El día 25 de Julio es la fiesta oficial de Galicia

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Xoán Montes (1840-1899) fue un compositor, instrumentista y docente gallego nacido en Lugo. En 1850 comienza sus estudios en el Seminario Conciliar de Lugo con el fin de cursar la carrera sacerdotal. Pasará catorce años formándose como interno en la institución eclesiástica, abandonándola en el verano de 1864 para dedicarse enteramente a la práctica de la música. Durante sus años como seminarista Montes recibe una muy escasa formación musical que él mismo necesitará continuar de una manera autodidacta estudiando los textos de Fetis-Gil, Eslava o Berlioz. En la producción de Montes encontramos composiciones y arreglos para coro, órgano, banda, orquesta, cuarteto, sexteto, voz o piano. Muere en la noche del 23 al 24 de junio de 1899 a causa de una hemorragia cerebral.

Negra sombra es un poema gallego de Rosalía de Castro musicalizado por Xoán  Montes y convertido por él en una de las canciones gallegas más emblemáticas. Hoy nos lo ofrece María Eugenia Boix acompañada por Natalia Ensemble. Singularmente vinculada a la música antigua y al repertorio barroco, la soprano María Eugenia Boix se reivindica también como una solista muy pegada al escenario, al teatro y a la música popular.  Por otro lado, Natalia Ensemble es un conjunto creado en 2013 y formado por 17 intérpretes que, tras haber coincidido en diversas orquestas, han querido seguir haciendo música juntos.


Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la Historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven. 

Las Suites para orquesta, BWV 1066-1069 (llamadas ouvertures por su autor), son cuatro piezas que escribió Johann Sebastian Bach entre 1725 y 1739 en Leipzig. En un sentido amplio, el término suite se empleaba en la Alemania del Barroco para hacer referencia a una serie de piezas de danza precedidas por una ouverture. La Suite para orquesta n.º 3 en re mayor, BWV 1068 está estructurada en cinco movimientos, de los que hoy ofrecemos el segundo, Air (aria), que es una de las piezas más famosas de la música barroca en versión de la agrupación Voices of Music, conjunto de Música antigua, el más popular de USA.

Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la Historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven. 

Las Suites para orquesta, BWV 1066-1069 (llamadas ouvertures por su autor), son cuatro piezas que escribió Johann Sebastian Bach entre 1725 y 1739 en Leipzig. En un sentido amplio, el término suite se empleaba en la Alemania del Barroco para hacer referencia a una serie de piezas de danza precedidas por una ouverture. La Suite para orquesta n.º 3 en re mayor, BWV 1068 está estructurada en cinco movimientos, de los que hoy ofrecemos el segundo, Air (aria), que es una de las piezas más famosas de la música barroca en versión de la agrupación Voices of Music, conjunto de Música antigua, el más popular de USA.


Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. En 1847 ingresó en la escuela primaria de su pueblo, donde recibió las primeras enseñanzas musicales. Durante la década de 1860 tocó la viola en la Orquesta del Teatro Provisional Bohemio, dirigida a partir de 1866 por Bedřich Smetana. En 1873 fue exaltado a nivel mundial con su colección de Danzas eslavas y reconocido en adelante con todo tipo de importantes galardones internacionales. A lo largo de su vida escribió abundante música vocal, de cámara, sinfónica y operística, entre la que su obra más popular, la Sinfonía del Nuevo Mundo, refleja el interés que le causó la música nativa americana.

La Sinfonía n.º 7 en re menor Op. 70 (1885) de Antonín Dvořák se publicó con el número 2, que es el que le correspondía en la primera clasificación de las obras de este compositor, en la que no se incluían las cuatro primeras sinfonías. Es una obra emocionalmente turbulenta, como lo expresa la inscripción “del tiempo tormentoso” que llevaba en su primera publicación; ciertamente es la sinfonía más típicamente romántica de cuantas escribió Dvořák, recordando a la “Patética” de Chaikovski. Estructurada en cuatro movimientos, hoy presentamos el tercer movimiento, Scherzo – Vivace, que comienza con una alegre melodía desarrollada con la vitalidad de los movimientos anteriores. Hoy nos lo ofrece la Hong Kong Sinfonietta conducida por el maestro ruso  Daniel Raiskin.


