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Giacomo Meyerbeer (1791-1864) fue un compositor alemán favorito del público parisino por la composición de óperas en el estilo Grand Opéra. Fue niño prodigio y se le considera el creador del melodrama musical romántico, por lo general basado en un tema histórico y montado de forma grandilocuente, con efectismos teatrales que deslumbraron a sus contemporáneos, desde inundaciones hasta incendios. Es la última variante de la ópera seria: la ópera histórica de vasto aliento conocida como Grand opera. Entre 1836 y el fin de siglo, fue considerado como el compositor más importante de la vida musical europea, con cifras astronómicas de representaciones. Murió en París mientras trabajaba en su última gran ópera, La Africana, que se convertiría en uno de los mayores éxitos de la historia de la ópera.

Dietrich Fischer-Dieskau  (1925-2012) fue un barítono, director de orquesta y musicólogo alemán, considerado por muchos como el mejor cantante de lieder de su generación, cuando no de todo el siglo XX. Fue muy admirado por las cualidades tonales y matices de color en su voz e interpretó muchos roles operísticos; su repertorio fue, el más amplio posible, tanto por las épocas que abarcó como por los distintos géneros cultivados. Hoy nos ofrece un florilegio de lieder de Meyerbeer con su habitual abundancia de delicados matices.


El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809), cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1820). A los seis años de edad comenzó sus estudios musicales de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena

El Concierto para trompeta y orquesta en mi bemol mayor es el único concierto escrito por Haydn para este instrumento. Fue compuesto en 1796, a petición de Anton Weidinger, quien estuvo unos 4 años probando su nuevo instrumento con obras menores y poniendo a punto su propia técnica. Lo estrenó el 22 de marzo de 1800 en Viena, Es el primer concierto para trompeta de cinco llaves, instrumento creado para poder superar las limitaciones de los tradicionales instrumentos de bronce; instrumento que sería superado por la trompeta actual de tres pistones creada en 1813. El concierto está articulado en tres movimientos, de los cuales la trompetista inglesa Alison Balsom hoy nos ofrece el tercero de ellos.

El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809), cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1820). A los seis años de edad comenzó sus estudios musicales de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena

El Concierto para trompeta y orquesta en mi bemol mayor es el único concierto escrito por Haydn para este instrumento. Fue compuesto en 1796, a petición de Anton Weidinger, quien estuvo unos 4 años probando su nuevo instrumento con obras menores y poniendo a punto su propia técnica. Lo estrenó el 22 de marzo de 1800 en Viena, Es el primer concierto para trompeta de cinco llaves, instrumento creado para poder superar las limitaciones de los tradicionales instrumentos de bronce; instrumento que sería superado por la trompeta actual de tres pistones creada en 1813. El concierto está articulado en tres movimientos, de los cuales la trompetista inglesa Alison Balsom hoy nos ofrece el tercero de ellos.


Jean Sibelius (1865-1957) fue un violinista y compositor finlandés, considerado como el referente musical de su país y como uno de los padres de la identidad nacional finlandesa contra la pertenencia a Rusia. Ingresó en el Conservatorio de Helsinki donde se formó en violín y composición. Tras conseguir una beca, se trasladó a Berlín y más tarde a Viena para perfeccionar sus estudios de composición. Interesado en las voluntades independentistas de su país escribe numerosas obras, en muchas de las cuales prevalece el carácter nacionalista: música de piano, música de cámara, más de 100 canciones para voz y piano, música masónica, trece poemas sinfónicos, siete sinfonías, un concierto de violín, música incidental para teatro, una ópera y otras obras de menor envergadura.

Vals triste, op. 44, n.º 1, es una obra orquestal corta en forma de vals compuesta por Jean Sibelius, originalmente como parte de la música incidental que compuso para la obra de teatro Kuolema (Muerte) de su cuñado Arvid Järnefelt en 1903. Sibelius escribió seis piezas para la producción de Kuolema del 2 de diciembre de 1903. La primera fue titulada Tempo di valse lente - Poco risoluto. En 1904 revisó esta pieza, que se interpretó en Helsinki el 25 de abril de ese año como Valse triste. Fue un éxito instantáneo de público, tomó vida propia y sigue siendo una de las piezas características de Sibelius. Hoy nos lo ofrece la Filarmónica de Cámara Alemana de Bremen bajo la batuta del maestro estonio Paavo Järvi


Johann Strauss (hijo) (1825-1899) fue un compositor austríaco hijo de Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss; conocido en vida como “el rey del vals”,  fue factor esencial en la evolución y sofisticación del mismo pasando de ser una danza campesina a una danza de entretenimiento de la Corte Imperial. Es el más conocido de la familia por sus valses, sus polcas y sus marchas; compositor, además, de varias operetas. Su padre quería evitar que su hijo pasase por las estrecheces de vida de un músico, por lo que fue su madre quien le ayudó y animó a centrarse en la música. Su obra constituye la base del repertorio que se ofrece anualmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena.

