El 27 de Enero se conmemoran los nacimientos de Mozart y Arriaga
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles.
En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».
Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.
El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronólogico de su creación y que es realmente válido atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas. para la mayoría de las obras aunque aparecen algunas obras de otros autores.
El Concierto para piano n.º 21 en do mayor, K. 467, de Wolfgang Amadeus Mozart fue completado el 9 de marzo de 1785 y estrenado un día después en el Teatro de la Corte Imperial y Real de Viena, en un concierto promocionado por el mismo Mozart. Es éste uno de los conciertos para piano más populares del compositor y está estructurado en tres movimientos, de los cuales hoy ofrecemos el segundo, ANDANTE EN FA MAYOR, que se inicia con una figuración de tresillos en el bajo soportando una melodía lánguida. Luego de una exposición reposada de la orquesta, el solista retoma la melodía con el conjunto. Hay breves momentos de "tristeza", pero en general el tono del movimiento es brillante y calmo. La versión de hoy nos la ofrece la pianista coreana Yeol Eum Son.
Juan Crisóstomo de Arriaga (1806 - 1826), conocido por muchos como el Mozart vasco, nació en Bilbao. Su padre, Juan Simón, procedía de Errigoiti, villa cercana a Gernika de donde procedía la madre, Maria Rosa. El padre, organista de Berriatua, Bizkaia, se trasladó a Bilbao para, como buen errigoitiarra, dedicarse a los negocios con los que prosperó y así pudo favorecer el desarrollo educativo de Juan Crisóstomo en París donde fallecería 10 días antes de cumplir los 20 años. El legado musical, que se ha podido conservar, consta de tres cuartetos de cuerda, el octeto Nada y mucho, escrito a los 11 años, la Obertura nº 1, la Sinfonía en Re, varias arias y cantatas además de algunos motetes y una ópera, Los esclavos felices, escrita a los trece años de la que únicamente se conserva su obertura, que hoy ofrecemos.
Obertura es la introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática, musical o no; aunque algunas composiciones instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores. Las primeras óperas que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas; pero sí una introducción que hacían los vocalistas en la que realizaban un resumen de la acción que se iba a desarrollar acto seguido. Las introducciones instrumentales se comenzaron a utilizar habitualmente a mediados del siglo XVII; fue el compositor alemán Christoph Willibald Gluck uno de los primeros que usó material de sus óperas para las oberturas. De esta manera, éstas establecían el perfil emocional de la ópera que seguía.
La composición de la Obertura de Los Esclavos felices sigue el modelo francés compuesta de dos partes: una primera parte (0´08´´), breve y lenta en ritmo ternario y a modo introductorio, y una segunda parte (1´32´´), rápida y más desarrollada. La ejecución nos la ofrece la Orquesta Clásica Santa Cecilia conducida por su concertino Florian Donderer.
Francisco Tárrega (1852-1909). Fue un virtuoso guitarrista y compositor (“el Sarasate de la guitarra”), nacido en Villarreal (provincia de Castellón), al que un accidente marcó su infancia, cuando cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico. Más tarde, en 1874, ingresó en el Conservatorio de Madrid, donde estudió composición con Emilio Arrieta. Para los dieciocho años ya impartía clases de guitarra y ofrecía conciertos habitualmente. A partir de 1880 comenzó sus giras internacionales, visitando ciudades como París, Lyon o Londres, mientras sus recitales por el estado fueron innumerables.
Capricho árabe es una composición para guitarra clásica escrita por el compositor español Francisco Tárrega en 1892, tras un largo viaje por Andalucía y el Norte de África. Estuvo dedicada a su amigo, el musicólogo y compositor Tomás Bretón. Ha sido interpretada y grabada en innumerables ocasiones por la mayor parte de los guitarristas clásicos, como Andrés Segovia y Narciso Yepes. El día 15 de diciembre de 1909, en la ciudad de Castellón durante el entierro de Tárrega, tres bandas de música se dispusieron alrededor del féretro del compositor e interpretaron solemnemente el Capricho Árabe. Los que presenciaron el acto, lo recordaron como uno de los instantes más emotivos de sus vidas.