Vicente Lleó Balbastre (1870- 1922) fue un compositor español conocido fundamentalmente por su obra lírica. Nacido en la localidad valenciana de Torrent; estudió en el Conservatorio de Valencia con Salvador Giner y a los trece años compuso la primera obra, Dixit Dominus para ser interpretada por el Colegio del Corpus Christi y a los diecisiete, la primera obra para el teatro, De València al Grau. Su producción está muy influida por la opereta centroeuropea; efectivamente, adaptó diferentes títulos de operetas italianas y austriacas, un ejemplo bien claro fue su adaptación de El Conde de Luxemburgo, de Franz Lehár. La última obra suya estrenada fue La piscina de Buda terminada por Reveriano Soutullo y Juan Vert y estrenada por la compañía de Salvador Videgain.

¡Ay, ba! es una romanza para soprano del tercer acto de la zarzuela La corte de Faraón, con letra de Guillermo Perrín y música de Vicente Lleó Balbastre, estrenada en el Teatro Eslava de Madrid en 1910. Muy cercano al cuplé, es el tema más famoso de esta zarzuela y pronto se consolidó como un auténtico himno, representando por excelencia la singular mezcla entre opereta, zarzuela y revista que supone esta obra. ¡Ay, ba! es canto repleto de sensualidad con el que la bailarina babilónica Sul trata de despertar el deseo del Faraón, debido a la frustración de su esposa al no verse deseada por él. El carácter altamente sexual de esta aria provocó su prohibición en época franquista, no volviendo a ser interpretada hasta 1976.

Vicente Lleó Balbastre (1870- 1922) fue un compositor español conocido fundamentalmente por su obra lírica. Nacido en la localidad valenciana de Torrent; estudió en el Conservatorio de Valencia con Salvador Giner y a los trece años compuso la primera obra, Dixit Dominus para ser interpretada por el Colegio del Corpus Christi y a los diecisiete, la primera obra para el teatro, De València al Grau. Su producción está muy influida por la opereta centroeuropea; efectivamente, adaptó diferentes títulos de operetas italianas y austriacas, un ejemplo bien claro fue su adaptación de El Conde de Luxemburgo, de Franz Lehár. La última obra suya estrenada fue La piscina de Buda terminada por Reveriano Soutullo y Juan Vert y estrenada por la compañía de Salvador Videgain.

¡Ay, ba! es una romanza para soprano del tercer acto de la zarzuela La corte de Faraón, con letra de Guillermo Perrín y música de Vicente Lleó Balbastre, estrenada en el Teatro Eslava de Madrid en 1910. Muy cercano al cuplé, es el tema más famoso de esta zarzuela y pronto se consolidó como un auténtico himno, representando por excelencia la singular mezcla entre opereta, zarzuela y revista que supone esta obra. ¡Ay, ba! es canto repleto de sensualidad con el que la bailarina babilónica Sul trata de despertar el deseo del Faraón, debido a la frustración de su esposa al no verse deseada por él. El carácter altamente sexual de esta aria provocó su prohibición en época franquista, no volviendo a ser interpretada hasta 1976.


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Andrés Gaos Berea (La Coruña 1874 - Mar del Plata 1959) fue un pedagogo musical, compositor y violinista gallego. Estudió con el violinista Eduardo Dorado y al terminar sus estudios primarios, la Diputación Provincial de La Coruña lo pensionó para estudiar violín en Madrid y en Bruselas. En el verano de 1895 llega a Buenos Aires donde conoce a su futura esposa, la cantante y violinista América Montenegro, con la cual tuvo cinco hij@s. Divorciado en 1917, se casó con su alumna Luisa Guillochon con quien tuvo otr@s tres hij@s y tras ocho años en Francia, regresa definitivamente a Buenos Aires como inspector de enseñanza del Estado. Su labor compositiva se orientó principalmente hacia diversos géneros de música popular (canciones, danzas, obras para concursos institucionales), música de cámara, teatral y sinfónica.

La Segunda Sinfonía, En las montañas de Galicia, está compuesta por autores no identificados a partir de materiales originales de Andrés Gaos tras la muerte del compositor. Hoy ofrecemos su primer movimiento en versión de la Banda Municipal de Música de Santiago de Compostela conducida por el maestro Casiano Mouriño.


Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera. Tras tres años viajó a Florencia, y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759. 

