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El Concierto de Año Nuevo (en alemán, Das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker) de la Orquesta Filarmónica de Viena es un concierto que tiene lugar cada año en la mañana del 1 de enero en la Sala Grande o Sala Dorada (Große Saal o Goldener Saal) de la Musikverein de Viena, Austria. Es transmitido en todo el mundo para una audiencia potencial estimada en 1000 millones de personas en 54 países. Cada año, el mismo programa se interpreta también el 30 de diciembre ("ensayo general") y el 31 de diciembre como "Concierto de San Silvestre" (Sylvesterkonzert). La música es, en su mayor parte, de la familia Strauss (Johann Strauss padre, Johann Strauss hijo, Josef Strauss y Eduard Strauss). El concierto siempre termina con varios bises después del programa principal (propinas que no están incluidas en el programa). Los músicos entonces desean colectivamente un feliz Año Nuevo (Prosit Neujahr) y terminan con el Vals del Danubio azul de Johann Strauss hijo, seguido de la Marcha Radetzky, de Johann Strauss padre. Durante esta última obra, la audiencia aplaude al compás y el director se vuelve para dirigirla, durante breves instantes, en lugar de a la orquesta. Un quiebro en la tradición en tiempos recientes fue durante la edición de 2005, dirigida por Lorin Maazel, cuando se invirtió el orden de las dos últimas obras, acabando el programa con el vals del Danubio azul como una señal de respeto por las víctimas del Terremoto del Océano Índico de 2004. El concierto se celebró por primera vez el 31 de diciembre de 1939 (con un ensayo público el día anterior), como "concierto extraordinario" (Außerordentliches Konzert). Su celebración estuvo promovida por el entonces Ministro de Ilustración Pública y Propaganda de Alemania, Joseph Goebbels (en aquel entonces Austria formaba parte de Alemania). Se concibió como un homenaje de las provincias orientales al Estado alemán. Fue dirigido por Clemens Krauss. En 1958, Willi Boskovsky introdujo la tradición de acabar el concierto con El Danubio Azul y la Marcha Radetzky, si bien ya eran interpretadas con bastante asiduidad al final del concierto durante los últimos años. Sin embargo, con los años 60 se produjo un cierto "aperturismo". Así, en 1962 fue interpretada por vez primera una obra de Joseph Lanner, primer compositor ajeno a la familia Strauss que sonaba el 1 de enero en Viena, y en 1964 ocurría lo propio con Eduard Strauss, olvidado hasta entonces. A partir de 1980 se produjeron bastantes novedades con obras de Offenbach y Suppé , entre otros, y cambio de directores de año en año.
El Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena 2021 tuvo lugar el 1 de enero de 2021, bajo la dirección de Riccardo Muti en el Salón Dorado del Musikverein de Viena. Después de 1993, 1997, 2000, 2004 y 2018, el concierto de este año marcará la sexta vez que Riccardo Muti, cuya estrecha colaboración musical con la Filarmónica de Viena se ha extendido por casi 50 años, dirige este prestigioso concierto. El Concierto de Año Nuevo de 2021 se transmitió a más de 90 países y fue seguido por millones de televidentes de todo el mundo, aunque debido al Covid-19, se llevó a cabo sin público presente.
A lo largo de su extraordinaria carrera, Riccardo Muti ha dirigido las orquestas más importantes del mundo: desde la Filarmónica de Berlín a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, desde la Filarmónica de Nueva York a la Orquesta Nacional de Francia, pasando por la Filarmónica de Viena, una orquesta a la que está vinculado por vínculos particularmente estrechos e importantes, y con la que se ha presentado en Viena, Salzburgo y en todo el mundo desde 1971. En septiembre de 2010, Riccardo Muti se convirtió en director musical de la Orquesta Sinfónica de Chicago y en el mismo año fue nombrado Músico del Año por Musical América.
Piotr Chaikovsky (1840-1893), compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Por desgracia su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado. Algunas veces llevaba consigo el equivalente italiano, notturno, con trabajos como el Notturno en D para cuatro orchestras, K.286, y la Serenata Notturna, K. 239, de Mozart. En aquella época, estas piezas no eran necesariamente inspiradas o evocadoras de la noche, sino que habían sido escritas para que se tocaran de noche, como sucede con las serenatas. En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para un solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. Los primeros nocturnos escritos con ese nombre fueron compuestos por John Field, generalmente visto como el padre del nocturno romántico, que tiene una característica melodía cantabile con un acompañamiento arpegiado, incluso muy similar al de una guitarra. Sin embargo, el más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 obras de ese género.
