28 de Junio, Día del Orgullo LGTBI

Sugerencias de iniciación a la música clásica

Love partakes of the soul itself (El amor participa del alma misma) Es una canción del compositor canadiense Shane Raman inspirada en un pasaje de la novela de Victor Hugo, Los Miserables, en el que Hugo describe el amor como incorruptible, indivisible, imperecedero, inmortal, infinito e ilimitado. El amor participa del alma misma. Es de la misma naturaleza. Como ella, es una chispa divina, incorruptible, indivisible, imperecedera, es el punto de fuego que está dentro de nosotros, que es inmortal e infinito, que nada puede limitar y nada puede extinguir. La interpretación corre a cargo del coro canadiense Cor Flammae integrado por cantantes queer entre cuyos objetivos prioritarios está, precisamente, el de dar visibilidad a las identidades queer.

Queer es un término tomado del inglés que se define como «extraño» o «poco usual». Se relaciona con una identidad sexual o de género que no corresponde a las ideas establecidas de sexualidad y género. El concepto género queer es un término general para las personas cuya identidad de género no está incluida o trasciende la dicotomía hombre/mujer. Esta palabra describe en la actualidad una corriente de pensamiento y una actitud vital que alienta la libertad del género, los afectos y las sexualidades. Hoy en día, el término ha adquirido un contenido fuertemente político y está vinculado en general a la disidencia sexual; además, queer es utilizado por muchas personas que no sienten una coherencia entre su sexo y el género que asumen socialmente y tampoco se identifican con un determinado género, ni se orientan sexualmente de forma continua, sostenida o exclusiva, hacia un género socialmente considerado “opuesto”.


Francis Poulenc (1899 - 1963) fue un compositor francés y miembro del grupo francés Les Six, compuesto por un grupo de jóvenes compositores franceses: Milhaud, Auric, Durey, Honegger, Tailleferre (la única mujer del grupo) y el mismo Poulenc. Abrazó las técnicas del movimiento dadaísta (movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía) creando melodías que desafiaban lo que se consideraba apropiado para salas de música parisinas. Compuso música en todos los grandes géneros, entre ellos la música de cámara, el oratorio, la ópera, la música de ballet y la música orquestal. El crítico Claude Rostand, en julio de 1950, en un artículo del Paris-Presse, describe a Poulenc como «mitad hereje, mitad monje» ("Le moine et le voyou"), una etiqueta que se adjunta a su nombre para el resto de su carrera. Poulenc dice: "mi obra es la yuxtaposición de lo profano con lo sagrado". Su madre, pianista aficionada, le enseñó a tocar y la música formaba parte de la vida familiar. Dado que fue un pianista capaz, el piano tomó gran parte en sus primeras composiciones. Asimismo, a lo largo de su carrera, tomó como modelos de composición a Wolfgang Amadeus Mozart y Camille Saint-Saëns. Más adelante en su vida, la pérdida de algunos amigos cercanos, junto con una peregrinación a la Virgen Negra de Rocamadour, le llevó al redescubrimiento de la fe católica y dio lugar a composiciones de un mundo más sombrío y un tono más austero.

El vals francés o valse musette. La musette es una pieza danzable pseudopastoril del siglo XVIII. Se refiere a un aire en compás de 2/4, 3/4 o 6/8, con un tempo moderado y con un carácter suave y sencillo, lo cual se corresponde con el instrumento del que toma su nombre: musette o cornamusa. Así, la musette generalmente tiene un bajo pedal que responde al nombre de bordón -que imita al instrumento homónimo-, mientras que en la parte superior abundan los pasajes rápidos, plagados de notas de adorno como las apoyaturas o las acciaccaturas. Estas piezas se bailaban en los ballets franceses de comienzos del siglo XVIII. También se refiere a un estilo musical predominante en París, donde el acordeón era el instrumento principal. Con el paso del tiempo, el estilo musette se convirtió en una forma de vida y aún en la actualidad es común relacionar este tipo de "música urbana" con el París moderno.

Francis Poulenc (1899 - 1963) fue un compositor francés y miembro del grupo francés Les Six, compuesto por un grupo de jóvenes compositores franceses: Milhaud, Auric, Durey, Honegger, Tailleferre (la única mujer del grupo) y el mismo Poulenc. Abrazó las técnicas del movimiento dadaísta (movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía) creando melodías que desafiaban lo que se consideraba apropiado para salas de música parisinas. Compuso música en todos los grandes géneros, entre ellos la música de cámara, el oratorio, la ópera, la música de ballet y la música orquestal. El crítico Claude Rostand, en julio de 1950, en un artículo del Paris-Presse, describe a Poulenc como «mitad hereje, mitad monje» ("Le moine et le voyou"), una etiqueta que se adjunta a su nombre para el resto de su carrera. Poulenc dice: "mi obra es la yuxtaposición de lo profano con lo sagrado". Su madre, pianista aficionada, le enseñó a tocar y la música formaba parte de la vida familiar. Dado que fue un pianista capaz, el piano tomó gran parte en sus primeras composiciones. Asimismo, a lo largo de su carrera, tomó como modelos de composición a Wolfgang Amadeus Mozart y Camille Saint-Saëns. Más adelante en su vida, la pérdida de algunos amigos cercanos, junto con una peregrinación a la Virgen Negra de Rocamadour, le llevó al redescubrimiento de la fe católica y dio lugar a composiciones de un mundo más sombrío y un tono más austero.

