El 22 de Abril se celebra el Día de la Tierra
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Antón García Abril (1933- 2021) fue un compositor y músico español, autor de música orquestal, música de cámara, obras vocales y bandas sonoras para películas y series de televisión. Nace en Teruel en 1933 y fue su padre, músico de banda, quien le enseñó solfeo y además lo metió en su banda de música. «Después me compraron un piano y fue cuando descubrí otro mundo». Comenzó sus estudios de música en los conservatorios de Valencia y Madrid, tras lo cual se marchó al extranjero para completar su formación. Entre 1974 y 2003 fue catedrático de Composición y Formas Musicales del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Tras recibir importantes galardones nacionales falleció el 17 de marzo de 2021 en Madrid, a los 87 años de edad por COVID-19.
El hombre y la Tierra es una serie televisiva sobre naturaleza, producida por Televisión Española y dirigida por el naturalista Félix Rodríguez de la Fuente. Fue emitida desde el 4 de marzo de 1974 hasta el 20 de junio de 1981 y repuesta desde el 12 de marzo de 2009 hasta el 24 de septiembre de 2012. Esta serie es una obra de referencia para documentales sobre naturaleza tanto en España como en el extranjero —la serie se distribuyó por varios países— y en su tiempo, inauguró una nueva forma de documentación. Hoy presentamos la música de la sintonía que abría el programa compuesto por Antón García Abril.
Henry Purcell (1659-1695) está considerado como uno de los mejores compositores ingleses de la historia. Escribió todo tipo de obras corales e instrumentales, tanto sacras como profanas, entre las que brilla la ópera Dido and Aeneas. Tras la muerte de su padre y a instancias de su tío fue admitido como miembro del coro de la Capilla del Rey donde iniciaría sus primeros estudios. A los 17 años es nombrado ayudante organista de la Abadía de Westminster; a los 23 años es nombrado organista titular, momento a partir del cual y durante seis años sólo escribe obras sacras hasta que a partir de 1689 escribe distintas óperas. En su obra se aprecia la influencia francesa e italiana dentro de lo que sería un estilo propio de barroco británico. Muere a los 36 años en el cénit de su carrera.
Dido's Lament (El Lamento de Dido) es el nombre de la famosa aria de la ópera Dido y Eneas compuesta por Henry Purcell, con libreto de Nahum Tate; también se le llama "When I am laid in earth" (Cuando yazca en la tierra). El héroe troyano Eneas deja la ciudad de Cartago a pesar del amor compartido con la reina Dido. Ella, sabiendo que no puede vivir sin Eneas, decide suicidarse inmolándose en una hoguera. Irónicamente, el camino que toma el barco de Eneas es iluminado por este fuego. Dido dice sus últimas palabras a su leal doncella, Belinda, antes de morir. El aria, escrita en forma de lamento chacona, es cantada por una soprano (en la versión que ofrecemos), un contratenor o mezzosoprano.
Jessye Norman (1945- 2019) fue una cantante de ópera estadounidense con registro de soprano, poseedora de una potente voz e imponente presencia en el escenario, tanto de ópera como de conciertos y recitales. Fue considerada como una de las sopranos dramáticas más populares y respetadas de su generación. Se presentó en los papeles protagónicos de las óperas más importantes del mundo, destacándose particularmente en obras de Berlioz, Wagner y lieder de Strauss. En 1984, ganó el premio Grammy a la mejor interpretación vocal clásica, el primero de los cinco premios Grammy que obtendría durante su carrera. Además de varios doctorados honorarios y numerosos e importantes reconocimientos, fue miembro de la British Royal Academy of Music.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo, sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales. Frecuentemente, al final del primer y/o tercer movimiento, l@s solistas disponen de una cadencia sin acompañamiento orquestal con la que poder hacer gala de su virtuosismo.
