Hoy, Domingo de Ramos, comienza la Semana Santa

Recommended music videos for initiation to classical music

Tomás Luis de Victoria (1548 - 1611) fue un sacerdote católico, maestro de capilla y célebre compositor polifonista del renacimiento español nacido en Ávila. A la edad de 7-8 años entró en el coro de la catedral de Ávila, donde sintió vocación por el sacerdocio y a finales de 1558 entra al servicio de la Catedral. Los primeros conocimientos musicales los recibe allí del Maestro de Capilla Jerónimo de Espinar; pero el que se encargó de la formación musical de Victoria, fue el posterior Maestro de Capilla Juan Navarro Hispalensis. A la edad de 19 años, decide partir a Roma entrando en el Colegio Germánico para consolidar su vocación sacerdotal y profundizar sus conocimientos musicales, esta vez, gracias al ilustre compositor Palestrina. En el año 1569, sin abandonar las clases del Colegio Romano, toma el cargo de Cantor y al mismo tiempo organista de la Iglesia nacional de los Aragoneses en Roma, Santa María de Montserrat. Allí continuó como maestro de capilla por lo menos hasta mediados de 1572, lo que le permitió dedicarse por completo al estudio y a la composición de obras musicales, que aparecerían muy pronto y manifestarían el intenso trabajo de Victoria entre 1571 y 1572. En mayo de 1585, Victoria regresa a España; en 1587 Felipe II lo nombra capellán de su hermana, la emperatriz María de Austria, en el Monasterio de las Descalzas Reales, donde trabajó durante 24 años; de ellos, 17 como capellán de la emperatriz hasta su muerte en 1603 y, después, a partir de 1606, como organista del monasterio. A principios de 1592 vuelve a Roma para  regresar de nuevo a la Corte española en 1595, donde figurará nuevamente como Capellán de la Emperatriz y ya posteriormente como organista en las Descalzas Reales hasta el día de su muerte en 1611. Victoria está considerado como uno de los compositores más relevantes y avanzados de su época, con un estilo innovador que anunció el inminente barroco. Su influencia llega hasta el siglo XX, cuando fue tomado como modelo por los compositores del cecilianismo (movimiento musical católico cuyo nombre proviene de “Santa Cecilia” y que abarca desde finales del siglo XIX hasta la segunda década del siglo XX; su objetivo era salirse de la música religiosa romántica considerada como excesivamente operística y volver a la interpretación en la liturgia del canto gregoriano y de las obras de los grandes polifonistas del Renacimiento).

Caligaverunt oculi mei, escrito para coro de cuatro voces mixtas, dice el texto: “Se nublaron mis ojos a causa del llanto, porque se había alejado de mí aquél que me consolaba. Ved, pueblos todos, si existe dolor semejante al mío. Vosotros todos, los que pasáis por el camino, prestad atención y ved si existe dolor semejante al mío. Se nublaron mis ojos a causa del llanto, porque se había alejado de mí aquél que me consolaba. Ved, pueblos todos, si existe dolor semejante al mío”. Hoy lo ofrecemos en versión del coro valenciano Victoria Musicae dirigido por su titular Josep Ramón Gil-Tàrrega.


La Zarzuela barroca. La extraordinaria popularidad y calidad del teatro español del XVII (Calderón de la Barca, Lope de Vega…), del que la música era parte imprescindible, y los sucesivos intentos de trasplantar a la corte española la ópera italiana, dieron como resultado una amplia variedad de géneros músico-teatrales, uno de los cuales fue la Zarzuela. En principio, de temática mitológica (aunque con personajes populares y tramas amorosas), incluía completas escenas habladas, arias a la italiana, tonadas con copla y estribillo, coros a cuatro voces, duos, danzas, frecuentes  elementos burlescos y, raramente, recitativos. Realizadas por músicos de la corte, las zarzuelas estaban destinadas a un público amplio pero cortesano. Para las décadas en torno a 1700 la zarzuela se había convertido en imprescindible en toda fiesta cortesana de importancia, y su estilo musical se vería italianizado ya en el XVIII.

La interpretación de hoy corre a cargo de la soprano navarra María Bayo (1961) que ha desarrollado una destacada carrera internacional como intérprete de ópera, zarzuela y canción clásica. Aunque nació en un hospital de Tudela, considera a la localidad de Fitero, en la que reside su familia y con la que mantiene una estrecha vinculación, su ciudad natal. Ha sido galardonada con el primer premio en el concurso Belvedere de la Ópera de Cámara de Viena, el Premio Nacional de la Música, el Premio Príncipe de Viana de la Cultura; ha sido, también, investida como miembro electo en Jakiunde, galardonada con el Premio de Humanidades de Eusko Ikaskuntza-Caja Laboral, con el Premio Traetta de la Traetta Society, con Premio Cadenas de Navarra... En 2020 recibió la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes. El acompañamiento de la soprano lo ejercerá la orquesta barroca Les Talens Lyriques dirigida por su fundador Christophe Rousset.

