Recommended music videos for initiation to classical music

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Aprovechando estas facultades, su padre, Leopold,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales;. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Como obras maestras tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Réquiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; sin embargo, tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.  

Exultate, jubilate es un motete religioso de  Mozart escrito en 1773. Fue compuesto durante la visita del compositor austríaco a Milán, en la época en la que viajó a Italia. Fue escrito para el castrato Venanzio Rauzzini, el favorito de Mozart para sus óperas. En las representaciones modernas, es interpretado normalmente por una soprano. Está dividido en tres partes: I Allegro. II Andante. III Allegro, que es un destacado y alegre "Alleluia" que hoy lo visionaremos en interpretación de la soprano estadounidense Kathleen Battle (1948) bajo la batuta del maestro alemán André Previn (1929-2019).


Paola Hermosín (1995) es una guitarrista, cantante, compositora y escritora alcalareña (Sevilla) que ofrece su música en todas las plataformas digitales, contando en su canal de YouTube con más de 430.000 suscriptores. Comienza sus estudios musicales de guitarra en el Conservatorio Elemental García Matos de Alcalá de Guadaíra a los 8 años de edad, de la mano de Raquel Sanz. Continuó en el Conservatorio Profesional Francisco Guerrero de Sevilla obteniendo Premio Honorífico y finalizó en el Conservatorio Superior Manuel Castillo de Sevilla con Matrícula de Honor y Premio Fin de Carrera compaginando sus estudios musicales con el Grado en Educación Primaria con Mención Musical, finalizándolo con un brillante expediente, por lo que también se dedica a la docencia. Paola Hermosín finalizó en 2019 el Máster en Investigación y Análisis de Flamenco con las mejores calificaciones.

Tras la breve introducción que Paola hoy nos regala, sobran nuestras palabras; de modo que pasemos directamente a disfrutar del  Zapateado de Regino Sainz de la Maza (Burgos, 1896 - Madrid , 1981) que hoy nos ofrece esta magnífica guitarrista.

Paola Hermosín (1995) es una guitarrista, cantante, compositora y escritora alcalareña (Sevilla) que ofrece su música en todas las plataformas digitales, contando en su canal de YouTube con más de 430.000 suscriptores. Comienza sus estudios musicales de guitarra en el Conservatorio Elemental García Matos de Alcalá de Guadaíra a los 8 años de edad, de la mano de Raquel Sanz. Continuó en el Conservatorio Profesional Francisco Guerrero de Sevilla obteniendo Premio Honorífico y finalizó en el Conservatorio Superior Manuel Castillo de Sevilla con Matrícula de Honor y Premio Fin de Carrera compaginando sus estudios musicales con el Grado en Educación Primaria con Mención Musical, finalizándolo con un brillante expediente, por lo que también se dedica a la docencia. Paola Hermosín finalizó en 2019 el Máster en Investigación y Análisis de Flamenco con las mejores calificaciones.

Tras la breve introducción que Paola hoy nos regala, sobran nuestras palabras; de modo que pasemos directamente a disfrutar del  Zapateado de Regino Sainz de la Maza (Burgos, 1896 - Madrid , 1981) que hoy nos ofrece esta magnífica guitarrista.


Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. En 1847 ingresó en la escuela primaria de su pueblo, donde recibió las primeras enseñanzas musicales y aprendió a tocar el violín de la mano de su profesor Joseph Spitz. Mostró un talento precoz y gracias a su habilidad estuvo tocando en una banda de su pueblo y en la iglesia. Estudió música en la escuela de órgano de Praga a finales de la década de 1850, y lentamente fue desarrollándose como violinista y violista profesional. Durante la década de 1860 tocó la viola en la Orquesta del Teatro Provisional Bohemio, que fue dirigida a partir de 1866 por Bedřich Smetana. En 1873 saltó a la fama con su composición Himno Patriótico, de hondo calado nacionalista; ese mismo año obtuvo el reconocimiento internacional con su colección de Danzas eslavas, que hoy ofrecemos. Visitó Inglaterra en nueve ocasiones, generalmente para presentar y dirigir su propia música, la primera fue en 1884, cuando fue nombrado miembro de honor de la Sociedad Filarmónica de Londres. Más tarde, en 1891, recibiría el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge. También, en 1889, la Orden de la Cruz de Hierro otorgada por el emperador Francisco José I, en 1891 el doctorado honoris causa por la Universidad de Praga, y un sillón en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Checoslovaquia y de Berlín. Invitado por Chaikovski estuvo en San Petersburgo y Moscú ejecutando sus propias obras. Entre 1892 y 1895, Dvořák fue director del Conservatorio Nacional de Nueva York, cargo que aceptó tras ser admitida su propuesta de que los estudiantes nativos americanos y afroamericanos dotados de talento, que no pudieran permitirse este nivel de instrucción, tenían que ser admitidos gratuitamente. Desde su llegada a USA en 1892, Dvořák mostró un gran interés por la música nativa americana; muestra de ello es la sinfonía que hoy ofrecemos. En abril de 1895 dejó los Estados Unidos y volvió definitivamente a su patria, de la que ya salió muy pocas veces. Tan pronto como llegó a Praga recomenzó su trabajo de profesor en el Conservatorio. En los últimos años de su vida, el gran compositor recibió toda clase de honores y reconocimientos. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas.

Danzas eslavas es un conjunto de 16 danzas escritas para orquesta, aunque originalmente para piano a cuatro manos, y publicadas en dos grupos. Las escribió a petición de su editorial y se inspiró en las Danzas húngaras de Brahms, aunque con notables diferencias; mientras Brahms utiliza melodías populares húngaras, Dvorak sólo se sirve de los ritmos de la música popular eslava. Hoy las ofrecemos en versión de la Filarmónica de San Petersburgo conducida por el maestro húngaro Zoltán Kocsis (1952-2016).


Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia. Desde su fallecimiento está considerado como uno de los compositores más eminentes del posromanticismo y en su tiempo, como uno de los directores de orquesta y de ópera más apreciados; aunque debido a sus orígenes judíos, tuvo enfrente a determinada prensa antisemita durante los diez años que residió en Viena. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el  lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; sin embargo, sus composiciones no tuvieron el éxito merecido en vida, debido a la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado, la larga duración de sus sinfonías, además de, sobre todo, el apuntado antisemitismo. Todo ello no era fácilmente digerible y explica que el reconocimiento como compositor le llegase demasiado tarde.

La Primera Sinfonía-III Marcha fúnebre comienza con una variación en modo menor del popular “Frère Jacques” al que le sigue un tema popular de Bohemia; ambos temas son elaborados y contrastados en un ambiente nostálgico, burlesco y sombrío. El maestro de hoy, Christoph Eschenbach (1940), es un pianista y director de orquesta alemán. Como pianista ganó distintos premios y como director, fue alumno de Karajan. Ha sido director titular de importantes orquestas europeas y americanas; actualmente es el titular de la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington.

Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia. Desde su fallecimiento está considerado como uno de los compositores más eminentes del posromanticismo y en su tiempo, como uno de los directores de orquesta y de ópera más apreciados; aunque debido a sus orígenes judíos, tuvo enfrente a determinada prensa antisemita durante los diez años que residió en Viena. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el  lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; sin embargo, sus composiciones no tuvieron el éxito merecido en vida, debido a la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado, la larga duración de sus sinfonías, además de, sobre todo, el apuntado antisemitismo. Todo ello no era fácilmente digerible y explica que el reconocimiento como compositor le llegase demasiado tarde.

La Primera Sinfonía-III Marcha fúnebre comienza con una variación en modo menor del popular “Frère Jacques” al que le sigue un tema popular de Bohemia; ambos temas son elaborados y contrastados en un ambiente nostálgico, burlesco y sombrío. El maestro de hoy, Christoph Eschenbach (1940), es un pianista y director de orquesta alemán. Como pianista ganó distintos premios y como director, fue alumno de Karajan. Ha sido director titular de importantes orquestas europeas y americanas; actualmente es el titular de la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington.


Recommended classical music videos

Georg Friedrich Händel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Cantatas, oratorios y óperas fueron la base principal de su producción musical, entre los que hemos de destacar por encima de todos el Oratorio de El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Italia: primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica a la composición de oratorios, entre los que destaca El Mesías. Fallece en 1759 en su casa.