Tatyana Ryzhkova nació en 1986 en Bielorrusia y es una de las guitarristas de música clásica más prometedoras de la actualidad. En YouTube ya se ha hecho un espacio en la cabecera de guitarristas clásic@s; a sus espaldas hay más de 500 conciertos alrededor del globo y su número de fans aumenta constantemente, recompensándol@s con una intensa puesta en escena, mezcla de pasión, virtuosismo y peculiar entretenimiento. Junto al repertorio clásico, Tatyana se ha desarrollado como cantautora: su propia melodía, letra y voz convergen maravillosamente en un regalo para los sentidos.
Hoy, Tatyana, nos ofrece el Capricho Árabe de Francisco Tárrega.
Ennio Morricone (1928-2020) fue un director de orquesta y compositor italiano de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión y otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, de niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia; a los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco, para películas de cine. El director de cine Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spagetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.
Hoy presentamos un florilegio de algunas de sus bandas sonoras más conocidas conducidas por el mismo Morricone. I (0:00) The Ecstasy of Gold (The Good, the Bad and the Ugly) .- . II (3:22) The Good, the Bad and the Ugly . -. III (6:04) Once upon a Time in the West .- . IV (9:15) For a Few Dollars More . -. V (13:05) A Fistful of Dynamite .-. VI (17:43) Cinema Paradiso - Main Theme .-. VII (20:13) Chi Mai (Maddalena & Le professionel) .-. VIII (23:48) . La Califfa - The Lady Caliph / The Queen .-. IX (26:27) My Name is Nobody .-. X (29:37) L'arena (Il Mercenario - The Mercenary / A Professional Gun) .-. XI (34:23) Un Monumento (I Crudeli – The Hellbenders) .-. XII (36:55) Misterioso e Ostinato (Faccia a Faccia - Face to Face) .-. XIII (39:17) Un Amico (Revolver) .-. XIV (41:55) Love Theme for Nata (Cinema Paradiso) .-. XV (46:03) Romanzo (1900 - Novecento) .-. XVI (50:12) Romanza Quartiere (Quartiere) .-. XVII (53:51) Il Figlio e la Nostalgia (The Law of the Desert) .-. XVIII (57:41) Ninna Nanna per Adulteri (Cuore di Mamma) .-. XIX (01:00:45) Watch Chimes - Carillon's Theme (For a Few Dollars More) .-. XX (01:01:57) Tradimento Primo (Tepepa) .-. XXI (01:04:13) Run, Man, Run (The Big Gundown)
Sugerencias de música clásica
Tomaso Albinoni (1671- 1751) fue un compositor del barroco italiano, que nació y falleció en Venecia; conocido en su época por sus óperas, cuando en nuestros días su popularidad le viene sobre todo de su famoso Adagio que no lo escribió él, sino que lo compuso en 1945 el musicólogo italiano Remo Giazotto basándose en unos fragmentos de una sonata para cuerdas y órgano de Albinoni. En contraste con los compositores de su época, nunca pretendió un puesto en la Iglesia o en la Corte, ya que se defendía con sus propios recursos y era tremendamente celoso de su propia independencia. Hijo de una familia acomodada, estudió canto y violín y compuso unas 50 óperas y abundante música instrumental; sobre todo, sonatas para solo y en trío y conciertos para oboe y violín.
El Concierto para dos oboes, op. 9, nº 9, que hoy presentamos, consta de los tres movimientos habituales en esta época: Rápido (0´03´´) -Lento (3´50´´) -Rápido (6´41´´), en los cuales el dúo de oboes dialoga con una orquesta de cuerda, . El papel de solistas corre a cargo de Emily Knaapen y Emily Tsai oboístas estadounidenses que conjugan su profesión de instrumentistas con la enseñanza y están acompañadas por la University of Maryland Symphony Orchestra.