El vals francés o valse musette. La musette es una pieza danzable pseudopastoril del siglo XVIII. Se refiere a un aire en compás de 2/4, 3/4 o 6/8, con un tempo moderado y con un carácter suave y sencillo, lo cual se corresponde con el instrumento del que toma su nombre: musette o cornamusa. Así, la musette generalmente tiene un bajo pedal que responde al nombre de bordón -que imita al instrumento homónimo-, mientras que en la parte superior abundan los pasajes rápidos, plagados de notas de adorno como las apoyaturas o las acciaccaturas. Estas piezas se bailaban en los ballets franceses de comienzos del siglo XVIII. También se refiere a un estilo musical predominante en París, donde el acordeón era el instrumento principal. Con el paso del tiempo, el estilo musette se convirtió en una forma de vida y aún en la actualidad es común relacionar este tipo de "música urbana" con el París moderno.


Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica también a la composición de oratorios y cantatas que junto con las óperas fueron la base principal de su producción musical, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. De niño empieza a juguetear con distintos instrumentos de música hasta que comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera y donde escribió sus dos primeras óperas. A los tres años viajó a Italia: primero a Florencia, donde escribió su primera ópera italiana y luego a Roma, donde compuso distintas cantatas y oratorios de carácter religioso. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Se instala de por vida en una casa en la que componía, ensayaba y vendía entradas para sus óperas. En 1727 adquiere su nacionalidad británica y a los dos años es nombrado gerente del Teatro de Ópera, cargo que ocuparía hasta su muerte en 1759.  

El aria Lascia ch’io pianga, que hoy ofrecemos, es un aria perteneciente a la Ópera Rinaldo que antes la había utilizado con el título de Lascia la spina en el Oratorio Il trionfo del tempo e del disinganno. La interpretación corre a  cargo de la mezzo checa Magdalena Kožená (1973) considerada soberbia cantante de la música del barroco.


Leonard Bernstein (1918 - 1990) fue un compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que le interesaba más apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.

Candide es una opereta cómica compuesta por Leonard Bernstein en el año 1956, basada en la novela homónima de Voltaire. La opereta se representó por vez primera en el año 1956 con un libreto de Lillian Hellman. Del texto se han hecho numerosas versiones, pero desde el año 1974 se representa solamente con el libreto de Hugh Wheeler, que es más fiel a la novela de Voltaire. Hoy ofrecemos su obertura bajo la experta batuta de Xian Zhang (1973) directora de orquesta chino-estadounidense, y la primera mujer en ser directora titular de la Orquesta Sinfónica de la BBC en Gales.

Leonard Bernstein (1918 - 1990) fue un compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que le interesaba más apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.

Candide es una opereta cómica compuesta por Leonard Bernstein en el año 1956, basada en la novela homónima de Voltaire. La opereta se representó por vez primera en el año 1956 con un libreto de Lillian Hellman. Del texto se han hecho numerosas versiones, pero desde el año 1974 se representa solamente con el libreto de Hugh Wheeler, que es más fiel a la novela de Voltaire. Hoy ofrecemos su obertura bajo la experta batuta de Xian Zhang (1973) directora de orquesta chino-estadounidense, y la primera mujer en ser directora titular de la Orquesta Sinfónica de la BBC en Gales.


Sugerencias de música clásica

Jean-Baptiste Lully (1632-1687) fue un compositor francés de origen italiano (nació en Florencia) y naturalizado francés a los 21 años (su verdadero nombre era Giovanni Battista Lulli). Pronto destacó como violinista y bailarín y a los veinte años entró a formar parte del servicio de Luis XIV como director musical de la familia real; a partir de entonces, su importancia en el desarrollo del ballet clásico ha sido primordial. Renovó, además,  la esencia de la ópera con una mayor solemnidad en su puesta escénica, una decidida incidencia en la claridad del texto y una cuidada elaboración en los ballets y coros de la misma. Su producción musical se basa fundamentalmente en tres pilares: la ópera, los ballets y la música religiosa.

Le Bourgeois Gentilhomme es una ópera, de la que hoy ofrecemos una suite conformada con los temas más relevantes de la misma bajo la dirección de Emmanuelle Haïm (1962), clavecinista y directora especializada en música barroca que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC, entre otras instituciones. 


Piotr Chaikovsky (1840-1893), compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

La Sinfonía n.º 5 fue compuesta entre mayo y agosto de 1888 y estrenada en San Petersburgo el 6 de noviembre de ese año bajo la batuta del propio Tchaikovsky. La sinfonía consta de cuatro movimientos: I Andante-Scherzo: Allegro con anima. II Andante cantabile-Non Allegro-Andante maestoso. III Valse: Allegro moderato con patrioso. IV Andante maestoso - Non Allegro - Presto Furioso - Allegro maestoso - Allegro vivace - Scherzo: Allegro con anima. Pese a no basarse en un programa detallado, continúa en la línea de la Sinfonía 4, basada también en el “mal de los tristes”, el Destino. Su escucha nos asombra por el dinamismo de la escritura orquestal que es llevado al extremo mediante la construcción de zonas de clímax extendidas hasta un punto que roza la histeria. La manipulación de colores tonales oscuros, por otro lado, consigue crear la típica atmósfera de melancolía de las sinfonías chaikovskianas. La dirección de la sinfonía hoy corre a cargo de Susanna Pescetti, directora siciliana de nacimiento, napolitana de formación musical y veronesa de adopción. A los seis estaba estudiando piano, a los ocho pasó de Catania a Nápoles para asistir al Conservatorio San Pietro, donde tras graduarse en piano, continuó sus estudios de composición y dirección. El talento cultivado desde pequeña con testarudez y determinación la lleva a dirigir en los principales teatros del mundo, que conquista con un encanto y carisma exquisitos. Ha dirigido numerosas orquestas nacionales de todo el mundo además de ser, en la actualidad, la titular de I Solisti di Napoli.

