El 1 de Mayo se celebra el día internacional de l@s trabajadoras/es

El 7 de Mayo es el Centenario del Nacimiento de Brahms y de Chaikovsky

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La Internacional (L'Internationale en francés) es la canción más señera del Movimiento obrero. Se la considera el himno oficial de los trabajadores del mundo entero y de la mayoría de los partidos socialistas y comunistas así como de algunas organizaciones anarquistas. La letra original, en francés, es de Eugène Pottier, y fue escrita en 1871 dentro de su obra Cantos Revolucionarios. En 1888 Pierre de Geyter la musicalizó por encargo Gustave Delory, dirigente del Partido Obrero Francés en la ciudad de Lille (Francia) para el repertorio de la coral del partido la Lira de los Trabajadores (La Lyre des Travailleurs). En 1889 fue adoptada como himno de la Segunda Internacional (ahora, Internacional Socialista) y como himno de la URSS desde su creación en 1922 hasta 1944.

Hoy la podemos visionar en interpretación del Coro y Orquesta del Teatro Mariinsky bajo la batuta de Valery Gergiev  (1953), director ruso, uno de los más apreciados de la actualidad y director general del Teatro Mariinski y director asociado de la Ópera del Metropolitan, de la Filarmónica de Munich y de Rotterdam, además de la Sinfónica de Londres.


Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida,  fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.

Las Danzas Húngaras son un conjunto de 21 danzas basadas en músicas populares húngaras. La nº 4, que hoy presentamos, comienza con un tema reposado y sereno que alterna con distintos episodios de carácter alegre y vivo. Está dirigida por Lisa Xanthopoulou (1968) directora griega que comenzó sus estudios en Tesalónica para perfeccionarlos en Alemania e Italia. En la actualidad es la titular de la Sinfónica de Tesalónica y directora frecuentemente invitada de importantes orquestas europeas.

Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida,  fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.

Las Danzas Húngaras son un conjunto de 21 danzas basadas en músicas populares húngaras. La nº 4, que hoy presentamos, comienza con un tema reposado y sereno que alterna con distintos episodios de carácter alegre y vivo. Está dirigida por Lisa Xanthopoulou (1968) directora griega que comenzó sus estudios en Tesalónica para perfeccionarlos en Alemania e Italia. En la actualidad es la titular de la Sinfónica de Tesalónica y directora frecuentemente invitada de importantes orquestas europeas.


Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada en fiestas de noche. En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para un solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. El más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 obras de ese género. Hoy ofrecemos el Nocturno Op 19 No 4 de Chaikovsky con Corinne Morris al violonchelo acompañada por la Macedonian Radio Symphony Orchestra conducida por Philip Hesketh.


La txalaparta es un instrumento de percusión tradicional de Euskal Herria; generalmente consta de dos soportes (cestos, sillas, banquetas, etc.); sobre éstos, algún material aislante (hoja de maíz, sacos viejos enrollados, hierba seca, etc.) y sobre esto, un tablón que es golpeado con cuatro palos (dos por cada txalapartari).

Aunque tradicionalmente cada txalaparta solía tener dos o tres tablas de madera, actualmente es habitual encontrar txalapartas formadas por una docena de tablas. Su utilización estaba íntimamente ligada a las labores de fabricación de la sidra. Tras triturar la manzana, se celebraba una cena y la fiesta se podía prolongar hasta altas horas de la madrugada. Recientemente empieza a popularizarse también la Harriparta o Txalaparta de piedra.

La presente versión de La Internacional está grabada en el lenguaje de la madera y la piedra, que al juntarse forman la melodía de la conocida canción. Se funden lo singular y lo universal: uno de los instrumentos musicales más singulares de Euskal Herria, la Txalaparta, interpreta el himno universal de la clase trabajadora. La versión es obra de Hutsun Txalaparta Taldea, a petición del sindicato vasco LAB.

La txalaparta es un instrumento de percusión tradicional de Euskal Herria; generalmente consta de dos soportes (cestos, sillas, banquetas, etc.); sobre éstos, algún material aislante (hoja de maíz, sacos viejos enrollados, hierba seca, etc.) y sobre esto, un tablón que es golpeado con cuatro palos (dos por cada txalapartari).

