Sugerencias de iniciación a la música clásica

Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue un director de orquesta y compositor brasileño, cuya música estuvo influida tanto por la música folclórica brasileña como por la música clásica europea. Recibió cierta instrucción musical de su padre y antes de 1899, año de la muerte de su padre, Villa-Lobos había empezado a dedicarse a la música como profesional. Actuó como músico de café tocando el violonchelo, si bien fue también intérprete ocasional de guitarra, clarinete y piano. Villa-Lobos tuvo también una segunda carrera como pedagogo de la música de su país diseñando un sistema completo de instrucción musical basado en la rica cultura musical de Brasil; compuso música coral para enormes coros escolares de niños, a menudo sobre adaptaciones de material folclórico. Villa-Lobos fue un compositor notoriamente prolífico cuya música está muy difundida en el mundo por las grabaciones existentes, y los conciertos que se realizan. Su legado consta de obras para guitarra, obras para piano,  17 cuartetos de cuerda, 9 Bachianas brasileiras y 15 Choros para distintas formaciones musicales, 12 sinfonías, 18 obras concertantes, 4 óperas, 2 bandas sonoras de películas y numerosos trabajos de distinta índole que incluyen varias partituras de ballet.

Las Bachianas Brasileiras son un conjunto de nueve obras escritas para distintas formaciones con recuerdo formal a Bach. La nº 5 que hoy presentamos, escrita para voz y ocho violonchelos, es la más conocida, aunque es de señalar que no es infrecuente que sea interpretada en muchas otras combinaciones instrumentales. Hoy la interpreta  Amel Brahim,  soprano argelina de origen bereber.


Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida,  fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores posteriores; pues incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.

Las danzas húngaras de Brahms son un conjunto de veintiún  alegres danzas, basadas su mayoría en temas húngaros, compuestas en 1869, aunque las danzas 11, 14 y 16 son originales; su duración oscila entre uno y cuatro minutos. Brahms originalmente las escribió para piano a cuatro manos, y luego arregló diez de ellas para piano solo, y algunas otras (números 1, 3 y 10) para orquesta. Varios compositores, han orquestado el resto; en especial, Antonín Dvořák,  quien, por otra parte, se inspiró en las mismas para componer su serie de Danzas eslavas.

Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida,  fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores posteriores; pues incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.

Las danzas húngaras de Brahms son un conjunto de veintiún  alegres danzas, basadas su mayoría en temas húngaros, compuestas en 1869, aunque las danzas 11, 14 y 16 son originales; su duración oscila entre uno y cuatro minutos. Brahms originalmente las escribió para piano a cuatro manos, y luego arregló diez de ellas para piano solo, y algunas otras (números 1, 3 y 10) para orquesta. Varios compositores, han orquestado el resto; en especial, Antonín Dvořák,  quien, por otra parte, se inspiró en las mismas para componer su serie de Danzas eslavas.


Blas Galindo (1910-1993) fue un compositor, director de orquesta y profesor de música mexicano. Comenzó sus estudios musicales en su pueblo natal San Gabriel, Jalisco,  antes de trasladarse a Ciudad de México, para ingresar a los 21 años en el Conservatorio Nacional de Música, donde estudió con Carlos Chávez, y se graduó doce años después con el grado más alto. Su obra, influida por la música académica europea, indígena y mestiza, incluye música para la escena, sinfónica, coral y de cámara. Asimismo, compuso numerosas obras para piano, muchas de ellas buenos ejemplos del repertorio atonal modernista latinoamericano.

Son es el nombre común de varios géneros musicales de origen afro-caribeño-mestizo que se cultivan en varios países de la cuenca del mar Caribe, del Golfo de México y de Guatemala. El son de la negra es un son tradicional del sur de Jalisco, México, famoso por sus distintas versiones, en particular la de mariachi. Fue popularizado en el mundo después de que Blas Galindo, en 1940, lo incluyera en su obra para orquesta Sones de mariachi. La pieza ha llegado a convertirse en representativa del folclore mexicano o relativa a México a nivel internacional. De hecho, es tradicional que la entrada de un mariachi a una casa, fiesta o evento, se haga caminando e interpretando dicho son. La versión que hoy ofrecemos corre a cargo del célebre guitarrista mexicano Cecilio Perera.


Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold Mozart,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivando todo tipo de géneros musicales;. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.  

