El día 21 de Junio comienza el Verano

Sugerencias de iniciación a la música clásica

Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

Las Cuatro Estaciones es un conjunto de cuatro conciertos, uno por cada estación, para violín y orquesta de cuerdas; es la obra más apreciada de Vivaldi y una de las más populares de la Historia de la Música. En su día con la publicación de la obra adjuntó un folleto explicativo en el que describía detalladamente el desarrollo y significado de la música, al modo que siglos más tarde se denominaría como Música Programática o descriptiva. Hoy sugerimos el visionado del Concerto n.º 2 L'estate (El verano) estructurado en tres movimientos: I Allegro non molto. II Adagio e piano - Presto e forte. III Presto, con la solista Mari Samuelsen (1984), violinista noruega que empezó a recibir clases de violín a la edad de 3 años. Desde los 14 años de edad estudió en el Instituto de Música Barratt-Due con el profesor Stephan Barratt-Due. Posteriormente realiza cursos de segunda maestría en Zúrich con el profesor ruso Zajar Bron. Ha sido solista con orquestas noruegas y extranjeras y ha tocado en compañía de otros músicos famosos. Recibió el premio cultural Hedmark en 2003 junto con su hermano violonchelista, Haakon Samuelsen.


Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … 

Las Bagatelas, Op. 126, de Ludwig van Beethoven, están dedicadas a su hermano Nikolaus Johann (1776–1848), y fueron publicadas más tarde en su carrera, en 1825. Una bagatela, según el uso que hizo Beethoven, es una breve pieza de carácter (término no definido con precisión y aplicado a numerosas piezas de piano del siglo XIX basadas en una idea simple). Beethoven escribió a su editor Schott que su Opus 126 «son probablemente de lo mejor que he compuesto». El conjunto se compone de seis obras breves para piano, de la siguiente manera: 1 Andante con moto, Cantabile e compiacevole. 2 Allegro. 3 Andante, Cantabile e grazioso. 4 Presto. 5 Quasi allegretto. 6 Presto, Andante amabile e con moto. Hoy nos las ofrece la pianista rusa Anna Radchenko.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) Junto con Bach y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudió de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad. Compuso 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música; toda esta producción la podemos dividir para entenderla mejor en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septimino, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”,  la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis … 

Las Bagatelas, Op. 126, de Ludwig van Beethoven, están dedicadas a su hermano Nikolaus Johann (1776–1848), y fueron publicadas más tarde en su carrera, en 1825. Una bagatela, según el uso que hizo Beethoven, es una breve pieza de carácter (término no definido con precisión y aplicado a numerosas piezas de piano del siglo XIX basadas en una idea simple). Beethoven escribió a su editor Schott que su Opus 126 «son probablemente de lo mejor que he compuesto». El conjunto se compone de seis obras breves para piano, de la siguiente manera: 1 Andante con moto, Cantabile e compiacevole. 2 Allegro. 3 Andante, Cantabile e grazioso. 4 Presto. 5 Quasi allegretto. 6 Presto, Andante amabile e con moto. Hoy nos las ofrece la pianista rusa Anna Radchenko.


Eva Ugalde nace en San Sebastián en 1973. Realiza los estudios de piano, composición, dirección coral y pedagogía en el conservatorio superior de San Sebastián. Animada por el director y compositor Javier Busto, comienza a escribir para voces blancas, llegando sus obras a figurar como obligadas en diferentes ediciones del Certamen Internacional de Masas Corales de Tolosa. Ha ganado varios premios de composición coral y su música ha sido exportada a diferentes países (EEUU, Canadá, Japón, Suecia, Italia…). En 2012 p  articipó como jurado en el European Award for Choral Composers, enmarcado en la organización Europa Cantat. Más recientemente ha sido jurado en el Certamen de la Canción Marinera en San Vicente de la Barquera, en el Certamen Coral de La Antigua (donde forma parte del Comité técnico) y en el Gran Premio Nacional de Canto Coral, tanto en Ejea de los Caballeros como en Gijón. En Marzo de 2015 es directora invitada en Nyiregyhaza, Hungría, donde trabajará y dirigirá en concierto obras propias al coro femenino Cantemus del Intituto Kodaly, dirigido habitualmente por Dénes Szabó. Actualmente ejerce como profesora de Lenguaje Musical y Coro en el Conservatorio Francisco Escudero, en San Sebastián. (Extractado de la Web del Conservatorio Francisco Escudero)

El Coro Stella Nova nace del Colegio Femenino Nelson de Nueva Zelanda como una de las secciones extraescolares del mismo, que cuenta con 17 Profesoras de Música. Dirigido por Rebecca Monopoli nos ofrecen esta canción escrita para coro de voces femeninas.