La Polka (o polca) es una danza popular aparecida en Bohemia (actual República Checa) hacia 1830, que comenzó a popularizarse en Praga a partir de 1835. Su música está escrita en compás de 2/4 y tiempo rápido; se baila con pasos laterales y evoluciones rápidas; se hizo muy popular en Europa y América. Hoy asistimos a la interpretación de una de esas polcas por los Niños Cantores de Viena acompañados por la la Filarmónica de Viena bajo la batuta de Zubin Mehta, director indio, titular de la Filarmónica de Israel y considerado como uno de los más eminentes directores de la actualidad.

Johann Strauss (hijo) (1825-1899) fue un compositor austríaco hijo de Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss; conocido en vida como “el rey del vals”,  fue factor esencial en la evolución y sofisticación del mismo pasando de ser una danza campesina a una danza de entretenimiento de la Corte Imperial. Es el más conocido de la familia por sus valses, sus polcas y sus marchas; compositor, además, de varias operetas. Su padre quería evitar que su hijo pasase por las estrecheces de vida de un músico, por lo que fue su madre quien le ayudó y animó a centrarse en la música. Su obra constituye la base del repertorio que se ofrece anualmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena.

La Polka (o polca) es una danza popular aparecida en Bohemia (actual República Checa) hacia 1830, que comenzó a popularizarse en Praga a partir de 1835. Su música está escrita en compás de 2/4 y tiempo rápido; se baila con pasos laterales y evoluciones rápidas; se hizo muy popular en Europa y América. Hoy asistimos a la interpretación de una de esas polcas por los Niños Cantores de Viena acompañados por la la Filarmónica de Viena bajo la batuta de Zubin Mehta, director indio, titular de la Filarmónica de Israel y considerado como uno de los más eminentes directores de la actualidad.


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Antonio Vivaldi  (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones que son cuatro conciertos para violín.  De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas  y el conjunto instrumental. L’estro armonico op. 3 es una colección de doce conciertos escritos por Antonio Vivaldi en 1711, de la que el Concerto for 4 violins in B minor, RV 580 es el concierto nº 10; sus movimientos son: I (0´38´´) ALLEGRO .-. II (4´28´´) LARGO – LARGHETTO .-. III (6´55´´) ALLEGRO. La interpretación de hoy corre a cargo de la orquesta Ospedale della Pietà.


Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.

La Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, op. 55, de Ludwig van Beethoven, conocida como Heróica pues Beethoven pensó dedicarla a su héroe Napoleón Bonaparte, quien encarnaba los ideales de la Revolución francesa, héroe que había derrotado al poder totalitario de la Monarquía. Pero cuando Napoleón se autocoronó emperador, Beethoven borró el nombre de Bonaparte de la página del título. La obra está considerada por muchos como el amanecer del romanticismo musical, en contraste con la tradicional sinfonía clásica. La sinfonía, hoy conducida por la maestra francesa Nathalie Stutzmann, está articulada en cuatro movimientos: I (0´32´´) ALLEGRO CON BRIO .-. II (15´04´´) MARCIA FUNEBRE (ADAGIO ASSAI) .-.  III (31´56´´) SCHERZO (ALLEGRO) .-. IV (37´29´´) FINALE (ALLEGRO MOLTO–POCO ANDANTE–PRESTO)

Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.

La Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, op. 55, de Ludwig van Beethoven, conocida como Heróica pues Beethoven pensó dedicarla a su héroe Napoleón Bonaparte, quien encarnaba los ideales de la Revolución francesa, héroe que había derrotado al poder totalitario de la Monarquía. Pero cuando Napoleón se autocoronó emperador, Beethoven borró el nombre de Bonaparte de la página del título. La obra está considerada por muchos como el amanecer del romanticismo musical, en contraste con la tradicional sinfonía clásica. La sinfonía, hoy conducida por la maestra francesa Nathalie Stutzmann, está articulada en cuatro movimientos: I (0´32´´) ALLEGRO CON BRIO .-. II (15´04´´) MARCIA FUNEBRE (ADAGIO ASSAI) .-.  III (31´56´´) SCHERZO (ALLEGRO) .-. IV (37´29´´) FINALE (ALLEGRO MOLTO–POCO ANDANTE–PRESTO)


Claude Debussy (1862-1918) fue un compositor francés considerado como el primer compositor del Impresionismo. En 1884, con la cantata  L'enfant prodigue ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Premio de Roma. De vuelta a París le impresionó la ópera Tristán e Isolda de Wagner, “lo mejor que he escuchado”. Posteriormente se dejaría influenciar por las estructuras de la música javanesa, por la libertad armónica de Rimski-Korsakov  y por Erik Satie, afín a sus planteamientos. En 1894 estrenó su Prélude à l'après-midi d'un faune; cuatro años más tarde es cuando alcanzó su fama internacional con su única ópera conclusa Pelléas et Mélisande; tenía entonces 37 años. En la actualidad, Debussy está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX.

La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre (La mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta), o simplemente La mer , que hoy ofrecemos, es una obra para orquesta que Debussy comenzó a escribirla en 1903 y la completó en 1905 durante su estancia en la costa del Canal de la Mancha, en Eastbourne. Fue estrenada por la orquesta Lamoureux, bajo la dirección de Camille Chevillard, el 15 de octubre de 1905 en París. Consta de tres movimientos: I (0´14´´) DESDE EL AMANECER HASTA EL MEDIODÍA EN EL MAR – MUY LENTO .-.  II (9´00´´) JUEGOS DE OLAS - ALLEGRO . -. III (16´00´´) DIÁLOGO DEL VIENTO Y EL MAR – ANIMADO Y TUMULTUOSO. Hoy nos la ofrece la Filarmónica de Los  Ángeles conducida por el eminente maestro ruso Valery Gergiev.


Michael Tippett (1905-1998), fue un compositor británico nacido en Londres. Sus padres, después de perder su negocio hotelero en el sur de Francia, enviaron a Michael y a su hermano a internados de Inglaterra, donde Michael sufrió alguna experiencia personal extremadamente desgraciada. Esto, combinado con el descubrimiento de su homosexualidad, contribuyó a hacer que los años de adolescencia y juventud de Tippett fueran solitarios y bastante estresantes. Estudió composición con Ralph Vaughan Williams y dirección de orquesta con Adrian Boult. Aunque Tippett no fue un compositor muy prolífico, su obra, que se extiende a lo largo de casi sesenta años, incluye cinco cuartetos de cuerda, cuatro conciertos, cuatro sinfonías, cinco óperas, así como un cierto número de composiciones corales.

A Child of Our Time es un oratorio profano de Tippett, quien también escribió el libreto. Compuesto entre 1939 y 1941, se estrenó en el Adelphi Theatre de Londres el 19 de marzo de 1944. La obra se inspiró en hechos que afectaron profundamente a Tippett: el asesinato en 1938 de un diplomático alemán por un joven refugiado judío y la reacción del gobierno en forma de un pogrom violento contra su población judía: Kristallnacht. El oratorio de Tippett trata estos incidentes en el contexto de las experiencias de las personas oprimidas en general y transmite un mensaje fuertemente pacifista de comprensión y reconciliación definitivas. Hoy ofrecemos cuatro de sus espirituales afroamericanos que desempeñan el papel asignado por Bach a las corales, hoy conducidos por el maestro estadounidense Leonard Slatkin.

Michael Tippett (1905-1998), fue un compositor británico nacido en Londres. Sus padres, después de perder su negocio hotelero en el sur de Francia, enviaron a Michael y a su hermano a internados de Inglaterra, donde Michael sufrió alguna experiencia personal extremadamente desgraciada. Esto, combinado con el descubrimiento de su homosexualidad, contribuyó a hacer que los años de adolescencia y juventud de Tippett fueran solitarios y bastante estresantes. Estudió composición con Ralph Vaughan Williams y dirección de orquesta con Adrian Boult. Aunque Tippett no fue un compositor muy prolífico, su obra, que se extiende a lo largo de casi sesenta años, incluye cinco cuartetos de cuerda, cuatro conciertos, cuatro sinfonías, cinco óperas, así como un cierto número de composiciones corales.