Piotr Chaikovsky (1840-1893), compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

La Sinfonía n.º 5 fue compuesta entre mayo y agosto de 1888 y estrenada en San Petersburgo el 6 de noviembre de ese año bajo la batuta del propio Tchaikovsky. La sinfonía consta de cuatro movimientos: I Andante-Scherzo: Allegro con anima. II Andante cantabile-Non Allegro-Andante maestoso. III Valse: Allegro moderato con patrioso. IV Andante maestoso - Non Allegro - Presto Furioso - Allegro maestoso - Allegro vivace - Scherzo: Allegro con anima. Pese a no basarse en un programa detallado, continúa en la línea de la Sinfonía 4, basada también en el “mal de los tristes”, el Destino. Su escucha nos asombra por el dinamismo de la escritura orquestal que es llevado al extremo mediante la construcción de zonas de clímax extendidas hasta un punto que roza la histeria. La manipulación de colores tonales oscuros, por otro lado, consigue crear la típica atmósfera de melancolía de las sinfonías chaikovskianas. La dirección de la sinfonía hoy corre a cargo de Susanna Pescetti, directora siciliana de nacimiento, napolitana de formación musical y veronesa de adopción. A los seis estaba estudiando piano, a los ocho pasó de Catania a Nápoles para asistir al Conservatorio San Pietro, donde tras graduarse en piano, continuó sus estudios de composición y dirección. El talento cultivado desde pequeña con testarudez y determinación la lleva a dirigir en los principales teatros del mundo, que conquista con un encanto y carisma exquisitos. Ha dirigido numerosas orquestas nacionales de todo el mundo además de ser, en la actualidad, la titular de I Solisti di Napoli.


Maurice Ravel (1875-1937) nacido en Ciboure (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. Sus primeras obras nos muestran ya una recia personalidad y un espíritu independiente. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy o viceversa; debate, por cierto, que disgustaba a ambos compositores y que se vería reforzado con la publicación de sus siguientes obras. Sin embargo, su fama estaba ya instalada, hasta el punto de que Serguéi Diágilev, creador de los Ballets Rusos que en esos años estaban en plena efervescencia, le encargó el ballet Daphnis et Chloé. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión a 30 kilómetros de París, donde daban cita, a pesar del carácter reservado del compositor, eminentes músicos e intelectuales.

Le tombeau de Couperin (La tumba de Couperin) es una suite en seis partes para piano, compuesta por Maurice Ravel entre 1914 y 1917. Cuatro de ellas luego fueron orquestadas en 1919 por el mismo compositor. La palabra Tombeau (tumba) del título hace referencia a un homenaje musical utilizado en el siglo XVIII. El compositor rendía de esta forma homenaje a François Couperin y a toda la música barroca francesa de ese siglo. En gestación desde 1914, la obra fue casi por completo compuesta en 1917 cuando Ravel, enfermo, había sido apartado del frente, durante su participación en la Primera Guerra Mundial. Cada una de las piezas está dedicada a un amigo del músico, muerto en la guerra. El carácter apacible de la obra contrasta con el período tormentoso de su composición. El estreno de la versión para piano corrió a cargo de Marguerite Long el 11 de abril de 1919. El estreno de la versión orquestal data del 28 de febrero de 1920. Las piezas que componen la suite son: 1 Prélude (en mi menor) a la memoria del teniente Jacques Charlot (quien transcibió Ma Mère l'Oye para piano solo). 2 Fugue (en mi menor) a la memoria de Jean Cruppi (hijo de la mujer a quien dedicó L'Heure espagnole). 3 Forlane (en mi menor) a la memoria del teniente Gabriel Deluc (pintor vasco de San Juan de Luz). 4 Rigaudon (en do mayor) a la memoria de Pierre y Pascal Gaudin. 5 Menuet (en sol mayor) a la memoria de Jean Dreyfus. 6 Toccata (en mi mayor) a la memoria del capitán Joseph de Marliave (musicólogo y esposo de Marguerite Long).


Mohammed Fairouz (1985) es uno de los compositores estadounidenses interpretados con más frecuencia de su generación. Fairouz comenzó a componer a una edad temprana y estudió en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra y en el Curtis Institute of Music. Puso música por primera vez al poema "The True Knowledge" de Oscar Wilde a la edad de 7 años y ha escrito cientos de canciones artísticas y más de una docena de ciclos de canciones. En la revista Poets & Writers, se describió a sí mismo como obsesionado con el texto y así escribe ciclos de canciones con textos relacionados con Oriente Medio y ciclos de canciones teatrales como Pierrot. Escribe también un oratorio titulado Zabur, con libreto de Najla Said y el texto tanto en árabe como en inglés,  que fue estrenado en abril de 2015. Sumeida's Song es la primera ópera de Fairouz y está basada en la obra Song of Death del dramaturgo egipcio Tawfiq al-Hakim. En mayo de 2015, Morning Joe de MSNBC anunció que Mohammed Fairouz se asociaría con el exitoso autor estadounidense David Ignatius para crear una ópera política llamada 'El nuevo príncipe' basada en las enseñanzas de Nicolás Maquiavelo. Actualmente Fairouz también está trabajando en una nueva ópera con libreto del destacado autor paquistaní Mohammed Hanif. A pesar de su juventud, Fairouz ha escrito también música de cámara para uno o varios instrumentos,  cuatro sinfonías y varios conciertos para distintos instrumentos.