La Zarzuela barroca. La extraordinaria popularidad y calidad del teatro español del XVII (Calderón de la Barca, Lope de Vega…), del que la música era parte imprescindible, y los sucesivos intentos de trasplantar a la corte española la ópera italiana, dieron como resultado una amplia variedad de géneros músico-teatrales, uno de los cuales fue la Zarzuela. En principio, de temática mitológica (aunque con personajes populares y tramas amorosas), incluía completas escenas habladas, arias a la italiana, tonadas con copla y estribillo, coros a cuatro voces, duos, danzas, frecuentes  elementos burlescos y, raramente, recitativos. Realizadas por músicos de la corte, las zarzuelas estaban destinadas a un público amplio pero cortesano. Para las décadas en torno a 1700 la zarzuela se había convertido en imprescindible en toda fiesta cortesana de importancia, y su estilo musical se vería italianizado ya en el XVIII.

La interpretación de hoy corre a cargo de la soprano navarra María Bayo (1961) que ha desarrollado una destacada carrera internacional como intérprete de ópera, zarzuela y canción clásica. Aunque nació en un hospital de Tudela, considera a la localidad de Fitero, en la que reside su familia y con la que mantiene una estrecha vinculación, su ciudad natal. Ha sido galardonada con el primer premio en el concurso Belvedere de la Ópera de Cámara de Viena, el Premio Nacional de la Música, el Premio Príncipe de Viana de la Cultura; ha sido, también, investida como miembro electo en Jakiunde, galardonada con el Premio de Humanidades de Eusko Ikaskuntza-Caja Laboral, con el Premio Traetta de la Traetta Society, con Premio Cadenas de Navarra... En 2020 recibió la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes. El acompañamiento de la soprano lo ejercerá la orquesta barroca Les Talens Lyriques dirigida por su fundador Christophe Rousset.


Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica también a la composición de oratorios y cantatas que junto con las óperas fueron la base principal de su producción musical, entre las que hemos de destacar su obra cumbre el Oratorio El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la Orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. Transcurridos tres años viajó a Italia; primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera, cargo que ocuparía hasta su muerte en 1759.

Aci, Galatea e Polifemo es una cantata dramática escrita por Händel en1708; la trama es casi idéntica a la de una obra posterior suya: Acis y Galatea En una y en otra se desarrolla una historia basada en un poema de Teócrito, sobre el amor del cíclope Polifemo por la nereida Galatea. Hoy podremos visionar la Obertura de la cantata dirigida por  Emmanuelle Haïm, (1962) clavecinista y directora especializada en música barroca que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC, entre otras instituciones.   


Ottorino Respighi (1879 - 1936) fue un compositor, director de orquesta y musicólogo italiano. Hijo de un profesor de piano local, quien le enseñó piano y violín básicos a una edad temprana. Sin embargo, al poco tiempo de sus lecciones de violín, Respighi las abandonó repentinamente después de que su maestro le golpeara en la mano con una regla cuando había interpretado incorrectamente un pasaje. Volvió a tomar lecciones varias semanas después con un maestro más pedagogo. Sus habilidades para el piano también fueron un caso de éxito y error, pero su padre llegó a casa sorprendido de encontrar a su hijo interpretando los Estudios Sinfónicos de Robert Schumann en el piano familiar, revelando que lo había aprendido solo en secreto. Respighi estudió violín y viola con Federico Sarti en el Liceo Musicale (ahora el Conservatorio Giovanni Battista Martini) de Bolonia, composición con Giuseppe Martucci y estudios históricos con Luigi Torchi, un estudioso de la música antigua. En 1900, Respighi aceptó el papel de violista principal en la orquesta del Teatro Imperial Ruso en San Petersburgo, Rusia, durante su temporada de ópera italiana. Encontró una gran influencia como compositor de ópera durante este tiempo, y fue allí cuando conoció al compositor ruso Nikolai Rimsky-Korsakov, cuyas orquestaciones admiraba. Respighi estudió orquestación con el compositor durante cinco meses, al cabo de los cuales regresó a Bolonia para continuar sus estudios de composición. Tras unos años trabajando como violinista, en 1909 se estrenó su segunda ópera Semirama, que fue un éxito considerable y en 1913, fue nombrado profesor de composición en el Conservatorio di Santa Cecilia de Roma cargo que ocupó por el resto de su vida. En 1917, su fama internacional se elevó después de múltiples interpretaciones del primero de sus poemas orquestales, Fuentes de Roma. A lo largo de su vida escribió distintas obras para piano, guitarra, violín y piano, variados conjuntos de cámara, numerosa música sinfónica, música coral, ocho óperas y cinco ballets.

