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Sugerencias de iniciación a la música clásica
Ludovico Einaudi (1955) es un compositor y pianista italiano, que, formado en el Conservatorio Verdi de Milán, inició su carrera como compositor clásico, incorporando posteriormente otros estilos y géneros como el pop, rock, folk y world. Representa uno de los éxitos de la música new age de los últimos años, no sólo por las ventas de discos, sino también por los conciertos realizados por todo el mundo. El mismo año que se diplomó en composición recibió una beca para el Festival de Tanglewood, en Estados Unidos, y continuó sus estudios con el compositor Luciano Berio. Se trata de un músico curioso y abierto a experimentar desde el jazz y el rock hasta la música más contemporánea. Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva.
En 2016 Einaudi participó en el vídeo de la campaña de Greenpeace Save the Arctic que se rodó en pleno Ártico. Como parte de la campaña, Einaudi compuso Elegy for the Arctic, una pieza musical que une las voces de ocho millones de personas que han firmado para salvar el Ártico y de la que hoy ofrecemos un pequeño fragmento con el autor al piano.
Hans Leo Hassler (1564-1612) nacido en Nuremberg, fue un organista y compositor que realizó sus estudios con su padre, que también era organista, completándolos en Venecia con Andrea Gabrielli. En 1585 se instala en Ausburgo como organista para regresar a los seis años a su Nuremberg natal como Kappellmeister y en 1806 se traslada a Dresde como organista y Kappelmeister. Escribió numerosas canciones, madrigales, obras de carácter religioso y piezas para órgano. Hassler era un ardiente partidario de la asimilación del arte italiano a la moda, al que le unía menos la expresividad del madrigal que la dulzura de la canzonetta y del ballet con canto. En el campo religioso, Hassler comenzó en la línea de Orlando di Lasso, aunque con estructuras profanas.
El Motete (del francés motet, y éste de mot: 'palabra, mote') es una composición polifónica nacida en el siglo XIII para ser cantada en las iglesias, y sus temas son comúnmente bíblicos. Se trataba de canciones para el culto religioso a 4 voces en latín y "a capella" (sin instrumentos). Hasta el siglo XVII, seguía siendo una de las formas musicales más importantes de la música polifónica. Tras su nacimiento, en el siglo XIII, se expandió como pieza vocal polifónica sin acompañamiento instrumental (a capella), con carácter dramático e imitativo.
Hoy presentamos Cantate Domino, salmo escrito por Hassler para cuatro voces iguales e interpretado por el cuarteto femenino UCLA Early Music Ensemble.
Mikel Laboa (1934-2008) fue uno de los más importantes cantautores en euskera del final del siglo XX. Considerado como el patriarca de la música vasca, su música ha influido en las generaciones más jóvenes. Su álbum Bat-Hiru fue elegido en el Diario Vasco por votación popular como el mejor álbum vasco de la historia. Nacido en Donostia/San Sebastián, pasó dos años de su niñez en la localidad vizcaína de Lekeitio. Estudió Medicina y Psiquiatría en Iruña/Pamplona y combinó siempre su carrera artística con la de médico. Su música puede ser definida como una combinación de tradición, poesía y experimentalismo, al estilo de los cantautores de las décadas de los 60 y 70, pero dotado de un fuerte toque personal.
Anne Etchegoyen es una cantante y compositora vasca nacida en Donapaleu (Saint Palais). Su madre la apuntó con ocho años al coro infantil que dirigía en Saint-Palais. Más tarde estudió canto en el Conservatorio de Baiona, cosa que hace en euskera, francés, español y gascón. Su álbum Les Voix Basques ("Las Voces vascas"), ha sido disco de oro en Francia después de vender más de 60.000 copias y ha ofrecido conciertos en varios países como Argentina, Estados Unidos, Inglaterra, Irlanda, España y País Vasco. En 2014 realizó una gira con Basque eta Paz Tour, para extender su idea de paz para el País Vasco.
Txoria txori (a veces titulado Hegoak) es un poema vasco escrito por Joxean Artze en 1957 y musicalizado por Mikel Laboa en 1968. “Si le hubiera cortado las alas habría sido mío, no se me habría escapado; pero así, habría dejado de ser pájaro”. Artze tenía 25 años cuando escribió este poema que trata sobre la libertad y sobre la posesión, el dominio y el respeto entre las personas y animales.