El concerto grosso (en plural, concerti grossi) era una forma instrumental barroca de origen italiano basada en la contraposición entre un pequeño grupo de solistas (un concertino) y una orquesta completa (un ripieno o tutti). El concerto grosso data aproximadamente de 1670 y puede atribuirse a Alessandro Stradella, quien parece haber escrito la primera obra musical en la cual un "concertino" y un "ripieno" se enfrentan de forma característica, a pesar de no usar el término concerto grosso. Giovanni Lorenzo Gregori es el primer compositor en utilizar el término concerto grosso.

Por otro lado, Il Giardino Armonico, que hoy nos visita, es un conjunto musical de cámara italiano que interpreta música barroca. Fue fundado en Milán en 1985 por Giovanni Antonini y Luca Pianca y la mayor parte de su repertorio consiste en obras de los siglos XVII y XVIII. El conjunto hace presentaciones tanto en conciertos como en producciones operísticas de autores barrocos, en las que la cantidad de participantes puede variar de acuerdo a la naturaleza de las obras que se interpreten, y puede ir de los tres hasta los 30 músicos.


El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores .

La Sinfonía nº 5, que hoy ofrecemos, fue estrenada en el Teatro Mariinski de San Petersgurgo en 1888, dirigida por el propio Chaikovski y consta de cuatro movimientos: I Andante-Scherzo: Allegro con anima. II Andante cantabile-Non Allegro-Andante maestoso. III Valse: Allegro moderato con patrioso. IV Andante maestoso - Non Allegro - Presto Furioso - Allegro maestoso - Allegro vivace - Scherzo: Allegro con anima.  

Hoy la visionaremos en la versión de Susanna Pescetti, directora siciliana de nacimiento, napolitana de formación musical y veronesa de adopción. A los seis años estaba estudiando piano, a los ocho pasó de Catania a Nápoles para asistir al Conservatorio San Pietro, donde tras graduarse en piano, continuó sus estudios de composición y dirección. El talento cultivado desde pequeña con testarudez y determinación la lleva a dirigir en los principales teatros del mundo, que conquista con un encanto y carisma exquisitos. Ha dirigido numerosas orquestas nacionales de todo el mundo además de ser, en la actualidad, la titular de I Solisti di Napoli.

El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores .

La Sinfonía nº 5, que hoy ofrecemos, fue estrenada en el Teatro Mariinski de San Petersgurgo en 1888, dirigida por el propio Chaikovski y consta de cuatro movimientos: I Andante-Scherzo: Allegro con anima. II Andante cantabile-Non Allegro-Andante maestoso. III Valse: Allegro moderato con patrioso. IV Andante maestoso - Non Allegro - Presto Furioso - Allegro maestoso - Allegro vivace - Scherzo: Allegro con anima.  

Hoy la visionaremos en la versión de Susanna Pescetti, directora siciliana de nacimiento, napolitana de formación musical y veronesa de adopción. A los seis años estaba estudiando piano, a los ocho pasó de Catania a Nápoles para asistir al Conservatorio San Pietro, donde tras graduarse en piano, continuó sus estudios de composición y dirección. El talento cultivado desde pequeña con testarudez y determinación la lleva a dirigir en los principales teatros del mundo, que conquista con un encanto y carisma exquisitos. Ha dirigido numerosas orquestas nacionales de todo el mundo además de ser, en la actualidad, la titular de I Solisti di Napoli.


Ralph Vaughan Williams (1872-1958) fue un compositor británico nacido en Down Ampney, Gloucestershire. Estudió música e historia en la Universidad de Cambridge y posteriormente en Berlín con Max Bruch y en París con Maurice Ravel, lo cual dio a su orquestación lo que él definió como «un toque de lustre francés». Fue nombrado profesor en el Royal College of Music (RCM) en 1919 y recibió un año después el nombramiento como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford, llegando a convertirse en el director del Bach Choir y consiguiendo en los años veinte que su música fuese divulgada en todo el continente europeo. Aunque sus primeros trabajos pecan de cierto academicismo, ya contienen las bases armónicas y el germen de sus obras más famosas, así como su interés por la música tradicional de Inglaterra. La música de Vaughan Williams suele describirse como típicamente inglesa, generalmente en el mismo grupo de compositores que Gustav Holst, Frederick Delius, George Butterworth, William Walton y otros. Vaughan Williams falleció en Londres en 1958 a los 85 años de edad, siendo enterrado en la Abadía de Westminster.