El Piano Trio in C Major K.548, escrito para violín, violonchelo y piano, consta de tres movimientos: I Allegro. II Andante cantábile. III Allegro. Hoy ofrecemos el tercer movimiento en versión del Trio Areti.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold Mozart,  también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivando todo tipo de géneros musicales;. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas.  Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.  

El Piano Trio in C Major K.548, escrito para violín, violonchelo y piano, consta de tres movimientos: I Allegro. II Andante cantábile. III Allegro. Hoy ofrecemos el tercer movimiento en versión del Trio Areti.


Sugerencias de música clásica

Claudio Monteverdi de (1567-1643), fue un compositor, violagambista, cantante, director de coro y sacerdote italiano. Compuso tanto música secular como sacra y marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es una figura crucial en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Nacido en Cremona, donde realizó sus primeros estudios musicales y composiciones, a los 16 años publicó sus primeras obras. Desarrolló su carrera primero en la corte de Mantua y luego, hasta su muerte, en la República de Venecia. Gran parte de la producción musical, incluidas muchas obras escénicas, se ha perdido. Su música sobreviviente incluye nueve colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista; obras religiosas a gran escala, como su Vísperas de la beata Virgen de 1610, y tres óperas completas. En 1607 estrenó La fábula de Orfeo, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia, tal y como se entiende hoy día. Su siguiente ópera L'Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso Lamento, consolidó su fama. En 1613, fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso más óperas. En su música religiosa utilizó gran variedad de estilos, que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus Vísperas de la beata Virgen, también de 1610. En 1637, compuso una nueva serie de óperas, de las cuales solo se conservan El regreso de Ulises a la patria  (1641) y La coronación de Popea  (1642). Si bien trabajó extensamente en la tradición de la polifonía renacentista anterior, como lo demuestran sus madrigales, emprendió grandes desarrollos en forma y melodía y comenzó a emplear la técnica de bajo continuo, distintiva del Barroco. Combinó las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utilizó libremente armonías y disonancias.

 

Beatus vir ("Bienaventurado el hombre ...") son las primeras palabras del Salmo 112. La composición es un magnífico ejemplo del estilo dramático de Monteverdi. Contrasta pares o pequeños grupos de voces con el peso del conjunto completo; técnica conocida como estilo concertato, uno de los rasgos más característicos de la música barroca. La pieza está compuesta para coro a seis partes y solistas, con órgano, bajo continuo y dos partes de violín obbligato. Hoy lo ofrecemos en interpretación del grupo francés, especialista en música renacentista y barroca, Capriccio Stravagante.


Paul Dukas (1865-1935) fue un compositor francés. Empezó a tocar el piano a los 5 años pero no sintió verdaderamente su vocación hasta los 14. En 1881, ingresó en el Conservatorio de París en la clase de armonía de Théodore Dubois. En 1884 escuchó por primera vez en la orquesta su Ouverture pour Götz von Berlichingen. Al año siguiente fue admitido como alumno de composición de Ernest Guiraud y en 1886 obtuvo el primer premio de contrapunto y fuga. En 1888 consiguió el segundo Premio de Roma por su Cantata Velléda, pero al año siguiente le negaron el primer Gran Premio; entonces abandonó el Conservatorio y se dedicó seriamente a su trabajo y a estudiar en la soledad profundizando en el conocimiento de la obra de César Franck, de quien puede ser considerado discípulo espiritual; el estilo que fue adquiriendo está, en efecto, integrado por influencias de Franck y de Wagner de un lado y, de otro, por elementos del impresionismo sinfónico de Claude Debussy. Fue un orquestador hábil, e imaginativo como lo podemos apreciar en la obra que hoy presentamos.

El Aprendiz de Brujo, hoy conducido por la maestra finlandesa Dalia Stasevska, es un poema sinfónico compuesto en 1897 por Paul Dukas basado en la balada homónima (Der Zauberlehrling en alemán) de Johann Wolfgang von Goethe. Se trata de una obra orquestal que pertenece al estilo de música programática y representa la historia de un aprendiz que hechiza una escoba para que le ayude a cargar agua. Su música está estructurada en forma sonata con una introducción, exposición y desarrollo, reexposición y coda. La popularidad de la pieza creció con el filme Fantasía (1940) de Walt Disney.

