El día 9 de Abril la Iglesia Católica celebra el Domingo de Resurrección.
El día del Domingo de Resurrección el Pueblo vasco celebra el Aberri Eguna (día de la Nación Vasca)
El día 14 de Abril de 1931 se proclamó la segunda República española
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco (1600-1750). Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la Orquesta de la Ópera. Pasados tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se afinca bajo la tutela de distintos mecenas. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759.
El Alleluia de Haendel pertenece al final de la segunda parte del Oratorio El Mesías basado en una reflexión extendida sobre Jesús de Nazaret como el Mesías llamado Cristo. La estructura de tres partes de la obra se aproxima a la de las óperas de tres actos de Händel, con las «partes» subdivididas en escenas, donde cada escena es una colección de números individuales que toman la forma de recitativos, arias y coros. La segunda parte se concentra en la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo y termina precisamente con el coro «Alleluia» que hoy ofrecemos, conducida por Emmanuelle Haïm (1962) clavecinista y directora especializada en música barroca, que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC.
El Aberri Eguna («Día de la Patria» en euskera, en referencia a la patria vasca) es una celebración festiva del nacionalismo vasco de derechas y de izquierdas que se convoca anualmente el día del Domingo de Resurrección. Dicha celebración, creada por el Partido Nacionalista Vasco en 1932, se celebra en todo el País Vasco (comunidades autónomas de Euskadi, Navarra y País Vasco en Francia), además de por la diáspora vasca repartida en el mundo. La primera celebración se realizó en Bilbao en 1932; fue prohibida tras la guerra civil española de 1936 y comenzó a celebrarse de nuevo en 1964.
José María Iparragirre (Urretxu, Gipuzkoa,1820- 1881) fue un conocido bertsolari (improvisador de versos) y músico popular, que tuvo una vida bohemia y aventurera; de ahí su apelativo de el bardo vasco, imagen que apoyaba con una inseparable guitarra y la improvisación de cantos y bertsos. Su obra, escrita mayoritariamente en euskera, recoge algunas de las canciones más significativas y populares del País Vasco. Considerado por las autoridades de su tiempo como un peligroso “agitador de masas”, padeció cárcel y destierro, residió durante 19 años en Argentina y Uruguay, y a su vuelta se ganaba la vida con los recitales que ofrecía por todo el País Vasco. Falleció a causa de una pulmonía en su pueblo natal de Urretxu, donde está enterrado.
El árbol de Gernika es un ejemplar de roble (Quercus robur) situado delante de la Casa de Juntas en la localidad vizcaína de Gernika. Este árbol simboliza las libertades tradicionales de Bizkaia y por extensión las de todo el Pueblo Vasco.
Gernikako arbola, la canción más conocida de Iparragirre, es un zortziko en homenaje al Árbol de Gernika y a los fueros vascos que representa. La canción fue estrenada en el Café de San Luis de Madrid 1853, acompañado al piano por el maestro Juan María Blas de Altuna. El zortziko se repitió una y otra vez entre los más espontáneos bravos y aplausos; aquella misma noche lo aprendieron de memoria todos los vascos que asistían a la memorable velada, y a última hora el Gernikako arbola era cantado en coro por cincuenta, sesenta o más voces, mientras Iparraguirre y Altuna eran objeto de una verdadera ovación.
Himno de Riego es la denominación que recibe el himno que cantaba la columna volante del teniente coronel Rafael del Riego tras la insurrección de éste contra el rey de España Fernando VII el 1 de enero de 1820 en Las Cabezas de San Juan (provincia de Sevilla), cuyo texto es de Evaristo Fernández de San Miguel y música de autor desconocido, aunque alguna versión le atribuye autoría a José Melchor Gomis. Fue utilizado como Himno nacional de España durante el Trienio Liberal (1820-1823), la Primera República (1873-1874) y la Segunda República (1931-1939), que incluso en el exilio mantuvo su uso hasta su propia disolución. La versión que hoy ofrecemos nos la ofrece la Orquesta Internacional de Praga.
