Sugerencias de iniciación a la música clásica
Benedetto Marcello (1686 - 1739) fue un compositor, escritor, abogado, magistrado y maestro italiano, miembro de una familia noble. Su hermano Alessandro Marcello (1669-1747) fue también un compositor de cierto reconocimiento. A pesar de estudiar música con Antonio Lotti y Francesco Gasparini, fue influido fuertemente por su padre para seguir la carrera de leyes. En consecuencia, combinó su actividad en el campo del derecho y la magistratura con la música. Compuso un considerable volumen de música sacra, oratorios, cientos de cantatas, duetos, sonatas, conciertos y sinfonías. Fue muy conocido en vida, y «su música de se caracteriza por la imaginación y una técnica sutil que incluye al mismo tiempo contrapunto y características desarrolladas galantes»
La Sonata en un principio era una composición de varias secciones (generalmente tres o cuatro) escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser “cantada” por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) su definición se ajusta a una obra estructurada generalmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido) y a veces cuatro, con una pequeña introducción o sin ella. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo.
Clavecín clave, clavicémbalo o Harpsichord es un instrumento musical de teclado de cuerdas pulsadas (a diferencia del piano que son de cuerdas percutidas o “martilleadas”). Su uso fue generalizado en el Período Barroco hasta que apareció el Fortepiano antecesor del Piano actual, instrumentos que permiten distintas intensidades de sonido.
Hoy, de la mano de Roberto Loreggian ofrecemos este álbum de sonatas para clave de Benedetto Marcello
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
La Flauta mágica es una ópera que fue estrenada en Viena dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. El libreto fue escrito por un compañero de su logia masónica, Emanuel Schikaneder, con un argumento que apunta a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una narración repleta de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales.
El aria Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (“La venganza del infierno hierve en mi corazón”), hoy ofrecida por la soprano de coloratura francesa Patricia Petibon, pertenece al segundo acto de la ópera La Flauta mágica en el que la Reina de la Noche expresa su ira y su afán de venganza
La Guitarra es un instrumento de cuerda pulsada al contrario que el piano que es de cuerda percutida o del violín que es de cuerda frotada. Tras siglos de evolución la actual guitarra esta formada por la caja de resonancia que en su parte superior tiene un amplio orificio o boca, el mástil que está recorrido por las seis cuerdas que van desde el puente hasta el clavijero cuyas clavijas sirven para afinar las cuerdas según la tensión que se emplea; por otro lado, el mástil está recubierto por un trozo de madera que es el diapasón dividido en trastes que dividen las cuerdas en medios tonos.
El origen de la guitarra se remonta a 1000 años a.C. donde los asirios ya tenían instrumentos de cuerda pulsada con caja de resonancia; por otro lado, hay teorías que afirman que la guitarra llegó a la península procedente del Imperio Romano, mientras otras teorías aseguran que su llegada vino de mano de los árabes. En el siglo XIV ya coexistían la vihuela con seis dobles cuerdas y la guitarra con cuatro; en el siglo XVII la guitarra ya cuenta con cinco cuerdas y es conocida como guitarra española; en el XVIII, Jacob Otto implanta la guitarra de seis cuerdas y se establece la afinación actual; en el siglo XIX, la figura de Francisco Tárrega (1852-1909) es primordial para el impulso definitivo de la guitarra y la técnica a utilizar. El lutier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes le agregaron cuatro cuerdas más en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de sonidos de la mano izquierda.
El famoso Romance Anónimo, también conocido como Juegos Prohibidos o Romance Español, es una de las piezas más arraigadas en el repertorio de la guitarra. Pocas composiciones habrá que puedan ser dominadas por un principiante, y que a la vez se mantengan en el repertorio y la discografía de los grandes virtuosos. Es una composición simple y fácil de ejecutar. Sin embargo su melodía ha cautivado y sigue cautivando al público de todo el Mundo. Con el tiempo, se han ido difundiendo noticias y rumores,... el Romance Anónimo no es ya sólo un producto del genio folclórico español, sino también del folclore ucraniano, y además parece no ser anónimo, pues hay una lista considerable de autores que se atribuyen, o a los que se atribuye su autoría. (Extractado del artículo de Santiago Porras Álvarez publicado en guitarra.artepulsad.com)
Hoy nos lo ofrece la guitarrista polaca Ilona Skowrońska.
