Sugerencias de iniciación a la música clásica
Josquin des Prés (1450-1521) o Josquin Després fue un compositor franco-flamenco del Renacimiento, considerado el más famoso compositor renacentista europeo junto con Guillaume Dufay, Tomás Luis de Victoria y Giovanni Pierluigi da Palestrina. Es comúnmente considerado como la figura central de la escuela franco-flamenca y ampliamente considerado como el primer maestro del estilo de música vocal polifónica del alto Renacimiento. Durante el siglo XVI adquirió fama como el mayor compositor de la época, cuya técnica y expresión magistrales fueron universalmente imitadas y admiradas. Se le atribuyen al menos 374 obras; tanto de música sacra como laica y en todas las formas vocales significativas de la época, incluyendo misas, motetes, chansons y frottole.
El madrigal es una composición de tres a seis voces sobre un texto profano, a menudo en italiano. Tuvo su máximo auge en el Renacimiento y primer Barroco. Musicalmente reconoce orígenes en la frottola, posee una letra en lengua italiana de temática profana, armonía contrapuntística, y carácter popular; compuestos en su mayoría para voces a capella, y en algunos casos con instrumentos doblando las partes vocales. El madrigal fue la forma musical profana más importante de su tiempo. Floreció especialmente en la segunda mitad del siglo XVI, perdiendo su importancia alrededor de la tercera década del siglo XVII, cuando se desvanece a través del crecimiento de nuevas formas profanas como la ópera, y se mezcla con la cantata y el diálogo.
Edward Elgar (1857- 1934) compositor inglés nacido cerca de Worcester. A los ocho años, comenzó sus estudios de violín y piano. A los 22 años fue nombrado director de la banda del Asilo psiquiátrico de Powick; formó parte de la orquesta de los Festivales de Worcester y Birmingham llegando a interpretar la Sinfonía nº 6 y el Stabat Mater de Dvorak dirigidos por el mismo compositor. Ante la dificultad de darse a conocer en Londres, vuelve a Worcester para dirigir las bandas locales e impartir clases de música. A los 42 años escribe las Variaciones Enigma que le catapultaron como el compositor británico más importante de su época. En 1904 fue nombrado caballero en el Palacio de Buckingham; a partir de entonces recibió importantes reconocimientos y galardones.
Salut d'Amour, Op. 12, es una obra musical compuesta por Edward Elgar en 1888, originalmente para violín y piano. Elgar concluyó la pieza en 1888, como regalo de compromiso, cuando estaba comprometido para contraer matrimonio con Caroline Alice Roberts y llamó a la obra «Liebesgruss» («Saludo de amor») debido a la soltura que tenía Alice con el alemán. Fue publicada por Schott & Co. un año más tarde y se vendieron pocas copias hasta que la editorial cambió el título a Salut d'Amour, dejando «Liebesgruss» como subtítulo. La primera representación pública de la obra fue en su versión orquesta y tuvo lugar en un concierto en The Crystal Palace el 11 de noviembre de 1889, dirigido por August Manns.
Hoy nos la ofrece en su versión original de violín y piano la violinista estadounidense, de ascendencia coreana, Sarah Chang acompañada al piano por el pianista Andrew von Oeyen.
Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor y pianista noruego, considerado como uno de los principales representantes del romanticismo musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano; más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de su madre. Grieg adaptó muchos temas y canciones del folclore de su país, contribuyendo así a crear una identidad nacional noruega, al igual que hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Antonín Dvořák en Bohemia. Sus obras más importantes son: el Concierto para piano en la menor, las intimistas Piezas líricas (para piano), la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas) y, especialmente, Peer Gynt, música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama homónimo.
Peer Gynt, op 23, es una composición musical para escenografía, o música incidental, para recitadores, solistas vocales, coro y orquesta de Grieg; aunque entre el gran público se han hecho más famosas las dos suites que el propio autor escribió, la Suite n.º 1 op. 46 y n.º 2 op. 55, para la obra de teatro Peer Gynt del dramaturgo noruego Henrik Ibsen.
De esta obra incidental, hoy asistimos a la famosa Canción de Solveig en interpretación de la soprano noruega Marita Solberg (1976), cantante que ha trabajado con Marc Minkowski, Zubin Mehta, Michel Plasson y otros grandes directores de orquesta. Del 2006 al 2008 fue la cantante principal de la Staatsoper, Stuttgart. También actuó en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Teatro Real de Madrid, Komische Oper de Berlín y en la Norwegian National Opera.