Dixit Dominus es un salmo musicalizado por George Frideric Haendel que utiliza el texto latino del Salmo 110 que comienza con las palabras Dixit Dominus ("El Señor dijo"). El trabajo lo completó en abril de 1707 mientras Haendel vivía en Italia. La obra fue escrita en estilo barroco y está compuesta por cinco solistas vocales (SSATB), coro de cinco partes, cuerdas y continuo. Lo más probable es que la obra se realizara por primera vez el 16 de julio de 1707 en la Iglesia de Santa María de Montesanto, bajo el patrocinio de la familia Colonna. Hoy lo presentamos bajo la batuta de la maestra francesa Emmanuelle Haïm, (1962) clavecinista y directora especializada en música barroca que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC, entre otras instituciones. 

Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera. Tras tres años viajó a Florencia, y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759. 

Dixit Dominus es un salmo musicalizado por George Frideric Haendel que utiliza el texto latino del Salmo 110 que comienza con las palabras Dixit Dominus ("El Señor dijo"). El trabajo lo completó en abril de 1707 mientras Haendel vivía en Italia. La obra fue escrita en estilo barroco y está compuesta por cinco solistas vocales (SSATB), coro de cinco partes, cuerdas y continuo. Lo más probable es que la obra se realizara por primera vez el 16 de julio de 1707 en la Iglesia de Santa María de Montesanto, bajo el patrocinio de la familia Colonna. Hoy lo presentamos bajo la batuta de la maestra francesa Emmanuelle Haïm, (1962) clavecinista y directora especializada en música barroca que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC, entre otras instituciones. 


Robert Schumann (1810-1856) fue un compositor alemán, uno de los pilares del romanticismo. Estudió piano, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su carrera pianística para centrarse en la composición. Se casó con Clara Wieck (“Clara Schumann”), hija del que fuera su profesor, compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones con un intento de suicidio en 1854. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (canciones); pero animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría varias obras corales, obras de cámara, obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías, un poema dramático, Manfred, y una ópera.

Manfred es un poema sinfónico escrito para narrador, solistas, coro y orquesta, basado en el Poema Manfred de Lord Byron y que consta de una obertura, un entreacto y distintos números para solos y coros; de ellos, la obertura es su parte más conocida que hoy la ofrecemos bajo la batuta de Marek Janowski, director polaco especializado en Wagner, que desde niño fue trasladado a Alemania por su madre de origen alemán. Ha dirigido en los mejores teatros de Ópera del mundo y a las orquestas de mayor nivel artístico de Europa y América. En la actualidad es el director principal de la Filarmónica de Dresde.


Joaquín Rodrigo (1901-1999) fue un compositor español nacido en Sagunto (Valencia). A los siete años quedó ciego; a los nueve, comenzó sus estudios de solfeo, violín y piano; a los 16, armonía y composición y a los 22, comenzó a componer sus primeras obras. A los 26 años, se traslada a París, donde durante cinco años estudia con Paul Dukas. En 1940 estrena en Barcelona el Concierto de Aranjuez, que a partir de entonces sería mundialmente conocido. Fue un compositor prolífico que escribió obras para instrumentos solos, para piano con otro instrumento, para orquesta de cuerda, orquesta de viento y orquesta sinfónica, conciertos para distintos instrumentos, canciones, obras sinfónico-corales y música escénica, guardando en todo momento la claridad, delicadeza y distinción de su música.

El Concierto de Aranjuez es la obra más conocida de Rodrigo y la obra que le hizo mundialmente famoso; consta de tres movimientos: I (0´04´´) ALLEGRO CON SPIRITO. Según el compositor, el primer movimiento está «animado por un espíritu rítmico y un vigor sin ninguno de los dos temas... interrumpiendo su implacable ritmo». II (6´07´´) ADAGIO movimiento especialmente popular que ha sido ofrecido por numeros@s cantantes de ópera y de la canción popular ; movimiento que «representa un diálogo entre la guitarra y los instrumentos de solo» (corno inglés, fagot, oboe, trompa).  III (17´44´´) ALLEGRO GENTILE, movimiento que «recuerda un baile formal en el que la combinación de un ritmo doble y triple mantiene un tempo tenso próximo a la barra próxima». La versión corre a cargo de la guitarrista china Meng Su.

