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Frédéric Chopin (1810-1849) virtuoso pianista y compositor polaco; como pianista, está considerado como uno de los más importantes de la historia y como compositor, como uno de los referentes del Romanticismo. Nació en una familia vocacionalmente musical; su madre tocaba el piano y el padre, el violín y la flauta; su primera profesora fue una hermana suya con la que le gustaba tocar piezas a cuatro manos. A los seis años, sus padres contrataron un profesor particular y a los siete años empezó a escribir sus primeras polonesas; a los ocho años dio su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia. A los 16 años ingresó en el Conservatorio de Varsovia, mientras seguía componiendo y ofreciendo recitales. La obra de Chopin se centra exclusivamente en el piano, solo o concertante, con el que emprendió una carrera en solitario de perfeccionamiento técnico, esplendor expresivo y profundización en el rubato hasta llegar a ser el referente musical de dicho instrumento.

El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado; algunas veces llevaba consigo el equivalente italiano, notturno. En aquella época, estas piezas no eran necesariamente inspiradas o evocadoras de la noche, sino que habían sido escritas para que se tocaran de noche, como sucede con las serenatas. El género fue cultivado principalmente en el siglo XIX en su forma más común, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para un solo de piano. Los nocturnos son entendidos  generalmente como piezas tranquilas, expresivas y líricas y, a veces, un tanto oscuras. El más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 nocturnos que hoy los podemos escuchar en su totalidad en versión de la pianista tunecina Brigitte Engerer (1952-2012).

El canto coral en Rusia. Se tienen noticias de que en la baja Edad Media el canto eslavo era cantado a capella, aunque a veces acompañado de algún instrumento de viento y/o percusión. En el año 988 tras la aceptación del cristianismo en Rusia se adopta el modo Bizantino Griego con su canto religioso ya establecido y donde cada catedral tenía su coro y su propia escuela de canto. En el siglo XVI el Patriarcado de Moscú implanta el canto coral en detrimento del canto lineal; mientras por otro lado, surge el coro de trabajadores del soberano y en San Petersburgo, el coro de la Capella de la Corte, ambos subvencionados por el estado y ejecutores de canciones folklóricas.  A mediados del siglo XVIII, debido a la influencia de las óperas italianas, brotan numerosos coros aficionados e incluso, profesionales entre los que destaca La Capella de la Corte con gran fama dentro y fuera de Rusia. Berlioz, tras su paso por San Petersburgo, escribe: “Éste es el mejor coro que existe, o quizás que haya existido alguna vez, entre instituciones similares en Europa”. A finales del XIX distintos coros son promocionados por grandes mecenas de la nobleza; los compositores del nacionalismo ruso se apoyan frecuentemente en el canto coral y en sus canciones folklóricas y religiosas y así nacen importantes escuelas de canto coral e importantes agrupaciones corales de aficionados, de trabajadores, de militares y de niños.

El recital de hoy lo dirige Valery Gergiev (1953), director ruso y uno de los más apreciados de la actualidad; es el director general del Teatro Mariinski y director asociado de la Ópera del Metropolitan, de la Filarmónica de Munich y de Rotterdam, además de la Sinfónica de Londres. De carácter impulsivo, su estilo puede parecer algo primitivo, debido a su apasionado modo de expresarse. Hoy nos ofrece, con un conjunto de coros infantiles y Orquesta Sinfónica, obras de Rachmaninoff, Prokofiev y otros autores rusos.

Sergey Taneyev (1856-1915) pianista y compositor. A los 10 años ingresó en el Conservatorio de Moscú, donde fue alumno de Chaikovsky. A los 19 años comenzó su carrera como concertista de piano estrenando los dos primeros conciertos para piano de Chaikovsky; fue profesor en el Conservatorio de Moscú donde tuvo como alumnos a Scriabin, Rajmáninov y Glière  entre otros; compuso distintas obras de cámara, cuatro sinfonías, una suite concertante para violín y orquesta (que hoy ofrecemos), un concierto para piano y orquesta y otras obras orquestales, además de dos cantatas y una ópera, Oresteia a la que Taneyev consideraba como su mejor composición.

La Suite de Concierto o suite concertante para violín y orquesta está escrita en cinco movimientos llenos de interés y de contrastes estructurales y melódicos en los que la orquesta arropa el protagonismo del violín obteniendo como resultado  una música relajada y placentera. Sus movimientos son: I Preludio (0´4´´). II Gavota (7´ 30´´). III Cuento de Hadas (13´27´´). IV Tema y variaciones (21´49´´). V Tarantela (36´42´´)

