Recommended music videos for initiation to classical music

Henry Purcell (1659-1695) está considerado como uno de los mejores compositores ingleses de la historia. Escribió todo tipo de obras corales e instrumentales, tanto sacras como profanas, entre las que brilla la ópera Dido and Aeneas. Tras la muerte de su padre y a instancias de su tío fue admitido como miembro del coro de la Capilla del Rey donde iniciaría sus primeros estudios. A los 17 años es nombrado ayudante organista de la Abadía de Westminste; a los 23 años es nombrado organista titular, momento a partir del cual y durante seis años sólo escribe obras sacras hasta que a partir de 1689 escribe distintas óperas. En su obra se aprecia la influencia francesa e italiana dentro de lo que sería un estilo propio de barroco británico. Muere a los 36 años en el cénit de su carrera y de su fama.

El Lamento de Dido (Dido's Lament) es el nombre de la famosa aria de la ópera Dido y Eneas compuesta por Henry Purcell, con el libreto de Nahum Tate; también se le llama "When I am laid in earth" (Cuando yazca en la tierra). El héroe troyano Eneas deja la ciudad de Cartago a pesar del amor compartido con la reina Dido. Ella, sabiendo que no puede vivir sin Eneas, decide suicidarse inmolándose en una hoguera. Irónicamente, el camino que toma el barco de Eneas es iluminado por este fuego. Dido dice sus últimas palabras a su leal doncella, Belinda, antes de morir. El aria, escrita en forma de lamento chacona, es cantada por una soprano (en la versión que ofrecemos), un contratenor o mezzosoprano.

Jessye Norman (1945- 2019) fue una cantante de ópera estadounidense con registro de soprano, poseedora de una potente voz e imponente presencia en el escenario, tanto de ópera como de conciertos y recitales. Fue considerada como una de las sopranos dramáticas más populares y respetadas de su generación. Se presentó en los papeles protagónicos de las óperas más importantes del mundo, destacándose particularmente en obras de Berlioz, Wagner y lieder de Strauss. En 1984, ganó el premio Grammy a la mejor interpretación vocal clásica, el primero de los cinco premios Grammy que obtendría durante su carrera. Además de varios doctorados honorarios y numerosos e importantes reconocimientos, fue miembro de la British Royal Academy of Music.


Georges Bizet (1836-1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses del mismo de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y  rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un referente del siglo XIX y un compositor brillante e imaginativo.

L'Arlesienne (La chica de Arlés) es una composición de música incidental escrita por Georges Bizet para la obra de Alphonse Daudet L'Arlésienne y que constaba de 27 números (algunos de unos pocos compases) para voz, coro y orquesta de cámara, siendo algunos pequeños solos y otros, largos entreactos. Más tarde el mismo Bizet arreglaría la obra compendiándola en una suite (hoy conocida como Suite nº 1). La denominada Suite n.º 2 fue arreglada y publicada cuatro años después de la muerte del compositor por Ernest Guiraud, empleando temas originales de Bizet (aunque no todos ellos pertenecían a la música incidental de L'Arlésienne). Hoy ofrecemos el Preludio de la Suite nº1 en versión de la Filarmónica George Enescu conducida por el mestro Valentin Doni.

Georges Bizet (1836-1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses del mismo de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y  rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un referente del siglo XIX y un compositor brillante e imaginativo.

L'Arlesienne (La chica de Arlés) es una composición de música incidental escrita por Georges Bizet para la obra de Alphonse Daudet L'Arlésienne y que constaba de 27 números (algunos de unos pocos compases) para voz, coro y orquesta de cámara, siendo algunos pequeños solos y otros, largos entreactos. Más tarde el mismo Bizet arreglaría la obra compendiándola en una suite (hoy conocida como Suite nº 1). La denominada Suite n.º 2 fue arreglada y publicada cuatro años después de la muerte del compositor por Ernest Guiraud, empleando temas originales de Bizet (aunque no todos ellos pertenecían a la música incidental de L'Arlésienne). Hoy ofrecemos el Preludio de la Suite nº1 en versión de la Filarmónica George Enescu conducida por el mestro Valentin Doni.


Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida,  fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.

Las danzas húngaras de Brahms son un conjunto de veintiún  alegres danzas, basadas su mayoría en temas húngaros, compuestas en 1869, aunque las danzas 11, 14 y 16 son originales; su duración oscila entre uno y cuatro minutos. Brahms originalmente las escribió para piano a cuatro manos, y luego arregló diez de ellas para piano solo, y algunas otras (números 1, 3 y 10) para orquesta. Varios compositores, han orquestado el resto; en especial, Antonín Dvořák,  quien, por otra parte, se inspiró en las mismas para componer su serie de Danzas eslavas.


Leonard Bernstein (1918 - 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, considerado como unos de los mejores directores del mundo y célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, compositor que le interesaba apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.

West Side Story es un musical con libreto de Arthur Laurents, música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim. Basado libremente en Romeo y Julieta de William Shakespeare, la acción transcurre en un barrio neoyorquino a mediados de los 50 entre dos bandas juveniles de diferentes etnias: los Jets (de raíces europeas) y los Sharks (de origen puertorriqueño). Todo se complica cuando Tony, un antiguo miembro de los Jets, se enamora de María, la hermana del líder de los Sharks. El  acercamiento a los problemas sociales de la época marcaron un punto de inflexión en el teatro musical estadounidense. En 1961 fue llevado a la gran pantalla bajo la dirección de Robert Wise. Hoy la Orchestra Sinfonica Milano Classica conducida por la maestra italiana Beatrice Venezi nos ofrece una selección de sus temas principales.

Leonard Bernstein (1918 - 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, considerado como unos de los mejores directores del mundo y célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, compositor que le interesaba apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.

West Side Story es un musical con libreto de Arthur Laurents, música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim. Basado libremente en Romeo y Julieta de William Shakespeare, la acción transcurre en un barrio neoyorquino a mediados de los 50 entre dos bandas juveniles de diferentes etnias: los Jets (de raíces europeas) y los Sharks (de origen puertorriqueño). Todo se complica cuando Tony, un antiguo miembro de los Jets, se enamora de María, la hermana del líder de los Sharks. El  acercamiento a los problemas sociales de la época marcaron un punto de inflexión en el teatro musical estadounidense. En 1961 fue llevado a la gran pantalla bajo la dirección de Robert Wise. Hoy la Orchestra Sinfonica Milano Classica conducida por la maestra italiana Beatrice Venezi nos ofrece una selección de sus temas principales.


Recommended classical music videos

Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) fue un virtuoso pianista, compositor, profesor y director austrohúngaro. Fue considerado como uno de los mejores compositores y pianistas de su época. En 1786, a la edad de ocho años, la familia se mudó a Viena, convirtiéndose en alumno de Mozart. La siguiente década fue para Hummel una larga década de estudio, composición y enseñanza, aunque también hizo algunos recitales públicos. En 1819 aceptó la plaza de Kapellmeister en Weimar, posición que conservó hasta su muerte en 1837. Como compositor, Hummel está situado en la frontera del clasicismo y del romanticismo y su obra abarcó todos los géneros del cambio de siglo: óperas, Singspiele, misas sinfónicas, obras de música sacra, música de cámara, conciertos, canciones y música para piano solo.

El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas  y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo, sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales. En el presente vídeo Tina Horvat acompañada por la Zagreb Philharmonic orchestra y dirigid@s por Tomislav Fačini nos ofrecen el Concierto para trompeta y orquesta de Hummel.


Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática  y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a ParÍs a estudiar medicina; pero él abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. De aquí a Roma donde, estando becado, escribió varias óperas, sinfonías, oberturas, diversas canciones y obra coral. Se fijó en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitó mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón. 