Joseph Raymond Conniff (1916-2002), más conocido como Ray Conniff, fue un destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal e instrumental y trombonista estadounidense caracterizado por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó. Su afición por la música latinoamericana lo llevó a incluir grandes clásicos considerados iconos como: "Bésame mucho", "La Bamba", "El día que me quieras", "Frenesí", "Aquellos ojos verdes", "Perfidia", "Brasil", "La Múcura", "Tico Tico, "El cóndor pasa" y "Caballo viejo", entre muchos otros. Por lo mismo, Conniff se hizo muy famoso en países latinoamericanos, gracias, además, a sus constantes participaciones en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. También grabó varios éxitos del famoso cantautor Camilo Sesto en los años 1980.
Sugerencias de música clásica
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la orquesta de la Ópera. Tras tres años viajó a Florencia, y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde obtiene un gran éxito, lo que le anima a afincarse bajo la tutela de distintos mecenas. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759.
El Oratorio es un género musical dramático, a diferencia de la ópera, sin puesta en escena, ni vestuario, ni decorados. Compuesto generalmente para voces solistas, coro y orquesta sinfónica, a veces con un narrador, su tema es frecuentemente religioso (historias de la Biblia o del Evangelio, de la vida de Jesús o de las vidas de santos, etc.), pero también puede ser profano (héroes mitológicos, temas históricos, himno a la naturaleza, etc.). Sus principales características son generalmente A) Una estructura general en varias partes, frecuentemente tres, (eventualmente precedida de un preludio instrumental). B) La presencia de un narrador (exterior a la acción o identificado con un personaje). C) La alternancia entre las partes cantadas de arias y recitativos.
Judas Macabeo (HWV 63) es un oratorio en tres actos compuesto en 1746 por Händel basada en un libreto escrito por Thomas Morell. El oratorio se previó como un cumplido al victorioso Príncipe Guillermo Augusto, duque de Cumberland a su regreso de la batalla de Culloden (16 de abril de 1746). Se estrenó el 1 de abril de 1747 en el Covent Garden, y se convirtió en uno de los oratorios más populares de Händel. Hoy nos lo ofrecen el tenor Gene Stenger en el papel de Judas Macabeo, con Harvard University Choir y Harvard Baroque Chamber Orchestra bajo la batuta del maestro Edward Elwyn Jones.
Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida, fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.
El Concierto para piano y orquesta n.º 1 lo compuso Brahms en 1858 y lo estrenó el 22 de enero de 1859, en el Teatro Real de Hanóver con el propio compositor como solista y con Joseph Joachim en la batuta. Esta obra simboliza el esfuerzo de Brahms por combinar los efectos pianísticos con la orquesta, a diferencia de sus predecesores, que limitaban el papel de esta última a un mero acompañamiento del solista. En este concierto también se demuestra el interés de Brahms por escribir música particularmente interesante para la trompa y los timbales, cuyas partes son notablemente difíciles.
El concierto está estructurado en tres movimientos: I (1´27´´) MAESTOSO. II (24´00´´) ADAGIO .-. III (36´37´´) RONDÓ: ALLEGRO NON TROPPO. Hoy interpretado por el pianista finlandés Paavali Jumppanen acompañado por la filarmónica de Helsinki conducida por la maestra, también finlandesa, Susanna Mälkki.
George Enescu (1881-1955) fue un compositor, violinista, pedagogo, pianista y director de orquesta rumano, considerado uno de los más importantes músicos de su país y con una carrera profundamente vinculada a Francia. Entre los años 1888-1894 estudió en el Conservatorio de Viena, acomodándose muy rápido a la vida musical de la ciudad donde sus conciertos, en los que interpretaba obras de Brahms, Sarasate, Vieuxtemps y Mendelssohn, entusiasmaron a la prensa y al público. Tenía entonces sólo 12 años. Después de la graduación del Conservatorio de Viena, prosiguió sus estudios en el Conservatorio de París. En 1898 hizo su debut como compositor en París. El mismo año empezó a dirigir conciertos en Bucarest y a dar conciertos de violín.
