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Isaac Albéniz (18601​-1909 fue un célebre compositor y pianista catalán, discípulo de Felipe Pedrell. Gracias a la ayuda de Guillermo Morphy, Conde de Morphy, compositor y mecenas de las artes, obtuvo una pensión para formarse en el Conservatorio de Bruselas en 1876, terminando sus estudios en 1879. Siendo un virtuoso compositor de piano, Albéniz también compuso música para otros instrumentos y dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años de vida a escribir temas para teatro, como por ejemplo su más exitoso trabajo operístico Pepita Jiménez; también se dedicó a interpretar conciertos o a la grabación de su ópera Merlín. Durante su carrera escribió más de dos docenas de canciones, así como varios temas orquestales y de cámara.

Asturias fue compuesta en la década de 1890, época en la que Albéniz residía en Londres. A pesar de su nombre, el tema no tiene ninguna relación con la tradición musical de Asturias, estando más bien relacionada con el flamenco andaluz. A su publicación, Albéniz la concibió como un preludio a la colección Chants d'Espagne. Años más tarde se convertiría en el quinto movimiento de la Suite española, publicada después de la muerte de Albéniz con el actual título y subtitulado como Leyenda en 1911 por la editora alemana Hofmeister.

La versión que hoy ofrecemos está arreglada para acordeón y orquesta sinfónica con el acordeonista guipuzcoano, mundialmente reconocido, Iñaki Alberdi como solista acompañado por la  Orquesta Sinfónica de Castilla y León conducida por el maestro José Luis López Antón.

Karlos Sánchez Ekiza es profesor titular de música en la Facultad de Letras de la Universidad del País Vasco. Etnomusicólogo y músico práctico (y compositor premiado y arreglista a ratos perdidos), sus líneas de investigación se centran en música vasca, sus imaginarios y sus manifestaciones, y especialmente en lo referente a música e identidad. Ha sido director de Trans, revista transcultural de música, vicepresidente de la Sociedad Ibérica de Etnomusicología y presidente de la Sección de Folklore de la Sociedad de Estudios Vascos. Entre sus publicaciones pueden destacarse los libros Txuntxuneroak: Narrativas, identidades e ideologías en la historia de los txistularis, Del danbolin al silbo: txistu, tamboril y danza vasca en la época de la Ilustración y Euskal Musika Klasikoa, encargo del Instituto Etxepare. Es autor además de un buen número de voces sobre danzas para la Enciclopedia Auñamendi y una treintena de artículos en publicaciones nacionales e internacionales centrados en cuestiones de música y danza vascas, que abarcan desde los imaginarios anteriores al nacionalismo hasta la participación vasca en los concursos de la Sección Femenina del franquismo o el rock radical vasco. (Extractado de la página de UPV/EHU)

El Txistu es un instrumento musical que pertenece a la familia europea de la “Flauta de tres agujeros”. Se toca con una sola mano (normalmente la izquierda), de modo que la otra quede libre para poder tocar el tamboril que cuelga del brazo utilizado para tocar el txistu. Actualmente afinado en Fa es acompañado frecuentemente por el silbote o txistu haundi, instrumento más grave, afinado en Sib. A la misma familia pertenece la txirula, instrumento más agudo, que es acompañada habitualmente por el ttun ttun (tambor de cuerdas). El txistu es utilizado en romerías, pasacalles, homenajes, actos institucionales y en distintos tipos de conciertos tanto como instrumento solista acompañado de una orquesta, como formando una pequeña Banda de txistus, como es el caso que hoy ofrecemos; banda conformada por tres voces (txistu 1º, txistu 2º y silbote) y caja clara. 

Hoy la Banda de Txistus Hego Haizeak conformada por Aitor Urquiza (Txistu 1º),  Ainara Martínez (Txistu 2º),  Xabier Olazabal (Silbote) y  Beñat López (Atabal) nos ofrece la suite Burundarrak articulada en tres movimientos: I (0´5´´) FANDANGOA .-. II (1´50´´) ARIN-ARIN .-. III (3´47´´) BIRIBILKETA; suite escrita por Karlos Sánchez Ekiza.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) fue un clavecinista y compositor alemán, segundo hijo del primer matrimonio de Johann Sebastian Bach con quien estudió clavecín, interpretación y composición; fue uno de los fundadores del Clasicismo. En 1738 entró a formar parte de la Corte de Federico el Grande. Al no sentirse suficientemente apreciado, abandonó la Corte para trasladarse a Zittau y más tarde a Leipzig. En 1768, tras la muerte de Telemann, le sucedió a éste en el cargo de Maestro de Capilla de Hamburgo, donde residió hasta su fallecimiento en 1788. A lo largo de su carrera escribió numerosas obras para teclado, unas doscientas obras de cámara, diecinueve sinfonías, quince conciertos para distintos instrumentos, varias canciones e himnos, dos oratorios y veinte pasiones. 