La Sinfonía Fantástica, op.14, subtitulada Episodio de la vida de un artista, se estrenó el 5 de diciembre de 1830 en el Conservatorio de París. Interpretada bajo la dirección de François-Antoine Habeneck, gozó de un inmenso éxito en su acogida. La sinfonía, considerada el primer ejemplo de música programática (música que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo). La sinfonía, inspirada en una obra literaria, narra los sueños de un joven músico que, tras sufrir un desamor, decide recurrir al opio. El compositor, además, introduce variedad de elementos autobiográficos referidos al amor no correspondido de la actriz Harriet Smithson.

La obra consta de cinco movimientos: I (0´8´´) SUEÑOS Y PASIONES describe la ansiedad producida por el protagonista antes de conocer a su amada, posteriormente el amor volcánico que ella le inspira. Hacia el final de este movimiento, percibimos un contraste entre la pasión producida por el protagonista y el desconsuelo por el rechazo. Este movimiento comienza con una introducción en do menor que produce una atmósfera melancólica. Se estructura después en cuatro secciones, en la última de las cuales aparece por primera vez la melodía que representa la amada, la “idea fija”. II (14´07´´) UN BAILE, se produce el reencuentro con la amada tras el rechazo, como su nombre indica, en un baile. La música adopta entonces el tempo de un vals, describiendo así la inquietud del protagonista. La “idea fija” aparece interrumpiendo brevemente el vals, reapareciendo al final del movimiento. III (20´48´´) ESCENA EN EL CAMPO. Nos describe a dos pastores, representados por el dúo formado por el corno inglés y el oboe, disfrutando de una maravillosa tarde de verano. Hacia la mitad del movimiento aparece la amada y es invadido por terribles presentimientos. Más tarde se alternan distintos sentimientos que se manifiestan en contraste: la esperanza y la duda, el sufrimiento y la serenidad, etc. Al final reaparece el corno inglés, evocándonos de nuevo el tema pastoril y finalizando con un redoble de timbal lo que produce un clima misterioso. IV (36´34´´) LA MARCHA AL CADALSO. El músico sueña que mata a la amada y, por tanto, se le condena a la guillotina para ser ejecutado; en ese momento recuerda por última vez el sentimiento de amor. La marcha está basada en dos temas principales interpretados cada uno por las cuerdas y los vientos. El movimiento finaliza con unos redobles de tambor y timbales junto con acordes interpretados por los vientos metales que simbolizan el poder de la justicia. V (41´47´´) SUEÑOS DE UNA NOCHE DE AQUELARRE. El protagonista presencia su propio funeral, rodeado por brujas y espíritus entre los que puede ver a la amada transformada en una arpía. En este movimiento la idea principal es interpretada por el clarinete que describe la aparición de la amada entre las brujas y los espíritus. El Dies Irae (melodía del siglo XII perteneciente al canto gregoriano, y que forma parte del Réquiem) se introduce en la obra junto a la ronda de las brujas acompañado del tañer de las campanas. (Extractado de Digital melómano)

Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática  y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a ParÍs a estudiar medicina; pero él abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. De aquí a Roma donde, estando becado, escribió varias óperas, sinfonías, oberturas, diversas canciones y obra coral. Se fijó en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitó mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón. 

La Sinfonía Fantástica, op.14, subtitulada Episodio de la vida de un artista, se estrenó el 5 de diciembre de 1830 en el Conservatorio de París. Interpretada bajo la dirección de François-Antoine Habeneck, gozó de un inmenso éxito en su acogida. La sinfonía, considerada el primer ejemplo de música programática (música que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo). La sinfonía, inspirada en una obra literaria, narra los sueños de un joven músico que, tras sufrir un desamor, decide recurrir al opio. El compositor, además, introduce variedad de elementos autobiográficos referidos al amor no correspondido de la actriz Harriet Smithson.