Las dos Rapsodias rumanas , op . 11, para orquesta de George Enescu se escribieron en 1901 y se interpretaron juntas por primera vez en 1903; ambas emplean elementos de la música lăutărească (gitana rumana), vívidos ritmos rumanos, colores modales exóticos, con algunas escalas que tienen terceras, sextas o séptimas 'móviles', creando una atmósfera cambiante mayor/menor, una de las características de la música rumana. La esencia de la Rapsodia n.º 1 es la danza. Enescu afirmó que fueron "solo unas pocas melodías juntas sin pensar en ello", pero sus bocetos muestran que elaboró cuidadosamente el orden en que deberían aparecer las melodías y su configuración instrumental. Se completó el 14 de agosto de 1901, cuando Enescu solo tenía 19 años.
Hoy nos la ofrece la Filarmónica Nacional de Moldavia bajo la batuta de la maestra canadiense Silvia Tabor.
Silvestre Revueltas Sánchez (1899-1940) fue un compositor mexicano modernista de música sinfónica de la primera mitad del siglo XX, violinista y director de orquesta. Nombrado por Carlos Chávez director asistente de la Orquesta Sinfónica de México, le costó dedicarse a la composición debido a su falta de autoestima y a que por causa de sus ideas izquierdistas fue largamente arrinconado por la sociedad mexicana. Viajó a España en plena Guerra civil como apoyo personal al republicanismo y a su regreso escribe Sensemayá. En la actualidad está considerado como uno de los compositores más influyentes de México, por el alcance y originalidad de su música de cámara y de ciertas obras que se han vuelto una parte muy importante del repertorio orquestal.
Sensemayá (canto para matar a una culebra) es un poema sinfónico basado en el poema homónimo del poeta cubano Nicolás Guillén (11-10-21). Con Sensemayá, Revueltas consiguió alcanzar uno de los puntos más altos en su producción musical, en una partitura rítmicamente compleja y llena de texturas ásperas y directas. Todo comienza con un ambiente ondulante, misterioso, como adentrándose al mismo ritual para darle muerte a la serpiente. La tuba se alza vigorosa con la melodía central en una rítmica de 7/8. Más adelante las trompetas con sordina y algunos vientos de madera retoman el discurso de la tuba y la van transportando a diversos rangos de expresión dinámica y rítmica.
Hoy lo podemos disfrutar en versión de Gustavo Dudamel (1981), director de orquesta venezolano. Este joven maestro surgió del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, donde ingresó a los cuatro años realizando sus estudios de violín, composición y dirección de orquesta. En la actualidad es el titular de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar y está considerado, a pesar de su juventud, como uno de los mejores directores del mundo.
Sugerencias de música para todos los gustos
Esbjörn Svensson Trio (también conocido como E.S.T.) fue un grupo musical sueco cuyo estilo principal fue el jazz. Se fundó en 1993 y estuvo formado por el líder Esbjörn Svensson (piano), Dan Berglund (bajo) y Magnus Öström (batería). E.S.T. eran conocidos por su innovador estilo y tuvieron un gran reconocimiento mundial, tanto entre la crítica y expertos como en ventas. A pesar de que su nombre hace referencia al nombre del pianista y fundador, el grupo se definió a sí mismo como "una banda de pop que toca jazz". Además, rompió con la tradición de tener un líder en la banda a favor de la igualdad entre sus miembros. Actuaban en locales de jazz, así como en escenarios típicos de bandas de rock, empleando efectos con humo e iluminación.
Rosario Flores (1963) es una cantante, compositora y actriz española de origen gitano. Es la hija menor de Antonio González, "El Pescaílla", y de la mítica artista Lola Flores, "La Faraona", hermana de la actriz y cantante Lolita Flores y del cantautor Antonio Flores , también es sobrina de la cantante Carmen Flores, así como tía de las actrices Elena Furiase y Alba Flores. Ha sido la ganadora del Grammy Latino al mejor álbum vocal pop femenino, en las ediciones de 2002 y 2004 por sus trabajos Muchas flores y De mil colores, respectivamente. Según acreditan los Productores de Música de España, cuenta con doce discos de platino y tres discos de oro. A lo largo de su carrera ha vendido más de 2 millones de discos. En 2020 recibió la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes.