Henry Mancini (1924-1994) fue un célebre compositor, director de orquesta, arreglista, pianista y flautista estadounidense de música de cine, de jazz y de influencias latinas. Destaca, sobre todo, por sus trabajos para el cine y la televisión. Es frecuentemente mencionado como uno de los más grandes compositores en la historia del cine, ganador de cuatro premios de la Academia (Óscar), un Globo de Oro y veinte Grammys, así como un Grammy póstumo a su carrera en 1995. Entre sus trabajos más reconocidos están el tema y banda sonora para las series de televisión Peter Gunn, la banda sonora de La pantera rosa (por la que ganó un Grammy) y su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción Moon River (de Desayuno con diamantes, 1961).
Hoy presentamos la versión que nos ofrecen The Blues Brothers sobre el tema principal de Peter Gunn.
Sugerencias de música clásica
Christoph Graupner (1683 - 1760) fue un prolífico compositor alemán, célebre por la excelente caligrafía de sus autógrafos y copias. Graupner concluye sus estudios en Leipzig con Johann Kuhnau (1660-1722), predecesor de Bach en la iglesia de Santo Tomás. En 1705 ocupó el puesto de clavecinista en la orquesta de la Ópera de Hamburgo, en la que Händel era violinista. En 1709 aceptó un puesto en la corte de Hesse-Darmstadt, llegando a ser en 1711 director de orquesta y compositor de la misma. Graupner fue uno de los más estimados compositores de su tiempo, al igual que sus contemporáneos Händel, Telemann y Bach. Era un hombre vivaz, apasionado, culto y de gran experiencia profesional, lo que dotaba a sus composiciones de un nivel destacado de invención y originalidad.
Sus obras vienen catalogadas con las iniciales GWV (Graupner Werke-Verzeichnis); Werke en alemán significa "obra" y Verzeichnis, "catálogo".
La viola es un instrumento musical de cuerda frotada, similar en cuanto a materiales y construcción al violín, pero de mayor tamaño y sonido más grave. Su tesitura se sitúa entre los agudos del violonchelo y los graves y medios del violín. La viola es considerada como el contralto o el tenor dramático de la familia de las cuerdas. Sus cuerdas están afinadas en intervalos de quintas: do, sol, re, la (siendo el do la cuerda más grave).
La viola d´amore consta de siete cuerdas, que antiguamente se afinaban de las maneras más diversas, parece ser que dependiendo la obra, no poniéndose ni los compositores ni los músicos de acuerdo. Hasta que un famoso ejecutante francés de este instrumento, Chrétien Urban (1790-1845), en el siglo XIX, fijó la afinación la2, re3, la3, re4, fa#4, la4, re5. Debajo de la tastiera o diapasón se encuentran tensas otras siete cuerdas de metal afinadas al unísono con aquellas que están en posición normal, lo que produce las condiciones para vibrar por simpatía con efectos de suave resonancia.
Hoy ofrecemos el Concerto for viola d'amore in D major GWV 314 de Christoph Graupner (0´15´´ VIVACE .-. 3´23´´ADAGIO .-. 6´38´´ VIVACE ) en interpretación del violista Donald Maurice acompañado por la Orkiestra Ars Longa of Poznan conducida por el maestro Eugeniusz Dąbrowski.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, Alemania, su padre de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso; a pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El catálogo de la obras de Beethoven. Existen 138 obras musicales compuestas por Beethoven, ordenadas por números conocidos como opus (“obra” en latín) o su abreviatura op., asignados por los editores del compositor mientras él vivía. Al margen, existen otras 205 obras que no tienen número de opus y que se publicaron después de la muerte del compositor. A estas obras se les asignaron números WoO (Werke ohne Opuszahl, "obras sin número de opus"). Este catálogo fue realizado por primera vez por Georg Kinsky y Hans Halm (Das Werk Beethovens) en 1955.