Nana Mouskouri (en griego Νάνα Μούσχουρηe, 1934) es una cantautora griega, particular por ser una de las solistas con mayores ventas en la historia, con más de 300 millones de discos, casetes y CDs.
En 1959 se inician los triunfos para Nana, gracias a sus experiencias con diversos géneros musicales (Pop, Jazz, Folclórica, Clásica, Gospel, etc.). Obtuvo numerosos e importantes premios nacionales e internacionales convirtiéndose en una celebridad mundial, con canciones en griego, inglés, francés, español, italiano, latín, alemán, hebreo y japonés. Reprobó públicamente la dictadura militar griega y apoyó la democracia hasta su restitución en 1974. Su amor por los niños la llevó a ser embajadora de la UNICEF en 1993, y luego a representar a Grecia en el Parlamento Europeo en 1994.
El coro Va pensiero que hoy ofrecemos pertenece al tercer acto de la ópera Nabucco, para much@s crític@s la obra maestra de Verdi. Es el Coro de los Esclavos Hebreos capturados por Nabucodonosor y llevados a Babilonia donde recuerdan con melancolía los días felices que disfrutaban de la libertad en su país natal. Y era precisamente este coro el que cantaban l@s patriotas italianos ansios@s de la unidad y soberanía de Italia cuando estaba dominada por el Imperio Austríaco y es éste también, el coro que hoy nos canta Nana Mouskouri en una versión adaptada a sus características.
Sugerencias de música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán, nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia. En 1703 obtiene su primer trabajo en Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven, su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin … y otros muchos renombrados compositores.
El Oratorio de Pascua, BWV 249 es un oratorio escrito por Johann Sebastian Bach, cuya primera versión se completó como una cantata para el Domingo de Resurrección en Leipzig, el 1 de abril de 1725, bajo el título Kommt, gehet und eilet. Se le dio el carácter de oratorio y un nuevo título en una revisión de 1735. En otra versión posterior de fines de la década de 1740, el tercer movimiento fue ampliado de un dúo a un coral en cuatro partes. A diferencia del Oratorio de Navidad, no tiene narrador, sino cuatro personajes asignados a cada una de las voces: Simón Pedro (tenor) y Juan el apóstol (bajo), aparecen en el primer dueto apresurándose hacia la tumba de Jesús, que la encuentran vacía. Encuentran allí a María Magdalena (alto) y «la otra María», María de Cleofás (soprano).
Carl Maria von Weber (1786-1826) fue un compositor alemán. Desde muy niño aprendió a cantar y a tocar el piano y a los 12 años recibió en Salzburgo clases gratuitas de Michael Haydn, hermano de Joseph Haydn. En 1812 murió su padre y al año siguiente fue nombrado director de la Orquesta de Praga y posteriormente de la de Dresde, mientras trabajaba en su ópera más famosa Der Freischütz (El cazador furtivo); compuso, también, otras dos óperas Euryanthe y Oberon; las tres óperas son consideradas por much@s crític@s como obras maestras del género escénico. Compuso además de otras óperas, numerosas canciones, obras para piano, obras de cámara, dos sinfonías, varias oberturas, conciertos y obras concertantes para distintos instrumentos, tres misas y ocho cantatas.
El clarinete es un instrumento musical de la familia de los instrumentos de viento-madera con caña simple (el oboe y el fagot utilizan cañas dobles). Dentro de la orquesta, se encuentra en la sección del viento-madera, junto a la flauta, el oboe, el saxofón y el fagot. El timbre del clarinete es rico en matices y posibilidades expresivas. Junto a la flauta y el violín es el instrumento más ágil de la orquesta; puede emitir cualquier matiz extremo en cualquiera de sus registros, lo que hace de este instrumento una voz sumamente versátil.