Antiche arie e danze es un conjunto de tres suites orquestales de Respighi, transcritas libremente de piezas originales para laúd. La Suite No. 3 está arreglada solo para cuerdas y está basada en canciones para laúd de Besard, una pieza para guitarra barroca de Ludovico Roncalli, y piezas para laúd de Santino Garsi da Parma y otros compositores anónimos. La Siciliana, que hoy sugerimos, es el tercer movimiento de la suite y es una melodía de autor desconocido del siglo XVI. La interpretación corre a cargo de la orquesta coreana amateur Uni String Ensemble dirigida por Kim Ji Hoon.

Ottorino Respighi (1879 - 1936) fue un compositor, director de orquesta y musicólogo italiano. Hijo de un profesor de piano local, quien le enseñó piano y violín básicos a una edad temprana. Sin embargo, al poco tiempo de sus lecciones de violín, Respighi las abandonó repentinamente después de que su maestro le golpeara en la mano con una regla cuando había interpretado incorrectamente un pasaje. Volvió a tomar lecciones varias semanas después con un maestro más pedagogo. Sus habilidades para el piano también fueron un caso de éxito y error, pero su padre llegó a casa sorprendido de encontrar a su hijo interpretando los Estudios Sinfónicos de Robert Schumann en el piano familiar, revelando que lo había aprendido solo en secreto. Respighi estudió violín y viola con Federico Sarti en el Liceo Musicale (ahora el Conservatorio Giovanni Battista Martini) de Bolonia, composición con Giuseppe Martucci y estudios históricos con Luigi Torchi, un estudioso de la música antigua. En 1900, Respighi aceptó el papel de violista principal en la orquesta del Teatro Imperial Ruso en San Petersburgo, Rusia, durante su temporada de ópera italiana. Encontró una gran influencia como compositor de ópera durante este tiempo, y fue allí cuando conoció al compositor ruso Nikolai Rimsky-Korsakov, cuyas orquestaciones admiraba. Respighi estudió orquestación con el compositor durante cinco meses, al cabo de los cuales regresó a Bolonia para continuar sus estudios de composición. Tras unos años trabajando como violinista, en 1909 se estrenó su segunda ópera Semirama, que fue un éxito considerable y en 1913, fue nombrado profesor de composición en el Conservatorio di Santa Cecilia de Roma cargo que ocupó por el resto de su vida. En 1917, su fama internacional se elevó después de múltiples interpretaciones del primero de sus poemas orquestales, Fuentes de Roma. A lo largo de su vida escribió distintas obras para piano, guitarra, violín y piano, variados conjuntos de cámara, numerosa música sinfónica, música coral, ocho óperas y cinco ballets.

Antiche arie e danze es un conjunto de tres suites orquestales de Respighi, transcritas libremente de piezas originales para laúd. La Suite No. 3 está arreglada solo para cuerdas y está basada en canciones para laúd de Besard, una pieza para guitarra barroca de Ludovico Roncalli, y piezas para laúd de Santino Garsi da Parma y otros compositores anónimos. La Siciliana, que hoy sugerimos, es el tercer movimiento de la suite y es una melodía de autor desconocido del siglo XVI. La interpretación corre a cargo de la orquesta coreana amateur Uni String Ensemble dirigida por Kim Ji Hoon.


