Sugerencias de iniciación a la música clásica

Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica también a la composición de oratorios y cantatas que junto con las óperas fueron la base principal de su producción musical, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. A los tres años viajó a Italia: primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera, cargo que ocuparía hasta su muerte en 1759.  En el presente vídeo ofrecemos un florilegio de arias de ópera de Haendel.


Camila Cabello (1997) Es una cantautora cubana que perteneció al grupo vocal femenino Fifth Harmony hasta que en Diciembre de 2016 se salió del mismo, actuando en adelante como solista y lanzando al mercado distintos álbums; se ha  caracterizado por su labor humanitaria en favor del igualitarismo femenino, de la protección a la infancia y otros problemas sociales. Su canción Havana, que hoy ofrecemos, encontró un pronto reconocimiento tanto en USA como en Canadá, Australia y Reino Unido.

El Duo Accellorandom está conformado por la acordeonista Neža Torkar y la chelista  Romana Šimbera. La acordeonista eslovena Neža Torkar (1990) realiza sus estudios de música y acordeón en Eslovenia y Alemania, habiendo ofrecido numerosos conciertos por media Europa como solista y como integrante de grupos de cámara. Ha obtenido importantes premios europeos como solista de acordeón. Romana Šimbera (1986) es una chelista estadounidense que ha publicado distintas grabaciones.

Camila Cabello (1997) Es una cantautora cubana que perteneció al grupo vocal femenino Fifth Harmony hasta que en Diciembre de 2016 se salió del mismo, actuando en adelante como solista y lanzando al mercado distintos álbums; se ha  caracterizado por su labor humanitaria en favor del igualitarismo femenino, de la protección a la infancia y otros problemas sociales. Su canción Havana, que hoy ofrecemos, encontró un pronto reconocimiento tanto en USA como en Canadá, Australia y Reino Unido.

El Duo Accellorandom está conformado por la acordeonista Neža Torkar y la chelista  Romana Šimbera. La acordeonista eslovena Neža Torkar (1990) realiza sus estudios de música y acordeón en Eslovenia y Alemania, habiendo ofrecido numerosos conciertos por media Europa como solista y como integrante de grupos de cámara. Ha obtenido importantes premios europeos como solista de acordeón. Romana Šimbera (1986) es una chelista estadounidense que ha publicado distintas grabaciones.


José Serrano (1873-1941) fue un compositor español, nacido en Sueca, Valencia, conocido por sus más de cincuenta zarzuelas y autor, entre otras, de las famosas zarzuela La canción del olvido, Los claveles y La dolorosa. Considerado el heredero musical de Federico Chueca sus obras tienden hacia un teatro popular, simple pero cargado de emoción dramática. La influencia de Giacomo Puccini y el verismo italiano es evidente en muchas de sus obras. Compuso el himno de la Exposición Regional Valenciana de 1909, que ha sido adoptado oficialmente como Himno de la Comunidad Valenciana.

Alfredo Kraus (1927-1999) fue un tenor y profesor de canto español. Es considerado uno de los mejores tenores líricos ligeros de la segunda mitad del siglo XX. Su personaje más conocido fue Werther, de la ópera homónima de Jules Massenet. De madre española y padre austriaco, Kraus inició sus estudios musicales con lecciones de piano a los cuatro años de edad, y cantando en el coro de la parroquia a los ocho. Debutó internacionalmente en el Teatro Real de El Cairo en 1956 con el papel del Duque de Mantua en la ópera Rigoletto de Verdi, y con el papel de Mario Cavaradossi en la ópera Tosca de Puccini. Dos años después, el 27 de marzo de 1958, en el Teatro Nacional de São Carlos de Lisboa se presenta junto a María Callas, en una legendaria producción de la ópera La Traviata. Siguieron debuts en Londres en 1959, Milán 1960, Chicago en 1962 y Nueva York en 1966. Kraus también fue un destacado intérprete de zarzuela, con grandes éxitos. Recibió el Premio Canarias de Bellas Artes e Interpretación en 1985, y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1991. En vida recibió numerosísimos premios y reconocimientos.  Incluso el ayuntamiento de Bilbao le puso su nombre a una plaza en el barrio de Rekalde En el Teatro Euskalduna le dedican cada año una gala musical. Hoy nos deleita con la popular Jota de la zarzuela de El Trust de los tenorios de José Serrano.


