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Maria Callas (1923-1977) fue una soprano griega, a juicio de l@s crític@s, la de mayor calidad del siglo XX. Con un muy amplio registro de voz y calidad técnica y expresiva era capaz de interpretar papeles desde mezzo a soprano ligera. Su azarosa vida afectiva hasta tal punto influyó en su quehacer profesional, que provocó su declive artístico y existencial.

Giuseppe Di Stefano (1921- 2008) fue un tenor italiano que desarrolló su carrera desde finales de los años 1940 hasta principios de la década de 1970. Su voz, de gran belleza, podía realizar «diminuendos» desde un agudo fuerte a un hilo cálido de voz tan único que llamó la atención inmediata del público que lo convertiría en una leyenda. De él se ha dicho que es «el tenor con la voz más hermosa». Su decadencia prematura pareciera deberse a dos factores principales: 1. El paso a un repertorio más dramático sin el adecuado ajuste técnico. 2. Los excesos de la «buena vida».


François Devienne (1759-1803) fue un flautista, fagotista, compositor y maestro francés. Probablemente recibió su primera formación del organista Morizot en Joinville, y continuó su educación con su hermano mayor y padrino, François Memmie, en Deux Ponts (ahora Zweibrücken) desde 1776 hasta 1778. Dejó Deux Ponts el 15 de mayo de 1778 y fue deambulando por distintas orquestas. La primera aparición conocida en solitario de Devienne fue en la Orquesta del Concert Spirituel el 7 de abril de 1789, cuando tocó la parte de flauta en el estreno de su Sinfonía concertante nº 4. En otoño de 1790 se unió a la banda militar de la Guardia Nacional de París. En 1972, esta organización se convirtió oficialmente en la Escuela Libre de Música de la Guardia Nacional, en el Instituto Nacional de Música en 1793 y en el Conservatorio de París en 1795. El famoso método de Devienne de flauta con una llave se publicó en 1794; al año siguiente publicó El Nouvelle Méthode théorique et practique pour la flûte que se convirtió en el gran método de flauta de los siguientes años, hasta bien entrado el siglo XIX. Devienne fue un compositor prolífico con  más de 500 obras entre conciertos y sinfonías concertantes para vientos, himnos y canciones patrióticas y once óperas y ópera cómica, además de una gran variedad de combinaciones instrumentales: sonatas para flauta y bajo, dúos para flauta (con acompañamiento de teclado o no), tríos, cuartetos...

Hoy sugerimos el III Movimiento de su Concierto para flauta nº 7 con Philippe Bernold como solista y conductor de la Joven Orquesta Simón Bolívar.

François Devienne (1759-1803) fue un flautista, fagotista, compositor y maestro francés. Probablemente recibió su primera formación del organista Morizot en Joinville, y continuó su educación con su hermano mayor y padrino, François Memmie, en Deux Ponts (ahora Zweibrücken) desde 1776 hasta 1778. Dejó Deux Ponts el 15 de mayo de 1778 y fue deambulando por distintas orquestas. La primera aparición conocida en solitario de Devienne fue en la Orquesta del Concert Spirituel el 7 de abril de 1789, cuando tocó la parte de flauta en el estreno de su Sinfonía concertante nº 4. En otoño de 1790 se unió a la banda militar de la Guardia Nacional de París. En 1972, esta organización se convirtió oficialmente en la Escuela Libre de Música de la Guardia Nacional, en el Instituto Nacional de Música en 1793 y en el Conservatorio de París en 1795. El famoso método de Devienne de flauta con una llave se publicó en 1794; al año siguiente publicó El Nouvelle Méthode théorique et practique pour la flûte que se convirtió en el gran método de flauta de los siguientes años, hasta bien entrado el siglo XIX. Devienne fue un compositor prolífico con  más de 500 obras entre conciertos y sinfonías concertantes para vientos, himnos y canciones patrióticas y once óperas y ópera cómica, además de una gran variedad de combinaciones instrumentales: sonatas para flauta y bajo, dúos para flauta (con acompañamiento de teclado o no), tríos, cuartetos...