Hoy ofrecemos el Nocturno Op.19 No.4 de Chaikovski escrito para violonchelo y piano en interpretación de la chelista ucraniana Daria Janssen y acompañada por la pianista española Raquel Gorgojo
Albert William Ketèlbey (1875-1959) fue un compositor, director y pianista inglés. Nació en Birmingham (Inglaterra) y fue hijo de George Ketelbey y Sarah Aston. A los once años escribió una sonata para piano que interpretó en Worcester, en presencia de Edward Elgar, que en esos momentos era profesor de música de la ciudad. Después de estudiar un tiempo en el Milland Institute School of Music y en el Fitzroy de Londres, consiguió una beca para estudiar en el Trinity College of Music de esta ciudad, donde mostró su gran talento para interpretar varios instrumentos orquestales. Ketèlbey usó los seudónimos Raoul Clifford y Anton Vodorinski para algunas de sus obras. Siendo el director del londinense Teatro de Vaudeville (Vaudeville Theatre), continuó escribiendo música vocal e instrumental. Después, se hizo famoso y muchas de sus canciones fueron utilizadas como acompañamiento de películas y como música de ambiente en salas de baile.
En un mercado persa (In a Persian market) es una obra musical de Ketèlbey escrita en 1920. Relativamente corta, unos siete minutos, evoca el ambiente de un mercado oriental. La música describe sucesivamente: a) (0´00´´) La llegada de los camelleros y el paso majestuoso de sus monturas. b) (0´37´´) El canto de los mendigos. c) (1´12´´) La llegada de la princesa. d) (3´19´´) Los malabaristas y (3´36´´) los encantadores de serpientes. e) (3´55´´) El paso solemne del califa visitando el mercado. f) De nuevo (4´16´´) el canto de los mendigos, la melodía de la princesa y la caravana de los camelleros alejándose, simbolizando el final del mercado en el crepúsculo.
Vittorio Monti (1868-1922) fue un compositor, violinista y director de orquesta italiano. Tras estudiar en el Conservatorio de Nápoles, se trasladó a París a los 18 años, donde tras cuatro años fue nombrado director de la Lamoureux Orchestre. Compuso obras para violín, pantomimas, operetas, ballets y su obra más conocida, que hoy ofrecemos, sus Zardas.
La Zarda o czarda es un baile popular húngaro que se baila en pareja; la danza se caracteriza por la alternancia de un tiempo muy lento al que sigue otro tiempo vertiginoso.
Las Zardas de Monti fueron escritas en 1904 para violín (o mandolina) y piano, aunque posteriormente se han hecho múltiples arreglos para orquesta y un gran número de instrumentos solistas. Hoy presentamos una versión para dos violines y piano con las hermanas Camille y Julie Berthollet acompañadas por Guillaume Vincent.
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Antonio Vivaldi (1678-1741) A pesar de ser uno de los pocos compositores barrocos que tuvo fama internacional durante su vida, su música apenas fue conocida por nadie fuera de los musicólogos y estudiosos hasta el siglo XX. Vivaldi había recibido encargos de música de la realeza europea y había publicado doce volúmenes de obras. Estas obras publicadas ayudaron a establecer su carrera internacional e influyeron en compositores como J.S. Bach. Vivaldi dejó de publicar sus obras estrictamente por razones monetarias. Hizo más dinero con las copias escritas a mano que con las impresas. Hacia el final de su vida, su música instrumental había pasado de moda en su Venecia natal. Se concentró en la ópera y viajó a Viena con la esperanza de ponerlas en escena, pero el mecenas con el que contaba para ganarse la vida murió. Vivaldi estaba en la indigencia cuando murió en Viena a la edad de 63 años en 1741, y su música fue rápidamente olvidada. hasta 1926 cuando un internado dirigido por Padres Salesianos en Piamonte, Italia, descubrió una gran colección de manuscritos musicales en sus archivos. Se decidió vender los manuscritos para ayudar a la escuela y acudieron a la Biblioteca Nacional de Turín para determinar su valor. Un académico de la Universidad de Turín pidió que le enviaran los manuscritos para su inspección, y el académico determinó que eran manuscritos de la música de Vivaldi. Se necesitaron muchos años de trabajo y una extensa investigación para catalogar los manuscritos y rastrear algunas de las páginas que faltaban, y el trabajo se retrasó por la Segunda Guerra Mundial. Pero al final de la guerra, la música de Vivaldi se estaba imprimiendo en una nueva edición que se distribuyó en todo el mundo amante de la música, y el resurgimiento de Vivaldi había comenzado y aún se están investigando para identificar y descubrir más de su música. (Extractado de Musical Mussings)
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo, sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata, mientras el segundo y el tercer movimiento se construyen bajo diversas formas libres y puntuales. Frecuentemente, al final del primer y/o tercer movimiento, l@s solistas disponen de una cadencia, muchas veces escrita expresamente por el autor con motivos del mismo movimiento, con la que poder hacer gala de su virtuosismo.