Joaquín Rodrigo (1901-1999) fue un compositor español nacido en Sagunto (Valencia). A los siete años quedó ciego; a los nueve, comenzó sus estudios de solfeo, violín y piano; a los 16, armonía y composición y a los 22, comenzó a componer sus primeras obras. A los 26 años, se traslada a París, donde durante cinco años estudia con Paul Dukas. En 1940 estrena en Barcelona el Concierto de Aranjuez, que a partir de entonces sería mundialmente conocido. Fue un compositor prolífico que escribió obras para instrumentos solos, para piano con otro instrumento, para orquesta de cuerda, orquesta de viento y orquesta sinfónica, conciertos para distintos instrumentos, canciones, obras sinfónico-corales y música escénica, guardando en todo momento la claridad, delicadeza y distinción de su música.

El Concierto de Aranjuez es la obra más conocida de Rodrigo y la obra que le hizo mundialmente famoso; consta de tres movimientos: I (0´04´´) ALLEGRO CON SPIRITO. Según el compositor, el primer movimiento está «animado por un espíritu rítmico y un vigor sin ninguno de los dos temas... interrumpiendo su implacable ritmo». II (6´07´´) ADAGIO movimiento especialmente popular que ha sido ofrecido por numeros@s cantantes de ópera y de la canción popular ; movimiento que «representa un diálogo entre la guitarra y los instrumentos de solo» (corno inglés, fagot, oboe, trompa).  III (17´44´´) ALLEGRO GENTILE, movimiento que «recuerda un baile formal en el que la combinación de un ritmo doble y triple mantiene un tempo tenso próximo a la barra próxima». La versión corre a cargo de la guitarrista china Meng Su.


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Uxía (1962) es una cantante gallega, que comenzó a cantar desde muy joven. Su carrera comienza oficialmente en 1985, cuando gana el primer premio del Festival de Bergantiños. En 1986, con solo veinticuatro años, publica su primer álbum, Foliada de Marzo, con una música bastante próxima a lo tradicional. Representó a la Televisión de Galicia en 1991 en un festival de televisiones regionales celebrado en Núremberg y a Galicia en la Expo 98 de Lisboa y en el Liet International, en el festival de música más importante para lenguas minorizadas, que se celebró en Ljouwert en 2004, y donde la mosense quedó tercera. En el año 2017 le ha sido concedido el Premio Rebulir da Cultura Galega, como reconocimiento a su trayectoria personal y profesional en la difusión y puesta en valor de la música gallega.


Barry Harris (1929-2021) fue un pianista y compositor de jazz del estilo bebop (grupos pequeños con música basada en ritmos vivos y armonías sorpresivas) que fue una reacción al swing de la época anterior anquilosado en grupos grandes, ritmos tranquilos y armonías previsibles. Nuestro pianista de hoy nace en Detroit ciudad en la que se dedica a la enseñanza con pequeños grupos con los que efectúa distintas grabaciones dentro del nuevo estilo. Más tarde se traslada a Nueva York donde entabla estrechas relaciones de amistad y de ideas con las primeras figuras del jazz y donde sigue apostando por la enseñanza y la música activa dentro del bebop. Fallece el 8 de diciembre de 2021, a causa de complicaciones causadas por el COVID.

Barry Harris (1929-2021) fue un pianista y compositor de jazz del estilo bebop (grupos pequeños con música basada en ritmos vivos y armonías sorpresivas) que fue una reacción al swing de la época anterior anquilosado en grupos grandes, ritmos tranquilos y armonías previsibles. Nuestro pianista de hoy nace en Detroit ciudad en la que se dedica a la enseñanza con pequeños grupos con los que efectúa distintas grabaciones dentro del nuevo estilo. Más tarde se traslada a Nueva York donde entabla estrechas relaciones de amistad y de ideas con las primeras figuras del jazz y donde sigue apostando por la enseñanza y la música activa dentro del bebop. Fallece el 8 de diciembre de 2021, a causa de complicaciones causadas por el COVID.


Barbara  (1930-1997) fue una cantante y compositora francesa de origen ruso. De 1950 al 1952 vivió en Bruselas, y estudia en el colegio NSM donde se convirtió en miembro de la comunidad artística. Después de unos comienzos difíciles en diversos cabarés belgas, se presentó en París, en L’Ecluse, en 1958. En aquella época se acompañaba al piano e interpretaba canciones de Georges Brassens y Jacques Brel. Empezó a cantar sus propias composiciones y el éxito llamó a su puerta con una de las canciones más conocidas de su discografía: Dis, quand reviendras-tu? (1963). De esta forma, pasó de los cabarés a los grandes teatros: la Sala Bobino, después el Olympia de París y más adelante el Zénith. Considerada como figura primordial de la canción francesa, varias de sus canciones son tenidas como referentes por las nuevas generaciones.