Recommended classical music videos

Johann Sebastian Bach (1685-1750). Nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven; violinista, organista, director, y compositor alemán, nació en Eisenach y falleció en Leipzig; su fama de organista traspasó las fronteras europeas. Perteneció a la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. Empezó a estudiar con su padre y a la muerte de éste continuó con su hermano mayor, Johann Christoph. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y más tarde, como organista; en 1705 obtiene un permiso para trasladarse unos meses a Lübeck a tomar clases de Buxtehude. En 1707 se traslada a Mülhausen como organista y se casa con su prima María Bárbara con la que tiene siete hijos (tres de ellos morirían a muy temprana edad). En 1708 deja Mülhausen para trabajar como concertino y organista de la capilla del duque de Weimar donde compone numerosas obras de teclado y orquestales a la vez que tiene ocasión de transcribir y estudiar diversas obras de Vivaldi. En 1714 es premiado con mejoras económicas a la vez que obligado a nuevos requerimientos como la creación de una cantata mensual. En 1717 se le ofrece el cargo de Maestro de Capilla del Príncipe de Köthen, que era el cargo musical mejor remunerado en aquel entonces; aquí compone los Conciertos de Brandemburgo y numerosas obras profanas. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte. Aquí compuso las más importantes obras de teclado, numerosas cantatas, el Oratorio de Navidad, la Pasión de San Mateo, que hoy sugerimos, la Pasión de San Juan y la Misa en Si menor. Fallece a los 65 años en Leipzig tras un año de ceguera. Prolífico compositor, escribió sonatas, arias, suites, conciertos, cantatas, oratorios, misas y obras de todo tipo de formas musicales de su época; su legado de refinada técnica, está considerado como la cumbre del contrapunto (distintas líneas melódicas que se mueven independientes, guardando, sin embargo, estudiadas relaciones armónicas entre sí) y su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin,… y otros muchos renombrados compositores.

La Pasión según San Mateo es un oratorio escrito para voces solistas, doble coro y doble orquesta por Bach. Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo y es la obra más extensa del compositor. La obra se divide en dos grandes partes, entre las cuales tenía lugar el sermón y que corresponden, la primera, con el capítulo 26, y la segunda, con el capítulo 27 del evangelio de San Mateo. La narración del texto es cantado literalmente por un Evangelista, mientras el resto de los personajes de la trama (Cristo, Judas, Pedro, etc.) son encarnados por distintos solistas; por otro lado, el texto bíblico se encuentra musicalizado de forma relativamente sencilla en recitativos, mientras que los ariosos y las arias, largas y contemplativas, presentan nuevos textos poéticos que comentan los diversos eventos de la narración bíblica y dan un carácter más íntimo a la vida de Cristo. La Pasión según San Mateo fue interpretada el 15 de abril de 1729 (Viernes Santo) en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig bajo la dirección del compositor, en una representación para la cual Bach no pudo disponer de los recursos idóneos (en un memorándum al Consejo de la ciudad de Leipzig, se quejó de que únicamente 17 de los 54 miembros del coro hubieran estado a la altura). Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido (como, en general, toda la obra del compositor) y no fue hasta 1829 cuando Mendelssohn volvió a interpretarla con la Sing-Akademie de Berlín en una versión abreviada. La reinterpretación de esta obra dio inicio a un fuerte interés por el estudio y el análisis de las obras de Bach, particularmente las de gran escala, que ha persistido hasta nuestros días. La versión que hoy ofrecemos está conducida por el maestro belga Philippe Herreweghe (1947) director que compaginó sus estudios de medicina y psiquiatría con los de música. Fundó el Collegium Vocale de Gante que también nos acompaña hoy y cuya dirección comparte en la actualidad con la titularidad de la Orchestre des Champs Elysées; así mismo es primer director de la Real Filarmonía de Flandes.


El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809), hermano de Michael Haydn, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo. Al apreciar sus padres las cualidades de su hijo para la música, a los seis años le enviaron a Hainburg (a once kilómetros de la residencia paterna) con un pariente para que realizase sus estudios musicales de clavecín y violín. A los dos años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz se quedó  sin coro y sin techo, por lo que tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos. Estudió composición de modo autodidacta analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach y empezó a abrirse camino con la composición de sus primeros cuartetos y su primera ópera.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart, además de ser profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata, del desarrollo del trío con piano y, sobre todo, de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.

El Piano Trio in D major, Hob.XV:16 está estructurado en tres movimientos: I Allegro; II Andantino piu tosto Allegretto y III Vivace assai; la interpretación que hoy ofrecemos corre a cargo del Trío Noga.

El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809), hermano de Michael Haydn, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo. Al apreciar sus padres las cualidades de su hijo para la música, a los seis años le enviaron a Hainburg (a once kilómetros de la residencia paterna) con un pariente para que realizase sus estudios musicales de clavecín y violín. A los dos años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz se quedó  sin coro y sin techo, por lo que tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos. Estudió composición de modo autodidacta analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach y empezó a abrirse camino con la composición de sus primeros cuartetos y su primera ópera.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart, además de ser profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata, del desarrollo del trío con piano y, sobre todo, de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.

El Piano Trio in D major, Hob.XV:16 está estructurado en tres movimientos: I Allegro; II Andantino piu tosto Allegretto y III Vivace assai; la interpretación que hoy ofrecemos corre a cargo del Trío Noga.