Oboe Concerto RV 461 Si bien muchos de los más de 500 conciertos de Vivaldi fueron para violín, también escribió para muchos instrumentos y combinaciones de instrumentos diferentes. Destacan sus conciertos para instrumentos de viento; sólo para oboe escribió más de veinte. El oboe fue un instrumento popular en la época barroca, ya que fue un instrumento utilizado en las orquestas de Bach y Handel, así como en conciertos. No se conoce la fecha de composición del Oboe Concerto RV 461, que está articulado en tres movimientos: I (0´30´´) Allegro non molto .- II (4´03´´) Larghetto .- III (7´08´´) Allegro (Extractado de Musical Mussings)
Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida, fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores posteriores; pues incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.
El concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 83, de Johannes Brahms se separa en alrededor de veinte años de su primer concierto para piano. Brahms inició su composición en 1878 y la completó sólo tres años más tarde, en 1881, en Pressbaum, en las cercanías de Viena. Es considerado por muchos pianistas y literatura pianística universal. A diferencia del primer concierto para piano, este cuenta con cuatro movimientos: I (0´32´´) Allegro non troppo.- II (19´12´´) Allegro appassionato .- III (28´30´´) Andante.- IV (40´10´´) Allegretto grazioso. En esta obra, Brahms, siguiendo el ejemplo de Liszt y sus ya entonces célebres conciertos para piano, altera el esquema tradicional del concierto clásico, introduciendo, luego del primer movimiento, un segundo movimiento rápido. Es una obra de largo aliento, de dimensiones holgadas, y en este sentido, por su carácter marcadamente sinfónico y sus amplios desarrollos temáticos, se emparenta con su primer concierto para piano. De impulso menos trágico que su predecesor, más bien imbuido en un colorido de hondo lirismo, esta obra goza en la actualidad de una popularidad sólo comparable a las contribuciones de Beethoven y Schumann al género. Pese a su gran escala, cuando Brahms le envió una copia de la partitura a su amigo, el cirujano y violinista Theodore Billroth (a quien dedicó sus dos primeros cuartetos de cuerdas), éste lo describió como "un pequeño concierto para piano con un pequeño scherzo". Brahms mismo, en una carta dirigida a Elisabeth von Herzogenberg, con su proverbial humor, se refiere al segundo movimiento como "un pequeño alegre scherzo". La pieza fue estrenada en Budapest el 9 de noviembre de 1881 con el compositor al piano. A diferencia de su primer concierto, este recibió una muy favorable aceptación, y Brahms lo interpretó nuevamente en Alemania, Austria y Holanda, a veces bajo la batuta de su amigo Hans von Bülow.