Mozart y la masonería. La masonería apareció en Europa a finales del siglo XVII como una agrupación selectiva de carácter filantrópico, discreto y jerárquico; de estructura federal, sus objetivos son humanistas: la búsqueda de la verdad, el estudio de la conducta humana, de las ciencias y de las artes y el desarrollo social y moral de las personas y de la sociedad; todo ello fundamentado en un sentimiento de fraternidad; sus enseñanzas son simbolizadas con elementos de la albañilería. Teniendo estos objetivos en cuenta, con 28 años Mozart ingresó como aprendiz en la Logia Masónica de Viena; al mes siguiente ascendió al grado de Compañero y a los cuatro meses es nombrado Maestro masón. Influenciado por la Ilustración y por las ideas de Rousseau, Mozart anhelaba el racionalismo sin sumarse al carácter ocultista de muchos de sus compañeros.
En la misma dirección, según Thomson, “la música debía inocular sentimientos de humanidad, sabiduría y paciencia, virtud y honestidad, lealtad a los amigos y finalmente un entendimiento de la libertad”. Mozart transmite muchas de estas ideas en algunas de sus óperas directamente, a la vez que en otros momentos lo hace mediante símbolos masones; de todos modos, empieza a componer cantatas expresamente para la masonería incluso antes de pertenecer a la misma, ya que muchas de sus amistades eran masones. Como obras muy influenciadas por las ideas o símbolos masónicos citaremos el Requiem, La Clemenza di Tito y La flauta mágica que hoy ofrecemos. Otros famosos compositores también fueron masones como su padre Leopold Mozart, Haydn, Schubert, Liszt, Wagner, Puccini, Sibelius, Satie … incluso hay indicios que señalan a Bach como un ferviente masón.
La Ópera nació a finales del siglo XVI, como iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que, al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado, tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. Así, Jacopo Peri creó La Dafne (1597), de la que hoy sólo se conserva su libreto, a la que siguió Euridice (1600), del mismo autor. En 1607, Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo, donde añadió una introducción musical que denominó «sinfonía», y dividió las partes cantadas en «arias», dando estructura a la ópera moderna. La evolución posterior de la ópera ha corrido en paralelo a las diversas corrientes musicales que se han ido sucediendo en el tiempo: entre el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII se enmarcó el Barroco, un período en que la música culta estaba reservada a las élites sociales, pero que produjo nuevas y ricas formas musicales, y que vio establecer un lenguaje propio para la ópera, rico y complejo no sólo en los métodos compositivos y vocales sino en la producción teatral y escenográfica.
En la segunda mitad del siglo XVIII se dio el Clasicismo, un período de gran creatividad marcado por la serenidad y armonía de sus composiciones. El siglo XIX estuvo marcado por el Romanticismo, caracterizado, sobre todo, por la individualidad del compositor, considerado ya como un genio iluminado y cada vez objeto de mayor veneración, al igual que las mayores figuras vocales del canto, que se convirtieron en estrellas de una sociedad donde la burguesía relegó a la aristocracia en la preeminencia social. Esta centuria vio surgir las variantes musicales de numerosas naciones hasta entonces sin apenas tradición musical, en lo que se vino a llamar Nacionalismo musical. Cerraron el siglo algunas corrientes como el impresionismo francés y el verismo italiano.
En el siglo XX la ópera, al igual que el resto de la música y de las artes en general, entró en la vanguardia, una nueva forma de concebir la creación artística en que surgieron nuevos métodos y técnicas compositivos, que se expresaron en una gran variedad de estilos, en una época de mayor difusión de los medios de comunicación que permitían llegar a un público más amplio por diversos canales (radio, televisión, internet ...) y no ya sólo el presencial, y en la que todavía es valorado el amplio repertorio musical de períodos anteriores, que sigue vigente en los principales teatros de ópera del mundo.
Die Zauberflöte (“La Flauta mágica”) es una ópera que fue estrenada en Viena dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. El libreto fue escrito por un compañero de su logia masónica, Emanuel Schikaneder, con un argumento que apunta a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una narración repleta de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales.
La versión que hoy ofrecemos desde el Teatro de la Ópera de Zurich está conducida por el maestro austríaco Franz Welser-Möst (1960).