La Queer Urban Orchestra  (QUO) es una institución musical fundada en julio de 2009 y dedicada a la promoción de las bellas artes en el área metropolitana de la ciudad de Nueva York, abierta a tod@s l@s músic@s adult@s, independientemente de su edad, raza, religión, orientación sexual o identidad de género. QUO se esfuerza por entretener y educar a sus miembros y al público por igual a través de presentaciones de música clásica y contemporánea, promoviendo la igualdad, la comprensión, la aceptación y el respeto.

Mohammed Fairouz (1985) es uno de los compositores estadounidenses interpretados con más frecuencia de su generación. Fairouz comenzó a componer a una edad temprana y estudió en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra y en el Curtis Institute of Music. Puso música por primera vez al poema "The True Knowledge" de Oscar Wilde a la edad de 7 años y ha escrito cientos de canciones artísticas y más de una docena de ciclos de canciones. En la revista Poets & Writers, se describió a sí mismo como obsesionado con el texto y así escribe ciclos de canciones con textos relacionados con Oriente Medio y ciclos de canciones teatrales como Pierrot. Escribe también un oratorio titulado Zabur, con libreto de Najla Said y el texto tanto en árabe como en inglés,  que fue estrenado en abril de 2015. Sumeida's Song es la primera ópera de Fairouz y está basada en la obra Song of Death del dramaturgo egipcio Tawfiq al-Hakim. En mayo de 2015, Morning Joe de MSNBC anunció que Mohammed Fairouz se asociaría con el exitoso autor estadounidense David Ignatius para crear una ópera política llamada 'El nuevo príncipe' basada en las enseñanzas de Nicolás Maquiavelo. Actualmente Fairouz también está trabajando en una nueva ópera con libreto del destacado autor paquistaní Mohammed Hanif. A pesar de su juventud, Fairouz ha escrito también música de cámara para uno o varios instrumentos,  cuatro sinfonías y varios conciertos para distintos instrumentos.

La Queer Urban Orchestra  (QUO) es una institución musical fundada en julio de 2009 y dedicada a la promoción de las bellas artes en el área metropolitana de la ciudad de Nueva York, abierta a tod@s l@s músic@s adult@s, independientemente de su edad, raza, religión, orientación sexual o identidad de género. QUO se esfuerza por entretener y educar a sus miembros y al público por igual a través de presentaciones de música clásica y contemporánea, promoviendo la igualdad, la comprensión, la aceptación y el respeto.


Sugerencias de música para todos los gustos

Elton John (1947) es un cantante, pianista, compositor y músico británico. Con una carrera de más de 50 años ha lanzado más de 30 álbumes de estudio y ha vendido más de 300 millones de copias en todo el mundo, siendo uno de los artistas musicales más exitosos de la historia. Ha colaborado con el letrista Bernie Taupin desde 1967 y muchas de sus canciones han alcanzado la cima de las listas de éxito en el mundo. Es el único artista en mantener al menos una canción dentro del Billboard Hot 100 durante 30 años consecutivos, desde 1970 hasta 2000. Su canción Candle in the Wind 1997, reescrita en ocasión de la muerte de Diana de Gales vendió más de 33 millones de copias y es el segundo sencillo más vendido en la historia. Su trabajo también se ha extendido hacia la composición, la producción y, en ocasiones, la actuación. Nacido y criado en Pinner, suburbio de Londres, John aprendió a tocar el piano a una edad muy temprana. Formó su primera banda Bluesology en 1962, y se alió con el letrista Bernie Taupin en 1967. Tras décadas de éxito comercial, incursionó con gran acogida en el teatro musical a finales del siglo XX. Ha ganado cinco premios Grammy, cinco premios Brit (dos de ellos honoríficos por su «contribución a la cultura británica» a través de su música), dos Globos de Oro, un Tony, un Disney Legends, dos Óscares (uno compartido con Tim Rice y el otro, con Bernie Taupin) y el Premio Kennedy. En 1996, fue nombrado Caballero después de ser nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II por sus «servicios hacia la música y actos caritativos» y el apelativo de Sir fue añadido a su nombre.


Madonna (1958) conocida como la Reina del Pop, es una actriz y cantante estadounidense. Sus discos han sido calurosamente recibidos no sólo en USA, sino en todo el mundo donde muchas de sus canciones han logrado auparse al nº 1 de estos países. Con la venta de más de 300 millones de producciones musicales es la mujer más exitosa de la historia en este campo; así mismo, su popularidad se ha visto aumentada con la participación en diversas películas. Artista polifacética, ha realizado trabajos de escritora, diseñadora de moda, directora de cine y productora discográfica. En 2008 La revista Bilboard la coloca como número 2, detrás sólo de The Beatles.

Madonna (1958) conocida como la Reina del Pop, es una actriz y cantante estadounidense. Sus discos han sido calurosamente recibidos no sólo en USA, sino en todo el mundo donde muchas de sus canciones han logrado auparse al nº 1 de estos países. Con la venta de más de 300 millones de producciones musicales es la mujer más exitosa de la historia en este campo; así mismo, su popularidad se ha visto aumentada con la participación en diversas películas. Artista polifacética, ha realizado trabajos de escritora, diseñadora de moda, directora de cine y productora discográfica. En 2008 La revista Bilboard la coloca como número 2, detrás sólo de The Beatles.