Paul Dukas (1865-1935) fue un compositor francés. Empezó a tocar el piano a los 5 años pero no sintió verdaderamente su vocación hasta los 14. En 1881, ingresó en el Conservatorio de París en la clase de armonía de Théodore Dubois. En 1884 escuchó por primera vez en la orquesta su Ouverture pour Götz von Berlichingen. Al año siguiente fue admitido como alumno de composición de Ernest Guiraud y en 1886 obtuvo el primer premio de contrapunto y fuga. En 1888 consiguió el segundo Premio de Roma por su Cantata Velléda, pero al año siguiente le negaron el primer Gran Premio; entonces abandonó el Conservatorio y se dedicó seriamente a su trabajo y a estudiar en la soledad profundizando en el conocimiento de la obra de César Franck, de quien puede ser considerado discípulo espiritual; el estilo que fue adquiriendo está, en efecto, integrado por influencias de Franck y de Wagner de un lado y, de otro, por elementos del impresionismo sinfónico de Claude Debussy. Fue un orquestador hábil, e imaginativo como lo podemos apreciar en la obra que hoy presentamos.

El Aprendiz de Brujo, hoy conducido por la maestra finlandesa Dalia Stasevska, es un poema sinfónico compuesto en 1897 por Paul Dukas basado en la balada homónima (Der Zauberlehrling en alemán) de Johann Wolfgang von Goethe. Se trata de una obra orquestal que pertenece al estilo de música programática y representa la historia de un aprendiz que hechiza una escoba para que le ayude a cargar agua. Su música está estructurada en forma sonata con una introducción, exposición y desarrollo, reexposición y coda. La popularidad de la pieza creció con el filme Fantasía (1940) de Walt Disney.


Igor Stravinsky  (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida compuso una gran cantidad de obras abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo. Eventualmente, el futuro musical de Stravinski fue encaminado por Serguéi Diáguilev, director de los Ballets Rusos en París, quien contrató a Stravinski para escribir un ballet para su compañía, que sería El pájaro de fuego; Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París a su estreno por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov de quien fue alumno, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró: el estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto). Para muchos, estos ballets atrevidos e innovadores prácticamente reinventaron el género. Posteriormente viaja a USA en 1939, donde se nacionalizó en 1945 y donde continuó viviendo hasta su muerte en 1971. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz; pero no sólo alcanzó fama como compositor, sino que ésta le siguió además como pianista y director, frecuentemente, de sus propias composiciones. Fue esencialmente un ruso cosmopolita, uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal; así mismo fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

Pulcinella es uno de los Ballets de Stravinsky surgido de la colaboración con Diaghilev; ballet en un acto, que se estrenó en París con trajes y decorados de Picasso. El argumento trata de los lances amorosos de tres parejas mixtas, aunque hoy lo ofrecemos en su versión de concierto bajo la batuta del maestro italiano Marco Pace.


Alban Berg (1885–1935) fue el tercero de cuatro herman@s nacido en Viena en una familia, de formación católica, en la que vivió muy confortablemente hasta la muerte de su padre, el 30 de marzo de 1900. Comenzó a componer lieder y dúos desde los quince años, con la educación musical tradicional y de modo autodidacta. Debido a la precariedad económica derivada de la muerte de su padre, inició una práctica como auxiliar en contabilidad mientras, simultáneamente, asistía a lecturas de Derecho y Musicología. En 1904, Charly, hermano de Berg, llevó la música de algunos lieder a Schönberg, quien gratamente sorprendido, se ofreció para darle clases, que comenzaron desde octubre de aquel año (gratuitas hasta 1906 debido a la precaria situación económica de Berg); en ellas conoció a Anton Weber. En 1906 adquirió una herencia que le permitió vivir más holgadamente y dedicarse intensamente a sus estudios. En todas sus primeras obras Berg reveló la influencia del romanticismo y postromanticismo alemán  y también del impresionismo francés. En 1910 terminó sus estudios con Schönberg; su obra de "graduación" fue la Sonata para piano catalogada como Op. 1. Cuando Schoenberg abandonó el uso de la tonalidad y comenzó a experimentar en lo que se llamaría atonalidad, Berg y su colega Webern se unieron en esta búsqueda de posibilidades sonoras y que, en el caso de Berg, se evidencian en sus Cuatro Lieder Op. 2 y en su Cuarteto de cuerdas Op. 3. Durante toda su vida, Berg tuvo una gran amistad y estima hacia su maestro Arnold Schoenberg, a quien lo consideraba como un padre. También su compañero de clases Anton Webern fue un gran amigo suyo. Perteneció a la Segunda Escuela de Viena e incursionó como ellos en la atonalidad y luego en el dodecafonismo, escribiendo obras vinculadas a la estética expresionista; pero su música tiene, además, una sonoridad que evoca la tonalidad, con reminiscencias del romanticismo y una inclinación marcadamente dramática. Sus tres obras más conocidas son el Concierto para violín y las óperas Wozzeck y Lulú.

