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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años». Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.

La Sonata en un principio era una composición escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser “cantada” por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) se estabiliza su definición que se aplica a una composición para uno o dos instrumentos y que consta generalmente de tres movimientos (rápido-lento-rápido) a veces con una pequeña introducción. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) una exposición de los dos temas principales (normalmente dos temas contrastantes entre sí) b) desarrollo de los temas presentados y c) recapitulación de los temas principales. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de la sonatas, cuartetos, sinfonías y conciertos.

De las treinta y seis sonatas para violín y piano que escribió Mozart, hoy ofrecemos ocho de ellas: la nº 22 K305 (0´54´´), la nº 20 K303 (16´30´´), la nº 28 K380 (26´56´´), la nº 18 K301 (47´30´´), la nº 26 K 378 (1:01´41´´), la nº 24 K376 (1:22´02´´), la nº 33 K481 (1:39´52´´), la nº 27 K379 (2:03´04´´) en interpretación de la violinista Anne-Sophie Mutter acompañada por su habitual colaborador, el pianista estadounidense Orkis Lambert.

Anne-Sophie Mutter  (1963) es una violinista alemana que ya a los trece años fue invitada por el director Herbert von Karajan  a tocar con la Orquesta Filarmónica de Berlín  y al año siguiente hizo su debut en el  Festival de Salzburgo a las órdenes de  de Daniel Barenboim. Ha sido galardonada con importantes reconocimientos de Alemania, Francia, España y Suecia y varios premios Grammy. En la actualidad está considerada como una de las violinistas más eminentes.

Maurice Jarre (1924- 2009), padre del músico de música electrónica Jean-Michel Jarre, fue un compositor de bandas sonoras francés, que se interesó bastante tarde por la música. En 1946 debutó en la compañía Renaud-Barralt, formando un dúo con Pierre Boulez (piano y ondas Martenot). Su carrera como compositor se inició en 1948, con la música para el espectáculo Le Gardien du Tombe, de Franz Kafka. Poco más tarde pasó a desempeñar la dirección musical del Théâtre National Populaire de París (1951-1963). En 1952 se convirtió rápidamente en un compositor popular y respetado en Francia y el continente europeo gracias a su primera banda sonora para película Hôtel des Invalides. El reconocimiento mundial le vino una década más tarde, cuando fue contratado para componer la banda sonora de la épica Lawrence de Arabia (1962), de David Lean, con la que ganó un Óscar a la mejor banda sonora original y que se convertiría en uno de los temas de cine más reconocidos de todos los tiempos. De su colaboración con Lean también surgirían obras como las bandas sonoras de Doctor Zhivago (1965) y Pasaje a la India (1984) (que le reportaron dos Óscar más en la misma categoría), así como La hija de Ryan (1970). Entre sus bandas sonoras para otros filmes destacan El día más largo (1962), Los profesionales (1966), Grand Prix (1966), Topaz (1969), El juez de la horca (1972), El hombre que pudo reinar (1975), El Mensaje (1976), Jesús de Nazareth(1977), Witness (1985), La costa de los mosquitos (1986), Atracción fatal (1987), Gorilas en la niebla (1988), El club de los poetas muertos (Dead Poets Society) (1989), Ghost (1990) y Un paseo por las nubes (1995). Jarre escribía principalmente para orquestas, pero durante los años 80 empezó a probar la música sintetizada. Por este motivo recibió algunas críticas acerca de que lo hacía más por comodidad que por estética. Él mismo lo desmintió puntualizando que su trabajo en Witness, por ejemplo, fue más laborioso que si hubiese sido orquestal. Las bandas sonoras electrónicas de Jarre también incluyen Atracción fatal, El año que vivimos peligrosamente, No hay salida, Gorilas en la niebla, El club de los poetas muertos (Dead Poets Society) y Jacob's Ladder. En varios de estos trabajos recibió asesoramiento de su hijo Jean Michel, compositor de música electrónica. En 2003 anunció su retirada definitiva de la composición musical para el cine. Con ocasión del Festival de Cine de Berlín en 2009, donde recibió un Oso de oro por toda su carrera, Jarre realizó su última aparición en público. Víctima de un cáncer, murió el 29 de marzo de ese mismo año en Los Ángeles, USA.

Doctor Zhivago (en ruso, Доктор Живаго, transliterado académicamente como Doktor Živago) es una película estadounidense de 1965 dirigida por David Lean y protagonizada por Omar Sharif. Se trata de un drama épico, basado en la novela homónima que publicó el ruso Borís Pasternak en 1957 y que le valió el Premio Nobel de Literatura un año más tarde. La película obtuvo cinco premios Óscar, entre los que hay que destacar el premio a la mejor banda sonora de Maurice Jarre, y fue candidata a otros cinco. Además, fue galardonada con otros cinco premios Globo de Oro. Fue una película muy popular durante décadas, y a partir de 2010 se la consideró en USA la octava película más taquillera de todos los tiempos.