James Last ( (1929-2015) fue un compositor alemán y leader de una big-band. En su carrera musical vendió numerosos discos en Alemania y Reino Unido, más tarde en USA,  además de componer diversas canciones, algunas de las cuales alcanzaron fama mundial. Aprendió a tocar el piano a la edad de 12 años; luego, en su adolescencia, pasó al contrabajo. Su ciudad natal fue bombardeada en la Segunda Guerra Mundial, y se difundió por radio el mensaje de la necesidad de puestos de comando de defensa para las incursiones bélicas. Así, a los 14 años, se inscribió en la Escuela Militar de Música Bückeburg, de la Wehrmacht, las fuerzas armadas alemanas. Después de la caída de los nazis, en 1946, se unió a la Radio Bremen Dance Orchestra. En 1948 se convirtió en el líder del conjunto Last-Becker Ensemble, labor que desarrolló durante siete años. Durante ese tiempo, fue elegido como el mejor bajista en el país por una encuesta alemana de jazz, durante tres años consecutivos, entre 1950-1952. Después de la disolución de Last-Becker Ensemble, se convirtió en arreglista de la casa discográfica Polydor Records, así como en una serie de emisoras de radio europeas. En la década de 1960, ayudó a organizar visitas de artistas como Helmut Zacharias, Freddy Quinn, Lolita (Edith "Ditta" Einzinger), Alfred Hause y Caterina Valente. Durante este período se da a conocer como Hans Last, de ahí su apodo de "Hansi".

The Lonely Shepherd o “Einsamer Hirte”, o “El pastor solitario” es una composición musical para flauta de pan y orquesta, que en principio no tenía mayores pretensiones que formar parte de un álbum con composiciones propias de James Last, aunque alcanzó tanta popularidad que formó parte de distintas bandas sonoras. El solista de este vídeo Gheorghe Zamfir, hoy acompañado de André Rieu y su orquesta, es un virtuoso rumano de la flauta de pan (o zampoña); estudioso autodidacta y constructor de sus propios instrumentos ganó numerosos premios entre los que caben destacar sus discos de oro y platino.

James Last ( (1929-2015) fue un compositor alemán y leader de una big-band. En su carrera musical vendió numerosos discos en Alemania y Reino Unido, más tarde en USA,  además de componer diversas canciones, algunas de las cuales alcanzaron fama mundial. Aprendió a tocar el piano a la edad de 12 años; luego, en su adolescencia, pasó al contrabajo. Su ciudad natal fue bombardeada en la Segunda Guerra Mundial, y se difundió por radio el mensaje de la necesidad de puestos de comando de defensa para las incursiones bélicas. Así, a los 14 años, se inscribió en la Escuela Militar de Música Bückeburg, de la Wehrmacht, las fuerzas armadas alemanas. Después de la caída de los nazis, en 1946, se unió a la Radio Bremen Dance Orchestra. En 1948 se convirtió en el líder del conjunto Last-Becker Ensemble, labor que desarrolló durante siete años. Durante ese tiempo, fue elegido como el mejor bajista en el país por una encuesta alemana de jazz, durante tres años consecutivos, entre 1950-1952. Después de la disolución de Last-Becker Ensemble, se convirtió en arreglista de la casa discográfica Polydor Records, así como en una serie de emisoras de radio europeas. En la década de 1960, ayudó a organizar visitas de artistas como Helmut Zacharias, Freddy Quinn, Lolita (Edith "Ditta" Einzinger), Alfred Hause y Caterina Valente. Durante este período se da a conocer como Hans Last, de ahí su apodo de "Hansi".

The Lonely Shepherd o “Einsamer Hirte”, o “El pastor solitario” es una composición musical para flauta de pan y orquesta, que en principio no tenía mayores pretensiones que formar parte de un álbum con composiciones propias de James Last, aunque alcanzó tanta popularidad que formó parte de distintas bandas sonoras. El solista de este vídeo Gheorghe Zamfir, hoy acompañado de André Rieu y su orquesta, es un virtuoso rumano de la flauta de pan (o zampoña); estudioso autodidacta y constructor de sus propios instrumentos ganó numerosos premios entre los que caben destacar sus discos de oro y platino.