Franz von Suppé (1819 - 1895) nacido en Split, Croacia, fue un director de orquesta y prolífico compositor muy apreciado en su tiempo. De niño empezó a cantar en un coro donde recibió clases de flauta y armonía; tras su traslado a Viena, ingresó en el Conservatorio componiendo cerca de 30 operetas y 180 farsas, ballets, vodeviles y otras obras. Aunque la mayoría de las óperas de Suppé han caído en el olvido, las oberturas, especialmente Caballería ligera, Poeta y aldeano y Un día en Viena, que hoy ofrecemos,  han sobrevivido y algunas de ellas han sido usadas en bandas sonoras de películas, dibujos animados o anuncios, además de ser interpretado con frecuencia en los conciertos sinfónicos populares. Algunas de las óperas de Suppé son todavía interpretadas en Europa. Peter Branscombe escribió en el New Grove Dictionary of Music and Musicians que la obra O Du mein Österreich de Suppé es el segundo himno nacional de Austria. Después de su jubilación como director de orquesta, Suppé continuó escribiendo óperas, pero cambió su enfoque a la música sacra. También escribió un Réquiem, un oratorio de réquiem Extremum Judicium, tres misas, canciones, sinfonías y oberturas de concierto. Falleció el 21 de mayo de 1895 en Viena.

Un día en Viena es una de sus oberturas más conocidas; hoy la presentamos con Zubin Mehta al atril; director indio, titular de la Filarmónica de Israel y considerado como uno de los más emblemáticos directores de la actualidad.

Franz von Suppé (1819 - 1895) nacido en Split, Croacia, fue un director de orquesta y prolífico compositor muy apreciado en su tiempo. De niño empezó a cantar en un coro donde recibió clases de flauta y armonía; tras su traslado a Viena, ingresó en el Conservatorio componiendo cerca de 30 operetas y 180 farsas, ballets, vodeviles y otras obras. Aunque la mayoría de las óperas de Suppé han caído en el olvido, las oberturas, especialmente Caballería ligera, Poeta y aldeano y Un día en Viena, que hoy ofrecemos,  han sobrevivido y algunas de ellas han sido usadas en bandas sonoras de películas, dibujos animados o anuncios, además de ser interpretado con frecuencia en los conciertos sinfónicos populares. Algunas de las óperas de Suppé son todavía interpretadas en Europa. Peter Branscombe escribió en el New Grove Dictionary of Music and Musicians que la obra O Du mein Österreich de Suppé es el segundo himno nacional de Austria. Después de su jubilación como director de orquesta, Suppé continuó escribiendo óperas, pero cambió su enfoque a la música sacra. También escribió un Réquiem, un oratorio de réquiem Extremum Judicium, tres misas, canciones, sinfonías y oberturas de concierto. Falleció el 21 de mayo de 1895 en Viena.

Un día en Viena es una de sus oberturas más conocidas; hoy la presentamos con Zubin Mehta al atril; director indio, titular de la Filarmónica de Israel y considerado como uno de los más emblemáticos directores de la actualidad.


Sugerencias de música clásica

Luigi Boccherini (1743-1805), violonchelista y compositor italiano, de padre también violonchelista; de él recibió las primeras clases de instrumento.  Posteriormente bajo la tutela de Vannuci perfeccionó su técnica instrumental además de estudiar armonía, contrapunto y composición. Siguió con sus estudios en Roma y tras visitar y residir en distintas ciudades europeas, se instala definitivamente en Madrid donde escribe la mayor parte de su producción musical. Boccherini escribió gran cantidad de música de cámara (más de cien quintetos y otros noventa cuartetos de cuerda, además de tríos, sonatas y piezas en otros géneros) y su repertorio para orquesta incluye cerca de 30 sinfonías y conciertos. De no haber sido por Yves Gérard, la obra de Boccherini estaría hoy en día prácticamente desaparecida. Gracias a esto, hoy sabemos que Luigi Boccherini dio un impulso importante a la música de cámara. Por otra parte, habiendo sido el máximo virtuoso del violonchelo de su época, las partes que escribió para ese instrumento presentan un desarrollo y una dificultad sin precedentes en la historia de la música. Al mantenerse apartado de los más importantes centros musicales europeos, su obra siguió en parte el estilo marcado por Joseph Haydn, estilo cortesano y galante.