A Child of Our Time es un oratorio profano de Tippett, quien también escribió el libreto. Compuesto entre 1939 y 1941, se estrenó en el Adelphi Theatre de Londres el 19 de marzo de 1944. La obra se inspiró en hechos que afectaron profundamente a Tippett: el asesinato en 1938 de un diplomático alemán por un joven refugiado judío y la reacción del gobierno en forma de un pogrom violento contra su población judía: Kristallnacht. El oratorio de Tippett trata estos incidentes en el contexto de las experiencias de las personas oprimidas en general y transmite un mensaje fuertemente pacifista de comprensión y reconciliación definitivas. Hoy ofrecemos cuatro de sus espirituales afroamericanos que desempeñan el papel asignado por Bach a las corales, hoy conducidos por el maestro estadounidense Leonard Slatkin.


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Lena Horne (1917-2010) fue una actriz y cantante estadounidense de jazz y música popular. Su carrera abarca más de sesenta años, desde los años treinta a los noventa del siglo XX. Debutó como corista a los 14 años, pasando a integrar las filas del célebre Cotton Club de Harlem donde actuaban Duke Ellington, Billie Holiday, Louis Armstrong, Ethel Waters y otr@s celebres artistas. Actuó también en Broadway, conquistando una nominación al Tony en 1957 por Jamaica. Trabajó asiduamente en radio y televisión: en los shows de Judy Garland, Bing Crosby y Frank Sinatra, y en The Muppet Show. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, como actriz y como cantante y mereció tres premios Grammy, entre los que está el Lifetime Achievement Award en 1989.


Ken Zazpi es un conjunto vasco de música pop-rock creado en 1996 en Gernika (Bizkaia). Cantan principalmente en euskera, aunque también han versionado en catalán algunas de sus canciones. En 1996 sacaron a la calle el tema Bi eta bat y ese mismo año grabaron una maqueta en Muxika (Bizkaia) con la ayuda del guitarrista José Alberto Bátiz (entonces en Fito & Fitipaldis). Su disco acústico, Gelditu denbora ("Detén el tiempo") les llevó a una gira de conciertos por la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y Cataluña. Hoy proponemos el concierto ofrecido en el Palacio Euskalduna de Bilbao el 5 de Diciembre de 2013 acompañados por la Sinfónica de Euskadi bajo la batuta del maestro Fernando Velázquez.

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Anna Maria Jopek (1970) es una cantautora y pianista polaca, licenciada en Filosofía por la Universidad de Varsovia. Jopek es considerada como la mejor cantante de Jazz polaco del momento y una de las voces europeas más influyentes en este género. Educada en la Academia Chopin de Música de Varsovia y luego en el Departamento de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan, llega a la fama gracias a su participación en el Festival de la Canción de Eurovisión 1997 con el tema Ale Jestem.


Los Chalchaleros fue un conjunto folclórico argentino creado en Salta en 1948 y disuelto en 2003; aun hoy día son considerados el más grande grupo folclórico de Argentina; su nombre deriva de un pájaro cantor del norte argentino, el zorzal chalchalero. Su debut se produjo el 16 de junio de 1948, en el Teatro Alberdi de Salta. La primera canción cantada en público fue Zamba del grillo. Los Chalchaleros comenzaron a hacerse populares en su provincia natal con su primer gran éxito Lloraré. A lo largo de su carrera, editaron cerca de 50 álbumes, popularizando estilos folclóricos argentinos como la zamba, la cueca, la chacarera, el gato o el chamamé. Son considerados como los primeros exponentes de la música argentina a nivel mundial.

Los Chalchaleros fue un conjunto folclórico argentino creado en Salta en 1948 y disuelto en 2003; aun hoy día son considerados el más grande grupo folclórico de Argentina; su nombre deriva de un pájaro cantor del norte argentino, el zorzal chalchalero. Su debut se produjo el 16 de junio de 1948, en el Teatro Alberdi de Salta. La primera canción cantada en público fue Zamba del grillo. Los Chalchaleros comenzaron a hacerse populares en su provincia natal con su primer gran éxito Lloraré. A lo largo de su carrera, editaron cerca de 50 álbumes, popularizando estilos folclóricos argentinos como la zamba, la cueca, la chacarera, el gato o el chamamé. Son considerados como los primeros exponentes de la música argentina a nivel mundial.


