El 2 de Abril la Iglesia Católica celebra el Domingo de Ramos con el que comienza la Semana Santa
Sugerencias de iniciación a la música clásica
El Canto Gregoriano es un canto llano, simple, monódico y con una música supeditada al texto utilizado en la liturgia de la Iglesia católica. La denominación canto gregoriano procede del hecho de que su recopilación se atribuye erróneamente al papa Gregorio Magno; se trata de una evolución del canto romano confrontado al canto galicano. El texto es la razón de ser del canto gregoriano («el que canta bien, reza dos veces»); y es que el canto gregoriano jamás podrá entenderse sin el texto. Del canto gregoriano es de donde proceden los modos gregorianos (una adaptación de los modos griegos), que dan base a la música de Occidente. De ellos vienen los modos mayores y menores, y otros menos conocidos.
Cuaresma y Semana Santa 1 (0´00´´) Exsurge, Quare Obdormis .–. 2 (2´ 24´´) Attende, Domine .-. 3 (3´54´´) Media Vita .-. 4 (7´10´´) Miserere et Parce .-. 5 (9´27´´) Hoc Corpus .–. 6 (10:47) De Ore Leonis .-. 7 (12:40) Vexilla Regis Prodeunt .-. 8 (15:09) Ne Tradideris .-. 9 (16´16´´) Pueri Hebraeorum Portantes .-. 10 (19´14´´) .-. Pueri Hebraeorum Vestimenta .-. 11 (21´59´´) Gloria, Laus et Honor Tibi Sit .-. 12 (24´24´´) Incipit Lamentatio .-. 13 (26´27´´) Traditor y Benedictus .-. 14 (30´32´´) Christus factus est .-. 15 (33´10´´) Mandatum Novum .-. 16 (34´08´´) Ubi Charitas .-. 17 (36´48´´) De Lamentatione Jeremiae .-. 18 (39´03´´) Passio Domini Nostri Jesu Christi () .-. 19 (44´05´´) Ecce Lignum Crucis .-. 20 (44´48´´) Improperia.
El presente vídeo nos lo ofrece el Coro de la Abadía de Santo Domingo de Silos
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El Concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 19, de Ludwig van Beethoven, fue compuesto principalmente entre 1787 y 1789, a pesar de que no alcanzó su forma definitiva hasta que fue publicado en 1795. El concierto se convirtió en una pieza para el lucimiento del propio Beethoven tras mudarse de Bonn a Viena. Beethoven fue el solista en su estreno el 29 de marzo de 1795, en el Burgtheater de Viena en un concierto que marcó su debut en público. Mientras que la obra en conjunto sigue el estilo de Mozart, hay un sentido del drama y el contraste que estaría presente en muchas obras posteriores de Beethoven. El concierto consta de tres movimientos, de los cuales hoy ofrecemos el tercero, un rondó que nos transmite la alegría del joven compositor.
Martha Argerich (1941) es una pianista argentina referente de su generación, quien ya a los cuatro años ofrece su primer recital público y a los siete, el Concierto para piano y orquesta nº 20 de Mozart. Tras sus estudios académicos de piano en Buenos Aires y Viena, realizó puntuales cursos de perfeccionamiento con eminentes maestr@s. A lo largo de su carrera ha sido galardonada con innumerables premios y reconocimientos nacionales e internacionales, tiene en su haber numerosas grabaciones y ha actuado en las salas más importantes tanto como solista como bajo las batutas más relevantes.
Francisco de Madina Igarzábal (1907- 1972), más conocido como Aita Madina, fue un religioso lateranense, músico y compositor vasco nacido en Oñati, Gipuzkoa. Siendo adolescente ingresó en el noviciado de los Canónigos Regulares de Letrán; en paralelo a sus estudios de teología realizó su formación como músico, en Oñati y en Burgos donde fue discípulo de José María Beobide y de Antonio José Martínez Palacios. En 1932 fue destinado a Argentina, donde desarrolla su labor como compositor estrenando numerosas obras. En 1955 se traslada a Nueva York donde sigue componiendo y estrenando obras. En abril de 1972 se trasladó por última vez de Nueva York a su caserío natal de Oñati, donde fallecería unos meses más tarde.
Aita Gurea (“Padre Nuestro”) es posiblemente la composición más conocida de Aita Madina, compuesta en Argentina en 1946. Hoy la ofrecemos en versión del coro de cámara Kemen Gra.