Hoy sugerimos el III Movimiento de su Concierto para flauta nº 7 con Philippe Bernold como solista y conductor de la Joven Orquesta Simón Bolívar.


Francisco Tárrega (1852-1909). Fue un virtuoso guitarrista y compositor (“el Sarasate de la guitarra”) nacido en Villarreal, Castellón. Un accidente marcó su infancia cuando, al parecer, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico. Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. Para los dieciocho años ya impartía clases de guitarra y ofrecía conciertos habitualmente. A partir de 1880 comenzó sus giras internacionales, visitando ciudades como París, Lyon o Londres, mientras sus recitales por el estado fueron innumerables. Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en la música clásica con los elementos populares españoles. Se le considera el creador de los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como instrumento de recital. Falleció el 15 de diciembre de 1909 en Barcelona a causa de derrame cerebral a los 57 años.

Hoy podremos disfrutar de Recuerdos de la Alhambra, una de sus obras más populares escrita para guitarra sola tras un viaje a Granada y a su Alhambra, cuyos incesantes trémolos nos recuerdan el susurro de sus fuentes con la simbología del agua presente en todo momento. En efecto; la pieza se caracteriza por utilizar la técnica conocida como trémolo para interpretar la línea melódica, en la cual cada nota es tocada varias veces de forma rápida, dando lugar esta sucesión a la ilusión de que dicha nota suena de forma sostenida. Para llevar a cabo esta técnica, el intérprete puntea la cuerda con los dedos anular, corazón e índice de forma secuencial. El pulgar es utilizado para tocar el acompañamiento en arpegios más graves que la melodía. Es común pensar que la obra está siendo interpretada por dos guitarras la primera vez que se escucha. La sección "A" de la pieza está escrita en una tonalidad menor, mientras que la "B" lo está en el grado mayor de la misma tonalidad, más específicamente La Menor y La Mayor, respectivamente. Es por esto que el principio de la obra tiene un matiz melancólico hasta la modulación a La Mayor, donde se percibe un sonido mucho más brillante y excitante. La intérprete de hoy, Sharon Isbin, es una guitarrista estadounidense apreciada internacionalmente por su técnica concisa y cuidado lirismo.


José Pablo Moncayo (1912-1958) fue un compositor mexicano, que representa uno de los más importantes legados musicales del nacionalismo mexicano, junto a Silvestre Revueltas, Carlos Chávez y Julián Carrillo. Produjo algunas de las obras maestras que simbolizan de mejor manera la esencia de las aspiraciones nacionales. Estudió piano con Eduardo Hernández Moncada y posteriormente ingresó en el Conservatorio Nacional de Música en 1929. Sus maestros en esta institución fueron Candelario Huízar y Carlos Chávez, de armonía y composición respectivamente. En esta época se vio obligado a tocar como pianista en cafés y estaciones de radio para contribuir a la economía familiar y para poder pagar sus estudios, hasta que ingresó como percusionista en la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Carlos Chávez.

Huapango es su obra más conocida hasta tal punto que en dicho país ha sido llamada el segundo Himno Nacional Mexicano; es una obra inspirada en los sones veracruzanos que estudió durante una visita al puerto de Alvarado, Veracruz, y que incluye motivos melódicos y rítmicos de varios sones entre los que son los más evidentes "El Siquisiri", "El Balajú" y "El Gavilancito". Hoy lo dirige Alondra de la Parra (1980), directora de orquesta mexicana de fama internacional que en la actualidad es titular de la Orquesta Sinfónica de Queensland; ha sido la primera mujer en Australia que ejerza un cargo de esta entidad.