Sugerencias de música clásica

Felix Mendelssohn (1809-1847) fue pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades y hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn, también niña prodigio. Nacido en Hamburgo, cuando tenía dos años su familia se trasladó a Berlín, recibió clases de piano de su madre y con siete años tenía su profesora particular. A los dieciocho años empezó a recibir clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y sus pasajes fugados, un dominio del contrapunto. Fue un compositor prematuro y prolífico pues ya a los 11 años había compuesto cuatro piezas para órgano, una sonata para piano y violín, un trío con piano, una cantata y una opereta cómica. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.

El sueño de una noche de verano es una obra musical de Mendelssohn basada en la obra homónima de teatro de Shakespeare (1564-1616). Entre el 8 de julio y el 6 de agosto de 1826, cuando su carrera estaba comenzando, Mendelssohn compuso La obertura de concierto (op. 21) que se estrenó en Szczecin el 20 de febrero de 1827. En 1842 escribió la música incidental (op. 61),  que incluye la famosa Marcha nupcial, para una producción de la obra de teatro a la que incorporó la obertura existente. La obra fue un encargo del rey Federico Guillermo IV de Prusia y está estructurada del siguiente modo: Obertura, Op. 21. N.º 1 Scherzo. N.º 2 Melodrama y Marcha de las Hadas: "Über Táler und Höhn". N.º 3 Lied mit Chor (Canción con coro): "Kommt, einen Ringel!" N.º 4 Melodrama: "Was du wirst erwachend sehen" N.º 5 Intermezzo N.º 6 Melodrama: "Welch hausgebackenes Volk" N.º 7 Nocturno. N.º 8 Melodrama: "Sei, als wäre nichts geschehn". N.º 9 "Hochzeitsmarch". Nº 10 Marcha fúnebre. Nº 11 Ein Tanz von Rüpeln. Nº 12 Reprise de la marcha nupcial. Finale: "Bei des Feuers matten Flimmern". La ejecución de hoy está conducida por la batuta del maestro estonio Paavo Järvi (1962).


Luigi Boccherini (1743-1805) fue un violonchelista y compositor italiano, de padre también violonchelista; de él recibió las primeras clases de instrumento.  Posteriormente bajo la tutela de Vannuci perfeccionó su técnica instrumental además de estudiar armonía, contrapunto y composición. Siguió con sus estudios en Roma y tras visitar y residir en distintas ciudades europeas, se instala definitivamente en Madrid donde escribe la mayor parte de su producción musical. Boccherini escribió gran cantidad de música de cámara (más de cien quintetos y otros noventa cuartetos de cuerda, además de tríos, sonatas y piezas en otros géneros) y su repertorio para orquesta incluye cerca de 30 sinfonías y conciertos. De no haber sido por Yves Gérard, la obra de Boccherini estaría hoy en día prácticamente desaparecida. Gracias a esto, hoy sabemos que Luigi Boccherini dio un impulso importante a la música de cámara. Por otra parte, habiendo sido el máximo virtuoso del violonchelo de su época, las partes que escribió para ese instrumento presentan un desarrollo y una dificultad sin precedentes en la historia de la música. Al mantenerse apartado de los más importantes centros musicales europeos, su obra siguió en parte el estilo marcado por Joseph Haydn, estilo cortesano y galante.  

Cellokonzert nº 7.  Boccherini escribió 12 conciertos para violoncello, de los que hoy ofrecemos el nº 7 estructurado en tres movimientos:  I Allegro. II Adagio. III Allegro, con la característica del instrumento utilizado en la presente versión, pues se trata de un Violoncello da spalla o violonchelo de brazo, nada habitual en nuestros tiempos. Como podemos observar se trata de un instrumento algo mayor que la viola que tuvo su presencia más habitual en el siglo XVIII; algunos investigadores creen, por ejemplo, que las 6 suites para violonchelo de Bach fueron en realidad creadas para este instrumento. Hoy la ejecución del concierto que ofrecemos corre a cargo del especialista en este instrumento Sergey Malov bajo la batuta de Andrea Marcon.