La Fantasía coral la estrenó Beethoven en un macro-concierto en el que incluyó, además, el estreno de la 5ª Sinfonía, de la 6ª Sinfonía, del Concierto para piano nº 4, del aria Ah, pérfido! y de tres movimientos de la Misa en Do. Este acontecimiento fue el último concierto en el que Beethoven apareció como solista; pero al estar la parte de piano introductoria de la Fantasía aún sin acabarla, el estreno se realizó con una improvisación al piano del propio Beethoven. La Fantasía coral tiene ciertas semejanzas con el cuarto movimiento de la Sinfonía n.º 9 de Beethoven. Evidentemente, ambas emplean un coro; ambas contienen también un conjunto de variaciones instrumentales sobre el tema cantado por el coro; además, el texto de ambas es jubiloso y reconfortante.
Hoy nos la ofrece la laureada pianista alemana Alice Sara Ott acompañada por el Coro y Orquesta de la Filarmonía de París conducidos por la ilustre maestra francesa Laurence Equilbey.
Gioachino Rossini (1792-1868) fue un compositor italiano de 39 óperas, distintas canciones, algunas obras de piano y algo de música sacra. Empezó a componer a los 12 años. En 1812 fue contratado por la Scala de Milán donde obtuvo un memorable éxito con “La piedra de toque”; al año siguiente estrena en Venecia su primera ópera seria, Tancredi y al poco estrena otro gran éxito, La italiana en Argel. En 1815 se establece en Nápoles donde escribe con regularidad y sin agobios con ensayos y fechas regulados. En 1822 se traslada a Viena donde llega a conocer al admirado Beethoven. De Viena a Londres, vuelta a París y tras el estreno de su última ópera, Guillermo Tell, abandona la ópera en pleno auge económico y de popularidad a los 37 años de edad. Falleció a los 77 años.
La Petite Messe Solennelle (La Pequeña Misa Solemne) es una composición sacra de Gioachino Rossini, escrita en el año 1863 y descrita por el compositor como "el último de mis péchés de vieillesse" ("pecados de vejez"). El ingenioso compositor, quien produjo poco para el público durante su largo retiro en Passy (Departamento de la Alta Saboya, Francia), estrenó su misa - caracterizada, apócrifamente por Napoleón III, como ni pequeña ni solemne, ni particularmente litúrgica - en la dedicación de la capilla privada de la Condesa de Pillet-Will, a quien Rossini dedicó esta pieza refinada y elegante, que evita la opulencia sentimental de la mayor parte de las obras litúrgicas contemporáneas.
Hoy nos la ofrece el siguiente elenco de artistas: María José Moreno soprano, Veronica Simeoni mezzosoprano, Yijie Shi tenor, Mirco Palazzi bajo, Coro y Orquesta Sinfónica de Galicia, conducid@s tod@s ell@s por el maestro italiano Alberto Zedda.
Samuel Barber (1910- 1981) fue un compositor estadounidense de música de cámara y orquestal. Considerado un niño prodigio, comenzó a tocar el piano a los seis años y a componer a los siete. En 1958 representó su primera ópera y su éxito le supuso el encargo de una segunda obra lírica, Anthony and Cleopatra, estrenada en la inauguración de la nueva Metropolitan Opera en el Lincoln Center. La música de Barber es elegíaca, lírica y refinada; sin abandonar nunca el ámbito de la tonalidad, utiliza un lenguaje disonante, politonal a veces; su orquestación se caracteriza por hacer cantar a los instrumentos. La mayor parte de su obra es exuberantemente melódica y ha sido descrita como neorromántica. Falleció de cáncer en Nueva York en 1981.
Catálogo de las obras de Barber. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
The School for Scandal, op. 5 (La escuela del escándalo) es una Obertura de concierto de Samuel Barber. Es la primera obra de Barber para orquesta completa, compuesta en 1931 mientras completaba sus estudios en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. El título hace referencia a la comedia The School for Scandal escrita por Richard Brinsley Sheridan; la Obertura de Barber pretende reflejar el espíritu de la obra homónima y se caracteriza por la brillantez orquestal y por una serie de cambios de tempo y dinámica. La obertura ayudó a establecer la reputación nacional de Barber y en la década de 1950 se convirtió en una parte habitual del repertorio de las orquestas estadounidenses.