Rob Halford (1951) es un músico británico de heavy metal especialmente conocido por ser el vocalista principal de la banda británica de heavy metal Judas Priest. Considerado por los seguidores del género como uno de los mejores y más influyentes cantantes de la historia del metal, se caracteriza por su poderosa voz operística y sus descomunales tonos agudos en numerosos temas. Halford figura en el puesto n.º 2 en la lista de los 100 mejores vocalistas del metal de todos los tiempos, según la revista estadounidense Hit Parader. Antes de integrarse a Judas Priest, Rob alternaba su vocación musical con su trabajo de asistente en iluminación de teatro (tramoya), lo que le ayudaba a cubrir gastos. En 1973, a través de su hermana, conoció a Ian Hill, bajista de la ya formada banda Judas Priest, novio de la hermana de Rob. Fue así como Ian y algunos miembros de Judas, un día que estaban en casa de los Halford, escucharon por casualidad a Rob cantando frente a la radio. Judas Priest se había quedado sin su vocalista Al Atkins, con lo que Ian le propuso a K.K. Downing, guitarrista de Judas Priest, hacerse de los servicios de Rob como vocalista. El resto de los miembros del grupo quedaron sorprendidos al escucharlo, por la cual fue contratado de inmediato. Así, Rob Halford comenzó una exitosa carrera junto a una de las bandas más reconocidas de heavy metal, que se extendería por casi 20 años, desde 1973 hasta 1992 en su primera etapa con la banda. Halford es reconocido por su sonidos agudos y gritos agudos y su apariencia. Rob Halford se caracteriza además por ser uno de los pioneros en vestir el típico vestuario heavy metal, inspirado en la cultura del cuero surgida a principios de los años 70 y en la subcultura del sadomasoquismo. Además Halford recargaba esa imagen de «cuero y metal» al incluir una Harley-Davidson que conducía sobre la tarima en cada presentación en vivo de Judas Priest. Es debido a su forma de vestir cargada de accesorios de metal, y en especial debido una canción llamada Metal Gods, que en forma anecdótica se le llama «Metal God» (Dios del metal) para reconocer su influencia en esta música.


Chavela Vargas (1919 - 2012) nació en Costa Rica, en San Joaquín (provincia de Heredia) y tuvo una infancia difícil: sus padres se divorciaron y se desentendieron de ella, dejándola al cuidado de unos tíos. Cuando tenía 17 años Chavela Vargas se trasladó a México y posteriormente adoptó la nacionalidad mexicana. A los treinta se hizo cantante profesional, de algún modo, apadrinada por el compositor y cantante José Alfredo Jiménez, de quien era compañera de parrandas. Chavela incursionó en la canción ranchera y tenía un peculiar estilo de interpretarla. Una de las vertientes de la canción ranchera, la representada por José Alfredo Jiménez, suele ser emotiva. Chavela cantaba este tipo de canciones, pero lo hacía sola, con apenas una guitarra y con su voz, emulando la forma de cantar de un hombre ebrio. Por ello, en ocasiones, bajaba el ritmo de las melodías. De este modo, teñía de más desgarro canciones que otros entendían como pícaras o de humor. Fue un personaje a contracorriente desde joven: vestía como un hombre, fumaba cigarrillos, bebía mucho, llevaba pistola y era reconocida por su característico sarape rojo. Los graves problemas producidos por el alcohol en su vida personal la llevaron a retirarse de una carrera artística de gran éxito a finales de los años setenta, y durante años la condenaron al anonimato. Regresó a la escena pública a principios de los años noventa, a través de presentaciones en el teatro-bar "El Hábito", de Coyoacán. En este lugar, se produjo su encuentro con el editor español Manuel Arroyo Stephens, quien junto a Pedro Almodóvar, impulsaron su incursión en España. No volvió a beber en sus últimos veinte años, y se mantuvo fuerte hasta el final. Hacía ejercicio con regularidad; cumplidos 80 años, por ejemplo, se lanzó en paracaídas. A los 81 años, en una entrevista para la televisión colombiana en el año 2000, por primera vez expresó abiertamente que era lesbiana. Durante 2009, con motivo de su 90º aniversario, el Gobierno de la Ciudad de México le rindió un homenaje nombrándola Ciudadana Distinguida. En abril de 2012, con 93 años de edad, lanzó su disco-libro Luna Grande, donde revivió, a modo de homenaje, relevantes poemas de Federico García Lorca y repasó algunos de sus éxitos; el disco fue presentado en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México. Ese mismo año viajó a España para presentar su disco en un recital en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Ya de vuelta a México, el 30 de julio de 2012, fue internada en el hospital con problemas crónicos en corazón, pulmones y riñones, falleciendo el 5 de Agosto. En 2007 fue distinguida con el Premio Grammy a la Excelencia Musical de la Academia de las Ciencias y Artes de la Grabación. Chavela Vargas  está considerada como una figura principal y peculiar de la música ranchera y de toda la música popular latinoamericana.