Luigi Boccherini (1743-1805) fue un violonchelista y compositor italiano, de padre también violonchelista; de él recibió las primeras clases de instrumento.  Posteriormente bajo la tutela de Vannuci perfeccionó su técnica instrumental además de estudiar armonía, contrapunto y composición. Siguió con sus estudios en Roma y tras visitar y residir en distintas ciudades europeas, se instala definitivamente en Madrid donde escribe la mayor parte de su producción musical. Boccherini escribió gran cantidad de música de cámara (más de cien quintetos y otros noventa cuartetos de cuerda, además de tríos, sonatas y piezas en otros géneros) y su repertorio para orquesta incluye cerca de 30 sinfonías y conciertos. De no haber sido por Yves Gérard, la obra de Boccherini estaría hoy en día prácticamente desaparecida. Gracias a esto, hoy sabemos que Luigi Boccherini dio un impulso importante a la música de cámara. Por otra parte, habiendo sido el máximo virtuoso del violonchelo de su época, las partes que escribió para ese instrumento presentan un desarrollo y una dificultad sin precedentes en la historia de la música. Al mantenerse apartado de los más importantes centros musicales europeos, su obra siguió en parte el estilo marcado por Joseph Haydn, estilo cortesano y galante.  

Cellokonzert nº 7.  Boccherini escribió 12 conciertos para violoncello, de los que hoy ofrecemos el nº 7 estructurado en tres movimientos:  I Allegro. II Adagio. III Allegro, con la característica del instrumento utilizado en la presente versión, pues se trata de un Violoncello da spalla o violonchelo de brazo, nada habitual en nuestros tiempos. Como podemos observar se trata de un instrumento algo mayor que la viola que tuvo su presencia más habitual en el siglo XVIII; algunos investigadores creen, por ejemplo, que las 6 suites para violonchelo de Bach fueron en realidad creadas para este instrumento. Hoy la ejecución del concierto que ofrecemos corre a cargo del especialista en este instrumento Sergey Malov bajo la batuta de Andrea Marcon.


La Sinfonía Pastoral (Sinfonía nº 6), que hoy presentamos,  la escribe y estrena Beethoven en 1808. Como buen amante de la Naturaleza, Beethoven gustaba alejarse de la gran ciudad para sosegarse en poblaciones rurales y pasear por sus campos. Tras haber titulado a su sexta sinfonía como “Recuerdos de una vida campestre”, refiriéndose a ella dijo que pretendía “más expresión de sentimientos que pintura de sonidos” . La sinfonía consta de cinco movimientos (lo usual entonces eran cuatro) que los subtitula del siguiente modo: Mov I Despertar de alegres sentimientos al encontrarse en el campo. Mov II Escena junto al arroyo. III Animada reunión de campesinos. IV Mov Relámpagos. Tormenta. V Himno de los pastores. Alegría y sentimientos de agradecimiento después de la tormenta.

La directora de hoy, Michelle Merrill, ha dirigido importantes orquestas americanas y europeas y tras cuatro años como directora asociada de la Sinfónica de Detroit, en la actualidad desempeña el cargo de  Directora Musical de la Coastal Symphony of Georgia.


Sofia Gubaidulina (1931) es una compositora rusa nacida en Tartaristán. Estudió piano y composición en el Conservatorio de Kazán; en 1954 se trasladó a Moscú donde siguió con sus estudios hasta graduarse en 1963. Su música fue criticada por la exploración de afinaciones alternativas, aunque Shostakovich le animó a seguir buscando su propio camino. Su concierto para violín, Ofertorium, interpretado por Gidon Kremer le abrió las puertas al reconocimiento de la crítica. Es una mujer profundamente religiosa como así lo atestigua su catálogo de obras y sobre todo su Johannes Passion. En el año 2002 recibió el Premio de Música Polar, concedido por la Real Academia de Suecia de Música.

El concierto para piano Introitus, escrito hace más de cuarenta años para piano y orquesta de cámara, destaca por su instrumentación de pocos vientos y una orquesta de cuerdas, así como por su estructura formal, Gubaidulina hace referencia a formas tradicionales como el concerto grosso barroco. De hecho, los acoplamientos en solitario se alternan con tutti ritornelles como en los modelos barrocos; pero el concierto para piano clásico con su dualismo temático y su arreglo de tres movimientos también deja su huella. Este arreglo en parte barroco en parte clásico, le da a Gubaidulina una dimensión extramusical-religiosa, a la que el título se refiere como 'Introito'. De acuerdo con la entrada solemne de los sacerdotes y monaguillos a la Misa, arregla su concierto para piano como la entrada del hombre en un espacio sonoro al que asigna ciertas etapas religiosas. Hoy lo visionamos con la pianista italiana Alice Di Piazza como solista.