De los 12 quintetos que escribió (2 series de 6), se cree que sólo se publicaron 9 y de ellos, uno se perdió. Hoy presentamos el Quinteto Nº 4. Re Mayor, G448 “Fandango” estructurado en tres movimientos: I. Pastorale, II. Allegro maestoso, III. Grave assai – Fandango en interpretación de la guitarrista Maria Efstathiou y miembros de la Orquesta Sinfónica de Lucerna.


Camille Saint–Saëns (1835-1921) fue un pianista, organista, compositor y militar francés, comprometido con la renovación musical francesa, así como con la enseñanza; por sus aulas pasaron alumnos tales como Fauré  y Messager. Fue un niño precoz que  a los dos años comenzó a balbucear con el piano y a los siete, hizo sus primeros pinitos en la composición. A los 11 años hizo su primera aparición pública con obras de Haendel, Mozart y Beethoven; la impresión causada se vio reflejada en los periódicos de toda Europa. Su madre se opuso a la carrera concertista de niño prodigio debido a su delicada salud enfrascándole en los estudios correspondientes a su edad que los realizó con gran notoriedad. A los trece años se matriculó en órgano y composición en el Conservatorio de París y a los dieciocho, compuso su primera sinfonía. Trabajó como organista remunerado, del que Liszt  comentó que era el mejor organista del mundo. Fue, además,  un teórico multifacético: músico, escritor, matemático, filósofo, arqueólogo, geólogo, botánico … Igualmente de multifacético fue con sus numerosas obras musicales, más de 400, con las que abordó todo tipo de géneros entre los que hay que resaltar la novedad que en aquel momento supuso la música de cine.

La Sinfonía nº 3 con órgano fue dedicada a la memoria de Liszt  y dirigida en su estreno en Londres por el mismo autor. La obra está dividida en dos partes que a su vez están divididas en otras dos. En la última de ellas aparece el órgano en su plenitud reforzando la orquesta.

Camille Saint–Saëns (1835-1921) fue un pianista, organista, compositor y militar francés, comprometido con la renovación musical francesa, así como con la enseñanza; por sus aulas pasaron alumnos tales como Fauré  y Messager. Fue un niño precoz que  a los dos años comenzó a balbucear con el piano y a los siete, hizo sus primeros pinitos en la composición. A los 11 años hizo su primera aparición pública con obras de Haendel, Mozart y Beethoven; la impresión causada se vio reflejada en los periódicos de toda Europa. Su madre se opuso a la carrera concertista de niño prodigio debido a su delicada salud enfrascándole en los estudios correspondientes a su edad que los realizó con gran notoriedad. A los trece años se matriculó en órgano y composición en el Conservatorio de París y a los dieciocho, compuso su primera sinfonía. Trabajó como organista remunerado, del que Liszt  comentó que era el mejor organista del mundo. Fue, además,  un teórico multifacético: músico, escritor, matemático, filósofo, arqueólogo, geólogo, botánico … Igualmente de multifacético fue con sus numerosas obras musicales, más de 400, con las que abordó todo tipo de géneros entre los que hay que resaltar la novedad que en aquel momento supuso la música de cine.

La Sinfonía nº 3 con órgano fue dedicada a la memoria de Liszt  y dirigida en su estreno en Londres por el mismo autor. La obra está dividida en dos partes que a su vez están divididas en otras dos. En la última de ellas aparece el órgano en su plenitud reforzando la orquesta.


Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida,  fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt  y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores posteriores, pues incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.