Chavela Vargas (1919 - 2012) nació en Costa Rica, en San Joaquín (provincia de Heredia) y tuvo una infancia difícil: sus padres se divorciaron y se desentendieron de ella, dejándola al cuidado de unos tíos. Cuando tenía 17 años Chavela Vargas se trasladó a México y posteriormente adoptó la nacionalidad mexicana. A los treinta se hizo cantante profesional, de algún modo, apadrinada por el compositor y cantante José Alfredo Jiménez, de quien era compañera de parrandas. Chavela incursionó en la canción ranchera y tenía un peculiar estilo de interpretarla. Una de las vertientes de la canción ranchera, la representada por José Alfredo Jiménez, suele ser emotiva. Chavela cantaba este tipo de canciones, pero lo hacía sola, con apenas una guitarra y con su voz, emulando la forma de cantar de un hombre ebrio. Por ello, en ocasiones, bajaba el ritmo de las melodías. De este modo, teñía de más desgarro canciones que otros entendían como pícaras o de humor. Fue un personaje a contracorriente desde joven: vestía como un hombre, fumaba cigarrillos, bebía mucho, llevaba pistola y era reconocida por su característico sarape rojo. Los graves problemas producidos por el alcohol en su vida personal la llevaron a retirarse de una carrera artística de gran éxito a finales de los años setenta, y durante años la condenaron al anonimato. Regresó a la escena pública a principios de los años noventa, a través de presentaciones en el teatro-bar "El Hábito", de Coyoacán. En este lugar, se produjo su encuentro con el editor español Manuel Arroyo Stephens, quien junto a Pedro Almodóvar, impulsaron su incursión en España. No volvió a beber en sus últimos veinte años, y se mantuvo fuerte hasta el final. Hacía ejercicio con regularidad; cumplidos 80 años, por ejemplo, se lanzó en paracaídas. A los 81 años, en una entrevista para la televisión colombiana en el año 2000, por primera vez expresó abiertamente que era lesbiana. Durante 2009, con motivo de su 90º aniversario, el Gobierno de la Ciudad de México le rindió un homenaje nombrándola Ciudadana Distinguida. En abril de 2012, con 93 años de edad, lanzó su disco-libro Luna Grande, donde revivió, a modo de homenaje, relevantes poemas de Federico García Lorca y repasó algunos de sus éxitos; el disco fue presentado en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México. Ese mismo año viajó a España para presentar su disco en un recital en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Ya de vuelta a México, el 30 de julio de 2012, fue internada en el hospital con problemas crónicos en corazón, pulmones y riñones, falleciendo el 5 de Agosto. En 2007 fue distinguida con el Premio Grammy a la Excelencia Musical de la Academia de las Ciencias y Artes de la Grabación. Chavela Vargas  está considerada como una figura principal y peculiar de la música ranchera y de toda la música popular latinoamericana.


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Hector Berlioz (1803-1869) Fue un compositor francés, figura eminente de la música programática (música que sigue un argumento) y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a ParÍs a estudiar medicina; pero a él no le gustó, abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. En 1830 escribe la Symphonie Fantastique, su obra más conocida. De aquí a Roma donde estuvo becado estudiando ópera italiana. Escribió varias óperas, sinfonías, oberturas, diversas canciones y obra coral.

Romeo et Juliette es una sinfonía de música programática escrita para solistas, coro y orquesta, de la que hoy visionaremos una selección coreografiada de la misma, con la actuación del Malandain Ballet Biarritz dirigido por su coreógrafo Thierry Malandain.


El Folklore Ensemble Philip Kutev de fama mundial, fue fundado en 1951 por el eminente compositor búlgaro Philip Kutev (1903-1982), cuyo sueño de toda la vida fue llevar la tradición folclórica de su país al escenario. Estableció el conjunto con el objetivo de integrar la rica herencia de canciones populares búlgaras para cantantes vocales y la danza tradicional con sus armonías y arreglos que resaltarían sus hermosos timbres y ritmos irregulares. Los miembros del conjunto fueron reclutados originalmente en los pueblos más pequeños de Bulgaria. Su primera actuación fue en Sofía en 1952. El color específico de la creación de sonido de la voz búlgara apareció por primera vez en la historia de los coros profesionales para imponer de inmediato un efecto impresionante e incluso impactante en la audiencia. Por primera vez, se introdujeron en el escenario instrumentos y bailes folclóricos tradicionales búlgaros que trajeron consigo ritmos e imágenes extraordinarios. El conjunto fue un éxito instantáneo y pronto su fórmula se convirtió en un modelo para otros conjuntos que se formaron en otras partes del país. Esta fue una buena base para la popularización de un gran número de coros y grupos folclóricos búlgaros más grandes y más pequeños que aparecieron más tarde y fueron muy apreciados por el público de todo el mundo.

Desde 1994 la Prof. Dra. Elena Kuteva, hija de Philip Kutev, ha sido la directora artística en jefe del Ensemble Philip Kutev. Elena Kuteva nació en 1943; se graduó en el Conservatorio Estatal de Moscú PI Tchaikovsky con especialización en Teoría de la Música e inició su carrera en el Departamento de Folklore Musical de la Academia de Ciencias de Bulgaria (1969-1991), para luego ser nombrada Jefa del Departamento de Etnomusicología de la Academia (1992-1994). Hoy en día, el Folklore Ensemble Philip Kutev sigue los cruces estilísticos y de géneros de finales del siglo XX y principios del XXI que se basan en las ricas y conmovedoras tradiciones musicales búlgaras, que reflejan la vida de los pueblos de antaño y la mezcla de culturas en la Península de los Balcanes a través de los siglos, desarrollando su propio sonido polifónico mientras se encuentra con la armonía occidental. El Folklore Ensemble Philip Kutev ha ofrecido más de 5300 actuaciones en Bulgaria y en 49 países de Europa, Asia, América y África.