Aunque tradicionalmente cada txalaparta solía tener dos o tres tablas de madera, actualmente es habitual encontrar txalapartas formadas por una docena de tablas. Su utilización estaba íntimamente ligada a las labores de fabricación de la sidra. Tras triturar la manzana, se celebraba una cena y la fiesta se podía prolongar hasta altas horas de la madrugada. Recientemente empieza a popularizarse también la Harriparta o Txalaparta de piedra.

La presente versión de La Internacional está grabada en el lenguaje de la madera y la piedra, que al juntarse forman la melodía de la conocida canción. Se funden lo singular y lo universal: uno de los instrumentos musicales más singulares de Euskal Herria, la Txalaparta, interpreta el himno universal de la clase trabajadora. La versión es obra de Hutsun Txalaparta Taldea, a petición del sindicato vasco LAB.


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La Sinfonía n.º 6 en si menor, Op. 74, conocida como «Patética», es la última sinfonía de Piotr Ilich Chaikovski, compuesta entre febrero y finales de agosto de 1893. El compositor dirigió la primera interpretación en San Petersburgo el 28 de octubre de ese año, nueve días antes de su muerte. El subtítulo de «Patética» no es del propio Chaikovski; fue sugerido por su hermano menor Modest y la palabra rusa que utilizó fue «patetícheskaya», que significa «apasionada» o «emotiva». La obra consta de cuatro movimientos: I (0´48´´) ADAGIO–ALLEGRO NON TROPPO .-.  II (21´16´´) ALLEGRO CON GRAZIA .-. III (29:17) ALLEGRO MOLTO VIVACE .-  IV (38´ 20´´) FINALE. ADAGIO LAMENTOSO – ANDANTE

El maestro que hoy nos acompaña, Lionel Bringuier (1986), es un pianista, violonchelista y director de orquesta francés. A los 15 años, en 2002, llega a ser el francés más joven en cursar la formación superior de director de orquesta en el Conservatorio de París. En 2005 es designado director asistente de la Orquesta de Cámara de París. Es invitado a dirigir numerosas formaciones y ha dirigido varios conciertos de la Orquesta de Cámara de París durante la temporada 2005-2006. En 2009, es nombrado director asociado de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. Ese mismo año es nombrado director musical de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. A partir de la temporada 2014-2015 asume la dirección musical de la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich.


Trío para piano. Durante el Barroco el trío habitualmente constaba de dos instrumentos melódicos de tesitura aguda y un bajo continuo interpretado por un instrumento melódico de tesitura grave además de un instrumento armónico como un clavicémbalo. En el Clasicismo fue el trío para piano, formado por violín, violonchelo y piano, el que se ganó el favor de los compositores de una manera más clara siendo con Haydn con quien se estabiliza esta formación, a la vez que sufre una profunda transformación, aportando diferentes matices y contrastes al conjunto, agregando en algunas ocasiones voces, o instrumentos de viento. En manos de Mozart, el chelo pasa de ser un instrumento secundario que dobla la mano izquierda del piano a convertirse en un actor vital y participativo.

El Trio no. 1 in B major op. 8, para piano violín y chelo, de Johannes Brahms fue compuesto y publicado en 1854. Durante el verano de 1889, Brahms revisó la obra profusamente y publicó una nueva versión en 1891 bajo el mismo número de opus, pero con la nota "nueva edición"; la segunda versión es radicalmente diferente a la primera. Brahms inició algunos retoques en la partitura, pero terminó cambiando secciones completas de casi todos los movimientos. El trío está dividido en cuatro movimientos: I (0´16´´) ALLEGRO CON BRIO .-. II (10´04´´) SCHERZO .-. III (16´26´´) ADAGIO .-. IV (23´52´´) ALLEGRO. La versión de hoy nos la ofrece el Trinity Trio con Tina Kim al piano, Stella Kim al violín y Sally Kim al chelo.

Trío para piano. Durante el Barroco el trío habitualmente constaba de dos instrumentos melódicos de tesitura aguda y un bajo continuo interpretado por un instrumento melódico de tesitura grave además de un instrumento armónico como un clavicémbalo. En el Clasicismo fue el trío para piano, formado por violín, violonchelo y piano, el que se ganó el favor de los compositores de una manera más clara siendo con Haydn con quien se estabiliza esta formación, a la vez que sufre una profunda transformación, aportando diferentes matices y contrastes al conjunto, agregando en algunas ocasiones voces, o instrumentos de viento. En manos de Mozart, el chelo pasa de ser un instrumento secundario que dobla la mano izquierda del piano a convertirse en un actor vital y participativo.