Las obras de Carl Philipp Emanuel Bach se encuentran con dos referencias diferentes, Wq. y H., que se refieren a dos catálogos distintos: Wq. (a veces, W.) es abreviatura de Wotquenne, índice elaborado por Alfred Wotquenne; es el catálogo más antiguo (1905). Por otra parte,  H. es el catálogo realizado por E. Eugen Helm, más completo y actualizado.

C.P. E. Bach escribió su conjunto de seis sinfonías de cuerda en 1773 mientras ejercía como director musical de Hamburgo. Las sinfonías fueron encargadas por un barón austríaco amante de la música que le dio instrucciones al compositor de "dejarse llevar por completo, sin tener en cuenta las dificultades de ejecución que necesariamente deben surgir como resultado".

La Sinfonía en Do Mayor Wq 182/3, la tercera del conjunto, con su invención salvaje y sus cambios abruptos de humor, debió haber complacido al barón. C.P.E. sintió que su música debía conmover las emociones del oyente, y diseñó un estilo que pudiera lograrlo al mismo tiempo que abarcaba las pasiones ardientes del movimiento Sturm und Drang (tormenta y estrés) que entonces arrasaba las artes en Europa central. “Tal como yo lo veo”, escribió el compositor en su autobiografía de 1773, “la música debe conmover el corazón emocionalmente, y un intérprete nunca logrará esto simplemente revolviendo, martillando y arpegiando. No conmigo, de todos modos”. (Comentarios extractados del artículo de LA Phil).

Hoy la ofrecemos en versión del Croatian baroque ensemble conducido por  el maestro austríaco Andreas Helm.

Andrea Tarrodi (1981) es una compositora sueca afincada en Estocolmo que empezó a tocar la piano a los ocho años; poco después se interesó por la composición. Estudió composición en el Royal College of Music de Estocolmo, el Conservatorio di Musica di Perugia (Italia) y el College of Music de Piteå. Completó su máster en Composición en el Royal College of Music de Estocolmo en el 2009. Tarrodi ha recibido importantes reconocimientos y galardoness tanto nacionales como internacionales tras escribir para muchos tipos de conjuntos interesándose especialmente por la música vocal y orquestal. Sus obras han sido interpretadas por la BBC Philharmonic, la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, la Mahler Chamber Orchestra, la Turku Philharmonic, la Saint Paul Chamber Orchestra, la New Bedford Symphony, la Swedish Radio Symphony, la Royal Stockholm Philharmonic y la Gothenburg Symphony, entre otras muchas y su música se ha interpretado en Estados Unidos, Alemania, Austria, Francia, Reino Unido, Noruega, Islandia, Serbia, Portugal, Italia, Países Bajos, Bulgaria, Turquía, México, Japón, China, Australia y Sudáfrica. Actualmente es miembro de la Sociedad Sueca de Derechos de Ejecución (STIM) y de la Sociedad de Compositores Suecos (FST). (Extractado del artículo de LA Phil)

Songs of the Sky (Canciones del Cielo), concertino para piano y cuerdas, fue un encargo de la pianista Natalya Pasichnyk, intérprete del presente vídeo. La pieza se basa en dos canciones populares: una de Ucrania y otra de Suecia, ambas relacionadas con el cielo.

