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Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue un director de orquesta y compositor brasileño, cuya música estuvo influida tanto por la música folclórica brasileña como por la música clásica europea. Recibió cierta instrucción musical de su padre y antes de 1899, año de la muerte de su padre, Villa-Lobos había empezado a dedicarse a la música como profesional. Actuó como músico de café tocando el violonchelo, si bien fue también intérprete ocasional de guitarra, clarinete y piano. Villa-Lobos tuvo también una segunda carrera como pedagogo de la música de su país diseñando un sistema completo de instrucción musical basado en la rica cultura musical de Brasil; compuso música coral para enormes coros escolares de niños, a menudo sobre adaptaciones de material folclórico. Villa-Lobos fue un compositor notoriamente prolífico cuya música está muy difundida en el mundo por las grabaciones existentes, y los conciertos que se realizan. Su legado consta de obras para guitarra, obras para piano,  17 cuartetos de cuerda, 9 Bachianas brasileiras y 15 Choros para distintas formaciones musicales, 12 sinfonías, 18 obras concertantes, 4 óperas, 2 bandas sonoras de películas y numerosos trabajos de distinta índole que incluyen varias partituras de ballet.

Las Bachianas Brasileiras son un conjunto de nueve obras escritas para distintas formaciones con recuerdo formal a Bach. La nº 5 que hoy presentamos, escrita para voz y ocho violonchelos, es la más conocida, aunque es de señalar que no es infrecuente que sea interpretada en muchas otras combinaciones instrumentales. Hoy la interpreta  Amel Brahim,  soprano argelina de origen bereber.

Blas Galindo (1910-1993) fue un compositor, director de orquesta y profesor de música mexicano. Comenzó sus estudios musicales en su pueblo natal San Gabriel, Jalisco,  antes de trasladarse a Ciudad de México, para ingresar a los 21 años en el Conservatorio Nacional de Música, donde estudió con Carlos Chávez, y se graduó doce años después con el grado más alto. Su obra, influida por la música académica europea, indígena y mestiza, incluye música para la escena, sinfónica, coral y de cámara. Asimismo, compuso numerosas obras para piano, muchas de ellas buenos ejemplos del repertorio atonal modernista latinoamericano.

Son es el nombre común de varios géneros musicales de origen afro-caribeño-mestizo que se cultivan en varios países de la cuenca del mar Caribe, del Golfo de México y de Guatemala. El son de la negra es un son tradicional del sur de Jalisco, México, famoso por sus distintas versiones, en particular la de mariachi. Fue popularizado en el mundo después de que Blas Galindo, en 1940, lo incluyera en su obra para orquesta Sones de mariachi. La pieza ha llegado a convertirse en representativa del folclore mexicano o relativa a México a nivel internacional. De hecho, es tradicional que la entrada de un mariachi a una casa, fiesta o evento, se haga caminando e interpretando dicho son. La versión que hoy ofrecemos corre a cargo del célebre guitarrista mexicano Cecilio Perera.

Claudio Monteverdi de (1567-1643), fue un compositor, violagambista, cantante, director de coro y sacerdote italiano. Compuso tanto música secular como sacra y marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es una figura crucial en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Nacido en Cremona, donde realizó sus primeros estudios musicales y composiciones, a los 16 años publicó sus primeras obras. Desarrolló su carrera primero en la corte de Mantua y luego, hasta su muerte, en la República de Venecia. Gran parte de la producción musical, incluidas muchas obras escénicas, se ha perdido. Su música sobreviviente incluye nueve colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista; obras religiosas a gran escala, como su Vísperas de la beata Virgen de 1610, y tres óperas completas. En 1607 estrenó La fábula de Orfeo, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia, tal y como se entiende hoy día. Su siguiente ópera L'Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso Lamento, consolidó su fama. En 1613, fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso más óperas. En su música religiosa utilizó gran variedad de estilos, que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus Vísperas de la beata Virgen, también de 1610. En 1637, compuso una nueva serie de óperas, de las cuales solo se conservan El regreso de Ulises a la patria  (1641) y La coronación de Popea  (1642). Si bien trabajó extensamente en la tradición de la polifonía renacentista anterior, como lo demuestran sus madrigales, emprendió grandes desarrollos en forma y melodía y comenzó a emplear la técnica de bajo continuo, distintiva del Barroco. Combinó las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utilizó libremente armonías y disonancias.