Richard Wagner (1813-1883) es un personaje polémico por sus ideas y escritos antisemitas como “El judaísmo en la música” en el que despotrica contra la relación musical de los judíos con la música y especialmente contra Meyerbeer y Mendelssohn, ambos de familia judía. Su capacidad de artista total para la filosofía, literatura,  música, artes escénicas, pintura y escultura la traslada a sus óperas concebidas como un exponente del “arte total”, expresión de todas las artes. Con estos principios hizo construir el teatro Bayreuther Festspielhaus para poder representar sus propias óperas de las que además de ser el autor de la música, lo era del libreto y de la escenografía.

La ópera Rienzi con libreto escrito por el mismo Wagner, está estructurada en cinco actos.  En abril de 1839 había finalizado la composición de los dos primeros actos; la Obertura, cuya ejecución hoy podemos visualizar, fue lo último que compuso; la finalizó en octubre de 1840. El estreno realizado en Dresde el 20 de octubre de 1842, fue bien recibido por el público, a pesar de que la duración de la ópera llegaba a las seis horas. El argumento, ubicado en la Edad Media, se basa en la azarosa vida del notario papal Cola di Rienzi y sus enfrentamientos con las clases nobles de la época. Debido a su larga duración, en la actualidad la ópera en su totalidad apenas se representa. No así su Obertura que hoy la ofrecemos conducida por Sey Ahn (1986), maestra coreana, titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Wesleyan de Illinois.


Jean Sibelius (1865-1957) fue un violinista y compositor finlandés, considerado como el referente musical de su país y como uno de los padres de la identidad nacional finlandesa contra la pertenencia a Rusia. Comenzó sus estudios de piano con una tía suya hasta que ingresó en el Conservatorio de Helsinki donde se formó en violín y composición. Sufrió una gran frustración al constatar que había llegado demasiado tarde a los estudios de violín y tener que dedicarse forzosamente sólo a la composición. Tras conseguir una beca, se trasladó a Berlín y más tarde a Viena para perfeccionar sus estudios de composición. Interesado en las voluntades independentistas de su país (entonces pertenecía a Rusia) escribe numerosas obras, en muchas de las cuales prevalece el carácter nacionalista: música de piano, música de cámara, más de 100 canciones para voz y piano, música masónica, trece poemas sinfónicos, siete sinfonías, un concierto de violín, música incidental para teatro, una ópera y otras obras de menor envergadura.

La Música de Karelia es una suite de carácter nacionalista escrita por Sibelius en los albores de su carrera compositiva; se compone de una obertura, ocho cuadros o tableaux y dos intermezzi. El áspero carácter de la música es deliberado: la intención estética no era deslumbrar con la técnica, sino capturar la autenticidad e ingenuidad de la música popular o folclórica. Su nombre hace referencia a la provincia histórica de Carelia, situada a caballo entre Rusia y Finlandia. La música para tableau fue estrenada el 13 de noviembre de 1893 bajo la dirección del propio autor y el comportamiento de la audiencia estuvo lejos de ser el ideal. Como Sibelius apuntó más adelante en una carta a su hermano Christian: «No era posible escuchar ni una sola nota: todos estaban de pie vitoreando y aplaudiendo». El 23 de noviembre de 1893, Sibelius llevó a cabo un concierto popular que incluyó la obertura y los tres movimientos que se convertirían en la Obertura Karelia como obra independiente y la Suite Karelia que hoy presentamos y que consta de estos tres movimientos: I Intermezzo es el único movimiento «original» de la suite. Sibelius tomó el tema de los metales de la parte central del Tableau nº 3 e hizo de él un movimiento propio. II Balada (4´18´´) se basa en el Tableau nº 5, y está «cantado» por un bardo (el corno inglés), reflejando el estado de ánimo del rey sueco, Karl Knutsson, que se encuentra en su castillo mientras es entretenido por un juglar. III Alla Marcia (11´55´´) es una estimulante marcha, que fue originalmente una música incidental para el Tableau 5½ y es prácticamente idéntico a la música original, salvo en algunos pequeños cambios. La suite entera es una de las obras más tempranas y populares de Sibelius; hoy conducida por Robin Browning.