Hoy ofrecemos el tercer movimiento del único concierto para violín y orquesta escrito por Beethoven en interpretación de la violinista alemana Anne-Sophie Mutter acompañada por la Boston Symphony Orchestra conducida en esta ocasión por el maestro japonés Seiji Ozawa.
El vals (del germanismo Walzer, término proveniente del verbo alemán walzen, 'girar, rodar') es un elegante baile de salón, documentado en su forma definitiva desde finales del siglo XVIII. Es la evolución de una danza antigua del siglo XII, originaria del Tirol (Austria) y del sur de Alemania. El vals conquistó su rango de nobleza en Viena durante los años 1760, expandiéndose rápidamente a otros países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte o volta, danza de baile en 3 tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII, cuando este baile se introdujo en la ópera y en el ballet. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4 con el primer tiempo fuerte y el segundo y tercero, débiles.
Los mejores valses de Strauss y Chaikovski. I (0´00´´) BLUE DANUBE - (El danubio azul) J. Strauss .-. II (7´58´´) WALTZ OF THE FLOWERS - (Vals de las flores) Tchaikovskky .-. III (14´48´´) VIENNA BLOOD WALTZ (Sangre vienesa, vals) - J. Strauss .-. IV (21´36´´) TALES FROM THE VIENNA WOODS WALTZ (Cuentos de los bosques de Viena, vals)- J. Strauss .-. V (30´34´´) VOICES OF SPRING WALTZ (Voces de la primavera, vals)- J. Strauss.-. VI (37´06´´) SERENADE FOR STRINGS IN C MAJOR (Serenata para cuerdas)- Tchaikovsky .-. VII (40´45´´) EMPEROR WALTZ (Vals del emperador)- J. Strauss .-. VIII (43´46´´) SLEEPING BEAUTY WALTZ (Vals de la bella durmiente) - Tchaikovsky .-. IX (47´37´´) SWAN LAKE WALTZ (El lago de los cisnes, vals) - Tchaikovsky
Sugerencias de música clásica
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
La Sonata en un principio era una composición escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser “cantada” por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) su definición se ajusta a una obra estructurada generalmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido) y a veces cuatro, con una pequeña introducción o sin ella. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) exposición de los dos temas principales y contrastantes, b) desarrollo de ambos temas, c) reexposición o recapitulación. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de las sonatas, cuartetos, sinfonías y conciertos.
Anne-Sophie Mutter (1963) es una violinista alemana que ya a los trece años fue invitada por el director Herbert von Karajan a tocar con la Orquesta Filarmónica de Berlín y al año siguiente hizo su debut en el Festival de Salzburgo a las órdenes de Daniel Barenboim. Ha sido galardonada con importantes reconocimientos en Alemania, Francia, España y Suecia y varios premios Grammy. En la actualidad está considerada como una de las violinistas mas eminentes. Hoy nos ofrece la Violinsonate KV 547 de Mozart acompañada al piano por su inseparable colaborador Lambert Orkis.
Franz Schubert (1797-1828) fue un compositor austríaco que a los 11 años fue admitido como miembro del coro de la Capilla Imperial de Viena en la que tuvo como profesor a Salieri. En esa época lo que reportaba dinero era el teatro, la ópera, género en el que nunca logró sobresalir; así que se volcó en los lieder (canciones), entre los que hay que destacar su Ave María y el conjunto de lieder La Bella Molinera. A pesar de morir a los 31 años, dejó escritas más de 1.500 obras entre numerosas piezas de piano y de música de cámara, 8 sinfonías, obras concertantes, música incidental, música sacra (entre otras, 7 Misas, 1 Oratorio y 1 Réquiem), varios singspiel (pequeñas operetas), algo de ópera y más de 600 pequeñas obras vocales, fundamentalmente los lieder citados.