Ástor Piazzolla (1921–1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York y los trece años conoce a Carlos Gardel. En su vuelta a Argentina, recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones, donde los puristas consideraron sus innovaciones como el “asesinato del tango”. Con cierta dosis de pesimismo se trasladó a París, donde contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en sí mismo y en la posible conjunción de tango con música clásica. Volvió a Buenos Aires con tal actividad que en 1973 sufre un infarto, aunque sigue con sus composiciones y grabaciones hasta que en 1990 sufre en París una trombosis que no lograría superar.
Libertango. Su título es una palabra compuesta por los términos "libertad" y "tango", presumiblemente como bandera de la libertad creativa que buscaba Piazzolla al crear el llamado tango nuevo, a diferencia del tango clásico. Hoy lo ofrecemos en un arreglo para trompeta y orquesta.
Alison Balsom (1978) es una trompetista inglesa que en 2009 actuó como solista en las noches de los Proms de Londres y en 2013 fue nombrada como Artista del año por la Gramophone Awards. Ha sido galardonada con doctorados honorarios de la Universidad de Leicester y de la Universidad Anglia Ruskin; es miembro honorario de la Guildhall School of Music and Drama.
Sugerencias de música clásica
Sinfonía concertante. Haydn compuso este ensayo en forma de concierto múltiple mientras estaba de visita en Londres en la década de 1790, el mismo período durante el cual produjo sus conocidas London Symphonies. La Sinfonía concertante (1792), compuesta para oboe, fagot, violín, violonchelo y orquesta, es la única obra real de este tipo que Haydn escribió (aunque varias sinfonías anteriores contienen pasajes extensos para instrumentos solistas). Haydn escribió la obra a instancias del violinista y empresario Johann Salomon, quien había sido fundamental para traer a Haydn a Londres y quien también interpretó la parte de violín en el estreno.
Estructura de la obra. I (0´00´´) ALLEGRO. Comienza un tanto relajado cuyas dimensiones, tal vez para acomodar a cuatro solistas, superan las del movimiento sonata-allegro clásico habitual. El tema principal es un pensamiento vivo partido en dos mitades; el primero se eleva expectante, mientras que el segundo serpentea hacia abajo, brillando con algunos adornos simples. Los instrumentos solistas comienzan a entrar mucho antes de que el tutti de apertura haya llegado a su fin. El tutti se completa finalmente con una cadencia tónica decisiva, momento en el que comienzan las verdaderas narraciones en solitario. Extrañamente para Haydn, la sección de desarrollo está saturada por el modo menor. La cadencia (7´40´´ - 9´04´´) del primer movimiento es propia del compositor; Haydn evidente y sabiamente se dio cuenta de que para cuatro solistas improvisar con éxito una cadencia habría sido una locura.
II (9´39´´) ANDANTE. Es aún más original en su concepción formal que el Allegro. Aquí, los cuatro solistas están acompañados únicamente por cuerdas y una dotación reducida de vientos. Sólo una vez, en medio del movimiento, los cuatro solistas abandonan y permiten a la orquesta un breve interludio. El movimiento, principalmente una conversación prolongada entre los solistas, se presenta como música de cámara a gran escala, tanto que el ritornello orquestal mencionado anteriormente, aunque solo dura cuatro compases, parece una intrusión no deseada en la conversación privada de los solistas.
III (15´27´´) ALLEGRO CON SPIRITO. Se abre con el tema rondó tradicional y enérgico, pero al poco tiempo también se adentra en cosas poco convencionales: el solo de violín interrumpe la textura con un pasaje decididamente operístico marcado como "Recitativo, adagio". Este sorprendente pasaje finalmente regresa al movimiento propio, que continúa de una manera ligera y humorística, involucrando a los solistas en una pirotecnia virtuosa. (Comentarios extractados de la ilustración del mismo vídeo que ofrecemos).
Camille Saint–Saëns (1835-1921) fue un pianista, organista, compositor y militar francés, comprometido con la renovación musical francesa, así como con la enseñanza; por sus aulas pasaron alumnos tales como Fauré y Messager. Fue un niño precoz que a los 11 años hizo su primera aparición pública con obras de Haendel, Mozart y Beethoven. A los trece años se matriculó en órgano y composición en el Conservatorio de París y a los dieciocho, compuso su primera sinfonía. Fue un intelectual multifacético: músico, escritor, matemático, filósofo, arqueólogo, geólogo, botánico … Igual de multifacético que sus numerosas obras musicales (más de 400) en las que abordó todo tipo de géneros entre los que hay que resaltar la novedad que en aquel momento supuso la música de cine.