La pianista francesa Hélène Grimaud (1969) es una de las más destacadas intérpretes de su generación. Desciende de una familia con distintos acervos culturales: por parte de padre tiene la rama sefardí del Norte de África, y por su madre de judíos de Córcega. Su familia cambió de apellido (de Grimaldi a Grimaud) antes de que naciera. A la edad de siete años descubre el piano y empieza su formación con Jacques Rouvier. Estudia en el Conservatorio de Marsella junto a Pierre Barbizet. Es aceptada en 1982, a la corta edad de trece años, y gana el premio del Conservatorio de París. Estudió con György Sándor (alumno de Bela Bartok) y Leon Fleisher (alumno de Maria Curcio y de Arthur Schnabel) hasta 1987. Tenía quince años cuando grabó la Segunda Sonata de Sergei Rachmaninov, una obra exuberante que requiere medios pianísticos de primer orden. Gana el Gran Premio del Disco de la Academia Charles Cros por esta grabación. En 1987 inicia su carrera como solista, en un recital junto a la Orquesta de París dirigida por Daniel Barenboim; a partir de este momento participa en numerosos festivales y conciertos del mundo entero tocando con los mejores directores y orquestas. Sus interpretaciones han sido alabadas por la crítica recibiendo menciones y premios, entre éstos la Grabación Musical Cannes del año, el Diapason d'Or, Grand Prix du Disque y el Record Academy Prize de Japón, por su depurado estilo musical. Hélène Grimaud es, además, una activista a favor de la protección de los lobos; también escribe y ya ha publicado tres libros y prólogos a diversas obras de otr@s escritores/as.
Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática (música que sigue un argumento) y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a París a estudiar medicina; pero a él no le gustó; abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. En 1830 escribe la Symphonie Fantastique, su obra más conocida. De aquí a Roma donde estuvo becado estudiando ópera italiana. Escribió varias óperas, sinfonías, oberturas, diversas canciones y obra coral, ya que estuvo muy influido por la literatura. En su Sinfonía fantástica, se inspiró en la obra de Thomas de Quincey, Confesiones de un inglés comedor de opio. Para La maldición de Fausto se basó en la traducción hecha por Gérard de Nerval sobre el Fausto de Goethe; Harold en Italia, está basada en Las peregrinaciones de Childe Harold, de Byron; Benvenuto Cellini, en la la autobiografía de Cellini; Romeo y Julieta, obviamente en la obra de Shakespeare, Romeo y Julieta; su magnum opus Les Troyens se inspira en la Eneida de Virgilio; la comedia Béatrice et Bénédict sobre otra obra de Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces. Aparte de sus influencias literarias, Berlioz se fijó en los himnos de su maestro Jean-François Lesueur e imitó mucho a Beethoven, en aquel tiempo desconocido en Francia. También mostró reverencia a los trabajos de Gluck, Mozart, Étienne Méhul, Carl Maria von Weber y Gaspare Spontini. En 1844, Héctor Berlioz compuso la primera obra que se conoce para saxofón, que es el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón.
El Oratorio es un género musical dramático sin puesta en escena, ni vestuario, ni decorados. Compuesto generalmente para voces solistas, coro y orquesta sinfónica, a veces con un narrador, su tema es frecuentemente religioso (historias de la Biblia o del Evangelio, de la vida de Jesús o de las vidas de santos, etc.), pero también puede ser profano (héroes mitológicos, temas históricos, himno a la naturaleza, etc.). Formalmente bastante cercano a la cantata y a la ópera, el oratorio comprende generalmente una obertura, recitativos, arias y coros. El término oratorio designaba al principio un lugar donde los miembros de una comunidad religiosa o cofradía se reunían a orar. En la segunda mitad del Cinquecento, en Roma, en el seno del movimiento religioso nacido por iniciativa de San Felipe Neri (1515-1595) el término toma el significado de un tipo particular de reunión que comprendía la lectura de libros espirituales o pasajes bíblicos, escuchar un sermón, acompañados de oraciones y cantos de alabanza. Tales reuniones se llamaron ejercicios del oratorio o simplemente oratorios. Cuando la parte musical llegó a ser la parte característica de estas reuniones el término oratorio pasó a significar la obra musical. El oratorio evolucionó rápidamente en diferentes formas, siendo cantado en latín o en diferentes lenguas vernáculas, pudiendo ser narrativo y dramático a semejanza de la ópera, o próximo a la cantata y a la música de la liturgia. A pesar de las diferencias que se encuentran entre los diferentes estilos de oratorio un conjunto de características estructurales son comunes al conjunto del género: A) Una estructura general en varias partes, frecuentemente tres, (eventualmente precedida de un preludio instrumental). B) La presencia de un narrador (exterior a la acción o identificado con un personaje). C) La alternancia entre las partes cantadas de arias y recitativos. A diferencia de la ópera, el oratorio es interpretado en forma de concierto, sin representación escénica: su trama se narra a partir de los textos y la música. Además, mientras que las óperas se ponen en escena normalmente en un teatro construido especialmente para este género, el oratorio suele representarse en iglesias.
