Sugerencias de iniciación a la música clásica

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años». Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.

La sonata para piano n.º 11 en la mayor, k. 331 consta de tres movimientos: I Andante con variaciones; II Minueto; III Rondó alla turca (que es popularmente conocido como la “Marcha turca de Mozart”). Hoy visionaremos el Primer Movimiento que se inicia con un tema variado (como entonces se usaba frecuentemente en la escuela francesa); sus variaciones pertenecen al tipo más puro y flexible del estilo mozartiano.

La interpretación de hoy corre a cargo de la pianista china Chingya Mahlen.


Jacques Offenbach (1819-1880) fue un chelista y compositor francés de origen judeo-alemán y pasado al catolicismo para poder casarse con la católica Herminia de Alcain. Comenzó sus estudios musicales con su padre, profesor de música; a los 14 años su familia se trasladó a París donde prosiguió sus estudios con Cherubini. En 1855 fundó el teatro Bouffes Parisiens, donde llevó a escena sus propias obras, que reflejan la joie de vivre de su época, con humor e irreverencia. También presentó divertidas adaptaciones de otros genios de la música como G. Rossini. Su ascendencia alemana le granjeó enemigos después de la guerra franco prusiana; enemigos que reflejó con ironía representándolos en sus operetas, aunque estos personajes fueran de la Antigüedad. Según Karl Kraus, Offenbach «cumple la función de remediar la estupidez, darle un respiro a la razón y estimular la actividad mental». Máximo exponente de la opereta francesa (escribió cientos de ellas), su obra más seria y ambiciosa fue Los cuentos de Hoffmann, que no llegó a concluir a causa de su muerte en 1880. Sus restos reposan en el cementerio de Montmartre.

Gaîté Parisienne es un ballet coreografiado por Léonide Massine con música de Jacques Offenbach orquestado por Manuel Rosenthal en colaboración con Jacques Brindejonc-Offenbach, sobrino del compositor. El Ballet representa los coqueteos amorosos, los bailes agradables y el buen humor de un grupo diverso de personas pertenecientes a varias clases sociales que frecuentan un elegante café de París durante una noche del período del Segundo Imperio (1851-1870).

Hoy ofrecemos una Suite/Selección de la obra en interpretación de la Orquesta Filarmónica de Radio France conducida por la soprano y directora de orquesta canadiense Barbara Hannigan (1971) quien desde 2011 ha dirigido, entre otras importantes orquestas,  la Filarmónica de Berlín y otras orquestas en Múnich, Toronto, Cleveland, Gotenburgo o Praga.

Jacques Offenbach (1819-1880) fue un chelista y compositor francés de origen judeo-alemán y pasado al catolicismo para poder casarse con la católica Herminia de Alcain. Comenzó sus estudios musicales con su padre, profesor de música; a los 14 años su familia se trasladó a París donde prosiguió sus estudios con Cherubini. En 1855 fundó el teatro Bouffes Parisiens, donde llevó a escena sus propias obras, que reflejan la joie de vivre de su época, con humor e irreverencia. También presentó divertidas adaptaciones de otros genios de la música como G. Rossini. Su ascendencia alemana le granjeó enemigos después de la guerra franco prusiana; enemigos que reflejó con ironía representándolos en sus operetas, aunque estos personajes fueran de la Antigüedad. Según Karl Kraus, Offenbach «cumple la función de remediar la estupidez, darle un respiro a la razón y estimular la actividad mental». Máximo exponente de la opereta francesa (escribió cientos de ellas), su obra más seria y ambiciosa fue Los cuentos de Hoffmann, que no llegó a concluir a causa de su muerte en 1880. Sus restos reposan en el cementerio de Montmartre.

Gaîté Parisienne es un ballet coreografiado por Léonide Massine con música de Jacques Offenbach orquestado por Manuel Rosenthal en colaboración con Jacques Brindejonc-Offenbach, sobrino del compositor. El Ballet representa los coqueteos amorosos, los bailes agradables y el buen humor de un grupo diverso de personas pertenecientes a varias clases sociales que frecuentan un elegante café de París durante una noche del período del Segundo Imperio (1851-1870).

Hoy ofrecemos una Suite/Selección de la obra en interpretación de la Orquesta Filarmónica de Radio France conducida por la soprano y directora de orquesta canadiense Barbara Hannigan (1971) quien desde 2011 ha dirigido, entre otras importantes orquestas,  la Filarmónica de Berlín y otras orquestas en Múnich, Toronto, Cleveland, Gotenburgo o Praga.


Amadeo Vives (1871-1932), compositor nacido en Barcelona, es autor de numerosas canciones y de más de un centenar de obras escénicas entre las que se han de destacar Bohemios, Maruxa y, sobre todo, Doña Francisquita consideradas entre las obras cumbre del género. Persona de gran cultura, también dejó una estimable obra literaria, que comprende diversos ensayos sobre estética musical, un libro autobiográfico, Sofía (1923), y una exitosa comedia teatral, Jo no sabia que el món era així (Yo no sabía que el mundo era así), estrenada en Barcelona en 1929 y que recibió el título de Rosalía cuando en 1930 fue estrenada en Santander en su versión en castellano. Comenzó a recibir clases de música de su hermano a los cinco años; más tarde con José Ribera estudiaría piano, armonía y composición; colaboró con Lluis Millet en la fundación del Orfeó Catalá que comenzaría su andadura con canciones catalanas armonizadas por Amadeo Vives. A los catorce años había compuesto varias sonatas y a los 24 años estrena en Barcelona su primera ópera. Más tarde se traslada a Madrid donde sus estrenos escénicos recogen exitosas respuestas y reconocido prestigio.