Introduction et rondo capriccioso en la mineur, op. 28 es una obra para violín y orquesta escrita en 1863 por Camille Saint-Saëns para el violinista navarro Pablo Sarasate. Es una de las obras más populares de Saint-Saëns, quien tuvo un gran interés en la música española. Este estilo puede observarse en sus composiciones para violín Havanaise Op. 83 y la Introduction y rondo capriccioso en la mineur. En 1859, el prodigio del violín Pablo de Sarasate, de 15 años de edad, pidió a Saint-Saëns que compusiera un concierto para violín y orquesta. Halagado, Saint-Saëns compuso el Concierto para violín n.°1 y cuatro años más tarde, la obra que hoy ofrecemos la Introduction et rondo capriccioso El estreno de la obra tuvo lugar el 4 de abril de 1867 de la mano de Sarasate.
Tanja Sonc (1992) comenzó su educación musical a la edad de cinco años en la Academia de Música de Ljubljana, continuó en el Mozarteum de Salzburgo y posteriormente en la Universidad de las Artes de Zúrich. En 2011 ganó el Concurso Brahms en Pörtschach y en 2012, el Concurso Internacional Ferdo Livadić para jóvenes músic@s; además, fue la ganadora absoluta del Concurso de estudios y escalas para jóvenes virtuosos celebrado en Zagreb; en 2016 ganó el Concurso de Nuevas Estrellas. Hoy nos ofrece esta obra acompañada por la Slovenian Philharmonics conducida por la maestra canadiense Keri-Lynn Wilson.
Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX, que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. Su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el PCUS. En público, siempre se mostró leal con el sistema y ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptando pertenecer al PCUS en 1960 y llegando a ser miembro del Sóviet Supremo . Escribió quince cuartetos de cuerda, otras quince sinfonías, seis conciertos, varias óperas, así como música de cine y ballet. Su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco.
La Sinfonía n.º 7, Leningrado, en do mayor, op. 60 es una sinfonía de Dmitri Shostakóvich compuesta en 1941 y dedicada a la ciudad de Leningrado, que en el momento de la composición vivía un dramático asedio por parte de los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. Fue estrenada con gran éxito el 5 de marzo de 1942 en Kúibyshev bajo la dirección de Samuil Samosud. Es una de las sinfonías más conocidas del compositor y la más larga. La sinfonía consta de cuatro movimientos I (0´32´´) ALLEGRETTO .-. II (29´58´´) MODERATO (POCO ALLEGRETTO) .-. III (41´43´´) ADAGIO - LARGO - MODERATO RISOLUTO - LARGO - ADAGIO .-. IV (59´28´´) ALLEGRO NON TROPPO. La sinfonía pronto se convirtió en un símbolo de la lucha del pueblo soviético contra el fascismo.
Hoy la visionamos bajo la batuta de la maestra Marin Alsop (1956), violinista y directora de orquesta estadounidense y actualmente titular de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, lo que le ha convertido en ser la primera mujer que ocupa un puesto de este nivel en USA; es además, directora principal invitada de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo.
Sofia Gubaidulina (1931) es una compositora rusa nacida en Tartaristán. Estudió piano y composición en el Conservatorio de Kazán; en 1954 se trasladó a Moscú donde siguió con sus estudios hasta graduarse en 1963. Su música fue criticada por la exploración de afinaciones alternativas, aunque Shostakovich le animó a seguir buscando su propio camino. Su concierto para violín, Ofertorium, interpretado por Gidon Kremer le abrió las puertas al reconocimiento de la crítica. Es una mujer profundamente religiosa como así lo atestigua su catálogo de obras y sobre todo su Johannes Passion, que hoy ofrecemos. En el año 2002 recibió el Premio de Música Polar, concedido por la Real Academia de Suecia de Música.