El Concierto para piano y orquesta n.º 1 lo  compuso Brahms en 1858 y estrenó el 22 de enero de 1859, en el Teatro Real de Hanóver con el propio compositor como solista y con Joseph Joachim a la batuta. Esta obra simboliza el esfuerzo de Brahms por combinar los efectos pianísticos con la orquesta, a diferencia de sus predecesores, que limitaban el papel de esta última a un mero acompañamiento del solista. En este concierto también se demuestra el interés de Brahms por escribir música particularmente interesante para la trompa y los timbales, cuyas partes son notablemente difíciles. El concierto está estructurado en tres movimientos: I Maestoso. II Adagio. III Rondó: Allegro non troppo. Hoy interpretado por el pianista finlandés Paavali Jumppanen junto con la maestra también finlandesa Susanna Mälkki.


Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana (hoy lo ofrecemos) del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina  y el Triunfo de Afrodita; su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición que por el estudio orientado a la interpretación instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó en 1905 un cuento en una revista para niños y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras, en su tiempo libre, disfrutaba coleccionando insectos. En 1912, a la edad de 16 años, comenzó a publicar parte de su música. Muchos de sus trabajos de juventud están inspirados en la poesía alemana. Por eso, se pueden clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época; pero que ya muestran indicios de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por Igor Stravinsky; pero mientras otros seguían el estilo neoclásico «fresco y balanceado» de algunos trabajos de Stravinsky, a Orff le interesaron más otras obras como Las Bodas, una evocación cuasi-folclórica de los antiguos ritos de boda. Carl Orff murió a la edad de 86 años en Múnich el 29 de marzo de 1982.

Carmina Burana es una cantata escénica compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936, utilizando como texto una selección de los poemas goliárdicos medievales encontrados en los Carmina Burana; de esta colección, Orff escogió veinticinco canciones y las ordenó de modo que pudieran ser representadas en un escenario. Se estrenó el 8 de junio de 1937 en la Alte Oper de Fráncfort del Meno dirigida por Oskar Wälterlin. Orff subtituló la composición: Cantiones profanæ cantoribus et choris cantandæ comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis («Canciones laicas para cantantes y coralistas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas»). La conducción de hoy corre a cargo de Seiji Ozawa (1935), director de orquesta japonés particularmente conocido por sus versiones de obras postrománticas para gran orquesta. Poseedor de un estilo de dirección muy heterodoxo, Ozawa se ha destacado como un director hábil, de gran ingenio y con un profundo conocimiento de las estructuras de las obras a ejecutar, gracias a su minuciosidad, clarificación y desmenuzamiento en el análisis de cualquier partitura.

Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana (hoy lo ofrecemos) del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina  y el Triunfo de Afrodita; su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición que por el estudio orientado a la interpretación instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó en 1905 un cuento en una revista para niños y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras, en su tiempo libre, disfrutaba coleccionando insectos. En 1912, a la edad de 16 años, comenzó a publicar parte de su música. Muchos de sus trabajos de juventud están inspirados en la poesía alemana. Por eso, se pueden clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época; pero que ya muestran indicios de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por Igor Stravinsky; pero mientras otros seguían el estilo neoclásico «fresco y balanceado» de algunos trabajos de Stravinsky, a Orff le interesaron más otras obras como Las Bodas, una evocación cuasi-folclórica de los antiguos ritos de boda. Carl Orff murió a la edad de 86 años en Múnich el 29 de marzo de 1982.

Carmina Burana es una cantata escénica compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936, utilizando como texto una selección de los poemas goliárdicos medievales encontrados en los Carmina Burana; de esta colección, Orff escogió veinticinco canciones y las ordenó de modo que pudieran ser representadas en un escenario. Se estrenó el 8 de junio de 1937 en la Alte Oper de Fráncfort del Meno dirigida por Oskar Wälterlin. Orff subtituló la composición: Cantiones profanæ cantoribus et choris cantandæ comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis («Canciones laicas para cantantes y coralistas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas»). La conducción de hoy corre a cargo de Seiji Ozawa (1935), director de orquesta japonés particularmente conocido por sus versiones de obras postrománticas para gran orquesta. Poseedor de un estilo de dirección muy heterodoxo, Ozawa se ha destacado como un director hábil, de gran ingenio y con un profundo conocimiento de las estructuras de las obras a ejecutar, gracias a su minuciosidad, clarificación y desmenuzamiento en el análisis de cualquier partitura.