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Aram Khachaturian (1903-1978) fue un compositor armenio bajo el régimen soviético; a los 16 años ingresa en el Conservatorio de Moscú para estudiar con Nikolai Myaskovsky, entre otros profesores, y a los 22 años empieza a escribir para piano y música de cámara; más tarde se adentrará en la producción de música orquestal, música de teatro, de cine y de ballet en la que son de destacar el ballet Espartaco y el ballet Gayané, al que pertenece la archiconocida danza del sable. A pesar de ocupar importantes cargos, su obra fue descalificada como “anti-personas” en la época de Stalin. Su música es clara, ágil y vibrante, y en sus obras se deja sentir la música popular armenia, por la que siempre se sintió atraído; en Armenia es considerado como su principal compositor.

Gayanéh es un ballet en cuatro actos con música de Aram Khachaturian, compuesto en 1942 sobre un libreto de Konstantín Derzhavin, y coreografiado por Nina Anísimova; fue estrenado por el Ballet Kirov en Perm (Rusia) el 9 de diciembre de 1942. La partitura fue revisada en 1952 y en 1957, con un nuevo libreto, cuenta la historia de una joven armenia cuyos sentimientos patrióticos colisionan con los personales cuando descubre la traición de su marido. No obstante, el argumento fue modificado posteriormente en varias ocasiones resaltando más la importancia del romance que la del patriotismo. Hoy lo ofrecemos en su integridad en versión del Ballet estatal de Armenia


El claqué, también llamado tap, es un estilo de baile estadounidense, en el que se mueven los pies rítmicamente mientras se realiza un zapateo musical. Se origina a partir de la fusión de las danzas de zuecos de Irlanda, del norte de Inglaterra y de Escocia, combinado con los bailes practicados por l@s afroamerican@s. En efecto; en 1739, se prohíbe a lo@s esclav@s negr@s que utilicen instrumentos de percusión; esto les motivó a realizar los ritmos con los pies y las manos. L@s bailarines/as, inmigrantes de diversos grupos, se reunían para competir y para demostrar sus mejores cualidades y movimientos. De esta manera nacía un nuevo baile: el tap americano. L@s bailarines/as relajaron las posturas rígidas irlandesas, usaron brazos y hombros para marcar y se añadieron nuevos pasos; ya que la improvisación era lo primordial de este baile.

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Irán posee cuatro categorías de baile y estos géneros son; danzas de cadena o de línea, danza de improvisación individual, bailes de guerra o de combate y bailes rituales o espirituales. Los bailes en línea o de cadena a menudo se nombran por la región o los grupos étnicos con los que están asociados. Las danzas de improvisación utilizan movimientos delicados y elegantes de las manos y los brazos, como los círculos de la muñeca. Las danzas de guerra o combate imitan el combate o ayudan a entrenar al guerrero. Los bailes rituales o espirituales, a menudo consisten en un ritual de curación que involucra trance, música y movimiento que se realiza para librar a una persona poseída por un espíritu y parece ser un estado similar al de un exorcismo.

El Ballet Afsaneh es una organización cultural sin fines de lucro dedicada al arte, la danza, la música y la poesía del patrimonio cultural persa de Irán, Armenia, Turkmenistán, Afganistán, Mongolia, China y Uzbekistán. Fue fundado en 1986 por Sharlyn Sawyer en el Área de la Bahía de San Francisco. El cuerpo de baile ha estado compuesto principalmente por mujeres.  La directora de la compañía, Sharlyn Sawyer, bailarina de danza del vientre, fue una pionera de la coreografía de Asia Central a finales de la década de 1980. La palabra Afsaneh es una palabra persa que significa "mito" o "fábula". El dinámico grupo presenta actuaciones y actividades con danza, poesía y música de la Ruta de la Seda, la ruta comercial histórica que se extendía miles de kilómetros a través de Asia Central desde el Mar de China hasta el Mediterráneo.


La historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y su orden en el planeta a lo largo del tiempo. Ya que en toda cultura conocida hubo alguna forma de manifestación musical, la historia de la música abarca todas las sociedades y épocas. No se limita, como es habitual en algunos ámbitos académicos, a Occidente; sin embargo, a menudo se utiliza la expresión «historia de la música» para referir exclusivamente a la historia de la música europea y su evolución en el mundo occidental. La música de una determinada sociedad está estrechamente relacionada con otros aspectos de su cultura, como su organización económica, su desarrollo tecnológico, tradiciones, creencias religiosas, etc.

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