La infancia de Cristo, op. 25 es un oratorio en tres partes para solistas, coro, orquesta y órgano, cuyo nombre original es « Trilogie Sacrée » (trilogía sagrada); obra de Hector Berlioz creada el 10 de diciembre de 1854 en París. PRIMERA PARTE (2´35´´) El Sueño de Herodes. El rey Herodes, sujeto a una visión nocturna recurrente, convoca a los adivinos que le anuncian que « un niño acaba de nacer que hará desaparecer [su] trono y [su] poder ». Con el fin de contrarrestar esta profecía, decide matar a todos los recién nacidos. (Indicación de Hector Berlioz : « después de un silencio de aproximadamente 8 o 9 compases, se pasará, sin otra interrupción, a la "Escena del Nacimiento »). En un establo, la Virgen María atiende al Niño Jesús. Los ángeles confían a la Sagrada Familia que un peligro la amenaza y que tienen que huir. SEGUNDA PARTE (44´00´´) La Huída a Egipto. Los pastores se han reunido delante del establo. Dicen adiós a la Sagrada Familia. Después, el periplo comienza. TERCERA PARTE (1h 0´20´´) La llegada a Sais. Están recogidos por una familia ismaelita. Un trío para dos flautas y arpa es ejecutado por los jóvenes Ismaelitas. El recitador es seguido por un coro que concluye la obra. La conducción del oratorio corre a cargo de James Conlon (1950) director de orquesta estadounidense . Actualmente es director musical de la Ópera de Los Ángeles , director principal de la RAI National Symphony Orchestra y asesor artístico de la Baltimore Symphony Orchestra
Magnus Lindberg (1958) es un compositor finlandés; estudió en la Academia Sibelius de Helsinki con Einojuhani Rautavaara y Paavo Heininen, iniciándose con el piano. Heininen animaba a sus alumnos para que mirasen más allá de la estética conservadora y nacionalista finlandesa que prevalecía, y explorasen las obras de la vanguardia europea. Asistió a cursos de verano en Siena (con Franco Donatoni) y en Darmstadt (con Brian Ferneyhough). Después de graduarse en la Academia Sibelius en 1981 viajó extensamente por Europa, cursando estudios privados con Vinko Globokar y Gérard Grisey en París, y contactando con la percusión tradicional japonesa y el punk rock en Berlín. Su primer gran éxito vino con Action-Situation-Signification (1982), el primer trabajo en el que Lindberg explora el terreno de la música concreta (el sonido es manipulado de distintas maneras y luego fijado en cinta o CD). Esta obra fue escrita para ser estrenada por el conjunto de música experimental Toimii, que Lindberg fundó durante el verano de 1980. Lindberg es también un consumado pianista, y ha interpretado varias de sus obras como parte de Toimii. Kraft (1983-85), otra pieza compuesta para Toimii, era el trabajo más extenso de Lindberg hasta la fecha, con armonías de alrededor de 70 notas. Utiliza no sólo la instrumentación tradicional, sino que para la percusión utiliza metales de desecho y la propia voz hablada. Lindberg consideró que tras esta obra de grandes dimensiones se iniciaba una nueva época difícil de continuar, y a excepción de Ur (1986) decidió dar un parón creativo que duraría dos años. Durante este tiempo no sólo repasaba su estilo, sino que también se recuperaba de una enfermedad tropical contraída durante uno de sus viajes en Indonesia.
Two Episodes es una composición para orquesta encargada por la London Philharmonic Orchestra, de la que Lindberg es compositor residente, y co-comisionada por The Proms, el Festival de Helsinki y la Casa da Música. Fue interpretada por primera vez por la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Vladimir Jurowski en el Royal Albert Hall de Londres, el 24 de julio de 2016. Lindberg compone dos episodios tanto como una pieza independiente como abridora de concierto para Beethoven 's Novena sinfonía, para el que se encargó primero. Two Episodes se proyecta en dos movimientos conectados . El primer movimiento (0´15´´) alude al movimiento de apertura de la Novena Sinfonía de Beethoven. El segundo movimiento (8´53´´) hace referencia de manera similar al tercer movimiento lento de la Novena de Beethoven y termina en la quinta perfecta La y Mi que abre la sinfonía.