Partes del clarinete. Boquilla: es la pieza donde va colocada la caña y el instrumentista coloca la boca para realizar la embocadura. La caña es una tira fina de un material (suele ser madera) que gracias al viento que se produce cuando sopla el instrumentista la caña vibra produciendo un sonido en el instrumento. Barrilete: es el elemento que articula la boquilla con el cuerpo superior del instrumento. Cuerpo superior: es donde se coloca la mano izquierda al tocar y posee parte del mecanismo del instrumento. Cuerpo inferior: es donde se coloca la mano derecha al tocar y posee parte del mecanismo del instrumento. Campana: Situada en la parte inferior y cumple una función acústica que permite la proyección del sonido durante la ejecución
Jesús Guridi (1886-1961) nació en Vitoria-Gazteiz en una familia musical. Tras trasladarse la familia a Madrid, Guridi ingresó en el Conservatorio; sin embargo, no les fue bien la economía a l@s progenitores/as, por lo que se movieron a Bilbao, donde gracias al mecenas, el Conde de Zubiría, pudo trasladarse a París e ingresar en la Schola Cantorum para estudiar piano, órgano, contrapunto y composición. Tras terminar sus estudios, pasó por Bélgica, Colonia y Munich para profundizar en los mismos. De vuelta a Bilbao, ya con 21 años, se hace cargo, como director, de la Sociedad Coral de Bilbao, trabajo que compagina con el de organista en la Basílica (ahora, Catedral) de Santiago. En 1939 vuelve a Madrid, como director del Conservatorio, donde fallecería a los 75 años.
La obra las Diez melodías vascas fue estrenada el 12 de diciembre de 1941, en el Cine Monumental de Madrid, por la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Jordá; sus diez melodías son: I (0´33´´) NARRATIVA .-. II (1´55´´) AMOROSA .-. III RELIGIOSA (4´32´´) .-. IV (7´07´´) EPITALÁMICA .-. V (8´20´´) DE RONDA .-. VI (9´22´´) AMOROSA .-. VII (13´16´´) DE RONDA .-. VIII (14´40´´) DANZA .-. IX (16´58´´) ELEGÍACA .-. X (19´47´´) FESTIVA . Hoy podemos escucharla en versión de la Orquesta Sinfónica de Euskadi bajo la conducción del maestro granadino Miguel Ángel Gómez Martínez
George Gershwin (1898-1937) fue compositor estadounidense apreciado por haber sabido conjugar el jazz con la música clásica. Desde joven empezó a escribir sus primeras canciones llegando a estrenar en Broadway su primer musical con su hermano Ira como letrista, compañía que nunca abandonaría. A partir de los veinte años empezó a componer, obras pensadas para salas de conciertos con las que obtenía renombrados éxitos. Consciente de sus déficits formales viajó a París a completar su formación con Stravinski, quien tras preguntarle por el dinero ganado en un año le contestó que era él quien debiera tomar clases con Gershwin. Con Ravel le sucedió algo parecido, pues le espetó aquello de “¿Para qué quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?”
La Rhapsody in Blue, obra que hoy presentamos, fue escrita en principio para piano solista y banda de jazz y arreglada para piano y orquesta sinfónica en 1946 por Ferde Grofé (1892-1972), que es la versión que habitualmente se ofrece. La obra despertó cierta polémica en su estreno; pero en poco tiempo se impuso su frescura e imaginación llegando a ocupar uno de los primeros puestos de preferencia de l@s mejores pianistas y orquestas.
Lola Astanova (1982), nuestra solista de hoy, es una pianista nacida en Uzbekistán. A la edad de los ocho años realizaba ya giras como concertista asombrando al público de media Europa por su técnica e imaginación infantil. Ha actuado en las mejores salas del mundo tanto sola como bajo la batuta de los principales directores de orquesta.