Con la Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis se produce su salto a la fama en 1910. En esta obra, compuesta para cuarteto y doble orquesta de cuerda, que responde en líneas generales a una forma de tema principal con variaciones, desarrolla un tema del compositor inglés renacentista Thomas Tallis. El desarrollo de la pieza se conduce explorando las distintas posibilidades armónicas de la melodía original. Esta pieza fue utilizada como banda sonora de las películas Remando al viento (Gonzalo Suárez, 1988) y Master and Commander (Peter Weir, 2003).


György Ligeti (1923-2006) fue uno de los compositores más importantes del siglo XX, comparable en importancia y circunstancias a Shostakovich, aunque más inconformista, popularizado sobre todo por el director de cine Stanley Kubrick que contó con él para la banda sonora de las películas 2001 Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut. Rumano de padres judíos, creció en Hungría donde fue reclutado por el ejército húngaro en 1944, lo que le libró de la “limpieza” nazi. Estudió en Budapest con Zoltan Kodaly y Sándor Veress. Tras la guerra europea, la música de vanguardia estaba prohibida en la Hungría comunista mientras él la escuchaba secretamente a través de la radio. De modo que en cuanto pudo se trasladó a Austria donde se nacionalizó y conectó, entre otros, con Stockhausen y Koenig con quienes trabajó el serialismo y la música electrónica; no obstante, su espíritu innovador le llevó a buscar y experimentar nuevas sensaciones..

El gran macabro (título original, Le Grand Macabre) es una ópera en dos actos con música de György Ligeti y libreto en alemán del propio compositor y Michael Meschke; es la única ópera que escribió Ligeti. El tema principal es la mortalidad y su personaje principal es la muerte, representada (supuestamente) en Nekrotzar, una especie de ángel quijotesco (papel para un bajo-barítono), quien llega a una ciudad llena de rascacielos enviado para destruir a la humanidad. Las calles están pobladas de vagabundos, dando la impresión de ser una tierra al borde del apocalipsis. Junto con el ebrio catador de vinos Piet vom Fass y el astrólogo Astradamors, Nekrotzar se dirige a la corte del Príncipe Go-Go, y una serie de escenas desordenadas nos plantea la cuestión de si estamos al borde de la condenación inminente o si todo es tan sólo una farsa. Entre 1988 y 1991, Ligeti escribió Mysteries of the Macabre, especie de reducción de la ópera para ejecutar en concierto, para soprano y grupo de cámara. Hoy la ofrecemos con la soprano canadiense Barbara Hannigan (1971) conocida por sus interpretaciones de música contemporánea y el prestigioso director de orquesta Simon Rattle.

György Ligeti (1923-2006) fue uno de los compositores más importantes del siglo XX, comparable en importancia y circunstancias a Shostakovich, aunque más inconformista, popularizado sobre todo por el director de cine Stanley Kubrick que contó con él para la banda sonora de las películas 2001 Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut. Rumano de padres judíos, creció en Hungría donde fue reclutado por el ejército húngaro en 1944, lo que le libró de la “limpieza” nazi. Estudió en Budapest con Zoltan Kodaly y Sándor Veress. Tras la guerra europea, la música de vanguardia estaba prohibida en la Hungría comunista mientras él la escuchaba secretamente a través de la radio. De modo que en cuanto pudo se trasladó a Austria donde se nacionalizó y conectó, entre otros, con Stockhausen y Koenig con quienes trabajó el serialismo y la música electrónica; no obstante, su espíritu innovador le llevó a buscar y experimentar nuevas sensaciones..