El Folklore Ensemble Philip Kutev de fama mundial, fue fundado en 1951 por el eminente compositor búlgaro Philip Kutev (1903-1982), cuyo sueño de toda la vida fue llevar la tradición folclórica de su país al escenario. Estableció el conjunto con el objetivo de integrar la rica herencia de canciones populares búlgaras para cantantes vocales y la danza tradicional con sus armonías y arreglos que resaltarían sus hermosos timbres y ritmos irregulares. Los miembros del conjunto fueron reclutados originalmente en los pueblos más pequeños de Bulgaria. Su primera actuación fue en Sofía en 1952. El color específico de la creación de sonido de la voz búlgara apareció por primera vez en la historia de los coros profesionales para imponer de inmediato un efecto impresionante e incluso impactante en la audiencia. Por primera vez, se introdujeron en el escenario instrumentos y bailes folclóricos tradicionales búlgaros que trajeron consigo ritmos e imágenes extraordinarios. El conjunto fue un éxito instantáneo y pronto su fórmula se convirtió en un modelo para otros conjuntos que se formaron en otras partes del país. Esta fue una buena base para la popularización de un gran número de coros y grupos folclóricos búlgaros más grandes y más pequeños que aparecieron más tarde y fueron muy apreciados por el público de todo el mundo.

Desde 1994 la Prof. Dra. Elena Kuteva, hija de Philip Kutev, ha sido la directora artística en jefe del Ensemble Philip Kutev. Elena Kuteva nació en 1943; se graduó en el Conservatorio Estatal de Moscú PI Tchaikovsky con especialización en Teoría de la Música e inició su carrera en el Departamento de Folklore Musical de la Academia de Ciencias de Bulgaria (1969-1991), para luego ser nombrada Jefa del Departamento de Etnomusicología de la Academia (1992-1994). Hoy en día, el Folklore Ensemble Philip Kutev sigue los cruces estilísticos y de géneros de finales del siglo XX y principios del XXI que se basan en las ricas y conmovedoras tradiciones musicales búlgaras, que reflejan la vida de los pueblos de antaño y la mezcla de culturas en la Península de los Balcanes a través de los siglos, desarrollando su propio sonido polifónico mientras se encuentra con la armonía occidental. El Folklore Ensemble Philip Kutev ha ofrecido más de 5300 actuaciones en Bulgaria y en 49 países de Europa, Asia, América y África.


La Fiesta Tlacotalpan es la fiesta que se celebra en dicha localidad, perteneciente al estado de Veracruz (México), en honor a la Virgen de la Candelaria. Esta imagen que llegó con los primeros frailes españoles de la orden de San Juan de Dios, es venerada y festejada el día 2 de febrero. Durante los últimos días de enero y los primeros de febrero, Tlacotalpan, una pequeña y pintoresca población veracruzana a orillas del río Papaloapan, a solo 100 kilómetros del puerto de Veracruz y nombrada por la UNESCO Patrimonio de la Humanidad, celebra a su patrona, la Virgen de la Candelaria, con una gran fiesta. Los tlacotalpeños salen a la calle a escoltar a la Virgen, que estrena atuendo cada año, en una cabalgata de más de 600 jinetes dirigida ¡por mujeres! Otras muchas visten durante esos días el hermoso traje típico de Veracruz, con sus grandes peinetas de carey y sus abanicos, dando a la celebración una atmósfera 100% jarocha. Esta fiesta es también un derroche musical regional, el pueblo se llena de decimeros y jaraneros y la Banda de la Escuela Naval toca constantemente para acompañar los numerosos eventos paralelos. Los vendedores de instrumentos musicales aprovechan esta reunión de su ‘clientela’ para visitar Tlacotalpan y añaden colorido y sabor a la celebración. No es extraño entonces que la Fiesta de la Candelaria atraiga a propios y extraños a la Perla del Papaloapan, como también se la conoce. (Extraído de El Universal)

Amalia Hernández  (1917- 2000), fue una bailarina y coreógrafa mexicana, fundadora, en 1952, del ballet que lleva su nombre y que es emblemático del arte dancístico folclórico de este país con sede en el Palacio de las Bellas Artes de la Ciudad de México. Amalia se dedicó a rescatar las danzas tradicionales mexicanas que se habían perdido con el tiempo e hizo un esfuerzo por mejorar la calidad de la misma. El ballet se consolidó en 1959, cuando el presidente Adolfo López Mateos le pidió que este grupo se convirtiera en uno de los embajadores naturales de México. El Ballet Amalia Hernández también denominado Ballet Folklórico de México cuenta con más de 60 coreografías en su mayoría creadas por Amalia Hernández con actuaciones en toda la geografía mexicana; también ha realizado más de 100 giras internacionales visitando un total de 60 países y más de 300 ciudades.


La Danza persa o danza iraní se refiere a los estilos de danza autóctona de Irán. Los géneros de danza en Irán varían según el área, la cultura y el idioma de la población local, que incluye muchas etnias, como kurdos, azeríes, turcomanos, judíos, armenios, georgianos, además de numerosos grupos tribales iraníes que se pueden encontrar dentro de las fronteras del Irán actual. La antigua Persia fue ocupada por potencias extranjeras: primero los griegos, luego árabes y luego mongoles y, a su vez, se produjeron inestabilidades políticas y guerras civiles. A lo largo de estos cambios, hubo una lenta desaparición de las tradiciones de danza patrimonial. Después de la caída del Imperio Persa, cuando el país fue destruido, las mujeres y jovencitas iraníes fueron esclavizadas por los nuevos conquistadores, a menudo obligadas a la esclavitud sexual y obligadas a bailar eróticamente para los nuevos gobernantes. La prohibición religiosa del baile en Irán se produjo con la expansión del Islam, pero fue estimulada por los acontecimientos históricos. Como resultado, muchos de los talentosos bailarines persas se mudaron a Occidente y se extendieron principalmente por Europa y USA, y la nueva generación de bailarines y artistas de ballet iraníes creció en la diáspora. Irán posee cuatro categorías de baile y estos géneros son; danzas de cadena o de línea, danza de improvisación individual, bailes de guerra o de combate y bailes rituales o espirituales. Los bailes en línea o de cadena a menudo se nombran por la región o los grupos étnicos con los que están asociados. Las danzas de improvisación utilizan movimientos delicados y elegantes de las manos y los brazos, como los círculos de la muñeca. Las danzas de guerra o combate imitan el combate o ayudan a entrenar al guerrero. Los bailes rituales o espirituales, a menudo consisten en un ritual de curación que involucra trance, música y movimiento que se realiza para librar a una persona poseída por un espíritu y parece ser un estado similar al de un exorcismo.

