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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer, con lo que su padre, Leopold, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en  Viena a los 35 años.

El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronológico de su creación y que es realmente válido para la mayoría de las obras; sin embargo aparecen, en su primera edición, obras de otros autores atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas.  

Concierto para trompa n.º 1 en re mayor , K. (412+514)/386b, de Wolfgang Amadeus Mozart. Escrito en 1791, la obra consta de dos movimientos . Es éste el único de los cuatro conciertos para trompa de Mozart que está en Re mayor (el resto están en Mib  mayor ) y el único que tiene sólo dos movimientos en lugar de los tres habituales y, aunque aparece numerado en primer lugar, en realidad fue el último de los cuatro conciertos en completarse.

Sarah Willis ( 1969) Es una trompista estadounidense que creció en Maryland, Tokio, Boston, Moscú y Londres.  Comenzó a tocar la trompa a los 14 años; a los 22, ingresó en la Ópera estatal de Berlín y a los 32, en la Filarmónica de Berlin donde continúa en la actualidad. En 2017 viaja por primera vez a Cuba a impartir una clase magistral de trompa, momento en el que queda prendada de la musicalidad desbordante de sus habitantes y de la alta preparación técnica de sus músicos; vuelve en tres ocasiones más a impartir otras tantas clases magistrales; de esa convivencia con músic@s cuban@s surge Mozart y Mambo que es una selección musical que combina conciertos para trompa de Mozart con música tradicional cubana. El disco se publicó en 2020.

Extractado de ese disco, hoy ofrecemos el Primer movimiento con Sara Willis acompañada por la Orquesta del Lyceum de La Habana.

Jacinto Guerrero (1895-1951) fue un músico español compositor de zarzuelas nacido en Ajofrín (Toledo) en el seno de una familia humilde cuyo padre, Avelino Guerrero Cruz, era sacristán y director de la banda en su pueblo en la que el pequeño Jacinto tocaba el bombo y platillos con tan solo 6 años. En 1914 compone la primera obra escrita para banda que le proporciona un enorme éxito y fama, Himno a Toledo. Gracias a ello, consigue una beca de la Diputación y el Ayuntamiento para ingresar en el Conservatorio de Madrid. En 1948, ocupa la presidencia de la SGAE, lo que le lleva, un año más tarde, a viajar a Bruselas, París, Lisboa y Nueva York; en septiembre de ese mismo año, fallece en el sanatorio Rúber de Madrid.

La rosa del azafrán es una zarzuela en dos actos, adaptación libre de la comedia de Felix Lope de Vega El perro del hortelano, con música de Jacinto Guerrero, y estrenada el 14 de marzo de 1930 en el Teatro Calderón de Madrid. ​ Los libretistas fueron Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, dúo que previamente había colaborado con Amadeo Vives. La acción, que transcurre en La Mancha española, nos narra las incidencias que ha de atravesar un pobre labrador enamorado de una moza que trabaja en la hacienda de su ama a la que solicita autorización para salir con la moza. La versión que hoy ofrecemos está conducida por el maestro malagueño Arturo Díez Boscovcih.

Giovanni Battista Viotti, (1755 –1824)​ fue un violinista, compositor y pedagogo italiano. Hijo de un instrumentista, Viotti tomó sus primeras clases al lado de su padre, quien se desempeñó en la trompa. Apreciado desde muy joven como violinista, fue acogido bajo la protección de los príncipes Dal Pozo della Cisterna que procuraron que estudiara con Antonio Celoniat. En 1782 fue nombrado solista de la Corte de María Antonieta; pasó más tarde a dedicarse a la enseñanza, la composición y la organización de conciertos y en 1794 es nombrado director artístico y director de orquesta en el King’s Theatre de Londres; cuatro años más tarde regresó a París, y tres años después volvió a Londres donde murió en 1824.

Durante los 20 últimos años del siglo XVIII fue considerado como el mejor violinista de Europa; como compositor, fue un defensor de la tradición instrumental italiana de la época rococó, pero abierto al romanticismo.

La Marsellesa (“La Marseillaise”) es oficialmente, desde el 14 de julio de 1795, el himno nacional de Francia. El himno, titulado en principio Chant de guerre pour l'armée du Rhin («Canto de guerra para el ejército del Rin»), fue escrito en 1792 por Claude Joseph Rouget de Lisle, capitán de ingenieros de la guarnición de Estrasburgo, como un canto patriótico de la Francia revolucionaria en su guerra contra Austria. Los parisinos lo acogieron con gran entusiasmo y lo bautizaron como La Marsellesa. Fue prohibido durante el Imperio y la Restauración y volvió a oficializarse en la III República. Durante 1940-1945 fue nuevamente prohibido, y su canto era considerado como un símbolo de resistencia a la ocupación alemana y al régimen colaboracionista de Vichy.

Hoy ofrecemos el Tema e variazioni in Do maggiore de Viotti que es un conjunto de tema y variaciones sobre La Marsellesa en interpretación de la Camerata Ducale con el maestro Guido Rimonda como solista y director.