El Fandango es un baile de movimiento vivo y compás ternario que deriva en múltiples formas; baile localizado tanto en el estado español como en la comunidad latinoamericana; mientras que Doña Francisquita, cuyo fandango podemos visionar hoy,  es una zarzuela en tres actos basada en La discreta enamorada de Lope de Vega.

Hoy lo ofrecemos bajo la batuta de Miguel Roa (1944-2016) director de orquesta comprometido con la difusión de la zarzuela española y con Lucero Tena (1938), bailaora de flamenco, a las castañuelas.


Edward Elgar (1857- 1934) compositor inglés nacido cerca de Worcester y bautizado y educado en el catolicismo por deseo de su madre aunque con la desaprobación de su padre, un violinista de nivel profesional; a los ocho años, recibió clases de violín y piano con profesores locales y a los diez años escribió su primera obra, música para una obra de teatro escrita e interpretada por sus herman@s. Enriqueció su formación con libros prestados de la Catedral sobre interpretación del órgano y sobre análisis y composición musical. Comenzó su carrera musical acompañando con su violín a cantantes y componiendo y realizando distintos arreglos para sus necesidades. A los 22 años fue nombrado director de la banda del  Asilo psiquiátrico de Powick, cerca de Worcester, para la que compuso distintas obras menores. Formó parte de la orquesta de los Festivales de Worcester y Birmingham llegando a interpretar, como músico de atril, la Sinfonía nº 6 y el Stabat Mater de Dvorak dirigidos por el mismo compositor; experiencia que recordaría durante toda su vida. Realizó, así mismo, diversos viajes al extranjero asistiendo a conciertos de alto nivel que irían forjando al compositor en ciernes. A los 28 años sucedería a su padre en el cargo de organista de la Iglesia de San Jorge de Worcester. Tras su matrimonio con la novelista y poetisa Caroline Alice Roberts, se trasladaron a Londres donde comenzó a componer como medio de vida y a escuchar músicas para él desconocidas; ante la dificultad de darse a conocer, vuelve a Worcester para dirigir las bandas  locales e impartir clases de música. A los 42 años escribe las Variaciones Enigma que fue recibida con un entusiasmo generalizado y le catapultó como el compositor británico más importante de su época. En 1904 fue nombrado caballero en el Palacio de Buckingham; a partir de entonces recibió importantes reconocimientos y galardones.

Salut d'Amour, Op. 12, es una obra musical compuesta por Edward Elgar en 1888, originalmente escrita para violín y piano. Elgar concluyó la pieza en 1888, cuando estaba comprometido para contraer matrimonio con Caroline Alice Roberts y llamó a la obra Liebesgruss («Saludo de amor») debido a la soltura que tenía Alice con el alemán. Fue publicada por Schott & Co. un año más tarde y las primeras ediciones fueron para violín y piano, piano solo, violonchelo y piano, y para pequeña orquesta. Se vendieron pocas copias hasta que la editorial cambió el título a Salut d'Amour. Elgar se dio cuenta de que el título en francés ayudaría a que la obra fuera vendida no sólo en Francia sino en otros países europeos: Schott era una editorial alemana con oficinas en Maguncia, Londres, París y Bruselas. La primera representación pública de la obra fue en su versión para orquesta y tuvo lugar en un concierto en The Crystal Palace el 11 de noviembre de 1889, dirigido por August Manns.

Hoy la podemos visionar, en su versión orquestal, en interpretación de la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo, que es la orquesta sinfónica más antigua de Rusia, fundada en 1882 y considerada permanentemente entre las mejores orquestas del mundo según la revista Gramophone; hoy conducida por el joven maestro ruso Yuri Temirkanov (1983) ganador del primer premio en el Concurso de Directores de Orquesta de la Unión Soviética en 1966 y actual titular de la mencionada orquesta.

Edward Elgar (1857- 1934) compositor inglés nacido cerca de Worcester y bautizado y educado en el catolicismo por deseo de su madre aunque con la desaprobación de su padre, un violinista de nivel profesional; a los ocho años, recibió clases de violín y piano con profesores locales y a los diez años escribió su primera obra, música para una obra de teatro escrita e interpretada por sus herman@s. Enriqueció su formación con libros prestados de la Catedral sobre interpretación del órgano y sobre análisis y composición musical. Comenzó su carrera musical acompañando con su violín a cantantes y componiendo y realizando distintos arreglos para sus necesidades. A los 22 años fue nombrado director de la banda del  Asilo psiquiátrico de Powick, cerca de Worcester, para la que compuso distintas obras menores. Formó parte de la orquesta de los Festivales de Worcester y Birmingham llegando a interpretar, como músico de atril, la Sinfonía nº 6 y el Stabat Mater de Dvorak dirigidos por el mismo compositor; experiencia que recordaría durante toda su vida. Realizó, así mismo, diversos viajes al extranjero asistiendo a conciertos de alto nivel que irían forjando al compositor en ciernes. A los 28 años sucedería a su padre en el cargo de organista de la Iglesia de San Jorge de Worcester. Tras su matrimonio con la novelista y poetisa Caroline Alice Roberts, se trasladaron a Londres donde comenzó a componer como medio de vida y a escuchar músicas para él desconocidas; ante la dificultad de darse a conocer, vuelve a Worcester para dirigir las bandas  locales e impartir clases de música. A los 42 años escribe las Variaciones Enigma que fue recibida con un entusiasmo generalizado y le catapultó como el compositor británico más importante de su época. En 1904 fue nombrado caballero en el Palacio de Buckingham; a partir de entonces recibió importantes reconocimientos y galardones.