Sofia Gubaidulina (1931) es una compositora rusa nacida en Tartaristán. Estudió piano y composición en el Conservatorio de Kazán; en 1954 se trasladó a Moscú donde siguió con sus estudios hasta graduarse en 1963. Su música fue criticada por la exploración de afinaciones alternativas, aunque Shostakovich le animó a seguir buscando su propio camino. Su concierto para violín, Ofertorium, interpretado por Gidon Kremer le abrió las puertas al reconocimiento de la crítica. Es una mujer profundamente religiosa como así lo atestigua su catálogo de obras y sobre todo su Johannes Passion. En el año 2002 recibió el Premio de Música Polar, concedido por la Real Academia de Suecia de Música.

El concierto para piano Introitus, escrito hace más de cuarenta años para piano y orquesta de cámara, destaca por su instrumentación de pocos vientos y una orquesta de cuerdas, así como por su estructura formal, Gubaidulina hace referencia a formas tradicionales como el concerto grosso barroco. De hecho, los acoplamientos en solitario se alternan con tutti ritornelles como en los modelos barrocos; pero el concierto para piano clásico con su dualismo temático y su arreglo de tres movimientos también deja su huella. Este arreglo en parte barroco en parte clásico, le da a Gubaidulina una dimensión extramusical-religiosa, a la que el título se refiere como 'Introito'. De acuerdo con la entrada solemne de los sacerdotes y monaguillos a la Misa, arregla su concierto para piano como la entrada del hombre en un espacio sonoro al que asigna ciertas etapas religiosas. Hoy lo visionamos con la pianista italiana Alice Di Piazza como solista.


Sugerencias de música para todos los gustos

Alton Glenn Miller (1904-1944) fue un trombonista, compositor y director de Big Band estadounidense. A los 33 años fundó Glenn Miller Orchestra con la que interpretaba, grababa y vendía sus creaciones que obtenían clamorosos éxitos; sólo entre 1939 y 1942 tuvo 16 discos número uno en USA. En 1942 en plena Segunda Guerra Mundial se alistó en el ejército con la misión de actuar ante las compañías de soldados americanos; en uno de estos viajes, mientras cruzaba el Canal de la Mancha, desapareció su avión sin que nunca más se supiera de él. La Glenn Miller Orchestra actual se fundó en 1956 con las mismas ideas y objetivos que tuvo en sus inicios. Hoy ofrecemos un álbum con las canciones más reconocibles de la Glenn Miller Orchestra.


t.A.T.u. fue un dúo ruso formado en Moscú en 1999 por el productor musical Ivan Shapovalov. El grupo estaba integrado por las cantantes Lena Katina y Yulia Vólkova, así como los músicos Troy MacCubbin, Sven Martin, Domen Vajevec y Steve Wilson. Es la banda rusa más exitosa a nivel internacional; su fama se ha extendido a gran parte de Europa y el mundo anglosajón. Representaron a Rusia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2003 quedando en el tercer puesto a tres puntos de coronarse campeonas de dicha edición. En el documental del mismo año Anatomy of t.A.T.u. el dúo dejó en claro que no eran lesbianas, que esto era solo una imagen publicitaria idea de su mánager (entonces Ivan Shapovalov). En 2004 el grupo tomó un descanso después de separarse de su productor. En 2005 lanzaron Dangerous and Moving y Lyudi Invalidi; en el 2006 t.A.T.u. publicó un álbum recopilatorio llamado The Best y luego se aventuró por su cuenta después de la negociación de su contrato con Universal. El 15 de diciembre de 2009, el dúo lanzó digital y físicamente su tercer disco, Waste Management. Y en febrero de 2010, el álbum físico fue lanzado en Colombia, Brasil y Argentina. A finales de marzo del 2009 las chicas anunciaron en un comunicado que t.A.T.u. se separaba y que querían por ahora brillar en su carrera como solistas. Agradecieron a sus fans por todo el apoyo que les brindaron durante 10 años, y se publicó de manera virtual su último disco, un álbum de remixes titulado Waste Management Remixes. Sin embargo, a mediados de febrero de 2014 tras varios años de separación anunciaron su retorno además de un nuevo sencillo y álbum, pero días después debido a una pelea entre ambas componentes anunciaron que no volverían a iniciar el proyecto t.A.T.u. A finales del 2016 se volvieron a reunirse debido al concierto de 20 años del grupo infantil Neposedi, cantando juntas Nas Ne Dogonyat.