Mass No. 6, D 950 (Misa nº 6), clasificada habitualmente como Missa Solemnis, es una misa compuesta por Franz Schubert, unos meses antes de su muerte. Fue compuesta en respuesta a una solicitud de Michael Leitermayer, maestro de coro de la Iglesia de la Santísima Trinidad de Alserkirche, Viena. La influencia de Beethoven se siente en la "ambiciosa arquitectura coral y orquestal"; mientras las referencias a las fugas de Bach están presentes en el Gloria y el Agnus Dei. La presente misa y la anterior en la bemol mayor se consideran las "misas tardías" de Schubert, que se distinguen de sus cuatro primeras misas por su "postura musicalmente interpretativa de las palabras", además de que Schubert comenzó a aprovechar una maduración en sus capacidades técnicas junto con su experiencia en la composición.
Estructura de la Misa: I () KYRIE, Andante con moto, quasi Allegretto .-. II (5´38´´) GLORIA, Allegro moderato e maestoso .-. III (17´10´´) CREDO, Moderato .-. IV (30´45´´) SANCTUS, Adagio .-. V (34´02´´) BENEDICTUS , Andante .-. VI (39´07´´) AGNUS DEI. Hoy lo podemos ver en versión de Christina Landshamer soprano, Marie-Claude Chappuis contralto, Maximilian Schmitt tenor, Sebastian Kohlhepp tenor, Florian Boesch bas junto con el Gran Coro de Radiodifusión y la Orquesta Filarmónica de la Radio conducid@s tod@s ell@s por el maestro belga Philippe Herreweghe.
Louise Farrenc, (1804-1875) fue una compositora, pianista y profesora francesa, que realizó sus estudios de piano con Anne Soria, luego con Antoine Reicha, profesor del Conservatorio de París, quien le enseñó escritura musical (armonía, contrapunto) y más tarde con Ignaz Moscheles y Johann Nepomuk Hummel. Farrenc enseñó piano en el Conservatorio de París, donde terminó recibiendo un salario igual al de sus compañeros varones. Por otra parte, recibió el apoyo de los mejores músicos de su tiempo, como el violinista Joseph Joachim y recibió dos veces el Premio Chartier del Instituto de Francia, destinado a recompensar las mejores composiciones de música de cámara, en 1868 y 1869. Falleció el 15 de septiembre de 1875 y fue enterrada en el cementerio de Montparnasse.
Klavierquintett nº 1. De los dos quintetos para piano y cuarteto de cuerda que Farrenc escribió, hoy tenemos el gusto de ofrecerles el nº 1 estruturado en cuatro movimientos: I (0´02´´) ALLEGRO (escrito en forma sonata, comienza en La menor y termina en La mayor) .-. II (11´30´´) ADAGIO NON TROPPO (escrito en Mi mayor y en forma "A-B-A-C-A-B-A" con una coda adicional) .-. III (17´48´´) SCHERZO. Presto (escrito en La menor y en forma ternaria, con una sección de "Trío" en La mayor) .-. IV (21´20´´) FINALE. Allegro (escrito en forma sonata en La menor).
Hoy lo ofrecemos en versión de Berit Cardas violín, Klaus Christa viola, Bjørg Værnes Lewis violoncello, Leon Bosch contrabajo y Akiko Shiochi piano.
Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta austríaco nacido en Kaliště, actualmente Chequia, considerado como uno de los compositores más eminentes del posromanticismo. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; a ello hay que añadir la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado y la larga duración de sus sinfonías; si a esto añadimos que tuvo enfrente a determinada prensa antisemita debido a sus orígenes judíos, no es de extrañar que sus composiciones no tuvieran el éxito merecido en vida.
Das Lied von der Erde (La Canción de la Tierra) es un ciclo de canciones (lied) en forma de sinfonía, un trabajo en gran escala para dos solistas vocales y orquesta escrito por el compositor austríaco Gustav Mahler y estructurado en seis movimientos: I (0´00´´) DAS TRINKLIED VON JAMMER DER ERDE (La canción báquica de la miseria terrenal) .-. II (8:35) DER EINSAME IM HERBST (El solitario en otoño) .-. III (19´05´´) VON DER JUGEND (De la Juventud) .-. IV (22:15) VON DER SCHÖNHEIT (De la Belleza) .-. V (30´04´´) DER TRUNKENE IM FRÜHLING (El borracho en Primavera) .-. VI (34´32´´) DER ABSCHIED (La despedida).