Salut d'Amour, Op. 12, es una obra musical compuesta por Edward Elgar en 1888, originalmente escrita para violín y piano. Elgar concluyó la pieza en 1888, cuando estaba comprometido para contraer matrimonio con Caroline Alice Roberts y llamó a la obra Liebesgruss («Saludo de amor») debido a la soltura que tenía Alice con el alemán. Fue publicada por Schott & Co. un año más tarde y las primeras ediciones fueron para violín y piano, piano solo, violonchelo y piano, y para pequeña orquesta. Se vendieron pocas copias hasta que la editorial cambió el título a Salut d'Amour. Elgar se dio cuenta de que el título en francés ayudaría a que la obra fuera vendida no sólo en Francia sino en otros países europeos: Schott era una editorial alemana con oficinas en Maguncia, Londres, París y Bruselas. La primera representación pública de la obra fue en su versión para orquesta y tuvo lugar en un concierto en The Crystal Palace el 11 de noviembre de 1889, dirigido por August Manns.

Hoy la podemos visionar, en su versión orquestal, en interpretación de la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo, que es la orquesta sinfónica más antigua de Rusia, fundada en 1882 y considerada permanentemente entre las mejores orquestas del mundo según la revista Gramophone; hoy conducida por el joven maestro ruso Yuri Temirkanov (1983) ganador del primer premio en el Concurso de Directores de Orquesta de la Unión Soviética en 1966 y actual titular de la mencionada orquesta.


Sugerencias de música clásica

François Devienne (1759-1803) fue un flautista, fagotista, compositor y maestro francés. Probablemente recibió su primera formación del organista Morizot en Joinville, y continuó su educación con su hermano mayor y padrino, François Memmie, en Deux Ponts (ahora Zweibrücken) desde 1776 hasta 1778. Dejó Deux Ponts el 15 de mayo de 1778 y estuvo deambulando por distintas orquestas. La primera aparición conocida en solitario de Devienne fue en la Orquesta del Concert Spirituel el 7 de abril de 1789, cuando tocó la parte de flauta en el estreno de su Sinfonía concertante nº 4. En otoño de 1790 se unió a la banda militar de la Guardia Nacional de París. En 1972, esta organización se convirtió oficialmente en la Escuela Libre de Música de la Guardia Nacional, en el Instituto Nacional de Música en 1793 y en el Conservatorio de París en 1795. El famoso método de Devienne de la flauta con una llave se publicó en 1794; al año siguiente publicó El Nouvelle Méthode théorique et practique pour la flûte que se convirtió en el gran método de flauta de los siguientes años, hasta bien entrado el siglo XIX. Devienne fue un compositor prolífico con  más de 500 obras entre conciertos y sinfonías concertantes para vientos, himnos y canciones patrióticas y once óperas y ópera cómica, además de una gran variedad de combinaciones instrumentales: sonatas para flauta y bajo, dúos para flauta (con acompañamiento de teclado o no), tríos, cuartetos...

El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I Rápido-II Lento-III Rápido) y presentado como un diálogo entre el (l@s) solistas(s) y el conjunto instrumental.

Hoy ofrecemos el Concierto para flauta nº 2 en Re Mayor en interpretación de la Orquestra Sinfònica de Sant Cugat del Vallès.


Robert Schumann (1810-1856) compositor alemán considerado como uno de los pilares del romanticismo. Hijo de un librero, siempre mantuvo una estrecha relación con la literatura, hasta el punto que estuvo a punto de dedicarse a ella. Estudió piano con Friedrich Wieck, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su prometedora carrera pianística para centrarse únicamente en la composición; se casó con Clara Wieck (“Clara Schumann”), hija del que fuera su profesor, también compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones auditivas que fueron multiplicándose a través del tiempo con un intento de suicidio en 1854. Internado en un psiquiátrico por voluntad propia, murió a los dos años. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (canciones); pero a partir de su matrimonio y animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría varias obras corales, obras de cámara, obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías  y un poema dramático, Manfred, y una ópera.

Un Poema sinfónico es una obra orquestal de forma libre, generalmente basada en un texto literario, cuyo fin es crear sensaciones o sentimientos mediante el guión preestablecido. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El padre del poema sinfónico fue Franz Liszt quien compuso hasta 13 obras de este género.