Sinfonía. La palabra deriva del latín symphonĭa que significa consonancia en oposición a diaphōnia, que significa disonancia. En la Edad Media la palabra sinfonía se usó para describir instrumentos capaces de producir más de un sonido simultáneamente y a finales del siglo XVIII la palabra ya había adquirido el significado actual: una obra para orquesta que consta de varias secciones . La sinfonía alcanzó su madurez con Beethoven. Sus sinfonías solían tener un primer movimiento “Allegro” en forma sonata (a veces con una pequeña introducción), un segundo movimiento lento (a veces en forma de tema y variaciones), un tercer movimiento con ritmo ternario (usualmente un scherzo, anteriormente a Beethoven lo común era un minueto y trío), para finalizar con el cuarto movimiento rápido en forma de rondó o sonata.
La Sinfonía en Re menor, que hoy ofrecemos, es una de las obras más paradigmáticas y representativas del legado artístico de Juan Crisóstomo de Arriaga. El año exacto de su composición se enmarca hacia 1824, momento en el que Arriaga se encontraba en Francia, en plena etapa parisina. En cuanto a la tonalidad principal en la que está compuesta la sinfonía, también hay dudas. En este caso, siguiendo una lectura de Víctor Estapé y Aurelio M. Seco, la sinfonía está en la tonalidad de Re menor, por mucho que la introducción en Re mayor pueda despistar. La sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I (0´30´´) ADAGIO. (3´39´´) ALLEGRO VIVACE .-. II (10´25´´) ANDANTE .-. III (18´50´´) MENUETTO: ALLEGRO .-. IV (23´05´´) ALLEGRO CON MOTO.
Hoy nos la ofrece la Sinfónica de Galicia conducida por el maestro zamorano Jesús López Cobos (1940-2018).
Charles Ives (1874 – 1954) fue un compositor estadounidense reconocido como uno de los primeros en adquirir trascendencia internacional. La música de Ives fue casi ignorada durante su vida y muchas de sus obras permanecieron sin tocarse durante muchos años. Con el tiempo, Ives llegaría a ser considerado como uno de los American Originals, un compositor que adoptó un estilo americano único, con tonadas folclóricas estadounidenses tejidas a largo de todas sus composiciones y una inquieta búsqueda por las posibilidades musicales. Sus obras más conocidas son La pregunta sin respuesta para orquesta y Sonata "Concord" para piano.
El Cuarteto de cuerdas n.º 2 de Charles Ives es una obra para cuarteto de cuerdas escrita entre 1907 y 1913. Fue estrenada en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1946, por un conjunto de estudiantes de la Juilliard School. Su primera interpretación profesional fue a cargo del Cuarteto de cuerdas Walden , el 15 de septiembre de 1946, en Yaddo, en un concierto que llevó al compositor Lou Harrison a escribir: "Esta obra es... la mejor pieza de música de cámara estadounidense hasta el momento... La música de este tipo sólo ocurre cada cincuenta años o un siglo, tan rica en fe y tan llena de sentido de finalización". En sus Memos, Ives se refirió al cuarteto como "una de las mejores cosas que tengo".
Forma y contenido. El cuarteto es una obra programática que representa a cuatro hombres que "conversan, discuten, argumentan, pelean, se dan la mano, se callan... ¡y luego caminan por la ladera de la montaña para ver el firmamento!" En consonancia con la concepción dramática sugerida por los títulos de los movimientos, Ives trata los cuatro instrumentos con un grado de individualidad sin precedentes: cada uno tiene su propio carácter especial y la calidad general de la obra resulta de una especie de amalgama forzada de los cuatro componentes texturales diferentes y estructurada en tres movimientos: I (0´41´´) Discusiones (Andante moderato—Andante con Spirito—Adagio molto) .-. II (10´08´´) Argumentos (Allegro con Spirito) .-. III (15´53´´) El llamado de las montañas (Adagio—Andante—Adagio).
Sugerencias de música para todos los gustos
Barry Harris (1929-2021) fue un pianista y compositor de jazz del estilo bebop (grupos pequeños con música basada en ritmos vivos y armonías sorpresivas) que fue una reacción al swing de la época anterior anquilosado en grupos grandes, ritmos tranquilos y armonías previsibles. Nuestro pianista de hoy nace en Detroit ciudad en la que se dedica a la enseñanza con pequeños grupos con los que efectúa distintas grabaciones dentro del nuevo estilo. Más tarde se traslada a Nueva York donde entabla estrechas relaciones de amistad y de ideas con las primeras figuras del jazz y donde sigue apostando por la enseñanza y la música activa dentro del bebop. Fallece el 8 de diciembre de 2021, a causa de complicaciones causadas por el COVID.