Hoy la ofrecemos en versión de la mezzosoprano Christa Ludwig y el tenor René Kollo acompañad@s por la Filarmónica de Israel conducid@s por el maestro Leonard Bernstein.
Sugerencias de música para todos los gustos
Cannonball Adderley (1928-1975) fue un saxofonista de jazz, encuadrado estilísticamente en el hard bop y el soul jazz. Musicalmente, su primer trabajo fue el de director de orquesta juvenil en Florida. Durante un viaje a Nueva York en 1955, se unió al grupo del bajista Oscar Pettiford. En 1957 se unió al quinteto del trompetista Miles Davis; un año más tarde participó en la grabación de uno de los discos más importantes de la historia del jazz, Kind of Blue, con Davis, Chambers, Coltrane, además de Jimmy Cobb en la batería y Wynton Kelly y Bill Evans en el piano. En 1958 grabó el disco que dejará su nombre de líder de jazz en la historia: Somethin' Else, un disco con un quinteto de lujo que incluyó a Davis en la trompeta, Hank Jones en el piano, Sam Jones en el bajo y a Art Blakey en la percusión.
Rocío Dúrcal (de nombre verdadero María de los Ángeles de las Heras Ortiz, 1944- 2006) fue una cantante y actriz española. Como cantante, se especializó en varios géneros musicales, pero sería gracias a la música ranchera cuando su carrera obtendría mayor reconocimiento y exposición hasta llegar a ser conocida como La Reina de las Rancheras. En 1977 conoce al compositor y cantante mexicano Juan Gabriel y decide grabar un álbum entero con sus éxitos en ritmo de ranchera, que obtiene un gran éxito que ya no cesará con las posteriores grabaciones. Sus discos lograron posicionarse con gran éxito dentro de la industria musical, convirtiéndose en una de las cantantes de habla hispana con mayores ventas dentro de la misma. En 2005, un año antes de su muerte, recibió el Grammy Latino a la excelencia musical.
Cesária Évora (1941–2011) fue una cantante caboverdiana conocida con el sobrenombre de «la Reina de la Morna» y como «la diva de los pies descalzos», debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios, en solidaridad con los sin techo y las mujeres y niños pobres de su país. Comenzó a cantar en bares y hoteles a los 16 años contándonos la larga y amarga historia de aislamiento del país y del comercio de esclavos, así como de la emigración, ya que se dice que el número de caboverdianos que viven en el exterior es mayor que la población total del país. En 2004 ganó el premio Grammy al Mejor álbum contemporáneo de World Music por Voz d'amor. En 2007 el presidente de Francia Jacques Chirac le otorgó la medalla de la Legión de Honor.
Dámaso Pérez Prado (1916 - 1989), conocido como el "Rey del Mambo", fue un músico, compositor y arreglista cubano nacionalizado mexicano. Estudió música en su Cuba natal y trabajó en diversas orquestas de La Habana en los años 1940. Hábil pianista y conocedor a fondo del teclado, ha sido considerado por expertos críticos como uno de los mejores en este género de la música popular. Es conocido sobre todo por sus aportes al género del mambo, que tiene sus orígenes en el danzón cubano y que daría pauta al surgimiento y desarrollo del chachachá, así como también de la música surgida a finales de la década de 1950 y conocida luego, desde principios de los años 1970 como salsa. No fue el creador del ritmo, que ya se tocaba en La Habana de finales de los años treinta, pero sí su mayor difusor a nivel internacional.
Hoy nos visita la Orquesta Juvenil de New Brunswick bajo la dirección de Antonio Delgado con el Mambo potpourri de Pérez Prado.