Manfred es un poema sinfónico escrito para narrador, solistas, coro y orquesta, basado en el Poema Manfred de Lord Byron y que consta de una obertura, un entreacto y distintos números para solos y coros; de ellos, la obertura es su parte más conocida que hoy la ofrecemos bajo la batuta de Marek Janowski, director polaco especializado en Wagner, que desde niño fue trasladado a Alemania por su madre de origen alemán. Ha dirigido en los mejores teatros de Ópera del mundo y a las orquestas de mayor nivel artístico de Europa y América. En la actualidad es el director principal de la Filarmónica de Dresde.

Robert Schumann (1810-1856) compositor alemán considerado como uno de los pilares del romanticismo. Hijo de un librero, siempre mantuvo una estrecha relación con la literatura, hasta el punto que estuvo a punto de dedicarse a ella. Estudió piano con Friedrich Wieck, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su prometedora carrera pianística para centrarse únicamente en la composición; se casó con Clara Wieck (“Clara Schumann”), hija del que fuera su profesor, también compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones auditivas que fueron multiplicándose a través del tiempo con un intento de suicidio en 1854. Internado en un psiquiátrico por voluntad propia, murió a los dos años. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (canciones); pero a partir de su matrimonio y animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría varias obras corales, obras de cámara, obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías  y un poema dramático, Manfred, y una ópera.

Un Poema sinfónico es una obra orquestal de forma libre, generalmente basada en un texto literario, cuyo fin es crear sensaciones o sentimientos mediante el guión preestablecido. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El padre del poema sinfónico fue Franz Liszt quien compuso hasta 13 obras de este género.

Manfred es un poema sinfónico escrito para narrador, solistas, coro y orquesta, basado en el Poema Manfred de Lord Byron y que consta de una obertura, un entreacto y distintos números para solos y coros; de ellos, la obertura es su parte más conocida que hoy la ofrecemos bajo la batuta de Marek Janowski, director polaco especializado en Wagner, que desde niño fue trasladado a Alemania por su madre de origen alemán. Ha dirigido en los mejores teatros de Ópera del mundo y a las orquestas de mayor nivel artístico de Europa y América. En la actualidad es el director principal de la Filarmónica de Dresde.


Silvestre Revueltas (1899-1940) fue un violinista, compositor y director de orquesta mexicano considerado por algun@s crític@s como el compositor más notable de la América latina. Revueltas destacó en su infancia por ser un prodigio del violín. Silvestre obtuvo su primer violín cuando tenía siete años, y llegó a tocar su primer recital en 1911. Su padre lo mandó a la Ciudad de México para estudiar el instrumento, y posteriormente ingresar en el Conservatorio Nacional de Música. Estudió violín con José Rocabruna y composición con Rafael Tello; sin embargo, nunca se sintió satisfecho con la formación recibida. Al mismo tiempo, buscaba ganarse la vida tocando en cines y orquestas. Su padre decide en 1917 enviar a Silvestre a un colegio de la Congregación de Holy Cross en la ciudad estadounidense de Austin (estado de Texas), el St. Edward´s College, cuando Silvestre contaba con diecisiete años. En la escuela de St. Edwards se recuerda a Revueltas como un músico especialmente dotado y que ofrecía recitales, aunque era de carácter independiente y no aceptaba toda la instrucción recibida. En ese ambiente Silvestre descubre la música de Claude Debussy. En una carta relata que inconscientemente se acercó al estilo de Debussy, creyendo que no existía aún semejante música, cuando uno de sus profesores le menciona que el estilo de sus primeras composiciones era muy debussiano. Una de sus primeras piezas, Margarita para piano, demuestra un uso altamente imaginativo de la armonía con texturas impresionistas, así como un especial sentido melódico. Tras la muerte de su padre regresa a México donde ha de ganarse la vida con su violín; allí Carlos Chávez le nombra director asistente de la Orquesta Sinfónica de México. Le costó a Revueltas dedicarse a la composición debido a su falta de autoestima y a que debido a sus ideas izquierdistas fue largamente arrinconado por la sociedad mexicana; “la crítica musical en México se destaca por su ignorancia, por su mala fe, y por su decidido empeño en desorientar al público de los conciertos”, decía. Por causas desconocidas rompió con Chávez, época en la que se volcó obsesivamente en la composición, viajó a España en plena Guerra civil como apoyo personal al republicanismo y a su regreso escribe Sensemayá, obra que hoy presentamos. En la actualidad está considerado como uno de los compositores más influyentes de México, por el alcance y originalidad de su música de cámara y de ciertas obras que se han vuelto una parte muy importante del repertorio orquestal.

Música de feria, también conocida como Cuarteto de cuerdas no. 4, es una pieza para cuarteto de cuerdas tradicional (dos violines, una viola y un violonchelo) creada por el compositor mexicano Silvestre Revueltas y es la obra más interpretada y grabada de los cuartetos del compositor. La pieza fue compuesta en 1932 y estrenada el 7 de noviembre de 1933, probablemente por el Cuarteto Clásico Nacional, cuenta con una dedicatoria al Dr. Manuel Guevara Oropeza. La obra fue escrita durante los primeros años del periodo compositivo de Revueltas (1929-1932), por lo que, al igual que otras obras de ese periodo, son descritas como una introducción al desarrollo que tendrán sus obras posteriores. Música de feria es una pieza que posee variedad de ritmos y temas que se mezclan formando un collage auditivo que aluden a los sonidos contrastantes de las ferias mexicanas. La obra es considerada como nacionalista debido a su temática y características sonoras, sin embargo, sus contrastes rítmicos y sonoros poseen características estridentistas, vanguardia mexicana en la que el compositor participará posteriormente. La obra está compuesta como un movimiento formado por cuatro secciones: Allegro, Lento, Allegro-Giocoso y Allegro tempo.