La obra consta de cinco movimientos: I (0´8´´) SUEÑOS Y PASIONES describe la ansiedad producida por el protagonista antes de conocer a su amada, posteriormente el amor volcánico que ella le inspira. Hacia el final de este movimiento, percibimos un contraste entre la pasión producida por el protagonista y el desconsuelo por el rechazo. Este movimiento comienza con una introducción en do menor que produce una atmósfera melancólica. Se estructura después en cuatro secciones, en la última de las cuales aparece por primera vez la melodía que representa la amada, la “idea fija”. II (14´07´´) UN BAILE, se produce el reencuentro con la amada tras el rechazo, como su nombre indica, en un baile. La música adopta entonces el tempo de un vals, describiendo así la inquietud del protagonista. La “idea fija” aparece interrumpiendo brevemente el vals, reapareciendo al final del movimiento. III (20´48´´) ESCENA EN EL CAMPO. Nos describe a dos pastores, representados por el dúo formado por el corno inglés y el oboe, disfrutando de una maravillosa tarde de verano. Hacia la mitad del movimiento aparece la amada y es invadido por terribles presentimientos. Más tarde se alternan distintos sentimientos que se manifiestan en contraste: la esperanza y la duda, el sufrimiento y la serenidad, etc. Al final reaparece el corno inglés, evocándonos de nuevo el tema pastoril y finalizando con un redoble de timbal lo que produce un clima misterioso. IV (36´34´´) LA MARCHA AL CADALSO. El músico sueña que mata a la amada y, por tanto, se le condena a la guillotina para ser ejecutado; en ese momento recuerda por última vez el sentimiento de amor. La marcha está basada en dos temas principales interpretados cada uno por las cuerdas y los vientos. El movimiento finaliza con unos redobles de tambor y timbales junto con acordes interpretados por los vientos metales que simbolizan el poder de la justicia. V (41´47´´) SUEÑOS DE UNA NOCHE DE AQUELARRE. El protagonista presencia su propio funeral, rodeado por brujas y espíritus entre los que puede ver a la amada transformada en una arpía. En este movimiento la idea principal es interpretada por el clarinete que describe la aparición de la amada entre las brujas y los espíritus. El Dies Irae (melodía del siglo XII perteneciente al canto gregoriano, y que forma parte del Réquiem) se introduce en la obra junto a la ronda de las brujas acompañado del tañer de las campanas. (Extractado de Digital melómano)


Felipe Gorriti y Osambela (1839-1896) fue un compositor navarro cuyos primeros conocimientos musicales los adquirió de su padre, organista de la villa navarra de Huarte-Araquil, y luego, de Mariano García, maestro de capilla de la catedral de Pamplona. Años más tarde, continuó sus estudios en el Conservatorio de Madrid, con Jimeno de Lerma e Hilarión Eslava. En 1867, ganó por oposición, la plaza de organista de la villa de Tolosa alcanzando gran renombre y confiriendo prestigio a la capilla de la parroquia tolosana, a donde se dirigían, dos o tres veces por semana, numerosos organistas y estudiantes para recibir lecciones del maestro. Compuso con afán numerosas obras de carácter religioso de muy variada índole: misas solemnes y de Réquiem, motetes, nocturnos, misereres, etc. Hasta un total de 300 obras.

Ignacio Mocoroa escribió que tras la última guerra carlista, quedó en Tolosa y permaneció bastantes años, «una guarnición militar con su banda de música”. Circunstancia que aprovechó Felipe Gorriti para formar, con la orquesta de cuerda de la parroquia y con los elementos de la banda militar, una orquesta completa que, bajo la dirección de Milpager, dio a conocer sus 'Misereres' en las funciones de Semana Santa entre los años de 1885 al 95. Álvaro Milpager es considerado como una de la figuras de la música militar de la segunda mitad del siglo XIX. Hoy ofrecemos el Miserere nº 7 de Felipe Gorriti con la soprano Nerea Castellot, el tenor Víctor Castillejo, el barítono Silvano Baztán, el Orfeón Pamplonés y la Sinfónica de Navarra conducid@s tod@s ell@s por el maestro Igor Ijurra


