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Maria Theresia von Paradis (1759- 1824) fue una pianista y compositora austriaca. A pesar de que desde los tres años perdiera por completo la vista, esto no fue impedimento para que la producción y obra de esta gran pianista, cantante y compositora no dejara de destacar. Sus aportes fueron fundamentales para la educación musical de su época, especialmente para los ciegos. Causó gran interés en los compositores de renombre de su época, entre ellos Mozart y Haydn. Actualmente es un referente importante en la historia de la música clásica sobre su ejecución e interpretación musical, fuentes como el "Journal de Paris" refirieron como únicos su toque, interpretación y vivacidad.

La siciliana (también conocida como sicilienne en francés) es una forma musical que se popularizó en toda Europa entre finales del siglo XVII y el siglo XVIII. Es una danza lenta que se desarrolla en un compás de 6/8 o 12/8 y que se caracteriza por la presencia de un ritmo trocaico, así como por sus melodías sencillas y armonías claras y normalmente escrita en modo menor. Es una danza similar a la giga en cuanto a ritmo, pero mucho más lenta y con carácter melancólico.

Hoy ofrecemos la Siciliana de von Paradis en interpretación de Katerina Chatzinikolau al violín con Ani Ter-Martirosyan al piano.

Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue un director de orquesta y compositor brasileño, cuya música estuvo influida tanto por la música folclórica brasileña como por la música clásica europea. Recibió cierta instrucción musical de su padre y antes de 1899, año de la muerte de su padre, ya había empezado a dedicarse a la música como profesional. Actuó como músico de café tocando el violonchelo; si bien, fue también intérprete ocasional de guitarra, clarinete y piano. Como compositor, fue notoriamente prolífico con un legado de obras para guitarra, obras para piano, 17 cuartetos de cuerda, 9 Bachianas brasileiras, 15 Choros para distintas formaciones musicales, 12 sinfonías, 18 obras concertantes, 4 óperas, 2 bandas sonoras de películas y numerosos trabajos de distinta índole que incluyen varias partituras de ballet.

Las Bachianas Brasileiras son un conjunto de nueve obras escritas para distintas formaciones con recuerdo formal a Bach. La nº 5 que hoy presentamos, escrita para voz y ocho violonchelos, es la más conocida y está interpretada por Amel Brahim, soprano argelina de origen bereber. 

Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríaco cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1810). Con seis años de edad comenzó sus estudios de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde recibió clases de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.

El catálogo de las obras de Haydn. Las obras de Joseph Haydn están clasificadas hoy día según el sistema creado por Anthony van Hoboken. Cada obra se identifica con una cifra romana que corresponde a la categoría, que en la mayoría de los casos se identifica con un género. Algunas categorías tienen subdivisiones, cosa que se indica con una letra minúscula y a continuación aparece un número arábigo que se corresponde con el orden de la obra concreta dentro de la categoría. Estas cifras van precedidas de la palabra Hoboken (en memoria del autor del catálogo) y a veces de Hob (su abreviatura).

Sturm und Drang (tormenta y asalto) es un término que no procede de la música sino de la literatura; entendido este término como una reacción en contra del Barroco. En música, se critica la estructura polifónica y la especulación o el simbolismo matemático, las fórmulas que no permiten una expresión adecuada y sencilla, el método objetivo, racional y comprensible. Se cambia de la concepción del término afecto (en el sentido objetivo del Barroco) al término sentimiento (en el sentido subjetivo del StudD). En el Sturm und Drang el origen de la música se busca en la naturaleza interior del hombre; ahora ya no es sólo la música vocal capaz de expresar algo a través de las palabras, ahora también la música instrumental, mediante una extensa gama de recursos: intervalos amplios, disonancias intensas, síncopas ágiles, pasajes en trémolo, texturas densas, frases irregulares, actividad en registros altos, cadencias en suspenso, silencios inesperados y contrastes abruptos de dinámica, texturas, armonías y ritmo.

La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hob. I:45, también conocida como Sinfonía de los adioses o en alemán Abschiedssinfonie, fue compuesta por Joseph Haydn en 1772, durante el periodo Sturm und Drang del compositor. En conjunto la sinfonía es una obra melancólica.