Elton John (1947) es un cantante, pianista, compositor y músico británico. Con una carrera de más de 50 años ha vendido más de 300 millones de copias en todo el mundo, siendo uno de los artistas más exitosos de la historia y el único en mantener al menos una canción dentro del Billboard Hot 100 durante 30 años consecutivos, desde 1970 hasta 2000. Su canción Candle in the Wind 1997, reescrita en ocasión de la muerte de Diana de Gales vendió más de 33 millones de copias siendo el segundo sencillo más vendido en la historia. Ha ganado cinco premios Grammy, cinco premios Brit, dos Globos de Oro, un Tony, un Disney Legends, dos Óscars y el Premio Kennedy. En 1996, fue nombrado Caballero después de ser nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico y el apelativo de Sir fue añadido a su nombre.

Elton John (1947) es un cantante, pianista, compositor y músico británico. Con una carrera de más de 50 años ha vendido más de 300 millones de copias en todo el mundo, siendo uno de los artistas más exitosos de la historia y el único en mantener al menos una canción dentro del Billboard Hot 100 durante 30 años consecutivos, desde 1970 hasta 2000. Su canción Candle in the Wind 1997, reescrita en ocasión de la muerte de Diana de Gales vendió más de 33 millones de copias siendo el segundo sencillo más vendido en la historia. Ha ganado cinco premios Grammy, cinco premios Brit, dos Globos de Oro, un Tony, un Disney Legends, dos Óscars y el Premio Kennedy. En 1996, fue nombrado Caballero después de ser nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico y el apelativo de Sir fue añadido a su nombre.


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Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida se adentró en distintos estilos y géneros musicales desde el posromanticismo al serialismo o el jazz . Estudió, entre otros, con Rimski Korsakov y trabajó para distintos géneros y formaciones musicales; pero tras conocer a Serguei Diaghilev, fundador de los Ballets Rusos, colaboró estrechamente con él. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos y géneros desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz, alcanzando gran fama no sólo como compositor, sino también como pianista y director. La revista Time le consideró como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

Pulcinella, la obra que hoy presentamos, fue un ballet encargado por Diaghilev que quería un libreto y música basados en un personaje de La comedia dell´arte del siglo XVIII; de modo que Stravinsky se basó en la música (tríos, óperas y otros materiales) de Pergolesi para reescribir esta música adaptándola a formas más modernas; y así, mientras rescataba algunos temas, añadía otros con ritmos y armonías actualizadas. El estreno se realizó en 1920 con trajes y decorados diseñados por Picasso.

El Basler Ballett (Ballet Theater Basel) es el Ballet del Teatro de Basilea formado por 30 bailarines/as de distintos países, tod@s ell@s de primer nivel; cumple además, con un importante papel educativo en su Escuela de ballet en la que se forman más de 200 niñ@s.


Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor nacido en París y autor de abundante música escénica. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas. En total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night y el ballet Le Corsaire, del que hoy ofrecemos una pequeña selección. 

Le Corsaire (El Corsario) es un ballet en tres actos, cinco cuadros y un epílogo con libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges, inspirado en el poema The Corsair de Lord Byron y en la ópera derivada del mismo El corsario de Verdi, con música de Adolphe Adam. La coreografía original es de Joseph Mazilier y se estrenó por primera vez en el año 1856 en la Ópera de París. En el año 1868, Marius Petipa y Jules Perrot realizaron una renovación del ballet para el Teatro Bolshói de Moscú. Esta versión es de la que derivan la mayoría de las adaptaciones y producciones posteriores y de la que deriva esta pequeña selección que hoy ofrecemos en versión de l@s artistas  Bianca Teixeira, Osiel Gouneo y Joseph Michael Gatti.

Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor nacido en París y autor de abundante música escénica. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas. En total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night y el ballet Le Corsaire, del que hoy ofrecemos una pequeña selección. 

Le Corsaire (El Corsario) es un ballet en tres actos, cinco cuadros y un epílogo con libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges, inspirado en el poema The Corsair de Lord Byron y en la ópera derivada del mismo El corsario de Verdi, con música de Adolphe Adam. La coreografía original es de Joseph Mazilier y se estrenó por primera vez en el año 1856 en la Ópera de París. En el año 1868, Marius Petipa y Jules Perrot realizaron una renovación del ballet para el Teatro Bolshói de Moscú. Esta versión es de la que derivan la mayoría de las adaptaciones y producciones posteriores y de la que deriva esta pequeña selección que hoy ofrecemos en versión de l@s artistas  Bianca Teixeira, Osiel Gouneo y Joseph Michael Gatti.