George Gershwin (1898 –1937), compositor estadounidense conocido y apreciado por haber sabido conjugar el jazz con la música clásica. Desde joven empezó a escribir sus primeras canciones llegando a estrenar en Broadway su primer musical con su hermano Ira como letrista, compañía que nunca abandonaría. A partir de los veinte años empezó a componer, además, obras pensadas para salas de conciertos con las que obtenía renombrados éxitos. A pesar de ello y consciente de sus déficits formales viajó a París a completar su formación con Stravinski, quien tras preguntarle por el dinero ganado en un año le contestó que era él quien debiera tomar clases con Gershwin. Con Ravel le sucedió algo parecido, pues le espetó aquello de “¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?”

Rhapsody in Blue. La obra que hoy presentamos, fue escrita en principio para piano solista y banda de jazz y arreglada para piano y orquesta en 1946 por Ferde Grofé (1892-1972), que es la versión que habitualmente, y hoy, se ofrece. La obra despertó cierta polémica en su estreno; pero en poco tiempo se impuso su frescura e imaginación llegando a ocupar uno de los primeros puestos de preferencia de l@s mejores pianistas y orquestas. La solista de hoy, Lola Astanova, (1982) es una pianista nacida en Uzbekistán (antes perteneciente a Rusia). A la edad de los ocho años realizaba ya giras como concertista asombrando al público de media Europa por su técnica e imaginación infantil. Ha actuado en las mejores salas del mundo tanto sola como bajo la batuta de los principales directores de orquesta.

George Gershwin (1898 –1937), compositor estadounidense conocido y apreciado por haber sabido conjugar el jazz con la música clásica. Desde joven empezó a escribir sus primeras canciones llegando a estrenar en Broadway su primer musical con su hermano Ira como letrista, compañía que nunca abandonaría. A partir de los veinte años empezó a componer, además, obras pensadas para salas de conciertos con las que obtenía renombrados éxitos. A pesar de ello y consciente de sus déficits formales viajó a París a completar su formación con Stravinski, quien tras preguntarle por el dinero ganado en un año le contestó que era él quien debiera tomar clases con Gershwin. Con Ravel le sucedió algo parecido, pues le espetó aquello de “¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?”

Rhapsody in Blue. La obra que hoy presentamos, fue escrita en principio para piano solista y banda de jazz y arreglada para piano y orquesta en 1946 por Ferde Grofé (1892-1972), que es la versión que habitualmente, y hoy, se ofrece. La obra despertó cierta polémica en su estreno; pero en poco tiempo se impuso su frescura e imaginación llegando a ocupar uno de los primeros puestos de preferencia de l@s mejores pianistas y orquestas. La solista de hoy, Lola Astanova, (1982) es una pianista nacida en Uzbekistán (antes perteneciente a Rusia). A la edad de los ocho años realizaba ya giras como concertista asombrando al público de media Europa por su técnica e imaginación infantil. Ha actuado en las mejores salas del mundo tanto sola como bajo la batuta de los principales directores de orquesta.


Recommended music videos for all tastes

Benny Carter (190-2003) fue un músico estadounidense de jazz, clarinetista, saxofonista alto, trompetista, compositor, arreglista y director de big band, una de las principales figuras del jazz entre las décadas de 1930 y la de 1990, y reconocido por otros músicos de jazz como el Rey (King). En 1958 actuó con Billie Holiday en el legendario Festival de Jazz de Monterrey. El National Endowment for the Arts premió a Benny Carter con su más alto honor en el jazz: el Premio NEA Jazz Masters de 1986. También recibió en 1987 el Premio Grammy a la carrera artística, el Premio Grammy en 1994 por su "Prelude to a Kiss" y, ese mismo año, una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Además, en 2000, y por solicitud del National Endowment for the Arts, recibió la Medalla Nacional de las Artes de manos del Presidente Bill Clinton.