Sugerencias de música para todos los gustos

El Bebop fue una reacción al swing de la época anterior, que estaba anquilosado en grupos grandes, ritmos tranquilos y armonías previsibles; mientras el bebop  se fundamentó en grupos pequeños como tríos y cuartetos con música basada en ritmos vivos y armonías sorpresivas. El Cool es un género musical del jazz que se desarrolla durante la década de 1950; cronológicamente, sigue al bebop y es contemporáneo del hard bop. El bebop empezó a estancarse a comienzos de los años cincuenta. Una de sus estrellas, Miles Davis, empezó a intentar crear sonidos nuevos en un estilo más relajado y orquestal, alejándose del sonido bebop. La música se alejaba de la improvisación total y de los furiosos ritmos del bebop, a la vez que desnudaba al jazz de sus raíces en el blues empujándole hacia un sonido que tenía mucho más en común con la música clásica europea. El cool jazz fue una influencia determinante en la eclosión del estilo bossa nova en Brasil.

The Modern Jazz Quartet fue un grupo musical estadounidense de jazz, representante del estilo cool, que desarrolló su carrera entre 1952 y 1993. Aunque hizo diversas incursiones en la música clásica, pronto el repertorio del grupo se centró en el cool.


La Copla, copla andaluza, canción española o canción folklórica es un género artístico de la música de España que conjuga música, letra e interpretación. Apareció en España a principios del siglo XX y se mantuvo vigente incluso durante la Guerra Civil española y la posguerra. A partir de 1950 tuvo una fuerte presencia en el cine musical español y el teatro español. A partir de la década de los años 70 comenzó un ligero declive con la popularización en España de otros estilos musicales. Sin embargo, su fuerte arraigo en la identidad cultural del país y el compromiso de muchos artistas han permitido que la copla siga vigente en el siglo XXI. Entre las canciones más representativas de este estilo se encuentran algunas como María de la O, ¡Ay pena, penita, penaǃ, Ojos verdes o Carmen de España

Lola Flores fue una cantante de copla, aunque también interpretó rumbas y rancheras, con cientos de grabaciones y canciones que han quedado en el recuerdo popular. Como bailaora enardeció a varias generaciones de distintos continentes. Como actriz interpretó más de 35 películas, muchas de ellas ambientadas en el folclorismo andaluz. Fue una artista que se convirtió en un símbolo y un tópico de una época de España.

La Copla, copla andaluza, canción española o canción folklórica es un género artístico de la música de España que conjuga música, letra e interpretación. Apareció en España a principios del siglo XX y se mantuvo vigente incluso durante la Guerra Civil española y la posguerra. A partir de 1950 tuvo una fuerte presencia en el cine musical español y el teatro español. A partir de la década de los años 70 comenzó un ligero declive con la popularización en España de otros estilos musicales. Sin embargo, su fuerte arraigo en la identidad cultural del país y el compromiso de muchos artistas han permitido que la copla siga vigente en el siglo XXI. Entre las canciones más representativas de este estilo se encuentran algunas como María de la O, ¡Ay pena, penita, penaǃ, Ojos verdes o Carmen de España

Lola Flores fue una cantante de copla, aunque también interpretó rumbas y rancheras, con cientos de grabaciones y canciones que han quedado en el recuerdo popular. Como bailaora enardeció a varias generaciones de distintos continentes. Como actriz interpretó más de 35 películas, muchas de ellas ambientadas en el folclorismo andaluz. Fue una artista que se convirtió en un símbolo y un tópico de una época de España.


Childish Gambino (1983), nombre artístico del multifacético Donald Glover, actor, productor y cantante rapero estadounidense. Ha grabado distintos álbums con temas personales como la familia,  las relaciones sociales problemáticas o el alcoholismo; en 2016 obtiene su primer premio Grammy. Después de lanzar varios álbumes y mixtapes, Glover firmó con Glassnote Records en 2011 como Childish Gambino. Lanzó su primer álbum de estudio, Camp, el 15 de noviembre de 2011. El 5 de mayo de 2018 lanzó su canción This is America  con la que obtiene cuatro premios Grammy.


