ingco Crew; ambos grupos terminaron disolviéndose. Como resultado, decide poner en una breve pausa su corta trayectoria musical para tiempo después retomar su carrera como solista en el género urbano. Al poco tiempo, uno de sus temas, comenzó a escucharse, hasta llegar a Don Omar, quien quedó impresionado con su talento y decidió firmarla en su sello. En 2011, colaboró con Don Omar en la canción Dutty Love, tema que le hizo ganar tres premios Billboard Latinos y su voz fue incluida en otras canciones y remezclas; en 2014, concluyó su contrato con Don Omar. En 2017, publicó su canción Criminal junto a Ozuna, canción que logró posicionarse en el puesto 5 de la lista de Hot Latin Songs y alcanzar los dos mil millones de visitas en Youtube.  En 2018, se convirtió en la mujer más vista de YouTube.

En 2019 lanzó su primer álbum de estudio titulado Iluminatti, que hoy ofrecemos,  alcanzando el número tres de la lista estadounidense Top Latin Albums de Billboard.


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Godalet Dantza junto con la danza de salto Bralea, es la actuación más importante de las mascaradas ( carnavales) de Zuberoa (Soule, en francés, es una de las provincias del Norte del País Vasco); se dice que fue el pueblo de Barkoxe quien creó esta danza. Antiguamente las mascaradas de Zuberoa se celebraban por la mañana; tras la representación, los actores de las mascaradas solían irse a comer o se reunían en la plaza del pueblo para disfrutar de las viandas que les habían regalado a lo largo de la mañana. Aseguran nuestros mayores que fue durante esos encuentros cuando se creó el Godalet Dantza. A modo de juego, alguno de los jóvenes comenzó a bailar alrededor de un vaso o godalet y bailó los pasos de la danza (püntü - punto en euskera zuberotarra) que conocía. Le siguieron los demás dantzaris y, de ese modo, el juego llegó a convertirse en baile y terminó por extenderse por toda Zuberoa. Todos los dantzaris se esfuerzan en ofrecer sus mejores pasos, aunque los zuberotarras saben bien que es más difícil bailar alrededor del vaso que colocarse sobre él, aunque son estos últimos pasos los que el público más ansía ver y también los que más aprecia. En otro tiempo, ese tipo de paso no estaba permitido en los concursos de baile de Zuberoa, con lo que los dantzaris no debían posarse sobre el vaso. Hoy día, sin embargo, los mejores dantzaris realizan excelentes proezas subidos encima del godalet. (Texto extractado de  Auñamendi Eusko Entziklopedia)

Elai Alai Dantza Taldea es un grupo de danzas vascas nacido en Portugalete, Bizkaia, en 1962; desde entonces la personalidad y prestigio del grupo se han consolidado dentro y fuera de las fronteras del País Vasco, gracias a un callado pero constante trabajo de recuperación, conservación y expansión del rico folklore vasco. Hoy nos ofrece esta cuidada coreografía de Godalet Dantza.


Romualdo Marenco (1841 - 1907) fue un compositor italiano conocido principalmente por su música de ballet. Marenco inició su carrera musical como violinista en el Teatro Doria de Génova. Su primera composición fue el ballet Garibaldi's Landing in Marsala. Fue nombrado director de orquesta de La Scala de Milán y también dirigió su compañía de ballet durante siete años. Sus ballets más conocidos fueron escritos en colaboración con el coreógrafo Luigi Manzotti durante ese período; sobre todo es recordado por el ballet Excelsior, compuesto en 1881.

El Ballet Excelsior es un homenaje al progreso científico e industrial del siglo XIX, desde la luz eléctrica hasta el telégrafo, la máquina de vapor, el túnel ferroviario Fréjus y el Canal de Suez. Como tal, presagia el movimiento futurista. En los primeros nueve meses, se representó 100 veces en Italia y en el extranjero. El Galop (palabra que procede de “galope”) es una danza de música alegre y ligera en su origen francesa y de procedencia campestre. Hoy ofrecemos el Galop Excelsior que forma parte del Ballet Excelsior del  compositor Romualdo Marenco en interpretación del Cuerpo de Baile del Ballet del Teatro de La Scala de Milán.

Romualdo Marenco (1841 - 1907) fue un compositor italiano conocido principalmente por su música de ballet. Marenco inició su carrera musical como violinista en el Teatro Doria de Génova. Su primera composición fue el ballet Garibaldi's Landing in Marsala. Fue nombrado director de orquesta de La Scala de Milán y también dirigió su compañía de ballet durante siete años. Sus ballets más conocidos fueron escritos en colaboración con el coreógrafo Luigi Manzotti durante ese período; sobre todo es recordado por el ballet Excelsior, compuesto en 1881.

El Ballet Excelsior es un homenaje al progreso científico e industrial del siglo XIX, desde la luz eléctrica hasta el telégrafo, la máquina de vapor, el túnel ferroviario Fréjus y el Canal de Suez. Como tal, presagia el movimiento futurista. En los primeros nueve meses, se representó 100 veces en Italia y en el extranjero. El Galop (palabra que procede de “galope”) es una danza de música alegre y ligera en su origen francesa y de procedencia campestre. Hoy ofrecemos el Galop Excelsior que forma parte del Ballet Excelsior del  compositor Romualdo Marenco en interpretación del Cuerpo de Baile del Ballet del Teatro de La Scala de Milán.