El gran macabro (título original, Le Grand Macabre) es una ópera en dos actos con música de György Ligeti y libreto en alemán del propio compositor y Michael Meschke; es la única ópera que escribió Ligeti. El tema principal es la mortalidad y su personaje principal es la muerte, representada (supuestamente) en Nekrotzar, una especie de ángel quijotesco (papel para un bajo-barítono), quien llega a una ciudad llena de rascacielos enviado para destruir a la humanidad. Las calles están pobladas de vagabundos, dando la impresión de ser una tierra al borde del apocalipsis. Junto con el ebrio catador de vinos Piet vom Fass y el astrólogo Astradamors, Nekrotzar se dirige a la corte del Príncipe Go-Go, y una serie de escenas desordenadas nos plantea la cuestión de si estamos al borde de la condenación inminente o si todo es tan sólo una farsa. Entre 1988 y 1991, Ligeti escribió Mysteries of the Macabre, especie de reducción de la ópera para ejecutar en concierto, para soprano y grupo de cámara. Hoy la ofrecemos con la soprano canadiense Barbara Hannigan (1971) conocida por sus interpretaciones de música contemporánea y el prestigioso director de orquesta Simon Rattle.


Recommended music videos for all tastes

Wes Montgomery (1923 - 1968), hermano del pianista y vibrafonista Buddy Montgomery y del bajista Monk Montgomery, fue un guitarrista estadounidense de jazz, dentro del estilo hard bop (estilo musical del jazz que cronológicamente, sigue al cool y precede a las vanguardias jazzísticas). Aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943, después de escuchar a Charlie Christian y unos meses después comienza a tocar en el Club 440 de su ciudad natal, así como con orquestas locales. Durante varios años, toca con la banda de sus hermanos Buddy y Monk, llamada The Montgomery Brothers, hasta que es llamado por Lionel Hampton, con quien toca entre 1948 y 1950. La realización de su disco The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, publicado por el sello Riverside en 1960, le llevó a la fama dentro del mundo del jazz, con su estilo funky, muy influenciado por la técnica fingerpicking de los bluesmen de Piedmont. Tocó luego con el Sexteto de John Coltrane en el Festival de Jazz de Monterey. Los discos realizados para Riverside, entre 1959 y 1963, son sus trabajos más espontáneos, formando parte de grupos pequeños y acompañado de músicos como Tommy Flanagan, James Clay, Victor Feldman, Hank Jones, Johnny Griffin, y Mel Rhyne. Al desaparecer Riverside, Montgomery fichó por Verve, 1964-1966, para quien grabó varios discos orquestales en los que realiza distintas aproximaciones al pop y soul. En 1967 Montgomery firmó con Creed Taylor para A&M y en dos años grabó tres discos muy exitosos, muy influidos por el pop. Murió repentinamente de un ataque al corazón en 1968. Ejerció una gran influencia en guitarristas posteriores, como Pat Martino, Emily Remler o George Benson.


Birkin Jane (Londres 1946) cantante y actriz anglo-francesa. Después de sus inicios cinematográficos en Inglaterra, a finales de los sesenta se establece en Francia gracias al apoyo del que sería su socio, el cantante, compositor y director de cine Serge Gainsbourg. Su presentación en París la hizo precisamente con canciones de Gainsbourg escritas para ella, canciones que irían aumentando a lo largo de su carrera. Hoy asistimos a un recital público acompañada por la Orquesta Sinfónica Lamoureux bajo la batuta del maestro Didier Benetti.  

Birkin Jane (Londres 1946) cantante y actriz anglo-francesa. Después de sus inicios cinematográficos en Inglaterra, a finales de los sesenta se establece en Francia gracias al apoyo del que sería su socio, el cantante, compositor y director de cine Serge Gainsbourg. Su presentación en París la hizo precisamente con canciones de Gainsbourg escritas para ella, canciones que irían aumentando a lo largo de su carrera. Hoy asistimos a un recital público acompañada por la Orquesta Sinfónica Lamoureux bajo la batuta del maestro Didier Benetti.  


Huntza es un grupo de música rock con canciones en euskera, que nace en Bilbao en los ambientes universitarios de 2014, aunque tod@s ell@s proceden de Gipuzkoa. La primera aparición del grupo fue el 8 de marzo de 2016, presentando la canción Harro gaude. En este trabajo homenajearon a las primeras mujeres que dieron el paso de subir al escenario, abriendo la puerta así a los conciertos que no pararían de llegar. En 2017 iniciaron el disco Lumak con dos canciones, y las ganancias fueron destinadas a la Asociación de Padres de Niños de Oncología. El 13 de noviembre de 2018 presentaron la carátula del nuevo disco titulado Xilema y además presentaron su primer single del disco bajo el título Lasai, lasai que fue emitido en la radio de Euskal Telebista en el programa DIDA de Gaztea! y en los informativos del canal principal fue presentado su videoclip. La canción Aldapan Gora, publicada por Huntza en noviembre de 2016, estuvo número uno durante meses en varias listas musicales, y a principios de 2018 se convirtió en el videoclip en euskera más visto de YouTube teniendo actualmente más de 1.3 millones de visitas.