t.A.T.u. fue un dúo ruso formado en Moscú en 1999 por el productor musical Ivan Shapovalov. El grupo estaba integrado por las cantantes Lena Katina y Yulia Vólkova, así como los músicos Troy MacCubbin, Sven Martin, Domen Vajevec y Steve Wilson. Es la banda rusa más exitosa a nivel internacional; su fama se ha extendido a gran parte de Europa y el mundo anglosajón. Representaron a Rusia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2003 quedando en el tercer puesto a tres puntos de coronarse campeonas de dicha edición. En el documental del mismo año Anatomy of t.A.T.u. el dúo dejó en claro que no eran lesbianas, que esto era solo una imagen publicitaria idea de su mánager (entonces Ivan Shapovalov). En 2004 el grupo tomó un descanso después de separarse de su productor. En 2005 lanzaron Dangerous and Moving y Lyudi Invalidi; en el 2006 t.A.T.u. publicó un álbum recopilatorio llamado The Best y luego se aventuró por su cuenta después de la negociación de su contrato con Universal. El 15 de diciembre de 2009, el dúo lanzó digital y físicamente su tercer disco, Waste Management. Y en febrero de 2010, el álbum físico fue lanzado en Colombia, Brasil y Argentina. A finales de marzo del 2009 las chicas anunciaron en un comunicado que t.A.T.u. se separaba y que querían por ahora brillar en su carrera como solistas. Agradecieron a sus fans por todo el apoyo que les brindaron durante 10 años, y se publicó de manera virtual su último disco, un álbum de remixes titulado Waste Management Remixes. Sin embargo, a mediados de febrero de 2014 tras varios años de separación anunciaron su retorno además de un nuevo sencillo y álbum, pero días después debido a una pelea entre ambas componentes anunciaron que no volverían a iniciar el proyecto t.A.T.u. A finales del 2016 se volvieron a reunirse debido al concierto de 20 años del grupo infantil Neposedi, cantando juntas Nas Ne Dogonyat.


Abba es un cuarteto vocal sueco de música pop formado en 1972 por dos parejas mixtas. El nombre «ABBA» es un acrónimo formado por las primeras letras del nombre de cada miembro (Agnetha, Björn, Benny, Anni-Frid). El cuarteto se formó en Estocolmo en 1972, y logró la fama internacional al triunfar en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974. Desde entonces, ABBA ha ganado popularidad empleando melodías pegadizas, letras simples y su sonido propio, caracterizado por las armonías de las voces femeninas y el wall of sound, un efecto musical creado por el productor Phil Spector. Por otra parte, Björn y Agnetha contrajeron matrimonio meses antes de la formación del cuarteto, mientras que Benny y Frida lo hicieron en 1978; los cuatro lidiaron con sus obligaciones artísticas al mismo tiempo que se ocupaban de sus nuevas familias. Sus grabaciones tuvieron un impacto comercial que los llevó a convertirse en los artistas más exitosos de su compañía discográfica, Universal Music Group, y a ser la banda con más ventas en los años 1970. Sin embargo, en la cima de su popularidad, ambos matrimonios se disolvieron y estos cambios se reflejaron en su música, al escribir letras más profundas con un estilo musical diferente. La agrupación experimentó un declive comercial y finalmente decidieron separarse, de modo que en diciembre de 1982 realizaron su última aparición como ABBA.


Totó la Momposina (1940). Su música combina elementos africanos e indígenas tal como sucedió durante la época de la colonización española en América. Los ritmos que nacieron de esa fusión fueron múltiples siendo los más representativos la gaita, la cumbia, el porro, la chalupa, el sexteto y el mapalé. Después de estudiar en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, se dedicó a recorrer Europa y a estudiar en la universidad de La Sorbona de París, así como en otras instituciones de Santiago de Cuba y La Habana. Es una de las cantantes colombianas más reconocidas en Latinoamérica y Doctora Honoris Causa en Educación por la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia. En 2002 fue nominada a los premios Grammy  por el álbum que hoy presentamos, Gaitas y Tambores.

Totó la Momposina (1940). Su música combina elementos africanos e indígenas tal como sucedió durante la época de la colonización española en América. Los ritmos que nacieron de esa fusión fueron múltiples siendo los más representativos la gaita, la cumbia, el porro, la chalupa, el sexteto y el mapalé. Después de estudiar en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, se dedicó a recorrer Europa y a estudiar en la universidad de La Sorbona de París, así como en otras instituciones de Santiago de Cuba y La Habana. Es una de las cantantes colombianas más reconocidas en Latinoamérica y Doctora Honoris Causa en Educación por la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia. En 2002 fue nominada a los premios Grammy  por el álbum que hoy presentamos, Gaitas y Tambores.