I ( 0´05´) ALLEGRO ASSAI. El primer movimiento está escrito en la tonalidad de Fa sostenido menor, en compás de 3/4 y sigue la forma sonata (exposición-desarrollo-recapitulación). Se trata de un episodio turbulento y agitado en una tonalidad extremadamente inusual en el siglo XVIII que le aporta una sensación de tensión. Comienza a la manera típica del periodo Sturm und Drang de Haydn, con arpegios menores descendentes en los primeros violines junto con notas sincopadas en los segundos violines y acordes mantenidos en los vientos. El compositor experimenta con la forma, ya que sigue la forma sonata pero se desvía del modelo en varias ocasiones.

II (5´18´´) ADAGIO. El segundo movimiento, está en La mayor, en compás de 3/8 y también responde a la forma sonata. El movimiento lento comienza con una relajante melodía tocada por violines con sordina, representando un motivo que "tiene hipo". El ambiente gradualmente se vuelve más sombrío y meditabundo con la alternancia entre modos mayores y menores.  A continuación una serie de suspensiones disonantes mantenidas durante varios compases, que son extendidas hasta una gran duración, mientras que el mismo material aparece en la recapitulación.

III (12´50´´) MENUET. ALLEGRETTO – TRIO. El tercer movimiento está en Fa sostenido mayor y el compás es 3/4. En el Minueto destaca que la cadencia final de cada sección está construida de manera que suena muy débil (cayendo en el tercer pulso del compás) y crea una sensación de inconclusión.

IV (17´00´´) FINALE. PRESTO – ADAGIO. El cuarto y último movimiento retoma la tonalidad inicial, Fa sostenido mayor, y el compás es alla breve en el Presto y pasa a 3/8 en el Adagio. Empieza como es característico en Haydn, como un final rápido en forma sonata y en la tónica de la obra. El Adagio de este movimiento está escrito en compás de 3/8 y modula de La mayor a Fa sostenido menor, momento en el que los músicos van abandonando sus asientos en el siguiente orden: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.

Hoy nos lo ofrece la Chamber Orchestra Affrettando conducida por la maestra rusa Anna Rakitina.

André Jolivet (1905 - 1974) fue un compositor francés. Notable por su dedicación a la cultura y al pensamiento musical francés, su música se caracteriza por su interés en la acústica y la tonalidad, así como en las influencias, tanto del presente como del pasado, de la música, particularmente la de los instrumentos utilizados en los tiempos pretéritos. Nacido en París en el seno de una familia de artistas, Jolivet estudió violonchelo y, a continuación, composición con Paul Le Flem, con el que se concentró especialmente en obtener una sólida base en las formas clásicas de la armonía y el contrapunto. Comenzó a interesarse por la atonalidad después de haber escuchado en concierto la música de Arnold Schoenberg; recomendado por Paul Le Flem, se convirtió en el único estudiante europeo de Edgard Varèse, con el que profundizó en sus conocimientos de acústica musical, sistemas de composición atonales y orquestación.

En 1945 se convierte en director musical de la Comédie-Française, cargo que ejerce hasta 1959, componiendo numerosa música circunstancial para las obras de Molière, Jean Racine, Sófocles y Paul Claudel, mientras continuaba sus labores musicales destinadas a las salas de concierto. Durante los años cincuenta y sesenta compuso numerosos conciertos para solistas con orquesta; fue también uno de los pocos compositores que escribieron música para las Ondas Martenot. En 1965 fue nombrado profesor de composición del Conservatorio de París, donde falleció en 1974, dejando inconclusa su ópera "Bogomilé ou Le lieutenant perdu".

Hoy presentamos su Concierto para percusión estructurado en cuatro partes: I (0´34´´) ROBUSTO .-. II (5´36´´) DOLENTE .-.  III (11´21´´)  RÁPIDAMENTE .-.  IV (15´05´´) ALLEGREMENTE, en interpretación de la Orquesta del Conservatorio de Música de San Francisco, con la percusionista Masako Iguchi como solista y la dirección del maestro británico Alisdair Neale.

t.A.T.u. fue un dúo ruso formado en Moscú en 1999 e integrado por las cantantes Lena Katina y Yulia Vólkova, así como por los músicos Troy MacCubbin, Sven Martin, Domen Vajevec y Steve Wilson. Es la banda rusa más exitosa a nivel internacional; su fama se ha extendido a gran parte de Europa y al mundo anglosajón. Representaron a Rusia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2003 quedando en el tercer puesto, a tres puntos de coronarse campeonas de dicha edición. A finales de marzo del 2009 las cantantes anunciaron en un comunicado que t.A.T.u. se separaba y que querían por ahora brillar en su carrera como solistas. Sin embargo, a mediados de febrero de 2014 tras varios años de separación anunciaron su retorno.