Dalia Stasevska (1984) es una directora de orquesta finlandesa, actualmente directora invitada principal de la BBC Symphony Orchestra y directora principal de la Lahti Symphony Orchestra. Nacida en Kiev, República Socialista Soviética de Ucrania, Stasevska y su familia se trasladaron posteriormente a Tallin y más tarde a Finlandia cuando tenía cinco años. De joven estudió formalmente violín y composición en el Conservatorio de Tampere . Continuó sus estudios musicales de violín y viola en la Academia Sibelius de Helsinki. Cuando tenía 20 años, desarrolló un nuevo interés en la dirección y empeñó su violín para financiar la educación en dirección. Stasevska estudió dirección en la Real Academia Sueca de Música y en la Academia Sibelius. En mayo de 2018, Stasevska dirigió por primera vez a la BBC Symphony Orchestra. Sobre la base de esta aparición, en enero de 2019, la BBC SO anunció el nombramiento de Stasevska como su próxima directora invitada principal, a partir de julio de 2019. Dirigió la última noche de los Proms.en septiembre de 2020 y en julio de 2021, la Primera Noche de los Proms. En noviembre de 2020, la Royal Philharmonic Society anunció a Stasevska como la receptora de su Premio al Director de 2020.
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Freddie Hubbard (1938-2008) fue un trompetista estadounidense de jazz. Nacido en Indianápolis, comenzó sus actuaciones en distintos grupos desde muy joven; a los 20 años se trasladó a Nueva York, donde tuvo la ocasión de colaborar con eminentes músicos, y especialmente con John Coltrane, hasta que formó su propio quinteto, tal como hoy lo podemos visualizar en el festival alemán de Burghausen.
Lady Gaga (1986) es una cantante, compositora, productora, bailarina, actriz, activista y diseñadora de moda estadounidense. Su fama se extendió a partir del lanzamiento en 2008 de su álbum The Fame; el álbum tuvo excelentes críticas y ventas. lo que le animó a realizar varias giras con conciertos plenos de éxito de público y recaudación. En 2011 lanzó su segundo álbum Born This Way que ocupó el primer lugar de ventas en numerosas listas; de este modo lanzó varios álbums más con parecido éxito que merecieron once premios Grammy siete Billboard Music Awards, tres premios Brit, dieciocho MTV Video Music Awards dos Globos de Oro, y un Óscar.
Pello Reparaz, exintegrante del grupo Vendetta, es el cantante de la banda navarra Zetak, reciente premio MIN 2021 a Mejor Álbum en euskera. Cuando el mundo entero se encerró en casa en marzo de 2020, Pello Reparaz (Arbizu, 1990) acababa de dar un salto mortal con tirabuzón para caer de pie con su proyecto de música electrónica Zetak, galardonado recientemente con un premio de la música independiente (los MIN) a Mejor Álbum en euskera por su segundo disco. En un inteligente ejercicio de reajuste, Reparaz y su banda (Gorka Pastor en los sintetizadores y Leire Colomo e Iban Larreburu a la percusión) han logrado sacar algo positivo de la pandemia: “Ha traído cosas negativas, pero en lo profesional ya se me están olvidando. Hemos podido posicionar Zetak en un lugar en el que quizás a estas alturas no estaríamos gracias a Zeinen ederra izango den y a cómo ha sabido transformarse el proyecto en función de lo que está sucediendo”. Concebido como un proyecto artístico multidisciplinar, la experimentación está en el ADN de Zetak, que prepara junto a la compañía Sherpa AI, con sede en Bilbao, una canción que tendrá su origen en un algoritmo de inteligencia artificial. “Cuando llegas a tu meta, te das cuenta de que en realidad era otra. Me parece algo positivo; todo cambia y eso es positivo”. (extractado del artículo de Nerea Basterra en El País)
Zara Larsson (1997) es una cantante y compositora sueca. Alcanzó la fama en su país natal luego de ganar a los 10 años el concurso de talentos Talang (versión sueca de Got Talent) en 2008. Cuatro años después, en 2012, firmó con el sello discográfico TEN Music Group y posteriormente publicó su primer EP Introducing, en enero de 2013. Su primera canción original fue «Uncover», que fue publicada en 2013 y se convirtió en un éxito en las listas de sencillos de los países escandinavos como Suecia, Dinamarca y Noruega, logrando excelentes ventas, al igual que su álbum debut 1, lanzado un año más tarde. Su primer sencillo recibió la certificación de disco de platino por parte de Universal Music Sweden. En julio de 2013, Introducing recibió la certificación de triple disco de platino en su país. Previamente, en abril de 2013, Larsson firmó con Epic Records para distribuir su música en Estados Unidos. Es así como Zara logró reconocimiento internacional en 2015, cuando publicó «Lush Life» y «Never Forget You», que ingresaron entre los diez primeros puestos en la mayoría de las listas de éxitos de Europa, Oceanía y Norteamérica.