La versión de hoy nos lo ofrece el Cuarteto Eclipse


Karol Szymanowski (1882-1937) pianista y compositor polaco que recibió las primeras clases de su padre; después ampliaría sus conocimientos en el Conservatorio de Varsovia. Viajó frecuentemente por todo el mundo, viajes que frecuentemente eran fuentes de inspiración de sus obras y falleció a los 55 años en un Sanatorio de Suiza. Tuvo influencias de la música tradicional polaca, de su paisano Chopin y del impresionismo francés. Escribió numerosas obras para piano, cuatro sinfonías, dos conciertos para violín, varias canciones, obras religiosas, dos óperas y el ballet Harnasie.

Harnasie, obra que hoy presentamos en versión orquestal, es un ballet que consta de un preludio y dos actos; la historia está  basada en el secuestro de una novia que va a casarse por el ladrón de los Montes Tatras, Harnas, y su banda Harnasie; está escrito para tenor, coro y orquesta,

hoy dirigidos todos ellos por Jacek Kaspszyk (1952) prestigioso director polaco que ha dirigido las principales orquestas del mundo y que ha ganado numerosos e importantes premios. Desde 2013 es el director artístico de la Filarmónica de Varsovia.

Karol Szymanowski (1882-1937) pianista y compositor polaco que recibió las primeras clases de su padre; después ampliaría sus conocimientos en el Conservatorio de Varsovia. Viajó frecuentemente por todo el mundo, viajes que frecuentemente eran fuentes de inspiración de sus obras y falleció a los 55 años en un Sanatorio de Suiza. Tuvo influencias de la música tradicional polaca, de su paisano Chopin y del impresionismo francés. Escribió numerosas obras para piano, cuatro sinfonías, dos conciertos para violín, varias canciones, obras religiosas, dos óperas y el ballet Harnasie.

Harnasie, obra que hoy presentamos en versión orquestal, es un ballet que consta de un preludio y dos actos; la historia está  basada en el secuestro de una novia que va a casarse por el ladrón de los Montes Tatras, Harnas, y su banda Harnasie; está escrito para tenor, coro y orquesta,

hoy dirigidos todos ellos por Jacek Kaspszyk (1952) prestigioso director polaco que ha dirigido las principales orquestas del mundo y que ha ganado numerosos e importantes premios. Desde 2013 es el director artístico de la Filarmónica de Varsovia.


Sugerencias de música para todos los gustos

Cannonball Adderley (1928-1975) fue un saxofonista de jazz, encuadrado estilísticamente en el hard bop y el soul jazz. Musicalmente, su primer trabajo fue el de director de orquesta juvenil en Florida. Durante un viaje a Nueva York en 1955, se unió al grupo del bajista Oscar Pettiford, quien lo contrató unos conciertos en el Café Bohemia; como resultado del gran éxito obtenido, fue contratado por el sello discográfico Savoy, quedándose a vivir en la ciudad. En 1957 se unió al quinteto del trompetista Miles Davis; un año más tarde participó en la grabación de uno de los discos más importantes de la historia del jazz, Kind of Blue, con Davis, Chambers, Coltrane, además de Jimmy Cobb en la batería y Wynton Kelly y Bill Evans en el piano. Desde esos años Cannonball Adderley se ganó un lugar dentro de la escena jazzística mundial y comenzó a liderar sus propias bandas y a marcar un estilo dentro de la historia del jazz. En 1958 grabó el disco que dejará su nombre de líder de jazz en la historia: Somethin' Else, un disco con un quinteto de lujo que incluyó a Davis en la trompeta, Hank Jones en el piano, Sam Jones en el bajo y a Art Blakey en la percusión. También se destacó por ser un músico de una gran presencia en el escenario, cada tema era explicado de manera didáctica para que los espectadores pudieran interpretar los sentimientos que Adderley expresaba con su saxo. El 8 de agosto de 1975, en Gary, Indiana, murió a causa de un infarto.


Marta Gómez (1978) es una compositora y cantante colombiana. Desde los 4 años cantó en el coro del Liceo Belalcázar, luego se trasladó a Bogotá y en 1999 ingresa en el Berklee College of Music de Boston, donde recibe el premio de composición Alex Ulanowsky y se gradúa con honores. En el año 2005 la revista colombiana Fucsia sitúa a Marta Gómez entre las cinco colombianas más representativas del año; por otro lado es, así mismo, nominada como mejor artista en la categoría jazz latino en los Premios Billboard de la música Latina. Desde 2009 reside en Barcelona.