Alejandro Fernández Abarca (Guadalajara, México; 24 de abril de 1971) es un cantante de mariachi y pop latino mexicano, hijo del recordado y fallecido cantante ranchero Vicente Fernández. En un principio se especializó en estilos tradicionales de música regional mexicana como mariachi. Posteriormente se ha diversificado hacia el pop latino con toques urbanos, la balada y el bolero. Posee una sólida trayectoria discográfica y ha sido acreedor a tres Grammy Latinos y seis Premios Billboard. Ha logrado vender alrededor del mundo 40 millones de álbumes aproximadamente.
Viña del Mar 2015: 1 (2:42) Cóncavo y convexo.-. 2 (6:49) Se me va la voz .-. 3 (11:49) Qué voy a hacer con mi amor.-. 4 (16:42) Desahogo .-. 5 Hoy tengo ganas de ti (19:43) .-. 6 (24:34) Me hace tanto bien .-. 7 (28:37) Te amaré .-. 8 (32:53) Te voy a perder .-. 9 (36:45) Canta corazón .-. 10 (43:48) Me dedique a perderte.-. 11 (48:37) Si tu supieras .-. (52:55) Mariachis .-. 12 - Donde vas tan sola (59:30) .-. 13 - Mátalas (1:03:10) .-. 14 (1:06:12) Qué lastima .-. 15 (1:10:21) Cascos ligeros.-. 16 (1:12:35) Tantita pena .-. (1:17:01) Gaviotas de plata .-. 17 (1:18:07) Es la mujer .-. 18 (1:22:07) Como quien pierde una estrella .-. (1:27:58) Gaviotas de oro .-. 19 (1:29:25) El día que me quieras .-. 20 (1:33:07) Mujeres divinas.-. 21(1:35:14) Me voy a quitar de en medio .-. 22 (1:36:38) Vale mas un buen amor .-. 23 (1:38:15) Hermoso cariño .-. 24 (1:39:50) Estos celos .-. 25 (1:41:39) Acá entre nos.-. 26 (1:43:44) De qué manera te olvido
Nina Hagen (1955) es una cantante y actriz alemana, nacida en Berlín Este cuando la actual Alemania estaba dividida en dos estados, famosa por su mezcla de estilo punk y canto operístico. Su padre murió cuando ella era tan sólo una niña, y su madre contrajo matrimonio con el cantautor Wolf Biermann, quien fue acusado varias veces de contrarrevolucionario en la entonces República Democrática Alemana, por realizar críticas y burlas contra el régimen. Nina aprendió ballet a temprana edad y demostró sorprendente habilidad como cantante, siendo considerada una niña prodigio por sus interpretaciones de ópera. En la actualidad, Nina está considerada como una de las cantantes más innovadoras de la era del punk.
Céline Dion (1968) es una cantante canadiense nacida en Quebec. Antes de alcanzar el éxito en todo el mundo, emergió como estrella adolescente en su país natal, lanzando una serie de álbumes en francés que le otorgaron gran popularidad. En 1990 lanzó Unison, su primera producción en inglés que marcó el inicio de su destacada y exitosa carrera en el mercado anglosajón. Dion es la canadiense con más discos vendidos en el mundo. Su música ha sido influenciada por géneros tan variados como el rock, R&B, góspel y el clasicismo, entre otros. Ha ganado cinco premios Grammy y es la única artista en tener dos álbumes consecutivos con ventas superiores a 30 millones de copias. Según Sony Music Entertainment, la cantante ha vendido más de 200 millones de producciones musicales en el mundo.
Sugerencias de videos peculiares
Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida se adentró en distintos estilos y géneros musicales desde el posromanticismo al serialismo o el jazz . Estudió, entre otros, con Rimski Korsakov y trabajó para distintos géneros y formaciones musicales; pero tras conocer a Serguei Diaghilev, fundador de los Ballets Rusos, colaboró estrechamente con él. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos y géneros desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz, alcanzando gran fama no sólo como compositor, sino también como pianista y director. La revista Time le consideró como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.