Sugerencias de música para todos los gustos
Zea Mays es un grupo musical de rock surgido en Bilbao en 1997, integrado por Asier Basabe (batería), Rubén González (bajo), Iñaki Imaz (guitarra) y Aiora Renteria (cantante) En 1997 grabaron una maqueta, con la que ganaron el Concurso de Maquetas Juveniles del País Vasco. El premio les dio un gran impulso y gracias a ello programaron varios conciertos en todo el País Vasco. En 1998, fue considerada la mejor banda vasca en el concurso de pop-rock de Bilbao. En 1998 grabaron su primer álbum, el homónimo Zea Mays, al que seguirían en años sucesivos Elektrizitatea, Harrobian, Sortuz, grabitatearen aurka mientras realizaban distintas giras por Alemania y Países Bajos. En 2007, ya con diez años de experiencia, lanzaron el nuevo trabajo Morphina; luego vendrían Era Da y Harro, que hoy ofrecemos.
Dianne Reeves, (Detroit 1956) está considerada como una de las más importantes cantantes femeninas de jazz de nuestro tiempo. Descubierta por Clark Terry, ha cantado con el trompetista cuando aún estaba en la Universidad de Colorado. En California, graba con Lenny White, Stanley Turrentine, Alphonso Johnson, y The Latin Ensemble. Entre 1978 y 1980, conoce a Billy Childs y comienza una relación artística que durará diez años. Trabaja con el grupo Night Flight, Sergio Mendes y con el compositor Phil Moore y otr@s renombrad@s artistas. Lanza exitosos álbumes y realiza giras por los Estados Unidos y Asia muy apreciadas por los entendidos y el público de jazz. En la actualidad está afianzada como una de las voces más cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo.
Julien Doré (1982) es un actor, compositor y cantante francés, ganador del programa de televisión Nouvelle Star de 2007, a partir de lo cual ha tenido una exitosa carrera musical con tres álbumes de estudio, Ersatz (2008), Bichon (2011) y Løve (2013), alcanzando todos los cuatro primeros lugares en la lista oficial de álbumes franceses. También ha obtenido éxitos en Bélgica y Suiza. En 2009, Doré grabó la canción Helsinki con la cantante francesa Mélanie Pain; también colaboró con la cantante francesa Sylvie Vartan en el lanzamiento de su álbum de 2010, Soleil bleu.
Bob Dylan (1941) es un músico, compositor, cantante y poeta estadounidense, ampliamente considerado como una de las figuras más prolíficas e influyentes en la música popular del siglo XX y de comienzos del siglo XXI. A lo largo de su carrera exploró la tradición musical estadounidense con el folk, el blues, el country, el góspel, el rock and roll y el rockabilly, así como la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing. Sus discos le han válido varios Grammys, Globos de Oro y premios de la Academia, mientras las letras de sus canciones incorporan una variedad de temas sociales, políticos, filosóficos y literarios.
En enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia; en 1999, fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX por la revista Time; en 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música y en 2004 alcanzó el segundo puesto en la lista de los cien mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, después de The Beatles. En mayo de 2012, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad de USA y en 2016, el Premio Nóbel de Literatura.
Sugerencias de videos peculiares
Godalet Dantza junto con la danza de salto Bralea, es la actuación más importante de las mascaradas ( carnavales) de Zuberoa (Soule, en francés); se dice que fue el pueblo de Barkoxe quien creó esta danza. Antiguamente las mascaradas de Zuberoa se celebraban por la mañana; tras la representación, los actores de las mascaradas se reunían en la plaza del pueblo para disfrutar de las viandas que les habían regalado a lo largo de la mañana. Aseguran nuestros mayores que fue durante esos encuentros cuando se creó el Godalet Dantza. A modo de juego, alguno de los jóvenes comenzó a bailar alrededor de un vaso o godalet y bailó los pasos de la danza que conocía. Le siguieron los demás dantzaris y, de ese modo, el juego llegó a convertirse en baile y terminó por extenderse por toda Zuberoa. (Extractado de Auñamendi Eusko Entziklopedia)
Elai Alai Dantza Taldea es un grupo de danzas vascas nacido en Portugalete, Bizkaia, en1962; desde entonces la personalidad y prestigio del grupo se han consolidado dentro y fuera de las fronteras del País Vasco, gracias a un callado pero constante trabajo de recuperación, conservación y expansión del rico folklore vasco. Hoy nos ofrece esta cuidada coreografía de Godalet Dantza.