En la presente ocasión ofrecemos la Obertura The School for Scandal de Samuel Barber en interpretación de la McLean Orchestra conducida por la maestra estadounidense Miriam Burns.
Sugerencias de música para todos los gustos
Amy Winehouse (1983- 2011) fue una cantante y compositora británica, conocida por interpretar diversos géneros musicales, entre los que destacan el jazz, el rhythm and blues, el soul, el ska. En 2003 lanzó su álbum debut Frank, que fue un éxito comercial y llegó a ser nominada a los Premios Mercury. Su segundo álbum, Back to Black, fue publicado en 2006 consiguiendo seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco. En febrero de 2007 ganó el Brit Award a Mejor Artista Británica, un World Music Award y tres Premios Ivor Novello. Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011, a los 27 años de edad, tras sufrir una intoxicación etílica. En 2012, Winehouse entró en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» (puesto 26) de la cadena VH1.
Jorge Negrete (1911-1953) fue un cantante y uno de los actores más emblemáticos de la época de oro del cine mexicano. Ingresó en el Heróico Colegio Militar, graduándose como teniente de Caballería y Administración del Ejército Mexicano con altas calificaciones. Allí aprendió a montar a caballo, habilidad de la cual haría gala interpretando al “charro mexicano” en el cine. Estudió canto con José Pierson, director de la Compañía Impulsora de Opera de México, quien fue profesor de cantantes de ópera notables en la época. Tras estudiar canto solicitó licencia del ejército mexicano para iniciar su carrera de cantante y de actor. Su carrera exitosa le llevó a frecuentes giras por distintos países donde era aclamado con fervor, mientras en su tierra era querido y admirado como un héroe.
Serge Gainsbourg (1928-1991) fue un cantante, compositor, pianista, poeta, pintor, guionista, escritor, actor y director de cine francés, considerado como la figura más importante del pop francés mientras vivía. Gainsbourg escribió más de 550 canciones, que han sido interpretadas por más de 1.000 artistas. Desde su muerte, la música de Gainsbourg ha alcanzado un estatus legendario en Francia, y es considerado como el mejor músico francés y una de las figuras públicas más populares y queridas del país. Serge Gainsbourg ha recibido más de diez discos de oro en Francia, así como tres discos de oro dobles, nueve discos de platino y un disco de doble platino. Como cantante, ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.
Cesária Évora (1941–2011) fue una cantante caboverdiana conocida con el sobrenombre de «la Reina de la Morna» o como «la diva de los pies descalzos», debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios, en solidaridad con los sin techo y las mujeres y niños pobres de su país. El blues caboverdiano de Cesária Évora en general habla de la larga y amarga historia de aislamiento del país y del comercio de esclavos, así como de la emigración, ya que se dice que el número de caboverdianos que viven en el exterior es mayor que la población total del país. En 2004 ganó el premio Grammy al Mejor álbum contemporáneo de World Music por Voz d'amor. En 2007 el presidente de Francia Jacques Chirac le otorgó la medalla de la Legión de Honor.
Sugerencias de videos peculiares
Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos. En la actualidad, está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX.
Sylvia, originalmente Sylvia ou La Nymphe de Diane (“Sylvia o la ninfa de Diana”) es un ballet en tres actos, con coreografía de Louis Mérante y música de Léo Delibes, estrenado el 14 de junio de 1876 en París. Sylvia es un notable ballet clásico, con unas peculiaridades que lo hacen único por el escenario mitológico de la Arcadia, sus creativas coreografías, su amplia escenografía, su gran influencia en las artes y, sobre todo, su notable partitura. Cuando Sylvia fue estrenada el 14 de junio de 1876 en el Palais Garnier, fue ignorada ampliamente; fue con su recuperación en 1952, con una coreografía nueva de Sir Frederick Ashton, cuando se popularizó.
Hoy ofrecemos el ballet entero con Marie-Agnès Gillot, José Martínez y el Ballet de la Ópera Nacional de París.