Violeta Parra (1917- 1967) fue una artista chilena, reconocida como una de las principales folcloristas en América del Sur y divulgadora de la música popular de su país. Su contribución al quehacer artístico chileno se considera de gran valor y trascendencia; su trabajo sirvió de inspiración a varios artistas posteriores, quienes continuaron con su tarea de rescate de la música del campo chileno y las manifestaciones constituyentes del folklore de Chile y América Latina. Sus canciones han sido versionadas por diversos artistas, tanto chilenos como extranjeros. En conmemoración de su natalicio, el 4 de octubre es celebrado el Día de la música y de los músicos chilenos.

Violeta Parra (1917- 1967) fue una artista chilena, reconocida como una de las principales folcloristas en América del Sur y divulgadora de la música popular de su país. Su contribución al quehacer artístico chileno se considera de gran valor y trascendencia; su trabajo sirvió de inspiración a varios artistas posteriores, quienes continuaron con su tarea de rescate de la música del campo chileno y las manifestaciones constituyentes del folklore de Chile y América Latina. Sus canciones han sido versionadas por diversos artistas, tanto chilenos como extranjeros. En conmemoración de su natalicio, el 4 de octubre es celebrado el Día de la música y de los músicos chilenos.


Chris Brown (1989), es un cantante estadounidense de géneros R&B, hip hop, pop y urban. Hizo su debut discográfico con 16 años, a finales de 2005 con el álbum homónimo Chris Brown; el álbum incluía el sencillo Run It! que encabezó el Billboard Hot 100; lo que convirtió al cantante en el primer artista masculino en tener el primer sencillo de su disco debut en el número 1. A pesar de su turbulenta vida personal, sus álbumes han estado en todo momento en primera línea de ventas.


Destiny's Child fue un grupo femenino estadounidense. Originalmente era un cuarteto, pero el grupo terminó siendo un trío formado por Beyoncé, Kelly Rowland y Michelle Williams. Fue ganador de múltiples reconocimientos, entre ellos 3 Premios Grammy. El 11 de junio de 2005 en su gira del "Destiny Fulfilled & Lovin' it Tour" en Barcelona, el grupo anunció su separación definitiva, comunicada por su integrante Kelly Rowland. El grupo ha vendido más de 60 millones de copias hasta la fecha. A principios de 2013 lanzaron su nuevo trabajo discográfico llamado Love Songs, reuniendo muchos de sus éxitos como grupo.

Destiny's Child fue un grupo femenino estadounidense. Originalmente era un cuarteto, pero el grupo terminó siendo un trío formado por Beyoncé, Kelly Rowland y Michelle Williams. Fue ganador de múltiples reconocimientos, entre ellos 3 Premios Grammy. El 11 de junio de 2005 en su gira del "Destiny Fulfilled & Lovin' it Tour" en Barcelona, el grupo anunció su separación definitiva, comunicada por su integrante Kelly Rowland. El grupo ha vendido más de 60 millones de copias hasta la fecha. A principios de 2013 lanzaron su nuevo trabajo discográfico llamado Love Songs, reuniendo muchos de sus éxitos como grupo.


Recommended peculiar videos

Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor francés nacido en París, hijo del renombrado pianista y profesor del Conservatorio de París, Lois Adam, con quien comenzó sus estudios musicales. A los 18 años ingresó en el Conservatorio de París y a los 20, componía canciones para los vaudevilles parisinos. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle, que hoy ofrecemos, y la ópera Si j’étais roi. En total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el ballet Le Corsaire, y el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, como O Holy Night. Desde 1849 hasta su muerte en 1856 fue profesor de composición del Conservatorio de París.