La Salsa es un género musical bailable resultante de la fusión del son cubano con otros géneros musicales caribeños como el mambo, la guaracha, el chachachá o el guaguancó; género que se ha extendido no sólo por la cuenca del Caribe, sino por gran parte de la América Latina y hoy día, podríamos decir, que por todo el mundo.

El video que hoy ofrecemos es un arreglo del primer movimiento de la 5ª Sinfonía de Beethoven en una versión libre de Salsa escrito por Sverre Indris Joner, que hoy lo visionamos bajo la batuta del maestro noruego Lars Erik Gudim.

La Salsa es un género musical bailable resultante de la fusión del son cubano con otros géneros musicales caribeños como el mambo, la guaracha, el chachachá o el guaguancó; género que se ha extendido no sólo por la cuenca del Caribe, sino por gran parte de la América Latina y hoy día, podríamos decir, que por todo el mundo.

El video que hoy ofrecemos es un arreglo del primer movimiento de la 5ª Sinfonía de Beethoven en una versión libre de Salsa escrito por Sverre Indris Joner, que hoy lo visionamos bajo la batuta del maestro noruego Lars Erik Gudim.


Recommended peculiar videos

Georges Bizet (1836-1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo, pues murió a los tres meses de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y  rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un compositor brillante e imaginativo.  Rodión Shchedrín (1932), autor del arreglo que presentamos, es un pianista y compositor ruso nacido en una familia de músic@s. Fue presidente de la Unión de Compositores de Rusia y reconocido como miembro de la Academia de Artes de Berlín; en 1992 recibió el Premio del Estado Ruso. En 1967 elabora una suite con los temas más relevantes de la ópera Carmen para  orquesta de cuerda y amplia percusión con la que Alberto Alonso crea un ballet en un acto.

Hoy podemos visionar la suite en interpretación del Ballet Nacional de Cuba, compañía fundada el 28 de octubre de 1948 con el nombre de Ballet Alicia Alonso. En 1950 se funda la Academia Nacional de Ballet Alicia Alonso y a partir de ese mismo año Alicia empieza a estrenar sus propias coreografías en la compañía; en 1955 la compañía pasa a llamarse Ballet de Cuba. Cuando se produce el triunfo de la revolución cubana en 1959, la compañía se reorganiza después de un período de inactividad y asume el nombre de Ballet Nacional de Cuba. El 24 de marzo de 1980 la Unesco organiza una Gala Internacional en París en homenaje a Alicia Alonso. En 1981 le es conferida el Primer Grado de la orden Félix Varela, la mayor distinción que se le confiere a una figura en el campo de la cultura en Cuba. En 1993 es creada la Cátedra de Danza Alicia Alonso en la Universidad Complutense de Madrid.


Tomás Bretón(1850-1923) fue un compositor y violinista español nacido en Salamanca. Realizó sus primeros estudios musicales en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy de su ciudad natal continuando su aprendizaje en el Real Conservatorio de Madrid bajo las enseñanzas del maestro Emilio Arrieta; fue becado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando para estudiar en el extranjero, residiendo en Roma, Milán, Viena y París entre 1881 y 1884. En 1901 asumió la dirección del Conservatorio de Madrid, puesto que mantuvo hasta su jubilación en 1921, luchando por modernizar las enseñanzas del centro y buscando relaciones internacionales. Fue un prolífico compositor en campos poco desarrollados en España como la música sinfónica y de cámara, además de realizar numerosas zarzuelas en muy diferentes géneros y estilos.