Manuel de Falla (1876-1946), nacido en Cádiz, fue un compositor del nacionalismo español y uno de los compositores españoles más célebres del siglo pasado. Desde niño estudió piano con su madre, mientras su nodriza le cantaba canciones que recordaría toda su vida. En su juventud barajaba entre dedicarse al periodismo y literatura o a la música, por la que se decidió tras asistir a un concierto de obras de Grieg.  Hacia finales de 1896, se estableció en Madrid en cuyo Conservatorio se matriculó en calidad de alumno libre. Al año siguiente superó, con altas calificaciones, el equivalente a tres años de solfeo y cinco de piano. En 1899 terminó los estudios oficiales en el Conservatorio y obtuvo, por unanimidad, el primer premio de piano de dicho centro. En 1901 conoció a Felipe Pedrell, quien fue una notable influencia en su posterior carrera ya que despertó en él el interés por el flamenco y, en especial, por el cante jondo. Los años de estudio en la capital española culminaron con la composición, en 1904, de la ópera La vida breve, en colaboración con Carlos Fernández Shaw, que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando al año siguiente. A los pocos años se trasladó a París donde empezó ganándose la vida como pianista y director de una pequeña compañía de pantomima y donde entabló amistad con las primeras figuras musicales del momento. Sin embargo, tras el inicio de la Primera Guerra Mundial, Falla tuvo que regresar a España y fijó su residencia de nuevo en Madrid, aunque tras la muerte de sus padres, Falla decidió viajar en septiembre de 1919 a Granada con su hermana María del Carmen; allí conoció al poeta Federico García Lorca y allí fijó su residencia. El 28 de septiembre de 1939, un poco después de la Guerra Civil Española, se exilió en Argentina, a pesar de los intentos del gobierno del dictador Franco, que le ofrecía una pensión si regresaba a España. Falleció el 14 de noviembre de 1946 tras sufrir un paro cardiorrespiratorio.

El retablo de Maese Pedro es una obra musical para marionetas de Manuel de Falla, con libreto inspirado en un episodio del Quijote. La obra fue compuesta para ser interpretada en los conciertos y representaciones privadas que ofrecía en París la Princesa de Polignac a quien está dedicada, compartiendo dedicatoria con Miguel de Cervantes. El argumento se refiere a Maese Pedro, que llega a la misma venta donde se encuentran Don Quixote y Sancho. Allí mismo Maese Pedro, por medio de sus títeres, cuenta la historia de Melisendra a quien tenía cautiva el rey árabe Marsilio. Liberada por el caballero enamorado de esta dama,  se establece la persecución por parte de los moros; llegado este lance, don Quijote, que no se da cuenta de que se trata de títeres, destruye el teatro y los muñecos, con el fin, según él, de salvar a los fugitivos. La dirección musical de esta representación corre a cargo del maestro suizo Charles Dutoit (1936).

Barbara (1930-1997) fue una cantante francesa que comenzó interpretando canciones de Brassens y Jacques Brel hasta que empezó con sus propias canciones con las que le llegó el éxito. Considerada como figura primordial de la canción francesa, varias de sus canciones son tenidas como referentes por las nuevas generaciones.

Violeta Parra (1917- 1967) fue una artista chilena, reconocida como una de las principales folcloristas en América del Sur y divulgadora de la música popular de su país. Su contribución al quehacer artístico chileno se considera de gran valor y trascendencia; su trabajo sirvió de inspiración a varios artistas posteriores, quienes continuaron con su tarea de rescate de la música del campo chileno y las manifestaciones constituyentes del folclore de Chile y América Latina. Sus canciones han sido versionadas por diversos artistas, tanto chilenos como extranjeros. En conmemoración de su natalicio, el 4 de octubre es celebrado el Día de la música y de los músicos chilenos.

Georges Bizet (1836-1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Su ópera más conocida Carmen alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y  rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un compositor brillante e imaginativo. 

L'Arlesienne (La chica de Arlés) Es una obra de música incidental compuesta por Georges Bizet para voz, coro y orquesta de cámara, conformada por 27 números de distinta duración, de los que hoy asistiremos a cinco números coreografiados por Roland Petit e interpretados por Jérémie Bélingard y Eleonora Abbagnato.

Ástor Piazzolla (1921 –1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York donde su padre le compró un bandoneón.  A los trece años conoce a Carlos Gardel  quien le muestra los secretos del tango. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones; pero sus innovaciones no gustaban a los viejos tangueros que le criticaban considerándole como al asesino del tango, críticas que afectaban a sus sentimientos. Con cierta dosis de pesimismo se trasladó a París lo donde contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en sí mismo y en la posible conjunción de tango con música clásica. Volvió a Buenos Aires dispuesto a romper las viejas reglas que regían en Argentina con tal actividad que en 1973 sufre un infarto; a pesar de lo que  sigue con sus composiciones y grabaciones hasta que en 1990  sufre en París una trombosis que no lograría superar.

El Bandoneón es un instrumento musical de viento mediante fuelle muy utilizado en Argentina y Uruguay, por la vinculación de este instrumento con el tango, aunque también con otros géneros como el  chamamé, la chacarera, la zamba, la chimarrita, o chamarrita e incluso con valses criollos y, por supuesto, con las milongas. En este vídeo que hoy presentamos Piazzola nos habla brevemente del origen y de la técnica del bandoneón.