Hoy Anne Etchegoyen, acompañada del coro de hombres Aizkoa y un fondo instrumental, nos ofrece la canción
Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia, considerado como uno de los compositores más eminentes del posromanticismo. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; a ello hay que añadir la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…), las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado y la larga duración de sus sinfonías; si a esto sumamos que tuvo enfrente a determinada prensa antisemita debido a sus orígenes judíos, no es de extrañar que sus composiciones no tuvieran el éxito merecido en vida.
La Sinfonía n.º 1 («Titán») en re mayor de Gustav Mahler fue terminada en 1888, un año antes de su estreno en Budapest en 1889. En un principio la obra fue concebida como un largo poema sinfónico, en el que Mahler utilizó música procedente de su abandonado proyecto de ópera Rübezahl y de la música incidental compuesta para la obra teatral El trompeta de Säkkingen de Viktor Nessler. En todas las ocasiones en que fue interpretada a partir de su estreno en Budapest, la obra se encontró con un rechazo casi total por parte de crítica y público. Mahler revisó posteriormente esta sinfonía en varias ocasiones y hoy en día, esta sinfonía es una de las más apreciadas de Mahler, debido a su gran riqueza melódica, y es interpretada con bastante frecuencia en las salas de concierto.
La Primera Sinfonía-III Mov: Marcha fúnebre comienza con una variación en modo menor del popular “Frère Jacques” al que le sigue un tema popular de Bohemia; ambos temas son elaborados y contrastados en un ambiente nostálgico, burlesco y sombrío. Hoy nos la ofrece una Orquesta Joven mexicana; se trata de la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata de la UNAM, conducida en la presente ocasión por el maestro Gustavo Rivero Weber.
Sugerencias de música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nació en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.
El catálogo de las obras de Bach o Bach-Werke-Verzeichnis, más conocido por sus siglas BWV, consta de un índice numerado de todos los trabajos del compositor ordenado temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental y utilizado por los académicos y músicos de todo el mundo. Dicho catálogo fue creado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder.
Los Conciertos de Brandemburgo constituyen una colección de seis conciertos (los conciertos 1, 2, 4 y 5, conciertos grosso; los nº 3 y 6, orquestales) que Johann Sebastian Bach presentó en 1721 a Christian Ludwig, Marqués de Brandenburg y son algo así como la “joya de la corona” de la música instrumental no sólo de Bach, sino de todo el Barroco. Probablemente Bach compuso los conciertos a lo largo de varios años mientras ocupaba en Köthen el puesto de maestro de capilla. Heinrich Besseler, eminente musicólogo alemán, ha señalado que los efectivos totales requeridos (dejando de lado el primer concierto, que fue reescrito para una ocasión especial) coincide exactamente con los 17 intérpretes que Bach tenía a su disposición en Köthen.
Concierto de Brandeburgo n.º 4 en sol mayor, BWV 1049. Articulado en tres movimientos – I () ALLEGRO .-. II (6´47´´) ANDANTE .-. III (10´27´´) PRESTO – el cuarto concierto es uno de los más luminosos en cuanto a expresión y de los más modernos en cuanto a concepción, pues anuncia claramente el modelo de concierto que florecerá en el estilo galante y más tarde en el clasicismo. La parte de violín es extremadamente virtuosa en los movimientos primero y tercero. En el segundo movimiento el violín proporciona el bajo cuando el grupo concertino toca sin acompañamiento.
La ejecución de hoy corre a cargo del conjunto estadounidense Voices of Music .
Christoph Willibald Gluck (1714-1787) fue un compositor alemán considerado como uno de los compositores de ópera más importantes del Clasicismo (1750-1820). Reformó completamente la ópera eliminando las arias da capo, y los extensos recitativos secos con clavecín, reemplazándolos por recitativos acompañados por la orquesta; prescindió de los castrati y del exhibicionismo de los cantantes, otorgando una mayor relevancia a la trama argumental, a la vez que elevó la obertura, el ballet y el coro como partes integrales de sus óperas. Entre sus obras mayor valoradas se encuentran Orfeo ed Euridice (1762) y Alceste (1767) estrenadas en Viena, e Iphigénie en Áulide (1774), Armide (1777) y Iphigénie en Táuride (1779) estrenadas en París.