Los orígenes de las Danzas Tradicionales Japonesas se remontan a las danzas ceremoniales que se hacían para la Corte, a los bailes de fiestas populares y las Ennen, que son danzas budistas. Además, el teatro japonés Kabuki está muy unido a estas danzas tradicionales, ya que ambos dejan a un lado todo lo superficial y siguen la filosofía budista de “acercar el alma al cielo”. Las danzas tradicionales japonesas consisten en movimientos lentos de bailarines que se mantienen firmes y sólidos sobre el suelo, desplazando los pies en pasos cortos con las piernas inclinadas. Los movimientos de la cabeza también juegan un papel importante, dado que transmiten la energía y la expresión del espíritu japonés. A ojos del espectador, los movimientos resultan muy lentos, pero requieren una disciplina ejemplar para conseguir unas posturas especiales y únicas. Dependiendo del tipo de movimientos que lleven a cabo los bailarines, se pueden encontrar 3 estilos de baile oriental: Mai, que son movimientos lentos y solemnes; Odori, una danza rápida y muy alegre; y Shosa, donde se expresan sentimientos y emociones.

El kimono es el traje japonés por excelencia y por supuesto, se utiliza en todas estas danzas. El kimono siempre va acorde con la edad del bailarín, el lugar donde se actúa y la época del año en que se encuentra, vistiendo por ejemplo de rosa en primavera o con colores ocre en otoño. El lugar donde se representa la danza también influye en el vestuario. Si la escena es en el exterior, los bailarines llevan sandalias de madera, pero para bailes interiores, visten medias tabi. En cuanto al maquillaje y al pelo de las bailarinas, los japoneses son muy tradicionales: la cara se pinta de blanco y se resaltan cejas, ojos y labios para dar una apariencia de piel de porcelana. Además, se utilizan pelucas de la Edad Media japonesa llamadas katsura que suelen ser cortas y de color negro. (Comentarios extractados del Blog de Asia Gardens Hotel)

Meiji Jingu es un santuario sintoísta dedicado a los espíritus deificados del Emperador Meiji y su mujer, la Emperatriz Shōken. ubicado en Shibuya (Tokio).

Después de la muerte del emperador en 1912, la Asamblea Nacional de Japón aprobó una resolución que quería conmemorar su papel en la Restauración Meiji. Un campo de lirios en una zona de Tokio que el Emperador Meiji y la Emperatriz Shōken tenían costumbre de visitar fue escogida como emplazamiento final. La construcción comenzó en 1915 y fue finalizada en 1921. El vídeo que hoy presentamos ofrece las  danzas folclóricas tradicionales que celebran el cumpleaños del Emperador. Este es un evento raro que alberga a varios grupos que actúan en el escenario durante el Festival de Otoño.


Felix Mendelssohn (1809-1847) fue pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Hijo de una familia de banqueros judíos mudados al luteranismo y niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades; hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn. Nacido en Hamburgo, cuando tenía dos años su familia se trasladó a Berlín, recibió clases de piano de su madre y con siete años tenía su profesora particular. A los dieciocho años empezó a recibir clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y sus pasajes fugados, un dominio del contrapunto. Fue un compositor prematuro y prolífico pues ya a los 11 años había compuesto cuatro piezas para órgano, una sonata para piano y violín, un trío con piano, una cantata y una opereta cómica. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.

El sueño de una noche de verano, que hoy presentamos,  es una obra musical de Mendelssohn basada en la obra homónima de teatro de Shakespeare (1564-1616). La escribió a los 17 años para una representación teatral, aunque en la presente versión se trata de una obra de ballet en dos actos coreografiada por

George Balanchine (1940-1983), maestro ruso de ballet que hace de puente entre el ballet clásico y el moderno; uno de los principales maestros del siglo XX. La interpretación corre a cargo de Alessandra Ferri, Roberto Bolle y el Cuerpo de baile y la Sinfónica del Teatro de La Scala de Milán.

Felix Mendelssohn (1809-1847) fue pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Hijo de una familia de banqueros judíos mudados al luteranismo y niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades; hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn. Nacido en Hamburgo, cuando tenía dos años su familia se trasladó a Berlín, recibió clases de piano de su madre y con siete años tenía su profesora particular. A los dieciocho años empezó a recibir clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y sus pasajes fugados, un dominio del contrapunto. Fue un compositor prematuro y prolífico pues ya a los 11 años había compuesto cuatro piezas para órgano, una sonata para piano y violín, un trío con piano, una cantata y una opereta cómica. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.

El sueño de una noche de verano, que hoy presentamos,  es una obra musical de Mendelssohn basada en la obra homónima de teatro de Shakespeare (1564-1616). La escribió a los 17 años para una representación teatral, aunque en la presente versión se trata de una obra de ballet en dos actos coreografiada por

George Balanchine (1940-1983), maestro ruso de ballet que hace de puente entre el ballet clásico y el moderno; uno de los principales maestros del siglo XX. La interpretación corre a cargo de Alessandra Ferri, Roberto Bolle y el Cuerpo de baile y la Sinfónica del Teatro de La Scala de Milán.


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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.