Beatus vir ("Bienaventurado el hombre ...") son las primeras palabras del Salmo 112. La composición es un magnífico ejemplo del estilo dramático de Monteverdi. Contrasta pares o pequeños grupos de voces con el peso del conjunto completo; técnica conocida como estilo concertato, uno de los rasgos más característicos de la música barroca. La pieza está compuesta para coro a seis partes y solistas, con órgano, bajo continuo y dos partes de violín obbligato. Hoy lo ofrecemos en interpretación del grupo francés, especialista en música renacentista y barroca, Capriccio Stravagante.

Igor Stravinsky  (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida compuso una gran cantidad de obras abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo. Eventualmente, el futuro musical de Stravinski fue encaminado por Serguéi Diáguilev, director de los Ballets Rusos en París, quien contrató a Stravinski para escribir un ballet para su compañía, que sería El pájaro de fuego; Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París a su estreno por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov de quien fue alumno, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró: el estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto). Para muchos, estos ballets atrevidos e innovadores prácticamente reinventaron el género. Posteriormente viaja a USA en 1939, donde se nacionalizó en 1945 y donde continuó viviendo hasta su muerte en 1971. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz; pero no sólo alcanzó fama como compositor, sino que ésta le siguió además como pianista y director, frecuentemente, de sus propias composiciones. Fue esencialmente un ruso cosmopolita, uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal; así mismo fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

Pulcinella es uno de los Ballets de Stravinsky surgido de la colaboración con Diaghilev; ballet en un acto, que se estrenó en París con trajes y decorados de Picasso. El argumento trata de los lances amorosos de tres parejas mixtas, aunque hoy lo ofrecemos en su versión de concierto bajo la batuta del maestro italiano Marco Pace.

Thelonious Monk  (1917- 1982) fue un pianista autodidacta y compositor de jazz estadounidense fundador del Bebop (jazz fundamentado en grupos pequeños como tríos y cuartetos con música basada en ritmos y armonías sorpresivas). Formó distintos conjuntos jazzísticos con los que interpretaba sus composiciones e improvisaciones tanto en directo como en grabaciones.

En Tol Sarmiento, también conocido como ETS es un grupo vasco de ska formado en 2005 en Lekora/Yécora (Álava). A lo largo de su andadura, han realizado más de 300 conciertos por todo el País Vasco. Se caracterizan por ritmos y letras, tanto en euskera como en castellano, alegres y potentes que abordan diferentes temáticas. Si bien el grupo comenzó alternando letras hedonistas con crítica social, sus letras han ido evolucionando hacia una temática existencialista, aunque sin perder el compromiso social (tratan temas controvertidos como la fracturación hidráulica, el derecho de autodeterminación, la violencia de género o el acoso escolar) y los ritmos alegres que han caracterizado siempre al quinteto alavés.

Paquita es un ballet en dos actos y tres escenas con coreografía de Joseph Mazilier y música de Édouard Deldevez  y Ludwig Minkus. En 1881, Marius Petipa una versión a la que añadió nuevas piezas compuestas por Minkus. Hoy en día estas aportaciones, particularmente el Grand pas classique, son piedras angulares del repertorio del ballet clásico tradicional y han sido representadas por compañías de ballet de todo el mundo.

La historia transcurre en la España ocupada por el ejército napoleónico. La heroína es una joven gitana, Paquita, que salva la vida de un joven oficial francés, Lucien d'Hervilly, quien es perseguido por un gobernador español. Gracias a un medallón, Paquita descubre que ella en realidad es de origen noble, habiendo sido secuestrada en su niñez, siendo de hecho prima de Lucien. Por tanto, ella y d'Hervilly pueden casarse. Hoy ofrecemos el ballet entero en versión del Cuerpo de Baile del  Ballet de la Ópera de París con Agnès Letestu y José Martínez como solistas.

La bailaora y coreógrafa de flamenco Sara Baras (1972) nace en Cádiz comenzando su formación artística en la escuela que regentaba su madre, Concha Baras, en San Fernando, Cádiz. Forma parte de distintas compañías hasta que en 1988 forma su propia compañía, Ballet Flamenco Sara Baras con la que estrena distintos espectáculos que son premiados con valiosos galardones. En adelante compagina actuaciones con su propia compañía con actuaciones como artista invitada en otras compañías. Entre los numerosos y preciados premios recibidos, destacaremos el Premio Nacional de Danza 2003, la Medalla de Oro de Andalucía 2004 y el Olivier Award británico 2020.