El Trio no. 1 in B major op. 8, para piano violín y chelo, de Johannes Brahms fue compuesto y publicado en 1854. Durante el verano de 1889, Brahms revisó la obra profusamente y publicó una nueva versión en 1891 bajo el mismo número de opus, pero con la nota "nueva edición"; la segunda versión es radicalmente diferente a la primera. Brahms inició algunos retoques en la partitura, pero terminó cambiando secciones completas de casi todos los movimientos. El trío está dividido en cuatro movimientos: I (0´16´´) ALLEGRO CON BRIO .-. II (10´04´´) SCHERZO .-. III (16´26´´) ADAGIO .-. IV (23´52´´) ALLEGRO. La versión de hoy nos la ofrece el Trinity Trio con Tina Kim al piano, Stella Kim al violín y Sally Kim al chelo.


El Concierto para violín de Chaikovsky, uno de los conciertos de violín más reputados y difíciles de ejecutar, deja dos impresiones imborrables: la del virtuosismo inherente a su factura y la de la belleza de sus melodías. EL PRIMER MOVIMIENTO (0´05´´) Allegro moderato se inicia con una introducción breve, de carácter lírico al que siguen las melodías que componen el resto del movimiento. EL SEGUNDO MOVIMIENTO (18´32´´) Canzonetta: Andante. Se inicia con un pasaje en acordes ejecutado por las maderas y las trompas, que dan paso a  una melodía tradicional rusa de carácter tranquilo  que sirve como puente sin pausa al TERCER MOVIMIENTO (24´40´´) Allegro vivacissimo,  inspirado en temas rusos desarrollados mediante múltiples variaciones en la orquestación, el ritmo y la melodía.

Julia Fischer (1983), una de las violinistas más importantes del mundo, es una virtuosa alemana del violín y del piano. A los doce años gana el premio de violín Yehudi Menuhin y en 2007 es declarada la “Artista del año” por la revista Gramophon. Para no extendernos con la enumeración de sus numerosos e importantes reconocimientos, diremos que aunque volcada en el violín, nunca se ha querido alejar del piano. Ha actuado en las principales salas del mundo con los mejores directores como solista de violín, aunque esporádicamente también lo ha hecho como solista de piano. Hoy nos ofrece este  concierto de Chaikovski acompañada por la Orchestre Philharmonique de Radio France conducida por el maestro ruso Vasily Petrenko (1976).


La variación es una técnica formal donde el material es repetido en una forma alterada. Los cambios pueden afectar a la melodía, ritmo, armonía, contrapunto, timbre, orquestación o cualquiera de esas combinaciones. Como composición, se caracteriza por contener un tema principal que se imita en otros subtemas o variaciones relacionados entre ellos.

Variaciones sobre un tema de Haydn es una obra musical en forma de tema y variaciones compuesta por Johannes Brahms en 1873. Brahms compuso dos versiones de la obra: una para dos pianos y otra para orquesta sinfónica, la que hoy ofrecemos. TEMA (0´02´´) Coral St. Antoni. Andante .-. VARIACIÓN I (2´03´´) Poco más animado .-. VARIACIÓN II (3´28´´) Più vivace .-. VARIACIÓN III (4´31´´) Con moto .-. VARIACIÓN IV (6´22´´) Andante con moto .-. VARIACIÓN V (8´37´´) Vivace .-. VARIACIÓN VI (9´37´´) Vivace .-. VARIACIÓN VII (10´58´´) Grazioso .-. VARIACIÓN VIII (13´49´´) Presto non troppo .-. FINALE (14´55´´) Andante. La obra está interpretada por la Orquesta Sinfónica de la WDR bajo la batuta de su director principal el maestro rumano Cristian Măcelaru (1980).

La variación es una técnica formal donde el material es repetido en una forma alterada. Los cambios pueden afectar a la melodía, ritmo, armonía, contrapunto, timbre, orquestación o cualquiera de esas combinaciones. Como composición, se caracteriza por contener un tema principal que se imita en otros subtemas o variaciones relacionados entre ellos.