Tōru Takemitsu (1930 - 1996) fue un compositor e intérprete conocido por explorar los principios de la composición musical propios de la música clásica occidental y la tradición musical japonesa, tanto por separado como en combinación; se le considera una influyente personalidad en la música de su país, que obtuvo amplio reconocimiento y difusión también en Occidente. Fue básicamente autodidacta en música, aunque muy influido por la música clásica francesa, en particular por la de Claude Debussy y Olivier Messiaen; lo que no le impidió incorporar a la orquesta instrumentos japoneses, tales como el shakuhachi (una especie de flauta de bambú) o el biwa (un tipo de laúd japonés).

Takemitsu llamó por primera vez la atención de amplias audiencias con su Requiem para orquesta de cuerda (1957) que fue alabado por Ígor Stravinski. La obra de Takemitsu incluye piezas para piano solo, música  de cámara, música orquestal, música electroacústica y cerca de cien bandas sonoras para películas de cine. En su trayectoria obtuvo 17 galardones, incluidos los otorgados por la Academia Japonesa de Cine (en 1978, 1979, 1986, 1987, 1990 y 1996), además del Premio Grawemeyer de composición (1994)12​ y, póstumamente, el IV Premio Glenn Gould (1996).

Nostalghia. El nombre de la pieza deriva de la película homónima de Andrei Tarkovsky, un homenaje al director fallecido poco después de su prematura muerte. En una línea similar a la película italo-soviética, la pieza contiene temas de aspiración: a diferencia de muchos idiomas, la palabra “nostalgia” en ruso e italiano describe el deseo de un lugar o de una persona, más que la reminiscencia de un tiempo pasado. La orquesta de cuerdas pinta imágenes brillantes de agua y niebla mientras el violín solista se balancea lastimeramente por encima. Juntos, los instrumentos son la encarnación de una naturaleza sin complejos, un tono frío y ambiguo que crea una sensación inquebrantable de soledad. (Extractado del artículo del artículo de Schott)

Hoy nos lo ofrece Anne-Sophie Mutter  con la Vienna Philharmonic Orchestra conducidas por el maestro Seiji Ozawa.

Ay Carmela es una canción compuesta originalmente a inicios del siglo XIX e interpretada por los soldados españoles que lucharon contra la invasión francesa durante la Guerra de la Independencia Española (1808-1814), y que fue recuperada bajo distintos nombres por los soldados del bando republicano como una de las canciones de la Guerra Civil española (1936-1939). La melodía también fue utilizada por el bando franquista, concretamente por los falangistas y requetés bajo el nombre de «Por el río Nervión».

Natalia Lafourcade (Ciudad de México, 1984). Reconocida como la primera Embajadora de la Música por la Paz, la voz de Natalia Lafourcade, una oda al amor, a la libertad y a la vida, ha traspasado las fronteras de su país para conmover e inspirar con sus letras a generaciones de todas las edades alrededor del mundo. Su música, fusión de múltiples géneros que mezcla notas del pop, el jazz y la cumbia con el son jarocho, acordes de su tierra natal veracruzana que rescata en honor a sus raíces, pero también melodías de otros territorios como el bolero o la bossa nova, la ha convertido en una de las personalidades más fascinantes del folclore latinoamericano. Galardonada con cuatro premios Grammy y 17 Grammy Latino, en sus más de 20 años de trayectoria artística Natalia ha formado parte de numerosos proyectos musicales hasta perfilarse como una de las cantautoras contemporáneas en español más importantes, polifacéticas y aclamadas por el público. Además de su alabado talento para la composición y el canto, su faceta filántropa y activista por la preservación de los orígenes y costumbres ancestrales la designan como una guardiana de la memoria cultural de México. (Extractado del comentario del pie del presente vídeo)

Aleksandr Glazunov (1865-1936), fue un compositor, director de orquesta e influyente maestro de música ruso. Alternó la recuperación de las raíces musicales rusas con su adscripción a las influencias estilísticas occidentales, que fueron haciéndose más fuertes en sus últimas obras. Era cercano al círculo de compositores rusos de recuperación nacionalista y folclórica conocido como el Grupo de los Cinco. Se le considera el último exponente de la escuela nacional rusa de composición, fundada por Mijaíl Glinka.

El Grand pas es un conjunto de danzas que sirve como obra maestra para l@s bailarines/as principales, para l@s bailarines/as demi-solistas y, en algunos casos, para el cuerpo de ballet. Por lo general, consiste en una entrada (introducción), un gran adagio, a veces un baile para el cuerpo de ballet, variaciones (bailes solistas) opcionales para los demi-solistas, variaciones para la bailarina principal o el bailarín, o ambos, y una coda (a veces denominada coda générale o grand coda), con la que concluye la suite.

Raymonda es un ballet en tres actos, con música de Aleksandr Glazunov y coreografía de Marius Petipa, estrenado en el Teatro Mariinski de San Petersburgo, el 19 de enero de 1898. La obra narra los avatares de un príncipe cruzado y un abominable sarraceno en su lucha por el amor de Raymonda.

Hoy ofrecemos el Grand Pas del Ballet en interpretación de Ekaterina Krysanova, V. Svortok y el Bolshoi Ballet.

La Biwa es un instrumento japonés de púa parecido al laúd occidental. Su origen proviene de China que lo exportó a Japón hacia el año 730. Consta de una caja de resonancia, un mástil con trastes y cinco cuerdas que son rasgadas con una enorme púa. L@s intérpretes de biwa errantes, similares a los trovadores, eran conocidos como biwa hoshi.