José Pablo Moncayo (1912-1958) fue un compositor mexicano, que representa uno de los más importantes legados musicales del nacionalismo mexicano, junto a Silvestre Revueltas, Carlos Chávez y Julián Carrillo. Produjo algunas de las obras maestras que simbolizan de mejor manera la esencia de las aspiraciones nacionales. Estudió piano con Eduardo Hernández Moncada y posteriormente ingresó en el Conservatorio Nacional de Música en 1929. Sus maestros en esta institución fueron Candelario Huízar y Carlos Chávez, de armonía y composición respectivamente. En esta época se vio obligado a tocar como pianista en cafés y estaciones de radio para contribuir a la economía familiar y para poder pagar sus estudios, hasta que ingresó como percusionista en la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Carlos Chávez.

Huapango es su obra más conocida hasta tal punto que en dicho país ha sido llamada el segundo Himno Nacional Mexicano; es una obra inspirada en los sones veracruzanos que estudió durante una visita al puerto de Alvarado, Veracruz, y que incluye motivos melódicos y rítmicos de varios sones entre los que son los más evidentes "El Siquisiri", "El Balajú" y "El Gavilancito". Hoy lo dirige Alondra de la Parra (1980), directora de orquesta mexicana de fama internacional que en la actualidad es titular de la Orquesta Sinfónica de Queensland; ha sido la primera mujer en Australia que ejerza un cargo de esta entidad.


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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre Leopold Mozart,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.

El Concierto para piano n. 18 K 456 es una obra concertante para piano y orquesta de Wolfgang Amadeus Mozart escrita en septiembre de 1784. Consta de tres movimientos: I Allegro vivace. II Andante, en sol menor. III Allegro vivace. Hoy,  bajo la batuta del maestro ruso Rudolf Barshái, nos visita el pianista ucraniano Sviatoslav Richter (1915-1997), reconocido como uno de los más grandes pianistas del siglo XX, célebre por la profundidad de sus interpretaciones, su virtuosa técnica y su amplio repertorio.


Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX. Desde su llegada a USA, Dvořák mostró un gran interés por la música nativa americana y así su Sinfonía del Nuevo Mundo, que hoy sugerimos, es una conjunción de melodías autóctonas con temas de su originaria Bohemia tratados con los recursos propios de la orquestación moderna. Está escrita en cuatro movimientos y su éxito fue total desde el mismo estreno de la obra que fue recibida con una total adhesión lo mismo en USA que en Europa; sus temas fueron ampliamente utilizados por la música popular, como lo hizo el grupo Mocedades en su canción Más allá. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas. 

Hoy podemos visionar la Sinfonía del Nuevo Mundo dirigida por Marin Alsop (1956), violinista y directora de orquesta estadounidense actualmente titular de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, lo que le ha convertido en ser la primera mujer que ocupa un puesto de este nivel en USA; es además, directora principal invitada de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo.

Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX. Desde su llegada a USA, Dvořák mostró un gran interés por la música nativa americana y así su Sinfonía del Nuevo Mundo, que hoy sugerimos, es una conjunción de melodías autóctonas con temas de su originaria Bohemia tratados con los recursos propios de la orquestación moderna. Está escrita en cuatro movimientos y su éxito fue total desde el mismo estreno de la obra que fue recibida con una total adhesión lo mismo en USA que en Europa; sus temas fueron ampliamente utilizados por la música popular, como lo hizo el grupo Mocedades en su canción Más allá. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas. 