Orfeo y Eurídice es su primera ópera; escrita en tres actos en ella se reflejan sus inquietudes renovadoras, desechando todo tipo de manifestaciones triviales y resaltando la fuerza argumental; para ello no duda en emplear danzas y coros, además de lo anteriormente expuesto. El argumento de esta ópera se basa en el mito griego de Orfeo que era capaz de amansar a las fieras con su música y que tras la muerte de su amada Eurídice, Cupido le permite bajar a los infiernos a rescatarla con la condición de que en el camino de vuelta no gire la cabeza para mirarla; ante las insistentes súplicas de Eurídice, Orfeo torna su mirada hacia ella con lo que pierde definitivamente a su amada.
Hoy ofrecemos el preludio al acto segundo, Dance of the Blessed Spirits, con Viviana Guzmán como flauta solista.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, Alemania, su padre de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso; pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El catálogo de la obras de Beethoven. Existen 138 obras musicales compuestas por Beethoven, ordenadas por números conocidos como opus (“obra” en latín) o su abreviatura op., asignados por los editores del compositor mientras él vivía. Al margen, existen otras 205 obras que no tienen número de opus y que se publicaron después de la muerte del compositor. A estas obras se les asignaron números WoO (Werke ohne Opuszahl, "obras sin número de opus"). Este catálogo fue realizado por primera vez por Georg Kinsky y Hans Halm (Das Werk Beethovens) en 1955.
La Sinfonía Pastoral (6ª Sinfonía) fue compuesta principalmente en 1808, aunque hay bosquejos que datan de 1806. Beethoven dirigió la obra en su estreno, realizado en Viena el 22 de diciembre de 1808, en un programa que incluía también el estreno de la Quinta Sinfonía. Cuando empezó a bosquejar la Pastoral, anotó varias ideas acerca de la música de programa: "Se debe permitir que los oyentes descubran las situaciones por sí mismos." "La gente no necesitará de títulos para reconocer que la intención general es más una cuestión de sentimiento que de pintura sonora." "Sinfonía Pastoral: no es un cuadro, sino un juego en que se expresan las emociones que nacen del placer del campo."
Estilo pastoral. Como elementos principales podemos mencionar los temas de cantos de pájaros, temas de cornos de caza, flautas de pastores (pifa opifferari) y llamadas de pastores (ranz des vaches o canto al estilo tirolés), danzas campestres, la representación del flujo del agua y del balido de las ovejas y la imitación de ese instrumento característico de la vida campesina, la gaita con su bajo zumbido.
Estructura de la obra: I (00:23) Despertar de sentimientos alegres al llegar al país (Allegro ma non troppo) .-. II (11:43) Escena junto al arroyo (Andante molto moto) .-. III (24:12) Divertida tertulia de gente del campo (Allegro) .-. IV (29:06) Tormenta. Tormenta (Allegro) .-. V (32:53) Canción del pastor. Sentimientos felices y agradecidos. después de la tormenta (Alegretto).
La versión de hoy nos la ofrece la Frankfurt Radio Symphony conducida por el maestro colombiano Andrés Orozco-Estrada.
Ottorino Respighi (1879 - 1936) fue un compositor, director de orquesta y musicólogo italiano. Con su padre comenzó los estudios de piano y violín para proseguirlos en el Liceo Musicale de Bolonia, además de composición y estudios históricos de la música antigua. En 1900, aceptó el papel de violista principal en la orquesta del Teatro Ruso de San Petersburgo, donde conoció a Rimsky-Korsakov, con quien estudió orquestación durante cinco meses, al cabo de los cuales regresó a Bolonia. En 1913, fue nombrado profesor de composición del Conservatorio di Santa Cecilia de Roma, cargo que ocupó el resto de su vida. Escribió obras para piano, guitarra, violín y piano, variados conjuntos de cámara, numerosa música sinfónica, música coral, ocho óperas y cinco ballets.
Gli Uccelli (Los Pájaros) es una suite compuesta en febrero de 1928 por Ottorino Respighi y estrenada el 6 de junio del mismo año, en el Teatro Municipal de São Paulo ( Brasil ) por la orquesta dirigida por el mismo compositor .
Estrutura. Consta de cinco movimientos, cada uno de los cuales está dedicado a un pájaro (excepto el primero) e inspirado en un compositor de los siglos XVII y XVIII . I (1´01´´) PRELUDIO .-. II (4´10´´) LA COLOMBA (La paloma) inspirado en Jacques Gallot .-. III (8´44´´) LA GALLINA inspirado en Jean-Philippe Rameau .-. IV (11´52´´) L'USIGNOLO (El ruiseñor) inspirado en Jacob van Eyck .-. V (16´51´´) IL CUCÙ inspirado en Bernardo Pasqini.