Altenberg Lieder op. 4, que hoy presentamos, es el nombre por el que se conoce a las cinco canciones orquestales compuestas por Alban Berg entre 1911 y 1912. Son piezas que están basadas en poemas de Peter Altenberg; de ahí el título. La interpretación corre a cargo de la notable soprano estadounidense Renée Fleming (1959) acompañada por la Orquesta del Festival de Lucerna bajo la batuta del inolvidable maestro Claudio Abbado (1933-2014).

Alban Berg (1885–1935) fue el tercero de cuatro herman@s nacido en Viena en una familia, de formación católica, en la que vivió muy confortablemente hasta la muerte de su padre, el 30 de marzo de 1900. Comenzó a componer lieder y dúos desde los quince años, con la educación musical tradicional y de modo autodidacta. Debido a la precariedad económica derivada de la muerte de su padre, inició una práctica como auxiliar en contabilidad mientras, simultáneamente, asistía a lecturas de Derecho y Musicología. En 1904, Charly, hermano de Berg, llevó la música de algunos lieder a Schönberg, quien gratamente sorprendido, se ofreció para darle clases, que comenzaron desde octubre de aquel año (gratuitas hasta 1906 debido a la precaria situación económica de Berg); en ellas conoció a Anton Weber. En 1906 adquirió una herencia que le permitió vivir más holgadamente y dedicarse intensamente a sus estudios. En todas sus primeras obras Berg reveló la influencia del romanticismo y postromanticismo alemán  y también del impresionismo francés. En 1910 terminó sus estudios con Schönberg; su obra de "graduación" fue la Sonata para piano catalogada como Op. 1. Cuando Schoenberg abandonó el uso de la tonalidad y comenzó a experimentar en lo que se llamaría atonalidad, Berg y su colega Webern se unieron en esta búsqueda de posibilidades sonoras y que, en el caso de Berg, se evidencian en sus Cuatro Lieder Op. 2 y en su Cuarteto de cuerdas Op. 3. Durante toda su vida, Berg tuvo una gran amistad y estima hacia su maestro Arnold Schoenberg, a quien lo consideraba como un padre. También su compañero de clases Anton Webern fue un gran amigo suyo. Perteneció a la Segunda Escuela de Viena e incursionó como ellos en la atonalidad y luego en el dodecafonismo, escribiendo obras vinculadas a la estética expresionista; pero su música tiene, además, una sonoridad que evoca la tonalidad, con reminiscencias del romanticismo y una inclinación marcadamente dramática. Sus tres obras más conocidas son el Concierto para violín y las óperas Wozzeck y Lulú.

Altenberg Lieder op. 4, que hoy presentamos, es el nombre por el que se conoce a las cinco canciones orquestales compuestas por Alban Berg entre 1911 y 1912. Son piezas que están basadas en poemas de Peter Altenberg; de ahí el título. La interpretación corre a cargo de la notable soprano estadounidense Renée Fleming (1959) acompañada por la Orquesta del Festival de Lucerna bajo la batuta del inolvidable maestro Claudio Abbado (1933-2014).


Sugerencias de música para todos los gustos

Thelonious Monk  (1917- 1982) fue un pianista autodidacta y compositor de jazz estadounidense fundador del Bebop (jazz fundamentado en grupos pequeños como tríos y cuartetos con música basada en ritmos y armonías sorpresivas). Formó distintos conjuntos jazzísticos con los que interpretaba sus composiciones e improvisaciones tanto en directo como en grabaciones.


Kacey Musgraves (1988) De estilo pausado, dulce y tranquilo y apoyada frecuentemente en su guitarra es una atípica cantante de música country estadounidense que utiliza frecuentemente letras de temática social, como la lucha del colectivo LGTBI, además de distintas innovaciones musicales. A pesar de su juventud, ha obtenido numerosos premios Grammy en 2013, 2014, 2015 y 2019.