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Claude Debussy (1862-1918) compositor francés considerado como el primer compositor del Impresionismo. Con siete años comenzó sus clases de piano y a la edad de 10 años fue admitido en el Conservatorio de París; a partir de los 17 años empezó a ganarse la vida como pianista, mientras empezaba a componer para este instrumento y seguía con sus estudios del Conservatorio. En 1884, con la cantata  L'enfant prodigue ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Premio de Roma, que consistía en una beca, estancia incluída, en la Academia francesa en Roma para seguir estudiando durante un período de cuatro años. Desde su época en el Conservatorio de París su enfrentamiento con el profesorado había sido evidente debido a sus ansias de buscarse su propio camino en la composición fuera de las férreas normas académicas; de modo que la estancia en Roma se le antojó como un corsé del que seguía liberándose y sus composiciones eran a veces duramente criticadas por el profesorado. De vuelta a París le impresionó la ópera Tristán e Isolda de Wagner, “lo mejor que he escuchado”, y durante unos años estuvo influenciado por el maestro. Posteriormente se dejaría influenciar también por las estructuras de la música javanesa, por el colorido y libertad armónica de Rimski-Korsakov y por su compatriota Erik Satie, afín a sus planteamientos. En 1894 estrenó su Prélude à l'après-midi d'un faune con el que tuvo un merecido reconocimiento; pero no sería hasta cuatro años más tarde cuando alcanzó su fama internacional con su única ópera conclusa Pelléas et Mélisande; tenía entonces 37 años. En la actualidad, Debussy está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX y su influencia en los compositores  posteriores del siglo XX ha sido definitiva.

La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre (La mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta), o simplemente La mer, que hoy ofrecemos, es una obra para orquesta que Debussy comenzó a escribirla en 1903 y la completó en 1905 durante su estancia en la costa del Canal de la Mancha, en Eastbourne. Fue estrenada por la orquesta Lamoureux, bajo la dirección de Camille Chevillard, el 15 de octubre de 1905 en París. La obra no fue muy bien recibida, sobre todo a causa de una mala ejecución, pero con el tiempo se convirtió en una de las composiciones orquestales de Debussy más interpretadas. Consta de tres movimientos: I (0´14´´) Desde el amanecer hasta el mediodía en el mar–Muy lento.  II (9´00´´) Juegos de olas-Allegro.  III (16´00´´) Diálogo del viento y el mar–Animado y tumultuoso. Hoy la dirige Valery Gergiev (1953), director ruso y uno de los más apreciados de la actualidad; es el director general del Teatro Mariinski, además de director asociado de la Ópera del Metropolitan, de la Filarmónica de Munich y de Rotterdam y de la Sinfónica de Londres. De carácter impulsivo, su estilo puede parecer algo primitivo, debido a su apasionado modo de expresarse.


György Ligeti (1923-2006) fue uno de los compositores más importantes del siglo XX, aunque más inconformista que Shostakovich y popularizado sobre todo por el director de cine Stanley Kubrick que contó con él para la banda sonora de las películas 2001 Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut. Rumano de padres judíos, creció en Hungría donde fue reclutado por el ejército húngaro en 1944, lo que le libró de la “limpieza” nazi. Estudió en Budapest con Zoltan Kodaly y Sándor Veress. Tras la guerra europea, la música de vanguardia estaba prohibida en la Hungría comunista mientras él la escuchaba secretamente a través de la radio. De modo que en cuanto pudo se trasladó a Austria donde se nacionalizó y conectó, entre otros, con Stockhausen y Koenig con quienes trabajó el serialismo y la música electrónica; no obstante, su espíritu innovador le llevó a buscar y experimentar nuevas sensaciones.

El Dies Irae, que hoy sugerimos, es uno de los cuatro movimientos que conforman el Requiem escrito para soprano, mezzo, coro y orquesta. Obra de gran dificultad sobre todo para las partes vocales a las que lleva a utilizar sus tesituras más extremas y que hoy lo conduce el director y compositor finlandés Esa-Pekka  Salonen, actualmente titular de la San Francisco Symphony a la vez que director principal de la Orquesta Philharmonia de Londres.

György Ligeti (1923-2006) fue uno de los compositores más importantes del siglo XX, aunque más inconformista que Shostakovich y popularizado sobre todo por el director de cine Stanley Kubrick que contó con él para la banda sonora de las películas 2001 Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut. Rumano de padres judíos, creció en Hungría donde fue reclutado por el ejército húngaro en 1944, lo que le libró de la “limpieza” nazi. Estudió en Budapest con Zoltan Kodaly y Sándor Veress. Tras la guerra europea, la música de vanguardia estaba prohibida en la Hungría comunista mientras él la escuchaba secretamente a través de la radio. De modo que en cuanto pudo se trasladó a Austria donde se nacionalizó y conectó, entre otros, con Stockhausen y Koenig con quienes trabajó el serialismo y la música electrónica; no obstante, su espíritu innovador le llevó a buscar y experimentar nuevas sensaciones.