Karol G es una cantautora colombiana. Se lanzó internacionalmente con la canción 301 junto con el cantante Reykon en 2012, canción posicionada en el top de varias estaciones de radios y canales de televisión; lo que le permitió realizar conciertos en países como Aruba, Colombia, Ecuador y USA. Obtuvo mayor reconocimiento en 2013, cuando lanzó la canción Amor de dos junto con Nicky Jam. A inicios de 2017, lanzó el sencillo Ahora me llama junto con Bad Bunny, que rápidamente se convirtió en un hit. Meses más tarde lanzó su álbum debut Unstoppable. El álbum obtuvo el puesto dos en la lista Top Latin Albums de Billboard. En abril de 2020, lanzó el sencillo de Follow con Anuel AA, grabando su totalidad mientras estaba en cuarentena en Miami debido a la pandemia de COVID-19.

Karol G es una cantautora colombiana. Se lanzó internacionalmente con la canción 301 junto con el cantante Reykon en 2012, canción posicionada en el top de varias estaciones de radios y canales de televisión; lo que le permitió realizar conciertos en países como Aruba, Colombia, Ecuador y USA. Obtuvo mayor reconocimiento en 2013, cuando lanzó la canción Amor de dos junto con Nicky Jam. A inicios de 2017, lanzó el sencillo Ahora me llama junto con Bad Bunny, que rápidamente se convirtió en un hit. Meses más tarde lanzó su álbum debut Unstoppable. El álbum obtuvo el puesto dos en la lista Top Latin Albums de Billboard. En abril de 2020, lanzó el sencillo de Follow con Anuel AA, grabando su totalidad mientras estaba en cuarentena en Miami debido a la pandemia de COVID-19.


Sugerencias de videos peculiares

Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor francés nacido en París y autor de abundante música escénica. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle  y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas; en total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night  y el ballet Le Corsaire.

Giselle, una de las obras maestras del ballet blanc, es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam y coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli. La variación de Giselle del primer acto, que hoy ofrecemos, parece que no es original de Adam, sino que fue incorporada posteriormente y se cree que su autor fue Ludwig Minkus. La interpretación corre a cargo de Svetlana Zakharova (1979), bailarina ucraniana, que en la actualidad actúa como primera bailarina en los mejores teatros del mundo.


Aleksandr Glazunov (1865-1936), fue un compositor, director de orquesta e influyente maestro de música ruso. Alternó la recuperación de las raíces musicales rusas con su adscripción a las influencias estilísticas occidentales, que fueron haciéndose más fuertes en sus últimas obras. Era cercano al círculo de compositores rusos de recuperación nacionalista y folclórica conocido como el Grupo de los Cinco. Se le considera el último exponente de la escuela nacional rusa de composición, fundada por Mijaíl Glinka.

Raymonda es un ballet en tres actos, con música de Aleksandr Glazunov y coreografía de Marius Petipa, estrenado en el Teatro Mariinski de San Petersburgo, Rusia, el 19 de enero de 1898. La obra narra los avatares de un príncipe cruzado y un abominable sarraceno en su lucha por el amor de Raymonda. El Grand pas es un conjunto de danzas que sirve como obra maestra para l@s bailarines/as principales, para l@s bailarines/as demi-solistas y, en algunos casos, para el cuerpo de baile. Por lo general, consiste en una entrada (introducción), un gran adagio, a veces un baile para el cuerpo de ballet, variaciones (bailes solistas) opcionales para los demi-solistas, variaciones para la bailarina principal o el bailarín, o ambos, y una coda (a veces denominada coda générale o grand coda), con la que concluye la suite. Hoy lo ofrecemos en interpretación de Ekaterina Krysanova, V Svortok y el Bolshoi Ballet.

Aleksandr Glazunov (1865-1936), fue un compositor, director de orquesta e influyente maestro de música ruso. Alternó la recuperación de las raíces musicales rusas con su adscripción a las influencias estilísticas occidentales, que fueron haciéndose más fuertes en sus últimas obras. Era cercano al círculo de compositores rusos de recuperación nacionalista y folclórica conocido como el Grupo de los Cinco. Se le considera el último exponente de la escuela nacional rusa de composición, fundada por Mijaíl Glinka.