Marta Gómez (1978) es una compositora y cantante colombiana. Desde los 4 años cantó en el coro del Liceo Belalcázar, luego se trasladó a Bogotá y en 1999 ingresa en el Berklee College of Music de Boston, donde recibe el premio de composición Alex Ulanowsky y se gradúa con honores. En el año 2005 la revista colombiana Fucsia sitúa a Marta Gómez entre las cinco colombianas más representativas del año; por otro lado es, así mismo, nominada como mejor artista en la categoría jazz latino en los Premios Billboard de la música Latina. Desde 2009 reside en Barcelona.


R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo de dicho género. Allmusic decía: "R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo". A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. Su primer sencillo fue "Radio Free Europe" en 1981; pronto se expanden por todo el estado. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, y lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. El siguiente álbum, Monster (que hoy lo ofrecemos) fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web. La revista Rolling Stone ubicó al grupo en el puesto 97 de su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.


La Niña de La Puebla (Dolores Jiménez Alcántara: 1908-1999) fue una actriz y una de las cantaoras más grandes de flamenco que ha habido. A los tres días de nacer perdió su vista por un desgraciado accidente. Con ocho años comenzó a recibir enseñanza especial y musical. Según sus propias declaraciones decidió dedicarse al cante profesional cuando oyó cantar al Niño de Marchena. A los 20 años actuó por primera vez en un festival de Morón de la Frontera, tras lo que su carrera empezaría plena de éxitos. Estuvo casada con otro notable cantaor, Luquitas de Marchena (1913-1965) y de este matrimonio nacieron otros dos conocidos artistas del folklore andaluz: Adelfa Soto y Pepe Soto. Realizó numerosas giras por todo el estado con espectáculos que variaban anualmente y trabajó con las figuras más importantes del momento. (3-10-21)

La Niña de La Puebla (Dolores Jiménez Alcántara: 1908-1999) fue una actriz y una de las cantaoras más grandes de flamenco que ha habido. A los tres días de nacer perdió su vista por un desgraciado accidente. Con ocho años comenzó a recibir enseñanza especial y musical. Según sus propias declaraciones decidió dedicarse al cante profesional cuando oyó cantar al Niño de Marchena. A los 20 años actuó por primera vez en un festival de Morón de la Frontera, tras lo que su carrera empezaría plena de éxitos. Estuvo casada con otro notable cantaor, Luquitas de Marchena (1913-1965) y de este matrimonio nacieron otros dos conocidos artistas del folklore andaluz: Adelfa Soto y Pepe Soto. Realizó numerosas giras por todo el estado con espectáculos que variaban anualmente y trabajó con las figuras más importantes del momento. (3-10-21)


Sugerencias de videos peculiares

George Gershwin (1898 –1937), compositor estadounidense hijo de emigrantes rusos, es conocido y apreciado por haber sabido conjugar el jazz con la música clásica. Desde niño se esforzó en el estudio del piano y ya desde joven empezó a escribir sus primeras canciones llegando a estrenar en Broadway su primer musical con su hermano Ira como letrista, compañía que nunca abandonaría. A partir de los veinte años empezó a componer, además, obras pensadas para salas de conciertos con las que obtenía renombrados éxitos. A pesar de ello y consciente de sus déficits formales viajó a París a completar su formación con Stravinski, quien tras preguntarle por el dinero ganado en un año le contestó que era él quien debiera tomar clases con Gershwin. Con Ravel le sucedió algo parecido, pues le espetó aquello de “¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?” Así que al poco volvió a USA para trabajar y estrenar la ópera Porgy and Bess  perfecta fusión del jazz y góspel americanos con el sinfonismo europeo. Al poco tiempo un tumor cerebral acabó con su vida.

George Balanchine  (1940-1983) fue un maestro ruso de ballet que hizo de puente entre el ballet clásico y el moderno; uno de los principales maestros de ballet del siglo XX.

Who Cares es un ballet creado por George Balanchine sobre la música de 16 canciones de George Gershwin con la idea de mostrar la exuberancia de la vida urbana en Nueva York. La interpretación de hoy corre a cargo del New York City Ballet.


Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético. Como creador de obras maestras reconocidas en numerosos géneros musicales, es considerado uno de los principales compositores del siglo XX. Sus obras incluyen piezas tan escuchadas como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, de donde se toma la Danza de los caballeros, Pedro y el lobo... Dentro de las formas y géneros establecidos en los que trabajó, creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo y nueve sonatas para piano completadas. Graduado en el Conservatorio de San Petersburgo, Prokófiev inicialmente se dio a conocer como compositor-pianista iconoclasta y logró notoriedad con una serie de obras ferozmente disonantes y virtuosas para su instrumento, incluidos sus dos primeros conciertos para piano. Sin embargo, el mayor interés de Prokófiev fue la ópera aunque su único éxito operístico durante su vida fue El amor de las tres naranjas, compuesto para la Ópera de Chicago y posteriormente interpretado durante la siguiente década en Europa y Rusia. Tras su muerte en 1953, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguiría siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea».

Romeo y Julieta es un ballet con tres actos divididos en trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. Es una de las obras más apreciadas del compositor, sobre la base de la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales (el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones, el delicado y abundante tema de Julieta...).