La imagen de Thiên thủ Quán Âm se origina en los Sutras de Thien Thu Thien Thu, Avalokitesvara Bodhisattva, generoso, perfecto, sin obstrucciones, gran compasión, dharani, Gran Buda, el hombre secreto de Tathagata y una serie de otros sutras. Thiên thủ Quán Âm es uno de los muchos nombres del Bodhisattva, en sánscrito, que tiene miles de brazos y miles de ojos. En cada palma del Bodhisattva tiene un ojo y puede manifestar innumerables brazos con innumerables ojos. Se cree que mil manos y mil ojos es una forma de decir que se usa para referirse a muchos números, no para definir el número como mil. Pero ¿por qué el Bodhisattva tiene mil ojos y mil brazos? Según los Sutras, no solo tiene mil brazos y un ojo en cada palma, sino que también tiene tres cabezas, cuatro cabezas, incluso muchas cabezas, según su manifestación.


La muñeira (en gallego, muiñeira: "molinera") es una danza popular de origen gallego que se baila en Galicia y en las comunidades autónomas españolas de Asturias y en territorios de Castilla y León limítrofes con Galicia. Según Dionisio Preciado en otras regiones de España se la llama «gallegada». Se canta y baila acompañada de la gaita, el tamboril o tambor, la pandereta (pandeireta), el pandero (pandeiro), bombo, charrasco y a veces las conchas (cunchas ou vieiras). No existen referencias documentales inequívocas anteriores al siglo XVI. En la actualidad es, sobre todo, una danza instrumental que al igual que la sardana mantiene un ritmo compaseable en 6/8. El nombre muiñeira evoca las jornadas de trabajo en los molinos -en gallego muíños- y el ocio asociado a la espera de la molienda.

El aturuxo es un grito que se utiliza en las fiestas, para darle ánimos a los bailarines; suele ser fuerte, agudo y prolongado. Se apunta algunas veces que el "aturuxo" puede tener que ver con las manifestaciones musicales del norte de África, que habrían llegado a Galicia por mar, la denominada "cultura atlántica", patente en otros aspectos musicales, tales como algunas curvas. El aturuxo, junto con el representativo ritmo percusivo de la muñeira, también puede estar vinculada con las bandas militares suevas y las guerras históricas gallegas y puede provenir de los gritos de guerra de los galaicos. Encontramos exclamaciones similares en Irlanda y más, en Escocia, lo cual puede indicar que esta versión sea la más precisa; pese a que la posibilidad más acertada sea una mezcla de todas las anteriores versiones.

La muñeira (en gallego, muiñeira: "molinera") es una danza popular de origen gallego que se baila en Galicia y en las comunidades autónomas españolas de Asturias y en territorios de Castilla y León limítrofes con Galicia. Según Dionisio Preciado en otras regiones de España se la llama «gallegada». Se canta y baila acompañada de la gaita, el tamboril o tambor, la pandereta (pandeireta), el pandero (pandeiro), bombo, charrasco y a veces las conchas (cunchas ou vieiras). No existen referencias documentales inequívocas anteriores al siglo XVI. En la actualidad es, sobre todo, una danza instrumental que al igual que la sardana mantiene un ritmo compaseable en 6/8. El nombre muiñeira evoca las jornadas de trabajo en los molinos -en gallego muíños- y el ocio asociado a la espera de la molienda.

El aturuxo es un grito que se utiliza en las fiestas, para darle ánimos a los bailarines; suele ser fuerte, agudo y prolongado. Se apunta algunas veces que el "aturuxo" puede tener que ver con las manifestaciones musicales del norte de África, que habrían llegado a Galicia por mar, la denominada "cultura atlántica", patente en otros aspectos musicales, tales como algunas curvas. El aturuxo, junto con el representativo ritmo percusivo de la muñeira, también puede estar vinculada con las bandas militares suevas y las guerras históricas gallegas y puede provenir de los gritos de guerra de los galaicos. Encontramos exclamaciones similares en Irlanda y más, en Escocia, lo cual puede indicar que esta versión sea la más precisa; pese a que la posibilidad más acertada sea una mezcla de todas las anteriores versiones.


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