Raymonda es un ballet en tres actos, con música de Aleksandr Glazunov y coreografía de Marius Petipa, estrenado en el Teatro Mariinski de San Petersburgo, Rusia, el 19 de enero de 1898. La obra narra los avatares de un príncipe cruzado y un abominable sarraceno en su lucha por el amor de Raymonda. El Grand pas es un conjunto de danzas que sirve como obra maestra para l@s bailarines/as principales, para l@s bailarines/as demi-solistas y, en algunos casos, para el cuerpo de baile. Por lo general, consiste en una entrada (introducción), un gran adagio, a veces un baile para el cuerpo de ballet, variaciones (bailes solistas) opcionales para los demi-solistas, variaciones para la bailarina principal o el bailarín, o ambos, y una coda (a veces denominada coda générale o grand coda), con la que concluye la suite. Hoy lo ofrecemos en interpretación de Ekaterina Krysanova, V Svortok y el Bolshoi Ballet.


Korrontzi es un grupo musical formado por Agus Barandiaran en 2004 con el objetivo de dar a conocer la música tradicional vasca, aunque actualizada por las nuevas corrientes, además de mostrar algunos de sus instrumentos más característicos como son la trikitrixa, la txalaparta o la alboka por todo el mundo; por todo ello, ha recibido numerosos galardones.

Oinkari dantza taldea  es un grupo de baile popular vasco que ha montado diversos espectáculos, tales como Aspaldikotik, Amantalen Ahotsa, Ari du, Itsasoaren Emazteak o Sagartu. Hoy en colaboración con Korrontzi nos ofrecen esta canción/danza Aupa Maurizia!


Fred Astaire (1899-1987), fue un actor, cantante, coreógrafo, bailarín de teatro y cine, y presentador de televisión estadounidense. Fue nombrado la quinta «mejor estrella masculina de todos los tiempos» por el American Film Institute. Por otra parte Balanchine y Nureyev le consideraron el mejor bailarín de la historia. Su carrera teatral y su posterior carrera cinematográfica abarcó un total de setenta y seis años, en los que intervino en 31 películas musicales. Formó una de las mejores parejas de baile de la historia del cine con Ginger Rogers (1911-1995), actriz, bailarina y cantante estadounidense y ganadora de un Óscar. En sus 62 años de carrera, hizo un total de 73 películas pero sus papeles más recordados son los que hizo junto a Fred Astaire en una serie de diez películas musicales que revolucionaron el concepto del musical moderno.

Jerome Kern (1885-1945) fue un compositor estadounidense que escribió más de 700 canciones y más de 100 partituras completas para programas y películas en una carrera que duró desde 1902 hasta su muerte. Hoy asistiremos a una escena de la película Swing Time con música de  Jerome Kern y con la actuación de Ginger Rogers y Fred Astaire.

Fred Astaire (1899-1987), fue un actor, cantante, coreógrafo, bailarín de teatro y cine, y presentador de televisión estadounidense. Fue nombrado la quinta «mejor estrella masculina de todos los tiempos» por el American Film Institute. Por otra parte Balanchine y Nureyev le consideraron el mejor bailarín de la historia. Su carrera teatral y su posterior carrera cinematográfica abarcó un total de setenta y seis años, en los que intervino en 31 películas musicales. Formó una de las mejores parejas de baile de la historia del cine con Ginger Rogers (1911-1995), actriz, bailarina y cantante estadounidense y ganadora de un Óscar. En sus 62 años de carrera, hizo un total de 73 películas pero sus papeles más recordados son los que hizo junto a Fred Astaire en una serie de diez películas musicales que revolucionaron el concepto del musical moderno.

Jerome Kern (1885-1945) fue un compositor estadounidense que escribió más de 700 canciones y más de 100 partituras completas para programas y películas en una carrera que duró desde 1902 hasta su muerte. Hoy asistiremos a una escena de la película Swing Time con música de  Jerome Kern y con la actuación de Ginger Rogers y Fred Astaire.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.