Sugerencias de videos peculiares

Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música, y su abuelo fue cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Fue criado sobre todo por su madre y su tío después de la temprana muerte de su padre. Léo Delibes comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847 donde fue alumno de Adolphe Adam. Empezó a trabajar como pianista acompañante y director de coro en el Théâtre Lyrique, segundo director de coro en la Ópera de París (1864), y organista en el Saint-Pierre-de-Chaillot entre 1865 y 1871. Como compositor, Delibes alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia que se estrenó en la Ópera de París. Entre sus otros ballets están Sylvia, escrito con Léon Minkus y publicado en 1876; destaca el Pizzicato, de este ballet, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas, la última de las cuales, la exuberante y orientalizante Lakmé, fue estrenada con gran éxito en la Opéra-Comique en 1883; contiene, entre muchos números deslumbrantes, el famoso Dueto de las flores; se trata de una barcarola que los anuncios comerciales de British Airways hicieron familiar al público general. En 1867 Delibes compuso el Divertissement Le Jardin Animé para la recuperación del ballet de Adam, Le Corsaire. Delibes escribió, además, una misa, una cantata sobre el tema de los argelinos, operetas y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos. Ludwig Minkus (1826-1917) fue un violinista y compositor austriaco de música para ballet. Estudió en el Conservatorio de Viena; en esa época a la vez que compuso música para ballet, actuó como solista de violín y fundó una orquesta que haría la competencia a la del joven Johann Strauss. En 1846, Minkus se muda a París y ese mismo año se estrena el ballet Paquita, con música de Édouard Deldevez  ayudado por Minkus. Finalmente, en 1847 el ballet de San Petersburgo pone en escena una versión en donde dan los créditos de la música a Minkus y en 1881 con coreografía de Marius Petipa, crea unas partes nuevas (un pas de trois y el Grand pas de deux) para la nueva versión de Paquita. En 1853, ya instalado en Rusia, trabajó como director de orquesta; en 1861, ingresa en la Orquesta del Teatro Bolshói como violinista; un año más tarde, como director y dos años después es nombrado compositor del Ballet Bolshói. Aunque radicado definitivamente en Rusia, mantiene sus lazos con París y en 1866 viaja a la capital francesa para componer el nuevo ballet La Source. Ya de vuelta a Rusia, compuso la música para un nuevo ballet, Don Quijote, que sería estrenado en 1869 en el Teatro Bolshói, con enorme éxito tanto de la crítica como del público; ballet cuyo argumento se basa en la novela de Miguel de Cervantes.

Hoy nos toca hacer una escueta referencia a La Source que es un ballet en tres actos cuya música fue escrita conjuntamente por Leo Delibes y Ludwig Minkus. De este ballet  ofrecemos la variación de Naila (Ludmila Pagliero) que es una ninfa que intermedia entre los dos amantes de la trama.


Igor Moiseyev (1906-2007), coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios de el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico.

La Tarantela es un baile de parejas de origen napolitano, popular en distintas regiones del Sur de Italia. De ritmo vivo y escrito en 6/8, normalmente es un baile cantado.  En la presente ocasión la tarantela, en este caso instrumental y coreografiada de modo personal, comienza tras una breve presentación cuyo tema volverá a aparecer como Coda final.

Igor Moiseyev (1906-2007), coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios de el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico.

La Tarantela es un baile de parejas de origen napolitano, popular en distintas regiones del Sur de Italia. De ritmo vivo y escrito en 6/8, normalmente es un baile cantado.  En la presente ocasión la tarantela, en este caso instrumental y coreografiada de modo personal, comienza tras una breve presentación cuyo tema volverá a aparecer como Coda final.


El theremín, originalmente conocido como eterófono, thereminófono, termenvox o thereminvox, es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos que se controla sin necesidad de contacto físico del intérprete o thereminista con el instrumento. Podríamos decir que es el único instrumento que se toca “sin tocarlo”. Su nombre deriva de la versión occidentalizada del nombre de su inventor ruso Léon Theremin (Термен), que lo desarrolló en 1920 y lo patentó en 1928. El instrumento está formado por dos antenas metálicas que detectan la posición relativa de las manos del thereminista y los osciladores para controlar la frecuencia con una mano y la amplitud (volumen) con la otra. Las señales eléctricas del theremin se amplifican y se envían a un altavoz. El theremín se ha utilizado en temas para programas de televisión como la serie de ITV Los asesinatos de Midsomer, o el tema central de la serie de vampiros de los años 60 y 70 Dark Shadows, e incluso en discos icónicos, como Oxygène de 1976, de Jean Michel Jarre. Esto ha llevado a su asociación con situaciones inquietantes o a los géneros de misterio o terror. Asimismo, este instrumento se emplea en música clásica, especialmente en música experimental y en música clásica contemporánea de los siglos XX y XXI; así como en géneros de música popular como el rock, el rock psicodélico y el art rock. Hoy realiza la melodía de la obra originariamente pianística Claro de luna, tercer movimiento  de la Suite bergamasque del compositor impresionista Claude Debussy.