Hoy presentamos una selección del ballet con el cuerpo de baile del Staatsballett de Berlin.

Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético. Como creador de obras maestras reconocidas en numerosos géneros musicales, es considerado uno de los principales compositores del siglo XX. Sus obras incluyen piezas tan escuchadas como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, de donde se toma la Danza de los caballeros, Pedro y el lobo... Dentro de las formas y géneros establecidos en los que trabajó, creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo y nueve sonatas para piano completadas. Graduado en el Conservatorio de San Petersburgo, Prokófiev inicialmente se dio a conocer como compositor-pianista iconoclasta y logró notoriedad con una serie de obras ferozmente disonantes y virtuosas para su instrumento, incluidos sus dos primeros conciertos para piano. Sin embargo, el mayor interés de Prokófiev fue la ópera aunque su único éxito operístico durante su vida fue El amor de las tres naranjas, compuesto para la Ópera de Chicago y posteriormente interpretado durante la siguiente década en Europa y Rusia. Tras su muerte en 1953, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguiría siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea».

Romeo y Julieta es un ballet con tres actos divididos en trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. Es una de las obras más apreciadas del compositor, sobre la base de la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales (el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones, el delicado y abundante tema de Julieta...).

Hoy presentamos una selección del ballet con el cuerpo de baile del Staatsballett de Berlin.


La danza en Indonesia (en indonesio, Tarian Indonesia) refleja la diversidad de los grupos étnicos del país y sus culturas. Hay más de setecientos grupos étnicos distintos en Indonesia: la raíz de los pueblos austronesios y las formas tribales melanesas son evidentes, además de un rango de influencias que se extienden de sus países vecinos en Asia e incluso en el Occidente, a través de la colonización. Cada grupo étnico tiene sus propios bailes, haciendo del total de bailes en Indonesia de más de tres mil danzas originarias. Las viejas tradiciones de danza y drama son preservadas actualmente en muchas escuelas de danza, siendo esto no sólo en las cortes, sino también en espacios administrados por el gobierno y academias de arte supervisadas.

Gemrentang Jati es una danza, que vista desde su función, se puede clasificar en una danza que funciona como presentación de una historia, porque la propia danza nos habla del Reino Majapahit en Kediri, Java (Indonesia). Observando los símbolos y movimientos, esta danza simboliza no darse por vencido fácilmente, esta opinión está respaldada por una cita de la letra de la canción que dice "No distraídos a pesar de muchos obstáculos". La danza Gemrentang Jati generalmente se realiza en grupos; el concepto de arte tomado en esta danza es el concepto de Danza Clásica Tradicional.


Alkartasuna Dantza Taldea (Grupo de Danzas Alkartasuna) se creó en el año 1976, cuando un grupo de amigos del Instituto de Bermeo, Bizkaia, dedecidió organizar una actuación con el fin de recaudar dinero para su viaje de estudios. Asimismo, este grupo de jóvenes deseaba analizar, trabajar y mostrar el folclor y la cultura vasca. Pero para eso necesitaban a alguien que les guiara. Por consiguiente, pidieron ayuda a Patxi Beitia, quien enseñaba danza en el club deportivo de Eibar. Tras cumplir el único requisito de Patxi, el de formar un grupo mixto, nació el grupo Alkartasuna Dantza Taldea. Aunque no existan muchos indicios históricos sobre el folclor vasco en Bermeo, se conoce que hace varias décadas Gil Orbe e Iñaki Larrinaga crearon un grupo de baile en la parroquia de Santa Eufemia. Además, hay constancia de que años antes también había gente que trabajaba en propagar la música y danzas vascas. El indicio más antiguo que se ha encontrado en Bermeo sobre las danzas pertenece al año 1662 y apareció entre los documentos de una parroquia: “…víspera y día de nuestra señora (…) con los dantzaris y demás fiestas que hubo…”  también aparecen datos sobre los costes de los trajes regionales: ” …dos pares de zapatos blancos para el primero y el último de los danzantes que costaron a tres reales…”. Teniendo en cuenta estos documentos, es evidente que se celebraban exhibiciones de danza durante las fiestas del pueblo, particularmente los ‘aurresku’s y las ‘soka-dantza’s. Después de la guerra civil, en la década de los 50 el número de grupos de danza incrementó de manera significativa, y estos fueron los modelos y referentes de muchas asociaciones culturales que se fundaron años después. De modo que, teniendo en cuenta la situación política de la década de los 70, la danza vasca fue una de las herramientas más poderosas para fomentar el espíritu patriota. En esta senda se sitúa la asociación cultural Alkartasuna Dantza Taldea con una falta de todo tipo de equipamientos e infraestructuras; lo que hacía muy difícil el trabajo a realizar; sin embargo, todos esos obstáculos afianzaron aún más la unión del grupo y su forma de trabajar (la creencia que nadie era superior a nadie) dieron sus frutos. Después de esos duros primeros diez años, el grupo se fortaleció y fueron capaces  de empezar a realizar nuevos proyectos, trabajando mucho para realizar nuevos bailes, y animar y reclutar a músic@s que se integraran en el proyecto. En el año 1986, nuestro grupo organizó el primer festival nacional de folclor, con Galicia y Cataluña de invitados y desde 1987, gracias a los contactos establecidos, Alkartasuna también expuso nuestro folclor en diferentes países. Transcurriendo los años, en 1994, el grupo tuvo que organizar un evento a gran escala llamado, el Bizkaiko Dantzari Eguna. En este evento todos los dantzaris de Bizkaia vienen al pueblo a exhibir los bailes regionales. Se juntaron más de 69 grupos con 3.000 dantzaris y más de 10.000 espectadores. Aparte de este evento, fueron organizadas otras muchas actividades, tales como exposiciones, conferencias… siempre con la ayuda del congreso de los dantzaris de Bizkaia y los grupos de la comarca. El año 2001 fue muy importante para el grupo, pues cumplió su vigésimo quinto aniversario, y fueron organizados muchos espectáculos. En ese mismo año fuimos galardonad@s con el premio Hegaluze que se otorga todos los años en la feria del pescado (Arrain Azoka) el 25 de Mayo, por el trabajo realizado al dar a conocer el nombre de Bermeo por toda Europa. Hoy en día el grupo de baile Alkartasuna está compuesto por más de 90 jóvenes menores de 14 y por más de 50 dantzaris y músic@s.