Yuri (1964) es una cantante, actriz y presentadora de televisión mexicana. Su calidad vocal y versatilidad le permiten interpretar distintos géneros musicales, como pop, balada, dance, ranchera, cumbia y regional mexicano, entre otros. Alcanzó reconocimiento a partir de su participación en el Festival OTI de la Canción, en 1980. En 1981, con su álbum Llena de dulzura y su sencillo Maldita primavera adquirió el éxito internacional en Latinoamérica y España y se convirtió en la primera cantante latinoamericana en ganar discos de oro en Europa. Ha lanzado más de 30 discos de estudio, y ha vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo. En 2018, la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación galardonó a Yuri con un Premio Grammy a la excelencia musical.
Seeed (1998) Es una banda alemana de Reggae compuesta por tres cantantes, ocho instrumentistas y un DJ y emplea un amplio abanico de instrumentos en sus composiciones. Sus influencias pasan desde el reggae hasta por el rap y hip hop, abarcando varios estilos.En 2001 publican su primer álbum que les vale para popularizarse en los medios alemanes. En 2003 lanzan su segundo álbum con una versión para el público alemán y una segunda versión para el consumo extranjero. Desde entonces ha obtenido 5 discos de oro, ha sido galardonado con importantes premios y ha intervenido en renombrados festivales nacionales e internacionales.
Sugerencias de videos peculiares
Príncipe Igor (Князь Игорь / Knyaz' Igor') es una ópera de Alexander Borodin, inspirada en la campaña del príncipe Igor de Kyiv contra los polovtsy o cumanos de Khan Kontckak, según un poema épico del siglo XII, "El cuento de la campaña de Igor ". Ópera inconclusa cuando Borodin murió en 1887, fue completada por Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexander Glazunov y estrenada el 4 de noviembre de 1890 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Las famosas danzas polovtsianas, que hoy ofrecemos, tienen lugar al final del Acto 2, en el campo de Kontchak donde Igor está prisionero.
Don Quijote es un ballet con prológo y cuatro actos de Ludwig Minkus y coreografía y libreto de Marius Petipa, que sería estrenado en 1869 en el Teatro Bolshói, con enorme éxito tanto de la crítica como del público; ballet cuyo argumento se basa en la novela de Miguel de Cervantes y en particular en las «bodas de Camacho» (Gamache en el ballet), episodio narrado en el capítulo XIX de la segunda parte, en el que se relata el romance entre el barbero Basilio y la joven Quiteria (Kitri en el ballet).
Hoy ofrecemos unos fragmentos en interpretación de la bailarina rusa Maya Plisetskaya (1925-2015) una de las máximas bailarinas de ballet del Teatro Bolshói y uno de los símbolos indiscutibles de la danza clásica, a la cual se le otorgó el título de prima ballerina assoluta.
Dentro de lo que es la Danza Vasca, el Fandango de ritmo ternario y el Arin-Arin de ritmo binario forman el conjunto de danzas más habituales en las fiestas del País Vasco. Ambas danzas bailadas por parejas mixtas tienen cierta similitud con otras danzas similares del estado y con la pavana binaria y la gallarda ternaria que ya se bailaban en el Renacimiento.
El fandango vasco tiene ritmo ternario, escrito en compás de 3/8, y presenta frases cuadradas, organizadas en módulos de ocho compases. Cada paso se extiende por dieciséis compases, y las frases musicales se organizan conforme a ellos, siendo a veces de dieciséis compases, muchas de ocho compases repetidos, y casi siempre organizadas en antecedente y consecuente. Normalmente se bailan tres pasos diferentes, pero en Navarra es muy corriente realizar también un cuarto.
Pisada do Sertão nació en 2004, en la pequeña ciudad brasileña de Poço de José de Moura, en el interior de Paraíba, en un territorio frágil, desacreditado y muy vulnerable, donde las personas se limitaban a vivir en un ciclo de vida marcado por la pobreza, la exclusión, escasez de recursos y oportunidades. La organización inició sus actividades con la formación de un grupo de danza regional formado por adolescentes y jóvenes que buscaban encontrar en la danza una oportunidad para resignificar su condición de ociosidad y vulnerabilidad social. Pisada do Sertão ha llegado a reconocer la cultura como un instrumento de inclusión y desarrollo social, y actualmente se destaca en todo el escenario sertanejo y nororiental por su importancia para el territorio en el que actúa. (Texto extractado del pie del video)
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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