Sugerencias de videos peculiares
Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia, escrito conjuntamente con Léon Minkus; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos.
Coppélia es un ballet sentimental y cómico, en tres actos, con coreografía original de Arthur Saint-Léon para un libreto de ballet de Saint-Léon y Charles Nuitter y música de Léo Delibes. Está basado en una historia macabra de E. T. A. Hoffmann titulada Der Sandmann (El hombre de arena). El ballet se estrenó el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de París. La historia trata acerca de un inventor misterioso, el Doctor Coppélius, que tiene una muñeca danzante de tamaño real. Parece tan real que Franz, un pueblerino, se enamora de ella, dejando de lado a su verdadero amor, Swanilde, que en el Acto II le muestra su locura, al vestirse como una muñeca y pretender cobrar vida. Hoy ofrecemos la versión íntegra coreografiada en interpretación del Gran Ballet Clásico de Moscú.
La mágica y versátil voz de soprano de Maite Itoiz, junto a la encantadora voz de John Kelly, acompañadas con sus propios instrumentos; arpa celta, flautas, rabel, guitarras, instrumentos vascos, poesía y un selecto repertorio lleno de magia y tradición ancestral.
Aralar, uno de los lugares más misteriosos de Euskal Herria, en las montañas del antiguo reino de Navarra, rodeado de una naturaleza espectacular, megalitos y leyendas de dragones y ángeles, se encuentra un antiguo templo construido sobre una cueva; San Miguel de Aralar fue la elección de la Televisión Vasca EITB para filmar un concierto completo de Maite Itoiz & John Kelly. Las grandes cifras de público animaron el lanzamiento de este disco, con el ancestral euskera como punto central, compartiendo también protagonismo con la maravillosa música sefardí, el renacimiento inglés, el folklore bretón y composiciones propias. Como invitados, la exitosa autora Toti Martínez de Lezea lee extractos de sus libros, y el músico Ivan Allué toca txistu, txalaparta y gaitas, creando un ambiente único. (comentario a pie del presente vídeo)
ShakeUp Music recompuso el dúo de la Flauta mágica "Papageno/Papagena" en un colorido aria de aves de Mozart. Escuche una tormenta de Twitter audiovisual realizada por nuestros compañeros emplumados. (Extractado del comentario a pie del presente vídeo)
"... La idea con Human era crear canciones que reflejaran la misma emoción generada por las entrevistas. Quería que las cosas se abrieran, que se abriera el corazón, que la tristeza fuera sin freno. Human ha sido uno de esos raros momentos en mi vida como compositor de películas durante el cual pude expresar todas estas diferentes culturas al mismo tiempo: ya sea trabajando en canciones minimalistas o reuniéndome con estos cantantes y músicos que vienen de todo el mundo. ¿Qué nota produje primero? Tenía más en mente una visión global, una atmósfera que se fusionaría con la película y que uniría a las personas; este fue mi punto de partida. La parte que creé para la secuencia de Mongolia (21´25´´) podría ser el mejor resumen de la atmósfera que quería que tuviera la película ...” Armand Amard, compositor de Música Humana.
I (0´27´´) Caras .-. II (4´33´´) Flamencos .-. III (6´18´´) Tenues .-. IV (8´00´´) Presa en China .-. V (10´46´´) Perdón .-. VI (12´20´´) Castells .-. VII (15´14´´) Nepal .-. VIII (17´33´´) Arrozales .-. IX (21´25´´) Mongolia .-. X (25´10´´) Tormenta de Humanos .-. XI (29´00´´) Shakuhachi .-. X (33´) Arando .-. XI (36´) Esfuerzo .-. XII (39´26´´) Inmigración .-. XIII (45´35´´) Haiti .-. XIV (48´10´´) Pepe Mujica .-. XV (51´40´´) La Iglesia Oculta .-. XVI (55´10´´) Infancia .-. XVII (59´48´´) Nadar en China .-. XVIII (1h 04´46´´) CODA Human I
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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