Jean Sibelius (1865-1957) fue un violinista y compositor finlandés, considerado como el referente musical de su país y como uno de los padres de la identidad nacional finlandesa contra la pertenencia a Rusia. Comenzó sus estudios de piano con una tía suya hasta que ingresó en el Conservatorio de Helsinki donde se formó en violín y composición. Sufrió una gran frustración al constatar que había llegado demasiado tarde a los estudios de violín y tener que dedicarse forzosamente sólo a la composición. Tras conseguir una beca, se trasladó a Berlín y más tarde a Viena para perfeccionar sus estudios de composición. Interesado en las voluntades independentistas de su país (entonces pertenecía a Rusia) escribe numerosas obras, en muchas de las cuales prevalece el carácter nacionalista: música de piano, música de cámara, más de 100 canciones para voz y piano, música masónica, trece poemas sinfónicos, siete sinfonías, un concierto de violín, música incidental para teatro, una ópera y otras obras de menor envergadura.

La Música de Karelia es una suite de carácter nacionalista escrita por Sibelius en los albores de su carrera compositiva; se compone de una obertura, ocho cuadros o tableaux y dos intermezzi. El áspero carácter de la música es deliberado: la intención estética no era deslumbrar con la técnica, sino capturar la autenticidad e ingenuidad de la música popular o folclórica. Su nombre hace referencia a la provincia histórica de Carelia, situada a caballo entre Rusia y Finlandia. La música para tableau fue estrenada el 13 de noviembre de 1893 bajo la dirección del propio autor y el comportamiento de la audiencia estuvo lejos de ser el ideal. Como Sibelius apuntó más adelante en una carta a su hermano Christian: «No era posible escuchar ni una sola nota: todos estaban de pie vitoreando y aplaudiendo». El 23 de noviembre de 1893, Sibelius llevó a cabo un concierto popular que incluyó la obertura y los tres movimientos que se convertirían en la Obertura Karelia como obra independiente y la Suite Karelia que hoy presentamos y que consta de estos tres movimientos: I Intermezzo es el único movimiento «original» de la suite. Sibelius tomó el tema de los metales de la parte central del Tableau nº 3 e hizo de él un movimiento propio. II Balada (4´18´´) se basa en el Tableau nº 5, y está «cantado» por un bardo (el corno inglés), reflejando el estado de ánimo del rey sueco, Karl Knutsson, que se encuentra en su castillo mientras es entretenido por un juglar. III Alla Marcia (11´55´´) es una estimulante marcha, que fue originalmente una música incidental para el Tableau 5½ y es prácticamente idéntico a la música original, salvo en algunos pequeños cambios. La suite entera es una de las obras más tempranas y populares de Sibelius; hoy conducida por Robin Browning.


Recommended music videos for all tastes

Esbjörn Svensson Trio (también conocido como E.S.T.) fue un grupo musical sueco cuyo estilo principal fue el jazz. Se fundó en 1993 y estuvo formado por el líder y pianista Esbjörn Svensson (piano), Dan Berglund (bajo) y Magnus Öström (batería). E.S.T. eran conocidos por su innovador estilo y tuvieron un gran reconocimiento mundial, tanto entre la crítica y expertos como en ventas. A pesar de que su nombre hace referencia al nombre del pianista y fundador, el grupo se definió a sí mismo como "una banda de pop que toca jazz". Además, rompió con la tradición de tener un líder en la banda a favor de la igualdad entre sus miembros. Actuaban en locales de jazz, así como en escenarios típicos de bandas de rock, empleando efectos con humo e iluminación.


France Gall, (1947-2018) creció en el coro de su madre empezando a grabar como solista con la Phillips a los 15 años. France se hizo muy popular con temas de Gainsbourg, Joe Dassin y otros compositores franceses , entre los que cabe citar a su padre. En 1964, Gall fue seleccionada para representar a Luxemburgo en el Festival de Eurovisión tras intentar previamente representar a su propio país. De las diez canciones que le propusieron, eligió Poupée de cire, poupée de son de Gainsbourg. El 20 de marzo de 1965 France Gall interpretó el tema en Nápoles (Italia) convirtiéndose en la ganadora. El triunfo de Eurovisión permitió que France se diera a conocer en otros países, grabando la canción premiada en alemán, italiano y japonés; vendió más de 3 millones y medio de sencillos y se fabricaron multitud de artículos como muñecas y llaveros inspirados en Gall y la canción.