La Verbena de la Paloma, subtitulada El boticario y las chulapas y celos mal reprimidos, es un sainete lírico en prosa con libreto de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón, que se estrenó el 17 de febrero de 1894 en el Teatro Apolo de Madrid. Su título hace referencia a las fiestas madrileñas en torno al 15 de agosto, cuando se celebra la procesión de la Virgen de la Paloma. La Verbena consta de un solo acto, dividido en tres cuadros, siendo una zarzuela prototipo del género chico, de corta duración. En la obra aparecen personajes tan entrañables y recordad@s como don Hilarión, su amigo don Sebastián, la tía Antonia, las chulapas, el sereno, los guardias, el boticario y el tabernero; tod@s ell@s, personajes muy característico@s del viejo Madrid del siglo XIX. Hoy podemos visionar su preludio en interpretación coreografiada del Ballet Alhambra.

Tomás Bretón(1850-1923) fue un compositor y violinista español nacido en Salamanca. Realizó sus primeros estudios musicales en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy de su ciudad natal continuando su aprendizaje en el Real Conservatorio de Madrid bajo las enseñanzas del maestro Emilio Arrieta; fue becado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando para estudiar en el extranjero, residiendo en Roma, Milán, Viena y París entre 1881 y 1884. En 1901 asumió la dirección del Conservatorio de Madrid, puesto que mantuvo hasta su jubilación en 1921, luchando por modernizar las enseñanzas del centro y buscando relaciones internacionales. Fue un prolífico compositor en campos poco desarrollados en España como la música sinfónica y de cámara, además de realizar numerosas zarzuelas en muy diferentes géneros y estilos.

La Verbena de la Paloma, subtitulada El boticario y las chulapas y celos mal reprimidos, es un sainete lírico en prosa con libreto de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón, que se estrenó el 17 de febrero de 1894 en el Teatro Apolo de Madrid. Su título hace referencia a las fiestas madrileñas en torno al 15 de agosto, cuando se celebra la procesión de la Virgen de la Paloma. La Verbena consta de un solo acto, dividido en tres cuadros, siendo una zarzuela prototipo del género chico, de corta duración. En la obra aparecen personajes tan entrañables y recordad@s como don Hilarión, su amigo don Sebastián, la tía Antonia, las chulapas, el sereno, los guardias, el boticario y el tabernero; tod@s ell@s, personajes muy característico@s del viejo Madrid del siglo XIX. Hoy podemos visionar su preludio en interpretación coreografiada del Ballet Alhambra.


La danza en Corea. Se cree que los comienzos de la danza en Corea se remontan a por lo menos hace unos 5000 años y que se originó en los antiguos rituales chamánicos. Durante la época de los Tres Reinos se perciben los primeros indicios de la danza coreana. En la época de los reinos coreanos posteriores, la danza se benefició del apoyo regular de la corte real, se crearon numerosas academias e incluso hubo un ministerio oficial del gobierno dedicado a la danza. En la actualidad existe una gran variedad de danzas en Corea que van desde la danza cortesana y folclórica hasta la danza contemporánea de nueva creación.

El Ballet Igor Moiseyev nacido de las entrañas del Teatro Bolshói de Moscú es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares con el academicismo del ballet clásico, y que hoy pone en escena la danza popular Sancheonga con el rigor coreográfico que le es habitual y el respeto a las raíces y hábitos del folklore coreano.


Les Luthiers es un grupo argentino musical-humorístico, muy popular en su país y en otros países hispanohablantes. El conjunto utiliza la música como un elemento fundamental de sus actuaciones, incorporando frecuentemente instrumentos informales creados a partir de materiales de la vida cotidiana. De esta característica proviene su nombre, luthier, palabra del idioma francés que designa al creador, ajustador y encargado de la reparación de instrumentos musicales de cuerda. Han sido reconocidos con ilustres distinciones tanto en su Argentina natal, como en España y USA.

Les Luthiers es un grupo argentino musical-humorístico, muy popular en su país y en otros países hispanohablantes. El conjunto utiliza la música como un elemento fundamental de sus actuaciones, incorporando frecuentemente instrumentos informales creados a partir de materiales de la vida cotidiana. De esta característica proviene su nombre, luthier, palabra del idioma francés que designa al creador, ajustador y encargado de la reparación de instrumentos musicales de cuerda. Han sido reconocidos con ilustres distinciones tanto en su Argentina natal, como en España y USA.


Recommended music videos for children

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.