Variaciones sobre un tema de Haydn es una obra musical en forma de tema y variaciones compuesta por Johannes Brahms en 1873. Brahms compuso dos versiones de la obra: una para dos pianos y otra para orquesta sinfónica, la que hoy ofrecemos. TEMA (0´02´´) Coral St. Antoni. Andante .-. VARIACIÓN I (2´03´´) Poco más animado .-. VARIACIÓN II (3´28´´) Più vivace .-. VARIACIÓN III (4´31´´) Con moto .-. VARIACIÓN IV (6´22´´) Andante con moto .-. VARIACIÓN V (8´37´´) Vivace .-. VARIACIÓN VI (9´37´´) Vivace .-. VARIACIÓN VII (10´58´´) Grazioso .-. VARIACIÓN VIII (13´49´´) Presto non troppo .-. FINALE (14´55´´) Andante. La obra está interpretada por la Orquesta Sinfónica de la WDR bajo la batuta de su director principal el maestro rumano Cristian Măcelaru (1980).


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Sonny Rollins (1930) está considerado como uno de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz junto con Coleman Hawkins, Lester Young, Ben Webster, Dexter Gordon y John Coltrane. Sus estilos son el bop y el hard bop, aunque en varias ocasiones se ha aproximado al free jazz. En su estilo siempre se ha notado la presencia de Coleman Hawkins, por su sonido denso y voluminoso, y de Charlie Parker, por la libertad de improvisación. Es frecuente su recurso al folclore (el Caribe, los calipsos...), su exposición reiterada de temas, su prolongación de las introducciones o su tendencia a la cita musical de otros temas o autores. Varias de sus composiciones, como "St. Thomas", "Oleo", "Doxy", "Airegin" y "Tenor Madness" están considerados estándares de jazz.


Alessia Cara (1996) es una cantautora y actriz canadiense. Después de grabar algunas versiones acústicas, lanzó su sencillo debut «Here» el 13 de noviembre de 2015, que alcanzó el número 19 en la lista de los Canadian Hot 100 y fue un éxito inesperado en USA, logrando el número 5 en el Billboard Hot 100. El álbum debut de Cara, Know-It-All (2015), alcanzó el número 8 en el Canadian Albums Chart y el número 9 en el Billboard 200 en USA. El tercer sencillo del álbum, «Scars to Your Beautiful», logró el número 8 en la lista Billboard Hot 100 en 2016. En 2018 recibió su primer Grammy, en la categoría por Mejor Artista Nuev@. Su música está considerada como R&B y alternativa de R&B; aunque también crea pistas con géneros pop, soul e indie pop.

Alessia Cara (1996) es una cantautora y actriz canadiense. Después de grabar algunas versiones acústicas, lanzó su sencillo debut «Here» el 13 de noviembre de 2015, que alcanzó el número 19 en la lista de los Canadian Hot 100 y fue un éxito inesperado en USA, logrando el número 5 en el Billboard Hot 100. El álbum debut de Cara, Know-It-All (2015), alcanzó el número 8 en el Canadian Albums Chart y el número 9 en el Billboard 200 en USA. El tercer sencillo del álbum, «Scars to Your Beautiful», logró el número 8 en la lista Billboard Hot 100 en 2016. En 2018 recibió su primer Grammy, en la categoría por Mejor Artista Nuev@. Su música está considerada como R&B y alternativa de R&B; aunque también crea pistas con géneros pop, soul e indie pop.


Oasis fue una banda de rock inglesa icono del Britpop, formada en Mánchester en 1990. Debido a las 15 millones de copias vendidas de su álbum debut Definitely Maybe, a las 30 millones de copias vendidas de su segundo álbum (What's the Story) Morning Glory? y al hecho de que su tercer álbum Be Here Now se convirtiera en el disco más rápidamente vendido en la historia del Reino Unido con 520.000 copias vendidas tan sólo el día de su puesta a la venta, Oasis ha sido considerado como uno de los grupos musicales más importantes en la historia musical de Reino Unido, habiendo entrado en varias ocasiones en el Libro Guinness de los récords. Publicaron 33 singles, de los cuales 9 alcanzaron el puesto n.º 1 de las listas británicas y 2 el puesto n.º 1 de las listas estadounidenses.