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La Orquesta Sinfónica y Coro de Kohar, popularmente conocida como Kohar, tiene su base en base en Gyumri, Armenia. Fue fundada en 1997 como una institución musical y cultural Independiente por el mecenas de la cultura armenia Harout Khatchadourian del Líbano, quien, junto con sus hermanos Shahe y Nar, sostuvo íntegramente las actividades de KOHAR y todos sus conciertos, en homenaje y en memoria de su difunto padre Aram, y nombró a la orquesta, como homenaje a su madre, 'Kohar'. Kohar comenzó inicialmente como una orquesta sinfónica en el año 2000, tocando la música de Armenia y otras canciones populares y sinfonías conocidas , bajo la dirección del director creativo y director Sebouh Abcarian de Chipre. Más tarde se formó el Coro Kohar para complementar el trabajo de la Orquesta Sinfónica Kohar. Con más de 150 músicos y 12 cantantes solistas, junto con un conjunto de 15 miembros de danza, la Orquesta Sinfónica y el Coro crecieron rápidamente en popularidad con sus conciertos iniciales al aire libre en las instalaciones de Kohar en el Líbano, lo que atrajo el interés y la admiración de los lugareños y extranjeros. visitantes.
La primera gran gira de conciertos de Kohar 'All Time Armenian Favorites', tuvo lugar en el verano de 2002, en Chipre y Líbano, y se extendió a lo largo de cuatro días. El repertorio bien diseñado sirvió como una experiencia cultural distintiva, atrayendo a más de 4000 personas a Biel, en el centro de Beirut, que transformó la sala en un momento escénico, memorable y glorificante para la historia musical armenia. Según los medios, la colección de canciones tradicionales y populares "hizo llorar a muchos de nostalgia, reminiscencia y orgullo". En octubre de 2005, fue el turno de Estambul, Turquía, de disfrutar del Tour de los favoritos armenios de todos los tiempos de Kohar en la sala de conciertos Lutfi Kirdar, con más de 7000 armenios y público visitante. Del 28 al 29 de abril de 2006, el Gran Salón del Kremlin , Moscú, fue testigo de un entusiasmo sin precedentes, cuando casi 12.000 audiencias armenias, rusas y extranjeras disfrutaron por primera vez de la actuación única de Kohar. El debut en Norteamérica fue a finales de 2007 y conquistó las principales ciudades de USA y Canadá: San Francisco, Detroit, Chicago, Boston, Toronto y Montreal, antes de finalizar con la conquista del Carnegie Hall de Nueva York el 20 de noviembre de 2007.
Kohar ha seguido difundiendo su mensaje durante su gira por Oriente Medio, comenzando con la República Árabe Siria, y una primera aparición el 9 de julio de 2009 en el Teatro de la Ópera de Damasco, seguida de exitosas actuaciones en el interior de la antigua fortaleza del famoso lugar del patrimonio mundial de la Ciudadela de Alepo. Su concierto más grande con Stars of Armenia lo presentó en Liberty Square cerca de la Ópera en el corazón de Ereván, Armenia, el 28 de mayo de 2011. El concierto en vivo fue transmitido en vivo por Channel 1 TV de Armenia y por primera vez a través de transmisión en vivo por Internet. Más de 10,000 espectadores, además de decenas de miles de televidentes de Armenia y la Diáspora, quedaron hipnotizados por la interpretación de Kohar de las mejores melodías; el programa fue calificado como el espectáculo más grande jamás realizado en Armenia por su grandiosa y magnífica producción. Durante el transcurso de su existencia, Kohar se ha convertido en una piedra angular importante, con sus interpretaciones musicales únicas de las canciones favoritas de Armenia, para la diáspora armenia . Con el objetivo de revivir y promulgar el alfabeto y la cultura armenios , y aportar su parte para preservar la herencia armenia para las generaciones futuras en el país y en el extranjero.