Gernikako arbola, la canción más conocida de Iparragirre, es un zortziko en homenaje al Árbol de Gernika y a los fueros vascos que representa. La canción fue estrenada en 1853 por José Mª Iparragirre en el Café de San Luis de Madrid, acompañado al piano por el maestro durangarra Juan María Blas de Altuna, organista de Lekeitio. El zortziko se repitió una y otra vez entre los espontáneos bravos y aplausos y a última hora el Gernikako arbola era cantado en coro por cincuenta, sesenta o más voces, mientras Iparraguirre y Altuna eran objeto de una verdadera ovación. Sobre la autoría de la canción existen serias dudas sobre si fue Iparragirre o si fue Altuna, aunque sin mayores pruebas fehacientes, nosotros seguimos en la atribución tradicional.

José María Iparragirre (Urretxu, Gipuzkoa,1820- 1881) fue un conocido bertsolari (improvisador de versos) y músico popular, que tuvo una vida bohemia y aventurera; de ahí su apelativo de el bardo vasco, imagen que apoyaba con una inseparable guitarra y la improvisación de cantos y bertsos. Su obra, escrita mayoritariamente en euskera, recoge algunas de las canciones más significativas y populares del País Vasco. Considerado por las autoridades de su tiempo como un peligroso “agitador de masas”, padeció cárcel y destierro, residió durante 19 años en Argentina y Uruguay, y a su vuelta se ganaba la vida con los recitales que ofrecía por todo el País Vasco. Falleció a cusa de una pulmonía en su pueblo natal de Urretxu, donde está enterrado.

El árbol de Gernika es un ejemplar de roble (Quercus robur) situado delante de la Casa de Juntas en la localidad vizcaína de Gernika. Este árbol simboliza las libertades tradicionales de Bizkaia y por extensión las de todo el Pueblo Vasco.

La interpretación de hoy nos la ofrece el cantautor vasco Gontzal Mendibil acompañado por el EHU ko Abesbatza, Areatzako Banda y Bilboko Orkestra Sinfonikoa.

La danza folclórica mexicana es una representación del folclore mexicano; en ella se reflejan ritos, cultura y tradiciones. Desde antes de la llegada de l@s españolxs, para los pueblos que habitaban México, la danza ritual era parte importante en la vida cotidiana. L@s religios@s que evangelizaron estas tierras trataron de suprimirlas; pero, en vista de lo arriesgadas que estaban, las fueron adaptando o cristianizando dándole así nuevos significados. En la actualidad, la danza folklórica sirve para poder expresar sentimientos, emociones y experiencias del transcurso de la vida y revivir tradiciones y ritos antepasados; también sirve para celebrar ocasiones importantes para pueblos, colonias, familias y ciudades del país.

El Huapango originariamente es un género musical y danza, parece ser que procedente de la región mexicana de Huasteca y que es interpretado por un pequeño grupo de integrantes, habitualmente un trío; en este caso reproducimos una escena de la película del gran Jorge Negrete.

Las danzas vascas (en euskera, Euskal Dantzak) son una parte muy importante de la cultura vasca y la fundamental de su folclore. Cada territorio histórico, o provincia, tiene las suyas propias y cada pueblo tiene también la suya propia que se acostumbra a bailar en sus fiestas mayores. Entre los bailes más destacados citaremos a los bailes de romería o plaza, basados en los bailes que se celebraban en las romerías y cuya participación era popular y espontánea, las danzas de espadas que tienen un paralelismo evidente con las europeas del mismo tipo, las danzas de fin de fiesta que se realizan para marcar el fin de unas fiestas, el fin de un ciclo y el comienzo de otro. Entre las danzas tradicionales hemos de citar entre otras muchas: Agurra, Fandangoa, Banakoa, Zortzikoa y Arin Arina.

Kresala Danza Taldea creado en 1968 por el bailarín y coreógrafo Gene Yurre y dirigido desde 1993 por Faustino Aranzabal, es un conjunto pionero en el País Vasco en la búsqueda de nuevos caminos de la danza vasca. El 3 de diciembre de 2004 el grupo Kresala, invitado por el grupo bakiotarra Itxas Alde, interpretó esta nueva suite de cinco movimientos, Sagar dantza, basada en la manzana, con melodías recogidas por los folkloristas Aita Donostia y Resurrección Mª de Azkue: I (0´53´´) .-. II (2´39´´) .-.  III  (3´43´´).-. IV (5´31´´).-. V (6´48´´).