Sugerencias de música para todos los gustos
Billie Holiday (1915-1959) fue una cantante estadounidense nacida en Filadelfia y considerada como una de las tres mujeres más relevantes en la historia del jazz conjuntamente con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald. Su canción Strange Fruit fue considerado como la mejor canción del siglo XX, por la revista Time y es que su dominio del swing y capacidad expresiva se reflejaban tanto en la composición de sus arreglos y canciones como en la interpretación de las mismas. Su vida desde el inicio fue muy tumultuosa con una madre de 13 años, un padre de 15, que le abandonó siendo un bebé, una violación que padeció a los diez años y una bisexualidad abiertamente manifestada. Su adicción a las drogas fue minando progresivamente su estado físico y anímico hasta fallecer a los 44 años.
Lester Young (1909-1959) fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y clarinetista y una de las figuras más importantes de la historia del jazz; su trabajo discurrió por los campos del swing, el bop y el cool. Está considerado, junto con Coleman Hawkins, uno de los dos saxofonistas más influyentes del saxo tenor en el jazz. En 1927 abandonó la banda familiar y se unió a la de los Bostonianos de Art Bronson; durante ese trabajo cambió al saxo tenor. Regresó con la banda familiar en 1929 y tocó durante unos años como músico independiente. Tocó con Count Basie por primera vez en 1934; hizo una gira con el saxofonista y tubista Andy Kirk y volvió después con Basie en 1936. En esa época conoció a la joven Billie Holiday y se convirtieron en amigos de por vida.
Mercedes Sosa (1935- 2009) fue una cantante de música folclórica argentina, considerada la mayor exponente del folklore argentino. Se la conoció como La Voz de América Latina. Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva Canción Latinoamericana, incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop; se definía a sí misma como «cantora» antes que «cantante», distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: «Cantante es el que puede y cantor el que debe» (Facundo Cabral). Fue condecorada con honores en el año 2005 por el Senado argentino con el premio Sarmiento en reconocimiento a su trayectoria artística, su compromiso social y su constante lucha en materia de derechos humanos.
Alejandro Sanz (1968) es un cantautor y compositor español nacido en Madrid, que ha vendido más de 25 millones de discos en todo el mundo y ha ganado 24 Grammys Latinos y 4 Grammys estadounidenses. Asimismo, ha realizado colaboraciones con diversos artistas nacionales e internacionales. Es Hijo Adoptivo de la ciudad de Cádiz, al haber pasado su infancia en Algeciras, ciudad de la cual fue nombrado embajador. Actuó en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020, interpretando junto con otros tres artistas de fama internacional la canción "Imagine" de John Lennon. Cada uno de estos artistas representaba a un continente y Alejandro era el representante de Europa. A lo largo de su exitosa carrera Alejandro ha experimentado, buscado y acomodado diferentes estilos.
Barbara (1930-1997) fue una cantante y compositora francesa de origen ruso. De 1950 al 1952 vivió en Bruselas, estudiando en el colegio NSM donde se convirtió en miembro de la comunidad artística. Después de unos comienzos difíciles en diversos cabarés belgas, se presentó en París, en L’Ecluse, en 1958. En aquella época se acompañaba al piano e interpretaba canciones de Georges Brassens y Jacques Brel. Empezó a cantar sus propias composiciones y el éxito llamó a su puerta con una de las canciones más conocidas de su discografía: Dis, quand reviendras-tu? (1963). De esta forma, pasó de los cabarés a los grandes teatros: la Sala Bobino, después el Olympia de París y más adelante el Zénith. Considerada como figura primordial de la canción francesa, varias de sus canciones son tenidas como referentes por las nuevas generaciones.
Sugerencias de videos peculiares
Igor Moiseyev (1906-2007), coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios con el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico.
Kryzhachok es una danza folclórica popular de Bielorrusia. Este nombre proviene de la palabra bielorrusa con la que se denomina al ganso salvaje, kryzhak, ya que la danza imita los movimientos de estas aves. La danza folclórica también tenía otros nombres como Kryzhik, Pauluchok, Antoshka que dependían de la canción. Esta danza de Bielorrusia es ornamental, realizada en parejas por un gran grupo de bailarines, en el caso presente, de la Compañía de Ballet Igor Moiseyev
El jarabe tapatío es un baile regional mexicano muy reconocido del estado de Jalisco; fuera del país, es conocido como el baile del sombrero mexicano. La danza jalisciense representa el cortejo del hombre hacia la mujer, empezando por una invitación que hace éste a su pareja a iniciar una relación amorosa. Durante el baile, el sombrero de charro que porta el hombre en su vestimenta está en el piso y ambos bailarines realizan taconeos alrededor de él, hasta que la mujer se inclina para recogerlo. El baile termina cuando la mujer recoge el sombrero del suelo.