El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
La bella durmiente, uno de los ballets más representados del repertorio clásico, es un cuento de hadas/ballet estructurado en un prólogo y tres actos, cuya música la escribió Chaikovsky en 1889 con coreografía de Marius Petipa y libreto de Iván Vsévolozhsky y el propio Petipa; el argumento lo basaron en el cuento La Bella Durmiente del bosque, que es una joven princesa condenada a dormir eternamente hasta que llegue a su vida el verdadero amor. Hoy ofrecemos el ballet entero en interpretación de la Orquesta y Ballet del Teatro Mariinsky.
Claude Debussy (1862-1918) fue un compositor francés considerado como el primer compositor del Impresionismo. En 1884, con la cantata L'enfant prodigue ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Premio de Roma. De vuelta a París le impresionó la ópera Tristán e Isolda de Wagner, “lo mejor que he escuchado”. Posteriormente se dejaría influenciar por las estructuras de la música javanesa, por la libertad armónica de Rimski-Korsakov y por Erik Satie, afín a sus planteamientos. En 1894 estrenó su Prélude à l'après-midi d'un faune; cuatro años más tarde es cuando alcanzó su fama internacional con su única ópera conclusa Pelléas et Mélisande; tenía entonces 37 años. En la actualidad, Debussy está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX.
Clair de lune (en castellano, Claro de luna) es el tercer movimiento de la Suite bergamasque que Debussy escribió para piano en 1890, aunque la obra no se publicó hasta 1905. El movimiento, el más conocido de esta suite, está expresado con un tempo andante trés expressif (andante muy expresivo) y cuya dinámica predominante en casi toda la obra es el pianísimo, aunque en su clímax armónico se pasa al forte. Su estructura formal distingue cuatro secciones: Introducción, desarrollo, clímax armónico y reexposición. Hoy ofrecemos una versión para arpa y orquesta de cámara coreografiada por Magaly Bueno.
PDQ Bach es un compositor de ficción inventado por el satírico musical estadounidense Peter Schickele , quien desarrolló una carrera de cinco décadas interpretando las obras "descubiertas" del "único hijo olvidado" de la familia Bach . La música de Schickele combina parodias de la erudición musicológica, las convenciones de la música clásica y barroca y la comedia de payasadas . El nombre PDQ es una parodia de los nombres en tres partes que se dan a algunos miembros de la familia Bach que comúnmente se reducen a iniciales, como CPE para Carl Philipp Emanuel Bach; PDQ es el acrónimo de Pretty Damned Quick ("bastante rápido").
Peter Schickele comenzó a trabajar en el personaje mientras estudiaba en el Aspen Music Festival and School y Juilliard y ha realizado una variedad de programas de PDQ Bach a lo largo de los años. El semanario The Village Voice menciona la yuxtaposición del collage , la bitonalidad, la sátira musical y el surrealismo orquestal en una "extraña corriente melódica de conciencia [...] En PDQ Bach ha trazado un mapa de un universo musical que todos sabían que estaba allí y que ningún otro tuvo las agallas (no simplemente el mal gusto) para explorar ". A partir de 2012, Schickele había disminuido las giras debido a la edad. Realizó dos conciertos para conmemorar el 50 aniversario de su primer concierto en The Town Hall de Nueva York el 28 y 29 de diciembre de 2015 y continúa ofreciendo conciertos en vivo.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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