En el presente vídeo ofrecemos una gala de danzas vascas realizada en 2019 por la mencionada Asociación.

Alkartasuna Dantza Taldea (Grupo de Danzas Alkartasuna) se creó en el año 1976, cuando un grupo de amigos del Instituto de Bermeo, Bizkaia, dedecidió organizar una actuación con el fin de recaudar dinero para su viaje de estudios. Asimismo, este grupo de jóvenes deseaba analizar, trabajar y mostrar el folclor y la cultura vasca. Pero para eso necesitaban a alguien que les guiara. Por consiguiente, pidieron ayuda a Patxi Beitia, quien enseñaba danza en el club deportivo de Eibar. Tras cumplir el único requisito de Patxi, el de formar un grupo mixto, nació el grupo Alkartasuna Dantza Taldea. Aunque no existan muchos indicios históricos sobre el folclor vasco en Bermeo, se conoce que hace varias décadas Gil Orbe e Iñaki Larrinaga crearon un grupo de baile en la parroquia de Santa Eufemia. Además, hay constancia de que años antes también había gente que trabajaba en propagar la música y danzas vascas. El indicio más antiguo que se ha encontrado en Bermeo sobre las danzas pertenece al año 1662 y apareció entre los documentos de una parroquia: “…víspera y día de nuestra señora (…) con los dantzaris y demás fiestas que hubo…”  también aparecen datos sobre los costes de los trajes regionales: ” …dos pares de zapatos blancos para el primero y el último de los danzantes que costaron a tres reales…”. Teniendo en cuenta estos documentos, es evidente que se celebraban exhibiciones de danza durante las fiestas del pueblo, particularmente los ‘aurresku’s y las ‘soka-dantza’s. Después de la guerra civil, en la década de los 50 el número de grupos de danza incrementó de manera significativa, y estos fueron los modelos y referentes de muchas asociaciones culturales que se fundaron años después. De modo que, teniendo en cuenta la situación política de la década de los 70, la danza vasca fue una de las herramientas más poderosas para fomentar el espíritu patriota. En esta senda se sitúa la asociación cultural Alkartasuna Dantza Taldea con una falta de todo tipo de equipamientos e infraestructuras; lo que hacía muy difícil el trabajo a realizar; sin embargo, todos esos obstáculos afianzaron aún más la unión del grupo y su forma de trabajar (la creencia que nadie era superior a nadie) dieron sus frutos. Después de esos duros primeros diez años, el grupo se fortaleció y fueron capaces  de empezar a realizar nuevos proyectos, trabajando mucho para realizar nuevos bailes, y animar y reclutar a músic@s que se integraran en el proyecto. En el año 1986, nuestro grupo organizó el primer festival nacional de folclor, con Galicia y Cataluña de invitados y desde 1987, gracias a los contactos establecidos, Alkartasuna también expuso nuestro folclor en diferentes países. Transcurriendo los años, en 1994, el grupo tuvo que organizar un evento a gran escala llamado, el Bizkaiko Dantzari Eguna. En este evento todos los dantzaris de Bizkaia vienen al pueblo a exhibir los bailes regionales. Se juntaron más de 69 grupos con 3.000 dantzaris y más de 10.000 espectadores. Aparte de este evento, fueron organizadas otras muchas actividades, tales como exposiciones, conferencias… siempre con la ayuda del congreso de los dantzaris de Bizkaia y los grupos de la comarca. El año 2001 fue muy importante para el grupo, pues cumplió su vigésimo quinto aniversario, y fueron organizados muchos espectáculos. En ese mismo año fuimos galardonad@s con el premio Hegaluze que se otorga todos los años en la feria del pescado (Arrain Azoka) el 25 de Mayo, por el trabajo realizado al dar a conocer el nombre de Bermeo por toda Europa. Hoy en día el grupo de baile Alkartasuna está compuesto por más de 90 jóvenes menores de 14 y por más de 50 dantzaris y músic@s.

En el presente vídeo ofrecemos una gala de danzas vascas realizada en 2019 por la mencionada Asociación.


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.