La Pasión de Cristo ha estimulado variadas representaciones musicales de los más insignes compositores de la historia, entre las que La Pasión según San Mateo de J.S. Bach es referencia obligada. Dentro de ello, La Pasión según San Juan de Gubaidulina es una proeza fenomenal de composición. El ingrediente básico de prácticamente todo solo, estribillo, melodía o gesto es la segunda menor, el intervalo que ha representado suspiros y gemidos de dolor en la música occidental durante siglos. De esta sonoridad Gubaidulina teje texturas de inmensa complejidad o extrae cantos o recitativos llamativamente simples y escasamente armonizados. La compositora también crea crescendos frenéticos, polifónicamente densos y pasajes de un oscuro éxtasis. (Extractado de Música en México)
Sugerencias de música para todos los gustos
Andrew Lloyd Webber (1948) es un compositor, escritor, autor, productor, director y realizador de numerosas obras de teatro de finales del siglo XX. Ha producido 16 musicales, dos bandas sonoras y una misa de Réquiem en latín. Entre sus premios se destacan tres Tony, tres Grammy, un Óscar, un Emmy, siete Olivier y un Globo de Oro. Algunas de las canciones de sus obras de teatro, como Don't Cry For Me, Argentina (de Evita) y Pie Jesu (de su Misa de Requiem) han tenido éxito en Europa y América fuera de las representaciones teatrales y han sido cantadas por muchos artistas. Algunos de sus musicales como Jesucristo Superstar, Evita, El fantasma de la ópera y Cats se han llevado a la gran pantalla con gran éxito.
Jesus Christ Superstar es una ópera rock con música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice, que primero surgió como álbum conceptual en 1970 y un año después dio el salto a los escenarios de Broadway. Adaptado libremente de los Evangelios, el argumento se centra en los últimos siete días de la vida de Jesús de Nazaret, comenzando con los preparativos de su llegada a Jerusalén y finalizando con la crucifixión. La resurrección no está incluida de manera intencionada para evitar cualquier referencia a la divinidad del protagonista. El espectáculo se adentra en la psicología de Jesús desde el punto de vista de su discípulo Judas Iscariote, quien es retratado como una figura trágica descontenta con la dirección que ha tomado la doctrina de su maestro.
Eliane Elias (São Paulo, 1960) es una pianista brasileña de música clásica y popular, que se aproxima constantemente al jazz y a la fusión de éste con las llamadas músicas del mundo. Ya de adolescente, Elias compuso sus primeros temas y empezó a actuar en clubs de jazz. Realizando una gira por Europa en 1981, conoció al bajista de jazz Eddie Gómez que la animó a viajar a Nueva York, donde estudió con Olegna Fuschi. La carrera profesional de Elias consiguió un avance importante cuando fue invitada a unirse al grupo Steps Ahead. Tras abandonar el conjunto, empezó a colaborar con el trompeta Randy Brecker, con quien se casaría más tarde Su siguiente paso fue el de convertirse ella misma en líder de sus grupos, con los que ha realizado varias giras. Actualmente vive en Nueva York.
Antonio Mairena (1909–1983) fue un cantaor de flamenco, que nació con el nombre de Antonio Cruz García en una familia gitana, asentada en Mairena del Alcor. Antonio Mairena formó parte de la compañía de Antonio el Bailaor, en la que permaneció diez años y con la que recorrió Europa, América y Asia. En 1958 se creó la Cátedra de Flamencología de Jerez realizando numerosas conferencias y consiguiendo llevar el flamenco a los círculos intelectuales. En 1963 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Córdoba. Recibió, entre otros premios, la III Llave de Oro del Cante, la Medalla al Mérito al Trabajo, Medalla de Oro de las Bellas Artes e Hijo Predilecto de Andalucía a título póstumo. Es una de las figuras más relevantes del flamenco.
La saeta (del latín sagitta, «flecha») es un canto religioso tradicional interpretado en España, especialmente en Andalucía, que se canta al paso de las imágenes de la procesión de Semana Santa, frecuentemente desde un balcón bajo. Al comenzar a oírse el canto, el capataz del paso manda parar a la cuadrilla de costaleros. El saetero puede ser contratado por alguien de la cofradía titular de la imagen o ser un devoto espontáneo de la imagen deseoso de mostrar su devoción, o su arte. Las saetas cantadas actualmente son las llamadas saetas flamencas, que supusieron una transformación producida a finales del siglo XIX, a partir de otras primitivas saetas, más cortas y sobrias de estilo, que aún se pueden oír en algunos pueblos andaluces.