Satanella (conocida también como Le Diable amoureux) es un ballet en tres actos escrito por el bailarín y coreógrafo francés Joseph Mazilier (1801-1868) con música de Napoléon Henri Reber (1807-1880) y François Benoist (1794-1878) . La escena que hoy visionamos musicalmente está basada en el Carnaval de Venecia de Paganini y la interpretación corre a cargo de Eugenia Obraztsova primera bailarina del Ballet Bolshoi de Moscú y del Ballet Mariinski y de Alexander Sergeyev primer bailarín, así mismo, del Ballet Mariinski.
La Danza persa o danza iraní se refiere a los estilos de danza autóctona de Irán. Los géneros de danza en Irán varían según el área, la cultura y el idioma de la población local, que incluye muchas etnias, como kurdos, azeríes, turcomanos, judíos, armenios, georgianos, además de numerosos grupos tribales iraníes que se pueden encontrar dentro de las fronteras del Irán actual. La antigua Persia fue ocupada por potencias extranjeras: primero los griegos, luego árabes y luego mongoles y, a su vez, se produjeron inestabilidades políticas y guerras civiles. A lo largo de estos cambios, hubo una lenta desaparición de las tradiciones de danza patrimonial. Después de la caída del Imperio Persa, cuando el país fue destruido, las mujeres y jovencitas iraníes fueron esclavizadas por los nuevos conquistadores, a menudo obligadas a la esclavitud sexual y obligadas a bailar eróticamente para los nuevos gobernantes. La prohibición religiosa del baile en Irán se produjo con la expansión del Islam, pero fue estimulada por los acontecimientos históricos. Como resultado, muchos de los talentosos bailarines persas se mudaron a Occidente y se extendieron principalmente por Europa y USA, y la nueva generación de bailarines y artistas de ballet iraníes creció en la diáspora. Irán posee cuatro categorías de baile y estos géneros son: danzas de cadena o de línea, danza de improvisación individual, bailes de guerra o de combate y bailes rituales o espirituales. Los bailes en línea o de cadena a menudo se nombran por la región o los grupos étnicos con los que están asociados. Las danzas de improvisación utilizan movimientos delicados y elegantes de las manos y los brazos, como los círculos de la muñeca. Las danzas de guerra o combate imitan el combate o ayudan a entrenar al guerrero. Los bailes rituales o espirituales, a menudo consisten en un ritual de curación que involucra trance, música y movimiento que se realiza para librar a una persona poseída por un espíritu y parece ser un estado similar al de un exorcismo.
La danza tradicional rusa es una parte importante de la cultura rusa . Algunas de las características únicas sugieren que muchos elementos fueron desarrollados por los primeros poblados rusos. Las danzas rusas fueron influenciadas por culturas de Oriente y Occidente. En efecto, Rusia fue testigo de varias invasiones de otros países, además de que debido a su ubicación y tamaño, el país entró en contacto con muchas culturas diferentes a través de la migración y el comercio. Muchas de estas primeras danzas fueron realizadas y practicadas por las clases bajas. Por lo general, las clases altas observaban a los artistas en lugar de participar en los bailes. Las tradiciones originales de la danza folclórica rusa continúan desempeñando un papel importante en su cultura y han estado en constante interacción con los numerosos grupos étnicos de Rusia. Probablemente las características más famosas de los admirados bailes masculinos rusos son las de la danza rusa en cuclillas, flexionando rodillas, pisando fuerte y haciendo saltos. Las características de este tipo de danza suelen utilizar música rápida que cambia de ritmo con el tiempo. En la danza rusa también es común que los bailarines pisoteen, aplaudan y golpeen la planta, la parte delantera del pie, los muslos, las rodillas y el pecho con las palmas de sus manos a un ritmo muy rápido.
Igor Moiseyev (1906-2007) fue un coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios de el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico. A lo largo de su vida recibió múltiples distinciones nacionales e internacionales. Murió a los 101 años de edad.
El vídeo de hoy nos ofrece una amplia muestra de una serie de bailes tradicionales rusos interpretados por la compañía The Moiseyev Ballet.
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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.