El Ballet Afsaneh es una organización cultural sin fines de lucro dedicada al arte, la danza, la música y la poesía del patrimonio cultural persa de Irán, Armenia, Turkmenistán, Afganistán, Mongolia, China y Uzbekistán. Fue fundado en 1986 por Sharlyn Sawyer en el Área de la Bahía de San Francisco. El cuerpo de baile ha estado compuesto principalmente por mujeres.  La directora de la compañía, Sharlyn Sawyer, bailarina de danza del vientre, fue una pionera de la coreografía de Asia Central a finales de la década de 1980, y en 1998 coreografió la pieza de inspiración balinesa Keep Her. El tema de la Ruta de la Seda apareció en gran medida en la coreografía de Sawyer. Realizó una investigación de campo para aprender sobre la música, la danza y el vestuario de varias comunidades étnicas. La palabra Afsaneh es una palabra persa que significa "mito" o "fábula". El dinámico grupo presenta actuaciones y actividades con danza, poesía y música de la Ruta de la Seda, la ruta comercial histórica que se extendía miles de kilómetros a través de Asia Central desde el Mar de China hasta el Mediterráneo. En 2003, Afsaneh Art and Culture Society lanzó un proyecto de traducción. El objetivo de este proyecto es aumentar la visibilidad de la literatura iraní contemporánea en el escenario mundial, crear una mayor oportunidad para que la literatura sea parte de la conversación moderna y reciba su merecido reconocimiento internacional.

La Danza persa o danza iraní se refiere a los estilos de danza autóctona de Irán. Los géneros de danza en Irán varían según el área, la cultura y el idioma de la población local, que incluye muchas etnias, como kurdos, azeríes, turcomanos, judíos, armenios, georgianos, además de numerosos grupos tribales iraníes que se pueden encontrar dentro de las fronteras del Irán actual. La antigua Persia fue ocupada por potencias extranjeras: primero los griegos, luego árabes y luego mongoles y, a su vez, se produjeron inestabilidades políticas y guerras civiles. A lo largo de estos cambios, hubo una lenta desaparición de las tradiciones de danza patrimonial. Después de la caída del Imperio Persa, cuando el país fue destruido, las mujeres y jovencitas iraníes fueron esclavizadas por los nuevos conquistadores, a menudo obligadas a la esclavitud sexual y obligadas a bailar eróticamente para los nuevos gobernantes. La prohibición religiosa del baile en Irán se produjo con la expansión del Islam, pero fue estimulada por los acontecimientos históricos. Como resultado, muchos de los talentosos bailarines persas se mudaron a Occidente y se extendieron principalmente por Europa y USA, y la nueva generación de bailarines y artistas de ballet iraníes creció en la diáspora. Irán posee cuatro categorías de baile y estos géneros son; danzas de cadena o de línea, danza de improvisación individual, bailes de guerra o de combate y bailes rituales o espirituales. Los bailes en línea o de cadena a menudo se nombran por la región o los grupos étnicos con los que están asociados. Las danzas de improvisación utilizan movimientos delicados y elegantes de las manos y los brazos, como los círculos de la muñeca. Las danzas de guerra o combate imitan el combate o ayudan a entrenar al guerrero. Los bailes rituales o espirituales, a menudo consisten en un ritual de curación que involucra trance, música y movimiento que se realiza para librar a una persona poseída por un espíritu y parece ser un estado similar al de un exorcismo.

El Ballet Afsaneh es una organización cultural sin fines de lucro dedicada al arte, la danza, la música y la poesía del patrimonio cultural persa de Irán, Armenia, Turkmenistán, Afganistán, Mongolia, China y Uzbekistán. Fue fundado en 1986 por Sharlyn Sawyer en el Área de la Bahía de San Francisco. El cuerpo de baile ha estado compuesto principalmente por mujeres.  La directora de la compañía, Sharlyn Sawyer, bailarina de danza del vientre, fue una pionera de la coreografía de Asia Central a finales de la década de 1980, y en 1998 coreografió la pieza de inspiración balinesa Keep Her. El tema de la Ruta de la Seda apareció en gran medida en la coreografía de Sawyer. Realizó una investigación de campo para aprender sobre la música, la danza y el vestuario de varias comunidades étnicas. La palabra Afsaneh es una palabra persa que significa "mito" o "fábula". El dinámico grupo presenta actuaciones y actividades con danza, poesía y música de la Ruta de la Seda, la ruta comercial histórica que se extendía miles de kilómetros a través de Asia Central desde el Mar de China hasta el Mediterráneo. En 2003, Afsaneh Art and Culture Society lanzó un proyecto de traducción. El objetivo de este proyecto es aumentar la visibilidad de la literatura iraní contemporánea en el escenario mundial, crear una mayor oportunidad para que la literatura sea parte de la conversación moderna y reciba su merecido reconocimiento internacional.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.