Hoy ofrecemos el Tema de Lara convertido en el leit motiv de la película El Dr Zhivago. La versión corre a cargo de André Rieu (1949), violinista, compositor y director de orquesta neerlandés, quien ha pertenecido a distintas orquestas hasta que en 1987 fundó la Johann Strauss Orkest con la que ha recorrido un clamoroso trayecto rebosante de popularidad; orquesta que empezó con 12 músic@s y que en la actualidad ronda entre los 80 y 150 miembros dependiendo del programa que ofrezca; con ella ha recorrido toda Europa, América del Norte y del Sur, Japón y Australia. La música que ofrece habitualmente es un florilegio de música clásica, popular, folklórica y bandas sonoras tanto en actuaciones en directo como en grabaciones efectuadas en su propio estudio de Maastricht, con las que ha ganado distintos discos de oro y platino en diversos países.

Georges Bizet (1838- 1875) fue un compositor francés, principalmente de óperas. En una carrera cortada por su muerte prematura, alcanzó escasos éxitos hasta su última obra, Carmen, que se convirtió en una de las obras más populares e interpretadas de todo el repertorio operístico. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Tras regresar a París después de pasar casi tres años en Italia, se dio cuenta de que en los principales teatros de ópera parisinos se prefería interpretar el repertorio clásico más arraigado antes que las obras de nuevos compositores. Sus composiciones orquestales y para teclado fueron asimismo ignoradas en su gran mayoría, lo que estancó su carrera por lo que tuvo que ganarse la vida principalmente mediante arreglos y transcripciones de la música de otros. En su busca del ansiado éxito, comenzó varios proyectos teatrales durante la década de 1860, muchos de los cuales abandonó. Ninguna de las dos óperas que se llegaron a escenificar —Los pescadores de perlas y La bella muchacha de Perth— tuvieron éxito de inmediato. Tras la guerra franco-prusiana de 1870-71, en la que Bizet sirvió en la Guardia Nacional, tuvo cierto éxito con su ópera de un acto Djamileh, aunque la suite orquestal L'Arlésienne, derivada en su música incidental de la obra de teatro homónima de Alphonse Daudet, tuvo un éxito instantáneo. La producción de la última ópera de Bizet, Carmen, fue retrasada debido al miedo de que sus temas de traición y asesinato pudieran ofender a la audiencia. Tras su estreno el 3 de marzo de 1875, Bizet estaba convencido de que la obra iba a ser un fracaso; murió de un ataque al corazón tres meses más tarde, sin saber que resultaría un éxito espectacular y duradero. El matrimonio de Bizet con Geneviève Halévy fue feliz de manera intermitente y fruto del cual tuvieron un hijo. Tras su muerte, sus composiciones, excepto Carmen, estuvieron en general desatendidas. Los manuscritos fueron regalados o se perdieron, y las versiones publicadas de sus obras a menudo eran revisadas y adaptadas por terceros. No creó escuela ni tuvo discípulos ni sucesores evidentes. Tras años de abandono, sus obras empezaron a ser interpretadas de nuevo con más frecuencia en el siglo XX. Críticos posteriores lo han proclamado como un compositor de gran brillantez y originalidad cuya muerte prematura supuso una gran pérdida para la música teatral francesa.

Pablo Sarasate (1844-1908) fue un compositor y virtuoso del violín nacido en Iruña/Pamplona. Niño precoz al que sus padres, conscientes de las aptitudes musicales de su hijo, le formaron en el aprendizaje del violín; debido a los traslados del padre, músico militar, estudió en A Coruña, en Santiago de Compostela y en Pontevedra donde era asiduo de los ensayos de la Banda del Regimiento Aragón, que dirigía su padre. La condesa de Espoz y Mina le concedió una beca para estudiar en Madrid y, una vez en la capital de España, la reina Isabel II le concedió otra beca para ampliar sus estudios en París. A los trece años obtuvo el Premio de Violín del Conservatorio de París, y dos años después (1859) comenzó su carrera dando conciertos por toda Europa y América manteniéndose activo hasta su muerte. Su prestigio universal quedó patente con la dedicatoria con la que encabezaron algunas de sus partituras eminentes compositores como Max Bruch con su Concierto núm. 2  y su Fantasía escocesa, Camille Saint-Saëns  con su Concierto nº 1, su Concierto nº 3 y su Introducción y rondó caprichoso, Édouard Lalo con su Concierto en fa menor y su Sinfonía española, Henryk Wieniawski con su Concierto núm. 2, Antonín Dvořák con su Mazurka  para violín y orquesta … y algunos otros. Falleció en su casa de «Villa Navarra» en Biarriz en 1908, a los 64 años de edad.