Claude Debussy (1862-1918) compositor francés considerado como el primer compositor del Impresionismo. Con siete años comenzó sus clases de piano y a la edad de 10 años fue admitido en el Conservatorio de París; a partir de los 17 años empezó a ganarse la vida como pianista, mientras empezaba a componer para este instrumento y seguía con sus estudios del Conservatorio. En 1884, con la cantata  L'enfant prodigue ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Premio de Roma, que consistía en una beca, estancia incluída, en la Academia francesa en Roma para seguir estudiando durante un período de cuatro años. Desde su época en el Conservatorio de París su enfrentamiento con el profesorado había sido evidente debido a sus ansias de buscarse su propio camino en la composición fuera de las férreas normas académicas; de modo que la estancia en Roma se le antojó como un corsé del que seguía liberándose y sus composiciones eran a veces duramente criticadas por el profesorado. De vuelta a París le impresionó la ópera Tristán e Isolda de Wagner, “lo mejor que he escuchado”, y durante unos años estuvo influenciado por el maestro. Posteriormente se dejaría influenciar por las estructuras de la música javanesa, por el colorido y libertad armónica de Rimski-Korsakov  y por el compatriota Erik Satie afín a sus planteamientos. En 1894 estrenó su Prélude à l'après-midi d'un faune con el que tuvo un merecido reconocimiento; pero no sería hasta cuatro años más tarde cuando alcanzó su fama internacional con su única ópera conclusa Pelléas et Mélisande  tenía entonces 37 años. En la actualidad, Debussy está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX y su influencia en los compositores  posteriores del siglo XX ha sido definitiva.


La Danza en Camerún ya no se refiere sistemáticamente a los grupos de danza folclórica como lo ha hecho durante décadas. El nacimiento de numerosas comparsas y un festival de danza, Abokingoma, contribuyen a un nuevo boom de la danza. El país cuenta con más de 200 grupos etnolingüísticos y la misma cantidad de danzas patrimoniales que generalmente llevan los nombres de los ritmos que las sustentan. Si bien la mayoría de estos bailes han conservado su forma original y su lugar en las sociedades tradicionales, otros se han urbanizado, se han fusionado con los llamados bailes modernos o simplemente han inspirado nuevas expresiones coreográficas. Elementos fundamentales de las ceremonias rituales y tradicionales, las danzas patrimoniales se han convertido, para varios grupos étnicos cameruneses, en el único elemento visible de una tradición que se está desvaneciendo lentamente.

Hoy asistimos a una de sus danzas tradicionales en interpretación del rejuvenecido Ballet Nacional de Camerún que está haciendo un gran esfuerzo por la recuperación y puesta al día del gran tesoro de sus tradiciones.

La Danza en Camerún ya no se refiere sistemáticamente a los grupos de danza folclórica como lo ha hecho durante décadas. El nacimiento de numerosas comparsas y un festival de danza, Abokingoma, contribuyen a un nuevo boom de la danza. El país cuenta con más de 200 grupos etnolingüísticos y la misma cantidad de danzas patrimoniales que generalmente llevan los nombres de los ritmos que las sustentan. Si bien la mayoría de estos bailes han conservado su forma original y su lugar en las sociedades tradicionales, otros se han urbanizado, se han fusionado con los llamados bailes modernos o simplemente han inspirado nuevas expresiones coreográficas. Elementos fundamentales de las ceremonias rituales y tradicionales, las danzas patrimoniales se han convertido, para varios grupos étnicos cameruneses, en el único elemento visible de una tradición que se está desvaneciendo lentamente.

Hoy asistimos a una de sus danzas tradicionales en interpretación del rejuvenecido Ballet Nacional de Camerún que está haciendo un gran esfuerzo por la recuperación y puesta al día del gran tesoro de sus tradiciones.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.