El Dies Irae, que hoy sugerimos, es uno de los cuatro movimientos que conforman el Requiem escrito para soprano, mezzo, coro y orquesta. Obra de gran dificultad sobre todo para las partes vocales a las que lleva a utilizar sus tesituras más extremas y que hoy lo conduce el director y compositor finlandés Esa-Pekka  Salonen, actualmente titular de la San Francisco Symphony a la vez que director principal de la Orquesta Philharmonia de Londres.


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Ella Fitzgerald (1917-1996), está considerada como la cantante más importante e influyente de toda la historia del jazz y conocida como la Reina del jazz; fue una cantante estadounidense de jazz, aunque en su repertorio incluía canciones de  góspel, blues, swing, bossa nova, pop, canciones navideñas, etc., etc. Poseedora de una tesitura vocal de tres octavas, ganó catorce premios Grammy, incluyendo el Grammy a toda su carrera, y fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos.

Louis Armstrong (1901-1971), también conocido como Satchmo o Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile, en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.


Celia Cruz (1925-2003) fue una cantante popular cubana mundialmente conocida como La Reina de la salsa, género musical con el que alcanzó sus mayores éxitos, de los que hoy ofrecemos un amplio abanico. La salsa viene a ser un compendio de los ritmos más característicos de Cuba y de la ribera caribeña como el son, la guaracha, el chachachá y otros. 

Celia Cruz (1925-2003) fue una cantante popular cubana mundialmente conocida como La Reina de la salsa, género musical con el que alcanzó sus mayores éxitos, de los que hoy ofrecemos un amplio abanico. La salsa viene a ser un compendio de los ritmos más característicos de Cuba y de la ribera caribeña como el son, la guaracha, el chachachá y otros. 


Ken Zazpi es un grupo de pop-rock que nace en 1996 en Gernika y que canta habitualmente en euskera. En 1996 sacaron a la calle el tema Bi eta bat y en el 2000 empezaron a dedicarse a la música de manera profesional. En esta ocasión los presentamos acompañados por la Sinfónica de Euskadi con unos arreglos orquestales fuera de lo común.


Giusy Ferreri (1979) es una cantautora italiana que en el año 2008 formó parte de la primera edición del concurso televisivo Factor X, versión italiana, donde quedó en segundo lugar. Actualmente ostenta tres récords: es la cantante lanzada por un concurso de talentos italiano que ha vendido más copias en el mundo con cerca de 2,5 millones de álbumes y sencillos, es la artista que más tiempo ha permanecido en número 1 de la lista de sencillos italianos (récord que ostentaba la cantante Madonna con 38 semanas y es también la única artista italiana, junto con Baby K, que ha obtenido un disco de diamante para un sencillo digital, gracias a la canción Roma-Bangkok.

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Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática (música que sigue un argumento) y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a París a estudiar medicina; pero a él no le gustó; abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. De aquí a Roma donde estuvo becado estudiando ópera italiana. Escribió sinfonías, oberturas, óperas, diversas canciones y obra coral. En 1830 escribe la Symphonie Fantastique, su obra más conocida, de la que hoy sugerimos la coreografía del IV Movimiento, La marcha al cadalso.


Artes marciales chinas: A lo largo de los siglos en China se han desarrollado cientos de estilos de lucha que tienen sus propias escuelas de artes marciales con ejercicios físicos inspirados en los movimientos de determinados animales o en antiguas filosofías o religiones chinas. Su origen data de hace más de 4000 años como modo de autodefensa frente al ataque de otros pueblos, para la que la lucha cuerpo a cuerpo era inevitable y el entrenamiento militar, indispensable. Hoy, convertido en asombroso espectáculo artístico, podemos visionar los movimientos de miles de jóvenes con una precisión y sincronización milimétrica, jóvenes pertenecientes a Henan Shaolin Tagou Martial Arts School, que es la escuela de Kung Fu más grande del mundo, ubicada en la provincia de Henan, en el área escénica del templo Songshan Shaolin.