Myriam Hernández (1965) es una cantautora, compositora y presentadora de televisión chilena. Ha incursionado principalmente en la balada romántica, por lo que a veces es apodada como «la baladista de América», aunque también ha fusionado su estilo con otros géneros como la electrónica o el hip-hop. Empezó su carrera musical a finales de la década de 1980 con su álbum Myriam Hernández y el sencillo «El hombre que yo amo», que alcanzó el 10 º puesto en el Hot Latin Tracks de 1989, mientras que su primer disco alcanzó la cuarta posición del Latin Pop Songs de Billboard el mismo año. Ha vendido más de 6 millones de discos en todo el mundo. En 2011 fue nominada al Premio Grammy Latino y en 2015 ingresó al Salón de la Fama de los Compositores Latinos.

Myriam Hernández (1965) es una cantautora, compositora y presentadora de televisión chilena. Ha incursionado principalmente en la balada romántica, por lo que a veces es apodada como «la baladista de América», aunque también ha fusionado su estilo con otros géneros como la electrónica o el hip-hop. Empezó su carrera musical a finales de la década de 1980 con su álbum Myriam Hernández y el sencillo «El hombre que yo amo», que alcanzó el 10 º puesto en el Hot Latin Tracks de 1989, mientras que su primer disco alcanzó la cuarta posición del Latin Pop Songs de Billboard el mismo año. Ha vendido más de 6 millones de discos en todo el mundo. En 2011 fue nominada al Premio Grammy Latino y en 2015 ingresó al Salón de la Fama de los Compositores Latinos.


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El Cuarteto de Brahms se estrenó en Hamburgo en 1861; Schoenberg orquestó la obra en 1937, y fue estrenada por la Filarmónica de Los Ángeles bajo la batuta del entonces director musical Otto Klemperer en uno de los Conciertos de los sábados por la noche de la orquesta. Schoenberg explicó la razón de su orquestación casi un año después del estreno. El compositor escribió: "1) Me gusta la pieza. 2) Rara vez se toca. 3) Siempre se toca muy mal, porque cuanto mejor es el pianista, más fuerte toca, y no se oye nada de las cuerdas. Yo quería escuchar todo a la vez, y lo he conseguido." (extractado del artículo de John Mangum). Hoy lo podemos visionar coreografiado por George Balanchine en interpretación de  Damian Woetzel con el New York City Ballet.


El lago de los cisnes, primer ballet de Chaikovsky, es un cuento de hadas-ballet estructurado en cuatro actos; fue un encargo del Teatro Bolshói estrenado en 1877. La obra, en principio coreografiada por Julius Reisinger, no fue bien aceptada ni por el público ni por la crítica; lo que obligó a Chaikovsky a un nuevo planteamiento y a una nueva coreografía, esta vez de Marius Petipa y Lev Ivanov; su reestreno en el Teatro Mariinski de San Petersburgo logró su primer gran éxito, que ha continuado hasta el momento presente en el que se ha convertido en uno de los títulos más reputados del ballet mundial. Hoy nos lo ofrece el Kirov Ballet (o Ballet Mariinsky), una de las compañías de ballet líderes en el campo internacional. 

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La pizzica es un baile popular presente hasta la década de 1970 en Puglia  y en Basilicata. La pizzica forma parte de la gran familia de bailes tradicionales denominada tarantella, como se suele denominar a ese abigarrado grupo de bailes difundidos desde la Edad Moderna por el sur y centro de Italia. La pizzica era esencialmente una danza lúdica de momentos de celebración y convivencia social, pero era practicada durante los rituales terapéuticos por los mordidos (reales o supuestos) por la tarántula Lycosa tarantula. En la misma zona de la pizzica también se ha seguido practicando la tarantela, tanto que hoy en día es difícil incluso para los mayores percibir la diferencia entre ambos bailes.


Igor Moiseyev (1906-2007) fue un coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios en el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente el Ballet Igor Moiseyev es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico. 

Igor Moiseyev (1906-2007) fue un coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios en el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente el Ballet Igor Moiseyev es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico. 


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