Carl Maria Von Weber (1786-1826) fue un compositor alemán. Desde muy niño aprendió a cantar y a tocar el piano y a los 12 años recibió en Salzburgo clases gratuitas de Michael Haydn, hermano de Joseph Haydn. En 1812 murió su padre y al año siguiente fue nombrado director de la orquesta de Praga y posteriormente de la de Dresde, mientras trabajaba en su ópera más famosa Der Freischütz (El cazador furtivo); compuso, también, otras dos óperas Euryanthe y Oberon; las tres óperas son consideradas por much@s crític@s como obras maestras del género escénico. Compuso además de otras óperas, numerosas canciones, obras para piano, obras de cámara, dos sinfonías, varias oberturas, conciertos y obras concertantes para distintos instrumentos, tres misas y ocho cantatas.
Michel Fokine (1880-1942) fue un bailarín, coreógrafo, maestro de ballet y director de compañía ruso, nacionalizado estadounidense. Estudió danza en la Escuela Imperial y fue bailarín del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo. Su concepto total de la danza y sus innovaciones en el terreno de la coreografía, que revolucionaron el ballet clásico ruso, tuvieron repercusión internacional.
El espectro de la rosa, que hoy sugerimos, es una obra de ballet creada por Michel Fokine para una pareja mixta de bailarines sobre una música escrita por Carl Maria von Weber para piano. Invitación a la danza es el título de la obra para piano que escribió Weber y que posteriormente sería orquestada por Hector Berlioz. Hoy nos la ofrecen Los Ballets Rusos.
Las danzas vascas, en euskera Euskal Dantzak, son una parte muy importante de la cultura vasca y la fundamental de su folclore. Cada territorio histórico, o provincia, tiene las suyas propias y cada pueblo, también, tiene su danza propia que se acostumbra a bailar en sus fiestas mayores. Algunas de ellas son muy antiguas perdiéndose su origen en los tiempos; otras, son recreaciones más o menos modernas de viejas danzas y algunas son nuevas coreografías con base popular.
Elai Alai Dantza Taldea es un grupo de danzas vascas nacido en Portugalete, Bizkaia, en1962; desde entonces la personalidad y prestigio del grupo se han consolidado dentro y fuera de las fronteras del País Vasco, gracias a un callado pero constante trabajo de recuperación, conservación y expansión del rico folklore vasco.
Hoy el grupo portugalujo Elai Alai Dantza Taldea nos ofrece un potpurri de danzas vascas.
Las danzas chilenas folclóricas se remontan a los pueblos originarios y, en general, tuvieron una connotación religiosa. Con el paso del tiempo, adquirieron una connotación recreativa, ampliándose así la variedad de bailes que hoy forman parte del crisol cultural chileno. En Chile, las primeras manifestaciones relacionadas al baile se remontan a las practicadas por los pueblos originarios, entre los cuales la danza mapuche ocupa un lugar preponderante. La conquista y distintas colonizaciones generaron un mestizaje cuyos efectos culturales terminaron dejando aquellos bailes en un lugar marginal, privilegiando las manifestaciones eclécticas, entre las cuales el mayor paradigma lo constituye nuestro baile nacional, la cueca.
Fue así como las distintas zonas del país fueron identificándose con distintos bailes folclóricos en vista de sus propias historias y características. El norte, de notoria influencia altiplánica, caracterizado por sus fiestas religiosas entre las que La Tirana y sus correspondientes bailes chinos, diabladas y huaynos son emblemáticos, se distingue paulatinamente de la zona centro, y ésta a su vez del área sur. Así por ejemplo, cuando en la zona central, junto a la cueca, se manifestaban bailes como la refalosa y la sajuriana, hacia el sur se masificaban danzas como el pequén, el cielito, la seguidilla o el costillar. En esta última región, Chiloé se constituyó como la unidad cultural más definida. En ella bailes como la pericona, el pavo, el rin y otras de presencia en la zona centro-sur de Chile, definían un folclor nacional en constante dinámica y recreación. (Extractado de Memoria Chilena: Biblioteca Nacional de Chile)
Sugerencias de música para niñ@s
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