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Gioachino Rossini (1792-1868) compositor italiano autor de 39 óperas, distintas canciones, algunas obras de piano y algo de música sacra. Empezó a componer a los 12 años y a los 18, se estableció en Venecia donde estrenaría su primera ópera, Demetrio e Polibio, con gran aceptación popular y por la que recibió una generosa cantidad pecuniaria. En 1812 fue contratado por la Scala de Milán donde obtuvo un memorable éxito con “La piedra de toque”; al año siguiente estrena en Venecia su primera ópera seria, Tancredi; su nombre traspasa las fronteras llegando a Londres y Nueva York y al poco estrena otro gran éxito, La italiana en Argel. En 1815 se establece en Nápoles como director de música de los teatros reales donde escribe con regularidad y sin agobios para una compañía con ensayos y fechas regulados. En 1822 viaja a Viena donde se establece tras ser recibido efusivamente y donde llega a conocer al admirado Beethoven. De Viena a Londres y vuelta a París tras desengañarse de Londres. Tras la Revolución de 1830 y tras haber estrenado su última ópera, Guillermo Tell, abandona París y abandona la ópera en pleno auge económico y de popularidad a los 37 años de edad; aunque escribe les Soirées musicales, conjunto de doce canciones, la obra religiosa Stabat Mater y otras de menor entidad. En 1835 abandona París para establecerse definitivamente en Passy  donde fallecería a los 77 años.

La Gazza ladra es una ópera en dos actos en la que lo más conocido es su obertura que hoy la ofrecemos con este Pas de deux con su toque de humor protagonizado por Julia Krämer y Robert Tewsley.


La Cueca es la danza nacional de Chile. Su origen parece que procede de la imitación del cortejo del gallo y la gallina. La cueca es un género musical y una danza de parejas sueltas mixtas de fines del siglo XVIII. Los bailarines, quienes llevan un pañuelo en la mano derecha, trazan figuras circulares, con vueltas y medias vueltas, interrumpidas por diversos floreos. Generalmente, se considera un baile de conquista del hombre a la mujer, aunque no necesariamente tiene un motivo amoroso. Se baila «bajo denominaciones más o menos diferentes» desde Colombia, pasando por Perú y Bolivia, hasta Argentina y Chile, y tiene distintas variedades, tanto en el ritmo como en la coreografía, según las regiones y las épocas, «lo único que les diferencia es el color local que van adquiriendo en distintos sitios, así también como el número de compases que varía de unas a otras». El 6 de noviembre de 1979 fue oficialmente declarada danza nacional de Chile.En 1989 el gobierno chileno declaró el 17 de septiembre como «Día Nacional de la Cueca».

La Cueca es la danza nacional de Chile. Su origen parece que procede de la imitación del cortejo del gallo y la gallina. La cueca es un género musical y una danza de parejas sueltas mixtas de fines del siglo XVIII. Los bailarines, quienes llevan un pañuelo en la mano derecha, trazan figuras circulares, con vueltas y medias vueltas, interrumpidas por diversos floreos. Generalmente, se considera un baile de conquista del hombre a la mujer, aunque no necesariamente tiene un motivo amoroso. Se baila «bajo denominaciones más o menos diferentes» desde Colombia, pasando por Perú y Bolivia, hasta Argentina y Chile, y tiene distintas variedades, tanto en el ritmo como en la coreografía, según las regiones y las épocas, «lo único que les diferencia es el color local que van adquiriendo en distintos sitios, así también como el número de compases que varía de unas a otras». El 6 de noviembre de 1979 fue oficialmente declarada danza nacional de Chile.En 1989 el gobierno chileno declaró el 17 de septiembre como «Día Nacional de la Cueca».


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