Kacey Musgraves (1988) De estilo pausado, dulce y tranquilo y apoyada frecuentemente en su guitarra es una atípica cantante de música country estadounidense que utiliza frecuentemente letras de temática social, como la lucha del colectivo LGTBI, además de distintas innovaciones musicales. A pesar de su juventud, ha obtenido numerosos premios Grammy en 2013, 2014, 2015 y 2019.


En Tol Sarmiento, también conocido como ETS es un grupo vasco de ska formado en 2005 en Lekora/Yécora (Álava). A lo largo de su andadura, han realizado más de 300 conciertos por todo el País Vasco. Se caracterizan por ritmos y letras, tanto en euskera como en castellano, alegres y potentes que abordan diferentes temáticas. Si bien el grupo comenzó alternando letras hedonistas con crítica social, sus letras han ido evolucionando hacia una temática existencialista, aunque sin perder el compromiso social (tratan temas controvertidos como la fracturación hidráulica, el derecho de autodeterminación, la violencia de género o el acoso escolar) y los ritmos alegres que han caracterizado siempre al quinteto alavés.


Nina Hagen (1955) es una cantante y actriz alemana, nacida en Berlín Este cuando la actual Alemania estaba dividida en dos estados, famosa por su mezcla de estilo punk y canto operístico. Su padre murió cuando ella era tan sólo una niña, y su madre contrajo matrimonio con el cantautor Wolf Biermann, quien fue acusado varias veces de contrarrevolucionario en la entonces República Democrática Alemana, por realizar críticas y burlas contra el régimen. Nina aprendió ballet a temprana edad y demostró sorprendente habilidad como cantante, siendo considerada una niña prodigio por sus interpretaciones de ópera. En la actualidad, Nina está considerada como una de las cantantes más innovadoras de la era del punk

Nina Hagen (1955) es una cantante y actriz alemana, nacida en Berlín Este cuando la actual Alemania estaba dividida en dos estados, famosa por su mezcla de estilo punk y canto operístico. Su padre murió cuando ella era tan sólo una niña, y su madre contrajo matrimonio con el cantautor Wolf Biermann, quien fue acusado varias veces de contrarrevolucionario en la entonces República Democrática Alemana, por realizar críticas y burlas contra el régimen. Nina aprendió ballet a temprana edad y demostró sorprendente habilidad como cantante, siendo considerada una niña prodigio por sus interpretaciones de ópera. En la actualidad, Nina está considerada como una de las cantantes más innovadoras de la era del punk


Sugerencias de videos peculiares

Paquita es un ballet en dos actos y tres escenas con coreografía de Joseph Mazilier y música de Édouard Deldevez  y Ludwig Minkus. En 1881, Marius Petipa una versión a la que añadió nuevas piezas compuestas por Minkus. Hoy en día estas aportaciones, particularmente el Grand pas classique, son piedras angulares del repertorio del ballet clásico tradicional y han sido representadas por compañías de ballet de todo el mundo.

La historia transcurre en la España ocupada por el ejército napoleónico. La heroína es una joven gitana, Paquita, que salva la vida de un joven oficial francés, Lucien d'Hervilly, quien es perseguido por un gobernador español. Gracias a un medallón, Paquita descubre que ella en realidad es de origen noble, habiendo sido secuestrada en su niñez, siendo de hecho prima de Lucien. Por tanto, ella y d'Hervilly pueden casarse. Hoy ofrecemos el ballet entero en versión del Cuerpo de Baile del  Ballet de la Ópera de París con Agnès Letestu y José Martínez como solistas.


Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor y pianista noruego, considerado como uno de los principales representantes del romanticismo musical. Creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubrió el talento del muchacho de quince años y convenció a sus padres de enviarlo al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrollase. Adaptó muchos temas y canciones del folclore de su país, contribuyendo así a crear una identidad nacional noruega, al igual que hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Antonín Dvořák en Bohemia. Sus obras más importantes son: el Concierto para piano en la menor, las intimistas Piezas líricas (para piano), la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas) y, especialmente, Peer Gynt, música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama del mismo nombre.

De Peer Gynt, hoy mostramos el número de la Danza de Anitra por medio de la que Peer Gynt es seducido por la bella bailarina hoy interpretada por la “artista de honor de Rusia” Elena Kulagina (1964).

Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor y pianista noruego, considerado como uno de los principales representantes del romanticismo musical. Creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubrió el talento del muchacho de quince años y convenció a sus padres de enviarlo al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrollase. Adaptó muchos temas y canciones del folclore de su país, contribuyendo así a crear una identidad nacional noruega, al igual que hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Antonín Dvořák en Bohemia. Sus obras más importantes son: el Concierto para piano en la menor, las intimistas Piezas líricas (para piano), la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas) y, especialmente, Peer Gynt, música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama del mismo nombre.

De Peer Gynt, hoy mostramos el número de la Danza de Anitra por medio de la que Peer Gynt es seducido por la bella bailarina hoy interpretada por la “artista de honor de Rusia” Elena Kulagina (1964).


La bailaora y coreógrafa de flamenco Sara Baras (1972) nace en Cádiz comenzando su formación artística en la escuela que regentaba su madre, Concha Baras, en San Fernando, Cádiz. Forma parte de distintas compañías hasta que en 1988 forma su propia compañía, Ballet Flamenco Sara Baras con la que estrena distintos espectáculos que son premiados con valiosos galardones. En adelante compagina actuaciones con su propia compañía con actuaciones como artista invitada en otras compañías. Entre los numerosos y preciados premios recibidos, destacaremos el Premio Nacional de Danza 2003, la Medalla de Oro de Andalucía 2004 y el Olivier Award británico 2020.


El charango es un instrumento de cuerda originario de los Andes. Posee cinco pares de cuerdas, aunque hay variaciones con menos o más cuerdas, pero casi siempre en cinco órdenes o juegos. El charango nace de la modificación de un instrumento de cuerda de origen europeo en la región de los Andes, durante la época virreinal. Generalmente se menciona la mandolina como el instrumento en que se basó la confección del charango, pero también se señala la vihuela como la base para su construcción. El charanguista boliviano Ariel Villazón propone que el charango se originó como resultado de una variante directa del timple de las Islas Canarias. Su hipótesis se basa en tres puntos clave: primero, la construcción y el tamaño son idénticos; segundo, las notas son las mismas en algunas de sus afinaciones; y por último, el propio término "charango" proviene de las charangas españolas, que son parecidas a las tunas o comparsas. Otra coincidencia adicional y clara se puede observar en la forma abombada de la caja de resonancia del instrumento. También sugiere que la evolución desde el timple al charango se dio cuando los materiales para encordar cambiaron de fibras animales a nailon y otros. Seguramente a algún constructor se le ocurrió, al sustituir las cuerdas de tripa de gato por las de nailon, duplicar la cantidad de cuerdas para mejorar su sonoridad. La creación del charango debe haber ocurrido durante los años 1700 y 1750, etapa tardía del virreinato español; es así como aparecen figuras o imágenes del charango en las portadas de varias iglesias coloniales.

El charango es un instrumento de cuerda originario de los Andes. Posee cinco pares de cuerdas, aunque hay variaciones con menos o más cuerdas, pero casi siempre en cinco órdenes o juegos. El charango nace de la modificación de un instrumento de cuerda de origen europeo en la región de los Andes, durante la época virreinal. Generalmente se menciona la mandolina como el instrumento en que se basó la confección del charango, pero también se señala la vihuela como la base para su construcción. El charanguista boliviano Ariel Villazón propone que el charango se originó como resultado de una variante directa del timple de las Islas Canarias. Su hipótesis se basa en tres puntos clave: primero, la construcción y el tamaño son idénticos; segundo, las notas son las mismas en algunas de sus afinaciones; y por último, el propio término "charango" proviene de las charangas españolas, que son parecidas a las tunas o comparsas. Otra coincidencia adicional y clara se puede observar en la forma abombada de la caja de resonancia del instrumento. También sugiere que la evolución desde el timple al charango se dio cuando los materiales para encordar cambiaron de fibras animales a nailon y otros. Seguramente a algún constructor se le ocurrió, al sustituir las cuerdas de tripa de gato por las de nailon, duplicar la cantidad de cuerdas para mejorar su sonoridad. La creación del charango debe haber ocurrido durante los años 1700 y 1750, etapa tardía del virreinato español; es así como aparecen figuras o imágenes del charango en las portadas de varias iglesias coloniales.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.