Giselle es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, basado en la obra De l'Allemagne (1835) de Heinrich Heine. Giselle es una campesina de gran belleza y extremada inocencia; engañada y traicionada, su corazón se parte cayendo en una desesperación que la arrastrará hacia la locura y la muerte. Giselle es una de las obras maestras del ballet blanc, escena de ballet en la que aparecen vestidas de blanco todas las integrantes del cuerpo de baile. Desde los tiempos del ballet romántico estas escenas están pobladas por fantasmas, dríades, sílfides, hadas o criaturas por el estilo.


El Folklore Ensemble Philip Kutev fue fundado en 1951 por el eminente compositor búlgaro Philip Kutev (1903-1982), cuyo sueño de toda la vida fue llevar la tradición folclórica de su país al escenario. Desde 1994 la Prof. Dra. Elena Kuteva, hija de Philip Kutev, ha sido la directora artística en jefe del Ensemble. Hoy en día sigue los cruces estilísticos y de géneros de finales del siglo XX y principios del XXI basadas en las ricas tradiciones musicales búlgaras, que reflejan la vida de los pueblos de antaño y la mezcla de culturas en la Península de los Balcanes a través de los siglos, desarrollando su propio sonido polifónico mientras se encuentra con la armonía occidental. El Folklore Ensemble Philip Kutev ha ofrecido más de 5300 actuaciones en Bulgaria y en 49 países de Europa, Asia, América y África.

El Folklore Ensemble Philip Kutev fue fundado en 1951 por el eminente compositor búlgaro Philip Kutev (1903-1982), cuyo sueño de toda la vida fue llevar la tradición folclórica de su país al escenario. Desde 1994 la Prof. Dra. Elena Kuteva, hija de Philip Kutev, ha sido la directora artística en jefe del Ensemble. Hoy en día sigue los cruces estilísticos y de géneros de finales del siglo XX y principios del XXI basadas en las ricas tradiciones musicales búlgaras, que reflejan la vida de los pueblos de antaño y la mezcla de culturas en la Península de los Balcanes a través de los siglos, desarrollando su propio sonido polifónico mientras se encuentra con la armonía occidental. El Folklore Ensemble Philip Kutev ha ofrecido más de 5300 actuaciones en Bulgaria y en 49 países de Europa, Asia, América y África.


La Cueca es la danza nacional de Chile; de ritmo alegre es bailado por parejas mixtas que con un pañuelo blanco en su mano derecha van expresando las distintas etapas de un idilio. Su origen parece que procede de la imitación del cortejo del gallo y la gallina. La cueca es un género musical y una danza de parejas sueltas mixtas de fines del siglo XVIII. Generalmente, se considera un baile de conquista del hombre a la mujer, aunque no necesariamente tiene un motivo amoroso. Se baila «bajo denominaciones más o menos diferentes» desde Colombia, pasando por Perú y Bolivia, hasta Argentina y Chile, y tiene distintas variedades, según las regiones y las épocas. El 6 de noviembre de 1979 fue oficialmente declarada «danza nacional de Chile».En 1989 el gobierno chileno declaró el 17 de septiembre como «Día Nacional de la Cueca».


La compañía de bailarinas "Amirat el Sahara" (las Princesas del Desierto en egipcio) fue creada por Jala y está formada por bailarinas amateurs con formación y personalidades diversas y complementarias. "Amirat el Sahara" ofrece espectáculos refinados y elegantes que harán las delicias de los espectadores. Se ofrece una variedad de pinturas: clásico oriental, fusión oriental, fusión polinesia oriental, khaleeji, saïdi, baladi, velos, alas de isis, velas, abanicos de velo...

La compañía de bailarinas "Amirat el Sahara" (las Princesas del Desierto en egipcio) fue creada por Jala y está formada por bailarinas amateurs con formación y personalidades diversas y complementarias. "Amirat el Sahara" ofrece espectáculos refinados y elegantes que harán las delicias de los espectadores. Se ofrece una variedad de pinturas: clásico oriental, fusión oriental, fusión polinesia oriental, khaleeji, saïdi, baladi, velos, alas de isis, velas, abanicos de velo...


Recommended music videos for children

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.