La Fantasía Carmen, Op. 25, de Pablo Sarasate, es una fantasía para violín y orquesta, sobre temas tomados de la ópera Carmen de Georges Bizet. La pieza contiene una adaptación de la Aragonesa, la Habanera, un Interludio, la Seguidilla y la Danza de gitanos. Hoy tenemos como artistas principales a Lilia Pocitari como violín solista y a Zubin Mehta como director.

Edward Elgar (1857- 1934) compositor inglés nacido cerca de Worcester y bautizado y educado en el catolicismo por deseo de su madre aunque con la desaprobación de su padre, un violinista de nivel profesional. A los ocho años, recibió clases de violín y piano con profesores locales y a los diez años escribió su primera obra, música para una obra de teatro escrita e interpretada por sus herman@s. Enriqueció su formación con libros prestados de la Catedral sobre interpretación del órgano y sobre análisis y composición musical. Comenzó su carrera musical acompañando con su violín a cantantes y componiendo y realizando distintos arreglos para sus necesidades. A los 22 años fue nombrado director de la banda del  Asilo psiquiátrico de Powick, cerca de Worcester, para la que compuso distintas obras menores. Formó parte de la orquesta de los Festivales de Worcester y Birmingham llegando a interpretar la Sinfonía nº 6 y el Stabat Mater de Dvorak dirigidos por el mismo compositor; experiencia que recordaría durante toda su vida; realizó, así mismo, diversos viajes al extranjero asistiendo a conciertos de alto nivel que irían forjando al compositor en ciernes. A los 28 años sucedería a su padre en el cargo de organista de la Iglesia de San Jorge de Worcester. Tras su matrimonio con la novelista y poetisa Caroline Alice Roberts, se trasladaron a Londres donde comenzó a componer como medio de vida y a escuchar músicas para él desconocidas; ante la dificultad de darse a conocer, vuelve a Worcester para dirigir las bandas  locales e impartir clases de música. A los 42 años escribe las Variaciones Enigma que fue recibida con un entusiasmo generalizado y le catapultó como el compositor británico más importante de su época. En 1904 fue nombrado caballero en el Palacio de Buckingham; a partir de entonces recibió importantes reconocimientos y galardones.

El Concierto para violonchelo en mi menor, Op. 85 es un concierto para violonchelo y orquesta escrito por Edward Elgar en 1919. Es una de sus obras más notables, piedra angular del repertorio para violonchelo solo. Fue compuesto después de la Primera Guerra Mundial, momento en que su música había pasado de moda para el público aficionado a conciertos. En contraste con su anterior Concierto para violín que es lírico y apasionado, el Concierto para violonchelo es contemplativo y elegíaco. La primera representación no fue exitosa debido a que Elgar y los instrumentistas habían sido privados de un tiempo de ensayo adecuado. Esta obra no obtuvo mayor popularidad sino hasta la década de 1960, cuando una grabación hecha por Jacqueline du Pré captó la atención del público y se convirtió en una de las grabaciones de música clásica más vendidas. Elgar hizo dos grabaciones con Betrice Harrison como solista. Desde entonces, violonchelistas desde Pau Casals hasta l@s más signifcativ@s de nuestros días han tocado esta obra en conciertos públicos y estudios de grabación. El concierto está articulado en cuatro movimientos: I (0´37´´) Adagio – Moderato // II  (9´13´´) Lento - Allegro molto // III (13´40´´) Adagio  // IV (18´35´´) Allegro - Moderato - Allegro, ma non troppo - Poco più lento – Adagio.

Sol Gabetta (1981) es una violonchelista argentina que comenzó estudiando violín y violonchelo hasta que a los ocho años se decantó por el último. A los 23 años debutó con la Filarmónica de Viena y a partir de entonces ha colaborado con las mejores orquestas y directores del mundo, además de mantener una intensa actividad camerística.

Simon Rattle (1955), director de orquesta inglés que realizó sus estudios de piano, violín y percusión en el Liverpool College. A los 16 años ingresó en la Royal Academy of Music de Londres y a los 19 años ganó el Concurso de Dirección John Player. Tras esto, trabajó como asistente en diversas orquestas hasta ser contratado por la Sinfónica de Birmingham a la que convirtió en una de las orquestas más reconocidas de Gran Bretaña. Posteriormente, de 2002 a 2018, ha sido director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín y desde 2017 es el titular  de la Orquesta Sinfónica de Londres. Hoy ofrecemos el Concierto para violonchelo y orquesta de Edward Elgar con Sol Gabetta como solista y con Simon Rattle a la batuta.