France Gall, (1947-2018) creció en el coro de su madre empezando a grabar como solista con la Phillips a los 15 años. France se hizo muy popular con temas de Gainsbourg, Joe Dassin y otros compositores franceses , entre los que cabe citar a su padre. En 1964, Gall fue seleccionada para representar a Luxemburgo en el Festival de Eurovisión tras intentar previamente representar a su propio país. De las diez canciones que le propusieron, eligió Poupée de cire, poupée de son de Gainsbourg. El 20 de marzo de 1965 France Gall interpretó el tema en Nápoles (Italia) convirtiéndose en la ganadora. El triunfo de Eurovisión permitió que France se diera a conocer en otros países, grabando la canción premiada en alemán, italiano y japonés; vendió más de 3 millones y medio de sencillos y se fabricaron multitud de artículos como muñecas y llaveros inspirados en Gall y la canción.


Pink (1979), es una cantante, compositora, bailarina, acróbata y actriz estadounidense. Saltó a la fama al lanzar en Abril de 2000 el sencillo There You Go, que alcanzó el nº 7 en el Bilboard Top 100. Reconocida por su voz distintiva, áspera y su presencia acrobática en el escenario, fue considerada por Billboard como la decimotercera en la lista de artistas más influyentes de la década 2000 y la artista número 1 de canciones pop de esa década. P!nk ha vendido 40 millones de discos y 50 millones de sencillos alrededor del mundo, convirtiéndola en una de las cantantes con mayores ventas. Ha marcado quince top 10 en el Billboard Hot 100 en USA, incluyendo once como artista en solitario, y ha ganado tres Premios Grammy, seis MTV Video Music Awards y dos Brit Awards. Pink fue también la segunda artista solista más tocada en el Reino Unido, durante la década de 2000, detrás de Madonna. VH1 la colocó en el décimo puesto en su lista de las 100 mejores mujeres en la música, mientras que Billboard le otorgó el premio a la mujer del año en 2013. En la 63ª edición anual de Premios BMI Pop, recibió el premio BMI President por "sus logros sobresalientes en la composición de canciones" y el impacto global en la cultura pop y la industria del entretenimiento.


Ken Zazpi, es un conjunto vasco de música pop-rock creado en 1996 en Gernika (Bizkaia). Cantan principalmente en euskera, aunque también han versionado en catalán algunas de sus canciones. En 1996 sacaron a la calle el tema Bi eta bat y en el 2000 empezaron a dedicarse a la música de manera profesional. Ese año, grabaron una maqueta en Muxika (Bizkaia) con la ayuda del guitarrista José Alberto Bátiz (entonces en Fito & Fitipaldis). Su disco acústico, Gelditu denbora ("Detén el tiempo") les llevó a una gira de conciertos por la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y Cataluña. Dentro de la gira del disco, el grupo actuó en 2006 en el estadio barcelonés del Camp Nou, ante 70.000 personas, en el descanso del partido entre las selecciones vasca y catalana. En 2007 lanzaron el disco titulado Argiak, mezcla de ritmos de brit-pop, power-pop y rockeros. Hoy proponemos el álbum lanzado en 2010 y que hasta el momento es su último disco de estudio, Ortzemugak begietan; en las letras contaron con la colaboración de Joseba Sarrionandia, Maialen Lujanbio, Jon Maia, Julen Gabiria y Uxue Alberdi.

Ken Zazpi, es un conjunto vasco de música pop-rock creado en 1996 en Gernika (Bizkaia). Cantan principalmente en euskera, aunque también han versionado en catalán algunas de sus canciones. En 1996 sacaron a la calle el tema Bi eta bat y en el 2000 empezaron a dedicarse a la música de manera profesional. Ese año, grabaron una maqueta en Muxika (Bizkaia) con la ayuda del guitarrista José Alberto Bátiz (entonces en Fito & Fitipaldis). Su disco acústico, Gelditu denbora ("Detén el tiempo") les llevó a una gira de conciertos por la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y Cataluña. Dentro de la gira del disco, el grupo actuó en 2006 en el estadio barcelonés del Camp Nou, ante 70.000 personas, en el descanso del partido entre las selecciones vasca y catalana. En 2007 lanzaron el disco titulado Argiak, mezcla de ritmos de brit-pop, power-pop y rockeros. Hoy proponemos el álbum lanzado en 2010 y que hasta el momento es su último disco de estudio, Ortzemugak begietan; en las letras contaron con la colaboración de Joseba Sarrionandia, Maialen Lujanbio, Jon Maia, Julen Gabiria y Uxue Alberdi.