El Mariachi Vargas de Tecalitlán es una agrupación de música folklórica mexicana creada en 1897 por el maestro Gaspar Vargas López, (1880-1969), que se encuentra actualmente bajo la producción artística y dirección general del maestro Rubén Fuentes, y cuya dirección musical está a cargo de Carlos Martínez. La agrupación está conformada por un arpa, una vihuela, una guitarra, un guitarrón, tres trompetas y siete violines, y se autodenominan El Mejor Mariachi del Mundo, nombre que el propio Fuentes (cuando era, en 1956, director artístico de la RCA Víctor) sugirió para el grupo. En su larga trayectoria han realizado innumerables recitales en vivo, además de un sinnúmero de trabajos discográficos.
Danzas Tradicionales Japonesas. Sus orígenes se remontan a las danzas ceremoniales que se hacían para la Corte, a los bailes de fiestas populares y las Ennen, que son danzas budistas. Además, el teatro japonés Kabuki está muy unido a estas danzas tradicionales, ya que ambos dejan a un lado todo lo superficial y siguen la filosofía budista de “acercar el alma al cielo”. Las danzas tradicionales japonesas consisten en movimientos lentos de bailarines que se mantienen firmes y sólidos sobre el suelo, desplazando los pies en pasos cortos con las piernas inclinadas. Los movimientos de la cabeza también juegan un papel importante, dado que transmiten la energía y la expresión del espíritu japonés. A ojos del espectador, los movimientos resultan muy lentos, pero requieren una disciplina ejemplar para conseguir unas posturas especiales y únicas. Dependiendo del tipo de movimientos que lleven a cabo los bailarines, se pueden encontrar 3 estilos de baile oriental: Mai, que son movimientos lentos y solemnes; Odori, una danza rápida y muy alegre; y Shosa, donde se expresan sentimientos y emociones.
El kimono es el traje japonés por excelencia y por supuesto, se utiliza en todas estas danzas. El kimono siempre va acorde con la edad del bailarín, el lugar donde se actúa y la época del año en que se encuentra, vistiendo por ejemplo de rosa en primavera o con colores ocre en otoño. El lugar donde se representa la danza también influye en el vestuario. Si la escena es en exteriores, los bailarines llevan sandalias de madera, pero para bailes interiores, visten medias tabi. En cuanto al maquillaje y al pelo de las bailarinas, l@s japones@s son muy tradicionales: la cara se pinta de blanco y se resaltan cejas, ojos y labios para dar una apariencia de piel de porcelana. Además, se utilizan pelucas de la Edad Media japonesa llamadas katsura que suelen ser cortas y de color negro. (Extractado del Blog de Asia Gardens Hotel)
Samuel Barber (1910- 1981) fue un compositor estadounidense de música de cámara y orquestal. Considerado un niño prodigio, comenzó a tocar el piano a los seis años y a componer a los siete. En 1958 representó su primera ópera y su éxito le supuso el encargo de una segunda obra lírica, Anthony and Cleopatra, estrenada en la inauguración de la nueva Metropolitan Opera en el Lincoln Center. La música de Barber es elegíaca, lírica y refinada; sin abandonar nunca el ámbito de la tonalidad, utiliza un lenguaje disonante, politonal a veces; su orquestación se caracteriza por hacer cantar a los instrumentos. La mayor parte de su obra es exuberantemente melódica y ha sido descrita como neorromántica. Falleció de cáncer en Nueva York en 1981.
Leopold Stokowski (1882- 1977) fue un director de orquesta británico, de ascendencia polaca e irlandesa. Se le conocía especialmente por dirigir con un estilo particular a manos libres, eliminando la batuta tradicional y obteniendo exquisitos sonidos de las orquestas que dirigía. Stokowski dominaba todos los aspectos del complejo rol de director de orquesta que abordó siempre a través del trabajo detallista, de una programación inteligente adaptada a las posibilidades de la orquesta de que se tratara y a los gustos del auditorio, convenientemente educados por él si era posible, con gran atención a las últimas tendencias de composición de su tiempo. También era un maestro de las transcripciones orquestales.
Hoy podemos asistir a uno de sus ensayos, concretamente al ensayo del Adagio de Barber
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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