Zucchero o Zucchero Fornaciari (1955; nombre artístico que en italiano significa “azúcar”) es un cantante y músico italiano. Las primeras nociones musicales se las enseñó un estudiante afroamericano que frecuentó la facultad de veterinaria de Bolonia y con quien aprendió a tocar a los Beatles, Bob Dylan y los Rolling Stones. En 1968 la familia se trasladó por trabajo a la Versilia (en Forte dei Marmi) y el joven se vio obligado a cambiar amigos, costumbres, gafas, sombrero y número de la seguridad social, lo que le causó un trauma severo y una depresión terrible. Así, se volcó en la música y se familiarizó con el rhythm'n'blues y la música del delta del Misisipi. Fundó "Le nuove luci", un grupo de jóvenes músicos como él, con en cual empezó a tocar en las salas de baile de la zona. Cursó estudios en el Instituto técnico industrial de Carrara y, luego, se matriculó en la Facultad de veterinaria. Pero no terminó los estudios, entregándose completamente a la música. A pesar de que su verdadero amor es el blues, cuando escribe canciones para otros, se esfuerza en seguir la música italiana, aun cuando los oídos encasillados en códigos cerrados no suelan considerarla de la misma calidad. En 1985 su vida artística cambió cuando él y la Randy Jackson Band presentan la canción "Donne" en San Remo. Con "Bluesugar" llegó a su noveno álbum, con ventas de récord ("Oro, Incenso & Birra" de 1989 ha sido el álbum más vendido en la historia de la canción italiana) y logró buenas posiciones en las listas de ventas del extranjero. A partir de ese momento los éxitos han sido continuos en Italia y en otros países.

Gian Marco (Lima, 17 de agosto de 1970) es un cantautor, músico y productor musical peruano. Su madre es la actriz y cantante peruana, Regina Alcover; su padre, el difunto compositor y cantante peruano Javier Zignago. ​Con sólo 12 años de edad cantó por primera vez en televisión en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, en el programa Domingos Gigantes, bajo la conducción de Orlando Marconi. Ese mismo año, canta en Caracas, Venezuela, en el programa La revista de los sábados; durante sus años juveniles, participó en una serie de eventos artísticos. Dentro de su brillante carrera artística destacaremos que en el 2003, recibió en los Premios de La Música de la Sociedad General de Autores y Editores de España (SGAE), el premio como Artista Revelación Latino; ha ganado, también, tres premios Grammy Latinos en la categoría de «mejor álbum cantautor», en los años 2005, 2011, 2012 y tiene hasta la actualidad más de 15 nominaciones; en 2013 fue nominado a los Premios Oye! en las categorías: Álbum en Español del año, Canción en Español del año (por «Invisible») y Solista Masculino. El 6 de febrero de 2006 fue nombrado como Embajador de Buena Voluntad del Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia por Unicef.

Ballet Folklórico Nacional de Argentina, compañía artística de danzas folclóricas argentinas creada en 1986 por la Ley nacional n.º 23.329​. Con la dirección de Santiago Ayala y Norma Viola, amb@s referentes en el ámbito de las danzas folclóricas argentinas, el cuerpo de baile hizo su primera presentación el 9 de julio de 1990 en el Teatro Colón de Buenos Aires. Desde entonces, además de haber recorrido las principales ciudades y festivales argentinos, ha llevado su arte en giras y exposiciones internacionales, como México, Albania, Brasil, Chile, Colombia, España, Francia, Japón, Paraguay, Portugal y Suiza.

Irán posee cuatro categorías de baile y estos géneros son; danzas de cadena o de línea, danza de improvisación individual, bailes de guerra o de combate y bailes rituales o espirituales. Los bailes en línea o de cadena a menudo se nombran por la región o los grupos étnicos con los que están asociados. Las danzas de improvisación utilizan movimientos delicados y elegantes de las manos y los brazos, como los círculos de la muñeca. Las danzas de guerra o combate imitan el combate o ayudan a entrenar al guerrero. Los bailes rituales o espirituales, a menudo consisten en un ritual de curación que involucra trance, música y movimiento que se realiza para librar a una persona poseída por un espíritu y parece ser un estado similar al de un exorcismo.

El Ballet Afsaneh es una organización cultural sin fines de lucro dedicada al arte, la danza, la música y la poesía del patrimonio cultural persa de Irán, Armenia, Turkmenistán, Afganistán, Mongolia, China y Uzbekistán. Fue fundado en 1986 por Sharlyn Sawyer en el Área de la Bahía de San Francisco. El cuerpo de baile ha estado compuesto principalmente por mujeres.  La directora de la compañía, Sharlyn Sawyer, bailarina de danza del vientre, fue una pionera de la coreografía de Asia Central a finales de la década de 1980. La palabra Afsaneh es una palabra persa que significa "mito" o "fábula". El dinámico grupo presenta actuaciones y actividades con danza, poesía y música de la Ruta de la Seda, la ruta comercial histórica que se extendía miles de kilómetros a través de Asia Central desde el Mar de China hasta el Mediterráneo.