Pulcinella, la obra que hoy presentamos, fue un ballet encargado por Diaghilev que quería un libreto y música basados en un personaje de La comedia dell´arte del siglo XVIII; de modo que Stravinsky se basó en la música (tríos, óperas y otros materiales) de Pergolesi para reescribir esta música adaptándola a formas más modernas; y así, mientras rescataba algunos temas, añadía otros con ritmos y armonías actualizadas. El estreno se realizó en 1920 con trajes y decorados diseñados por Picasso.
El Basler Ballett (Ballet Theater Basel) es el Ballet del Teatro de Basilea formado por 30 bailarines/as de distintos países, tod@s ell@s de primer nivel; cumple además, con un importante papel educativo en su Escuela de ballet en la que se forman más de 200 niñ@s.
El Malambo es una danza folclórica tradicional argentina, perteneciente a la llamada música surera o sureña. Nació en la Pampa alrededor del año 1600 y dentro de los bailes folclóricos argentinos, es una excepción porque carece de letra; la música de un bombo legüero y las guitarras (a veces, sólo el bombo o la percusión) acompañan a esta danza ejecutada únicamente por varones (aunque en la versión del Ballet Nacional de hoy las mujeres aparecen en un papel secundario). Una serie de estos movimientos combinados recibe el nombre de «mudanza» o «zapateo», y la conjunción de éstos constituye al malambo en sí. No hay reglas para realizar un zapateo. Cada una de las combinaciones de los movimientos básicos es única y depende de la originalidad del gaucho que lo ejecute. Los zapateos se separan unos de otros mediante un golpe de pies llamado «repique» que contiene un sonido rápido y particular que indica el término de un zapateo y el comienzo de otro.
Argia Dantza Taldea es un grupo donostiarra de danzas vascas conformado por unos 45 componentes dirigidos por Juan Antonio Urbeltz (1940); tiene recogidas “in situ” abundantes danzas del País Vasco agrupadas en ciclos en los que ha primado la autenticidad de las versiones tanto coreográficas como musicales e instrumentales, e incluso de vestuario. En el Festival Internacional de Folklore de Middlesbrough (Inglaterra) de 1968 obtuvo el primer premio de danzas entre 28 grupos de 22 naciones. En 1998, la Fundación Alfred Toepfer de Hamburgo le otorga el Premio Europeo para el Arte Popular.
Argia Dantzari Taldea, espectáculo Alakiketan, 1993. Fue la continuación de "Alakiketan" (Irradaka) (1987) y "Zortziko" (1988), estrenándose en el Teatro Arriaga de Bilbao en 1992. En 1993 se unió "Muriska", un drama o coreografía inspirada en las pastorales de Zuberoa, y todo el montaje se estrenó por primera vez en el Festival Internacional de Olite. Este vídeo pertenece a este último formato. Dirección, coreografía y diseño de vestuario: Juan A. Urbeltz. Dirección musical y arreglos: Marian Arregi. Colaboraciones: Grupos de Danza Goizaldi, Haritz y Arkaitz, Joaldunak de Ituren, Oin Arin y Antiguo, Añorga y Astigarraga. Músicos: De los grupos Argia y Haritz, Antiguotarrak y la soka-orkestra de Lasarte. Maestros de danza: Fernando Aristizabal, Iñaki Arregi, Claude Iruretagoiena, Jexux Larrea, Josema Mendiola y Lurdes Odriozola. Vestuario: Amaia Bueno, Claude Iruretagoiena y Javier Cuadrado. (Extractado del comentario del pie del vídeo)
Il Giardino degli Amanti. Se trata de una suite creada por el coreógrafo romano Massimiliano Volpini con fracciones de composiciones de Mozart en la que van apareciendo distint@s personajes de sus obras que bailan las misteriosas e íntimas músicas a las que son invitad@s.
Roberto Bolle (1975) es un bailarín italiano de ballet clásico que ha actuado con las compañías de ballet más renombradas del mundo. En 2003 recibió el título de étoile del Teatro de La Scala y en 2009 principal dancer del American Ballet Theatre. Por otra parte, Nicoletta Manni (1991) es la primera bailarina del Ballet del Teatro La Scala.
Sugerencias de música para niñ@s
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