Miley Cyrus (1992) es una cantante, compositora, actriz y productora discográfica estadounidense. Destacada por su voz rasposa de tonalidad grave, su música abarca una amplia gama de estilos, desde pop y country pop hasta hip hop, experimental y rock. Cyrus, hija del músico country Billy Ray Cyrus, alcanzó fama internacional con 13 años al protagonizar la comedia musical de Disney Channel, Hannah Montana (2006-2011). Cyrus consolidó su estatus de ídolo adolescente, siendo acompañada por el título de «Reina de Disney». Entre los reconocimientos a la carrera de Cyrus se incluyen entradas en la lista de Time 100 en 2008 y 2014, el Premio de MTV al Mejor Artista de 2013, y su inclusión en la lista de Billboard de los mejores artistas de todos los tiempos en 2019.
Sugerencias de videos peculiares
Christ on the mount of olives (Cristo en el Monte de los Olivos), op. 85, es un oratorio de Ludwig van Beethoven que retrata la agitación emocional de Jesús en el monte de Getsemaní antes de su crucifixión. La obra, escrita en un período muy corto de tiempo, es un oratorio dramático y está considerada como una representación mucho más humanista de la pasión de Cristo que la de otros escenarios, como los de Bach. Concluye en el punto en que Jesús acepta personalmente su destino, poniendo el énfasis en su propia decisión en lugar de la Crucifixión o Resurrección posterior. El oratorio está escrito para soprano, tenor y bajo, con coro estándar SATB y orquesta sinfónica. El tenor canta como Jesús, la soprano como un Serafín (ángel) y el bajo como Pedro.
Hoy lo ofrecemos con Valentina Farcas como soprano, Jörg Dürmüller como tenor, Dietrich Henschel como bajo, el Munich Bach Choir y la Munich Bach Orchestra, conducid@s tod@s por el maestro Hansjörg Albrecht en versión ballet coreografiada por Marguerite Donlon y con la Donlon Dance Company en escena.
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco (1600-1750). Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la Orquesta de la Ópera. Pasados tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se afinca bajo la tutela de distintos mecenas. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759.
La Zarabanda. Es una danza del barroco escrita en compás ternario en el que el segundo tiempo va frecuentemente ligado al tercero; en el caso presente, la última fracción del compás hay que entenderla como anacrusa del compás siguiente.
Leroy Anderson (1908-1975) fue un compositor estadounidense de breves piezas orquestales de música ligera, muchas de las cuales fueron estrenadas por la Orquesta Boston Pops bajo la dirección de Arthur Fiedler. John Williams le ha descrito como «uno de los más grandes maestros americanos de la música orquestal ligera». Anderson recibió sus primeras lecciones de piano de su madre, que era organista de iglesia. Continuó estudiando piano en el New England Conservatory of Music y en la Universidad de Harvard licendiándose en Bellas Artes, cum laude en 1929. Trabajó como organista, director de coro y de Banda, haciendo numerosos arreglos para bandas de baile en Boston.
Blue Tango es una composición instrumental de Leroy Anderson, escrita para orquesta en 1951 y publicada en 1952. Billboard la clasificó como la canción número uno de 1952; a partir de aquí se reprodujo en multitud de versiones logrando también multitud de galardones. Hoy la podemos visionar ejecutada por la Cairo Opera Orchestra a las órdenes de la maestra griega Lisa Xanthopoulou y escenificada por l@s bailarinas/es Zeinab Mohamed y Ahmed Saleh.
Una Masterclass es una clase magistral ejecutada por un/a profesional de alto nivel en una materia determinada. Lo más importante en una masterclass es la experiencia, la práctica diaria y el nivel alto de especialización por parte del/la profesional que imparte la materia, siendo éste el verdadero aporte de valor para l@s alumn@s. En una clase magistral de música es normal que la clase se desarrolle con el/la maestr@ corrigiendo prácticas a distint@s alumnos que se prestan a ello.
Teresa Berganza Vargas (1933- 2022) fue una cantante española de zarzuela y de ópera, asociada frecuentemente con personajes de óperas de Rossini, Mozart y Bizet, admirada por su técnica, musicalidad y presencia en escena. Estudió piano y canto en el Conservatorio de Madrid, donde obtuvo el primer premio de canto en 1954. Debutó en esa ciudad en 1955. Durante los doce años siguientes debutó en el Festival Aix-en-ProvenceLa Scala, Festival de Glyndebourne, Royal Opera House, Metropolitan Opera House ... Su repertorio de concierto incluyó canciones españolas, francesas, alemanas y rusas. En 1994 fue elegida miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, primera mujer en obtener esta distinción.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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