Recommended peculiar videos

La Zamba es una danza del norte de Argentina que en sus orígenes procede de Perú. La denominación "zamba" se refiere al término que se aplica a los individuos mestizos descendientes de una persona indígena americana y otra negra. Su coreografía está compuesta por estos tres elementos principales: a) Vuelta entera: los bailarines hacen un recorrido, que inician cada uno en su lugar individual, para pasar por el del compañero; y esto se completa con el retorno al lugar propio del inicio. b) Media vuelta: los bailarines pasan de su sector al otro (cambian de posiciones); y así describen una semicircunferencia en su recorrido. c) Arresto: (o "Festejo") los movimientos de los bailarines se realizan generalmente en el espacio central, con giros en ambos sentidos, donde el hombre en general corona a la dama con los movimientos del pañuelo. Dichos elementos se conjugan en dos tramos de la partitura, que son indicados líricamente por los intérpretes musicales: "primera" y "segunda". De carácter tranquilo y majestuoso, es interpretada por una pareja mixta; en este caso por Georgina Vargas y Oscar Mandagaran.


Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso, considerado como uno de los compositores más significativos del siglo pasado. Escribió nueve sonatas para piano, siete sinfonías, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo, otro concierto sinfónico para violonchelo y orquesta, siete óperas, y ocho ballets.

Cenicienta Cendrillon (Cinderella: Cenicienta) es el cuento de la Cenicienta hecho ballet gracias a la música de Prokofiev y que hoy nos lo ofrece el centro coreográfico Malandain Ballet Biarritz dirigido por su director y coreógrafo Thierry Malandain

Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso, considerado como uno de los compositores más significativos del siglo pasado. Escribió nueve sonatas para piano, siete sinfonías, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo, otro concierto sinfónico para violonchelo y orquesta, siete óperas, y ocho ballets.

Cenicienta Cendrillon (Cinderella: Cenicienta) es el cuento de la Cenicienta hecho ballet gracias a la música de Prokofiev y que hoy nos lo ofrece el centro coreográfico Malandain Ballet Biarritz dirigido por su director y coreógrafo Thierry Malandain


Manipuri es una de las danzas clásicas de la India. Tiene su origen en Manipur, un estado en el nordeste de la India en la frontera con Myanmar (también conocido como Birmania), donde la danza se ha desarrollado con su propia estética específica, valores y convenciones. El culto de Radha y Krishna, particularmente la raslila, es central para sus temas. Las bailarinas del manipuri no usan campanas en sus tobillos para acentuar los ritmos con sus pies, en contraste con otras formas de danza de la India, y sus pies se apoyan suavemente sobre el suelo. El estilo tradicional de la danza manipuri encarna movimientos delicados, líricos y elegantes; el objetivo es hacer movimientos redondeados y evitar expresiones bruscas, bordes afilados o líneas rectas. Es esto lo que le da a la danza manipuri su aspecto suave y ondulado; los movimientos de los pies son vistos como parte de un movimiento compuesto de todo el cuerpo. El acompañamiento musical para la danza manipuri viene de un instrumento de percusión llamado pung, un cantante, címbalos, un instrumento de cuerda llamado pena y una flauta. Hoy podemos asistir a una de estas danzas protagonizada por Devi Bimbavati.


Charles Ives (1874 – 1954) fue un compositor estadounidense reconocido como uno de los primeros en adquirir trascendencia internacional. La música de Ives fue casi ignorada durante su vida y muchas de sus obras permanecieron sin tocarse durante muchos años. Con el tiempo, Ives llegaría a ser considerado como uno de los American Originals, un compositor que adoptó un estilo americano único, con tonadas folclóricas estadounidenses tejidas a lo largo de todas sus composiciones y una inquieta búsqueda por las posibilidades musicales. Sus obras más conocidas son La pregunta sin respuesta para orquesta y Sonata "Concord" para piano.

Leonard Bernstein (1918 - 1990) fue un compositor, pianista y director de orquesta judío estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que más apasionadamente le interesaba. Hoy el maestro Bernstein nos habla de Charles Ives y de su Sinfonía nº 2.

Charles Ives (1874 – 1954) fue un compositor estadounidense reconocido como uno de los primeros en adquirir trascendencia internacional. La música de Ives fue casi ignorada durante su vida y muchas de sus obras permanecieron sin tocarse durante muchos años. Con el tiempo, Ives llegaría a ser considerado como uno de los American Originals, un compositor que adoptó un estilo americano único, con tonadas folclóricas estadounidenses tejidas a lo largo de todas sus composiciones y una inquieta búsqueda por las posibilidades musicales. Sus obras más conocidas son La pregunta sin respuesta para orquesta y Sonata "Concord" para piano.

Leonard Bernstein (1918 - 1990) fue un compositor, pianista y director de orquesta judío estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que más apasionadamente le interesaba. Hoy el maestro Bernstein nos habla de Charles Ives y de su Sinfonía nº 2.


Recommended music videos for children

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.