Vicente Amigo (1967) es un guitarrista flamenco nacido en Guadalcanal (Sevilla) y uno de los “tocaores” más reconocidos. A los ocho años le regalaron su primera guitarra, pero su carrera no la comenzó hasta los 21 años en el Festival de las Minas de la Unión; al año siguiente ganó el Concurso Internacional de Extremadura y el Premio Ramón Montoya; en1999 fue galardonado con el Premio de la Música como “Mejor Artista Flamenco “ y “Mejor Compositor Flamenco”. Sus discos han merecido importantes reconocimientos  y sus giras se han prodigado por todo el mundo. El vídeo que hoy presentamos, Ciudad de las Ideas, obtuvo el Grammy al Mejor Álbum Flamenco 2001 y al año siguiente, el Premio Ondas.  

Totó la Momposina (1940) Nacida en una familia de músic@s, la canción y el baile fueron para ella algo congénito que lo expresaba desde la más tierna edad. Su música combina elementos africanos e indígenas tal como sucedió durante la época de la colonización española en América. Los ritmos que nacieron de esa fusión fueron múltiples siendo los más representativos tal como la gaita, la cumbia, el porro, la chalupa, el sexteto y el mapalé. Después de estudiar en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, se dedicó a recorrer Europa y a estudiar en la universidad de La Sorbona de París, así como en otras instituciones de Santiago de Cuba y La Habana. Es una de las cantantes colombianas más reconocidas en Latinoamérica y Doctora Honoris Causa en Educación por la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia. En 2002 fue nominada a los premios Grammy  por el álbum que hoy presentamos, Gaitas y Tambores.

Camille Saint–Saëns (1835-1921) fue un pianista, organista, compositor y militar francés, comprometido con la renovación musical francesa, así como con la enseñanza; por sus aulas pasaron alumnos tales como Fauré y Messager. Fue un niño precoz que  a los dos años comenzó a balbucear con el piano y a los siete, hizo sus primeros pinitos en la composición. A los 11 años hizo su primera aparición pública con obras de Haendel, Mozart y Beethoven; la impresión causada se vio reflejada en los periódicos de toda Europa. Su madre se opuso a la carrera concertista de niño prodigio debido a su delicada salud enfrascándole en los estudios correspondientes a su edad que los realizó con gran notoriedad. A los trece años se matriculó en órgano y composición en el Conservatorio de París y a los dieciocho, compuso su primera sinfonía. Trabajó como organista remunerado, del que Liszt comentó que era el mejor organista del mundo. Fue, además,  un intelectual multifacético: músico, escritor, matemático, filósofo, arqueólogo, geólogo, botánico … Igualmente de multifacético fue con sus numerosas obras musicales (más de 400) con las que abordó todo tipo de géneros entre los que hay que resaltar la novedad que en aquel momento supuso la música de cine.

La muerte del cisne es uno de los movimientos que componen la suite El carnaval de los animales con el protagonismo de la bailarina Svetlana Zajárova, bailarina ucraniana, que en la actualidad actúa como primera bailarina en los mejores teatros del mundo.

La banda de música folk Korrontzi (País Vasco, 2004) fue formada por el intérprete de trikitixa (acordeón diatónico vasco) Agus Barandiaran. Su objetivo, al formar la banda, era fundamentalmente el de dar a la música popular vasca, así como a los sonidos ancestrales y tradicionales de su tierra, un aspecto más moderno y contemporáneo, pero siempre desde la perspectiva de una música basada en la trikitixa y otros instrumentos tradicionales como la txalaparta o la alboka, sin olvidar nunca el respeto absoluto a toda la tradición que había recibido de su primer maestro, el trikitilari Rufino Arrola (1909 – 1996). Para lograr esta nueva sonoridad, se rodeó de estilos musicales más modernos y contó con la ayuda y la unión de instrumentos como la mandolina, el bajo eléctrico, el contrabajo o las percusiones. Durante estos años, Korrontzi ha llevado su cultura, idioma, danza y música por todo el mundo, tocando en grandes festivales y visitando numerosos países, como por ejemplo: Bélgica, EEUU, Rumania, Cabo Verde, Irlanda, Brasil, Malasia, Escocia, Holanda, Grecia, Italia, Canadá, Hungría, Portugal, Inglaterra, Chipre, Marruecos, Alemania, Croacia, Eslovenia, Austria, República Checa… y ha sido galardonado con premios y menciones como los «World Music Charts» en los años 2014, 2015, 2016 y 2019, «Top100 Roots Music Report (2015)», «Womex Official Selection (2014)», «Mejor banda europea, Eurofolk (2009)», «Mejor banda de la península, Navelgas (2007)»; además, su último trabajo (“Koplariak”, 2020) entra pisando fuerte, entrando en los primeros puestos de las selecciones de las revistas “Mondo Sonoro” y “Diariofolk” entre lo mejor del año. Resumiendo, Korrontzi es una fiesta tradicional de música y danza vasca con una visión de vanguardia.